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Destiné aux étudiants du monde entier, l’appel à projets du Global Grad Show, pour aider à résoudre les problèmes collatéraux liés au Covid-19, est désormais terminé. Zoom sur quelques-uns des projets soumis à l’incubateur émirati.
Le Global Grad Show lançait, début avril, un appel à candidatures à la communauté internationale afin de résoudre les problèmes collatéraux liés à la pandémie de coronavirus qui sévit actuellement (quarantaine à domicile, décontamination des zones publiques ou question des dépistages des patients etc.). Quelques 400 projets provenant de 125 universités réparties dans 40 pays, et relevant de la conception, des sciences, des technologies et de l’ingénierie ont été retenus. Les propositions ont été sélectionnées par une équipe de professionnels de la santé et de spécialistes de l’innovation, qui soutiendra ensuite leur développement.
Organisé en partenariat avec l’Investment Corporation of Dubaï (ICD), et financé par A.R.M Holding et Dubaï Culture, le Global Grad Show commanditera chaque projet retenu par le biais de prototypes et d’essais. Les étudiants séléctionnés verront leurs frais de scolarité pris en charge par l’initiative à but non-lucratif, et les départements ou professeurs concernés se verront remettre une bourse équivalente.
Être protégé dans toutes les situations
Le personnel soignant, qui se trouve en première ligne dans le combat contre le coronavirus Covid-19, fait face à une pénurie de matériel de protection. Afin d’y remédier, l’étudiante de la Rhode Island School of Design (États-Unis) Elena Huang propose “Personal Protection Equipment”. Ce réseau intégré de production et de consommation de fournitures de qualité médicale permettrait de lier scientifiques, ingénieurs et designers afin de coordonner la demande et la distribution d’équipements de protection individuelle essentiels en cas d’urgence.
Le Covid-19 en France a fait près de 20 000 morts. Au pic de l’épidémie, les hôpitaux et EPHAD du onde entier ont dû interdire aux familles des malades une ultime visite. Une situation à laquelle Maria José Alvarez Estrada et Héctor Mendoza Alvizo du Tecnológico de Monterrey (Mexique) ont réfléchi. Les deux étudiants en design imaginent “The Farewell Suit”, une combinaison de protection conforme aux normes sanitaires des hôpitaux, pour permettre aux membres de la famille des patients mourants de leur dire au revoir, de la manière la plus humaine possible.
Lauren Mioyko envisage le pire. L’étudiante de la Rochester Institute of Technology (États-Unis) imagine une combinaison d’un seul tenant, pour permettre d’aller et venir “normalement” en cas de pandémie prolongée. “Earth Suit” est une véritable armure : composée d’un casque intégré, elle couvre la totalité du corps. Cela évite que des gouttelettes de matière infectée soient projetées sur les cheveux ou les vêtements, et qu’elle soient ensuite transportées jusqu’au domicile.
Désinfecter les zones publiques
Les gestes barrières sont des recommandations mises en place afin de se protéger et de protéger les autres contre le Covid-19. Parmi elles, se laver les mains régulièrement. Ce geste paraît anodin pour la majorité de la population, mais il se révèle compliqué voire impossible pour certains. Avec “SOAP”, les deux étudiants de l’Universidad Nacional del Litoral (Argentine) Milagros Trucco et Jorge Giovino offrent une solution aux sans-abris qui n’ont pas accès aux articles d’hygiène de base : ce simple récipient à savon se connecte à toute source d’eau disponible dans l’espace public. Sa conception open source permet même à toute personne disposant d’une imprimante 3D de le fabriquer et de l’installer.
Lorsque viendra le déconfinement, la vie professionnelle redémarrera progressivement. Les salariés retrouveront le chemin des bureaux et avec ça, des ascenceurs. Cet espace restreint est un vrai nid à germe, notamment le panneau de boutons. Une équipe d’étudiants en tech et en design de la Singapore University of Technology and Design (Singapour) créent un robot de nettoyage aseptiseur, baptisé “Clean it Clean”. Dès qu’un utilisateur aura choisi son étage à l’aide d’un bouton, le robot s’activera automatiquement sur son cadre coulissant, grâce à des capteurs de mouvement.
Aider les personnes isolées et démunies
Il est difficile de gérer la pandémie surtout dans les régions reculées et pauvres du globe, comme le désert péruvien. Le collectif local Social Chain entend combattre ce fléau avec “Qenqo”. Cette borne mobile leur permet d’éduquer ces populations sur les geste d’hygiène de base, et leur donne accès à de l’eau potable et propre à la consommation.
Les personnages âgées atteintes de démence sont plus susceptibles d’être touchées par la solitude, l’isolement et la dépression. Une situation qui est exacerbée par le confinement actuel, qui les coupe de tout contact avec l’extérieur. Taylor Greenberg Goldy, diplômé d’Harvard Design Engineering, développe “Gem” afin de lutter contre ce phénomène. Cet outil permet aux soignants, mais aussi aux familles, d’apprendre des thérapies cognitives en rapport avec les personnes âgées atteintes de démence – via la téléthérapie. Les activités sont conçues pour utiliser des méthodes scientifiquement prouvées pour réduire le déclin de la démence tout en favorisant une interaction optimale.
Rendre le confinement amusant
Le confinement est une période difficile pour tous, y compris les enfants. Isolés de leurs camarades de classe, ils sont obligés d’évoluer dans des espaces restreints, sans possibilité de dépenser leur énergie. Afin de divertir les plus jeunes, tout en les éduquant, Marie Cadoret propose “Early Learning”. L’étudiante de l’École Boulle (France) a imaginé quatre outils pédagogiques leur permettant d’explorer l’espace, les couleurs et les textures.
Pour les adultes, le confinement implique l’arrêt temporaire des sorties en restaurants ou en bar. L’industrie de la restauration et du divertissement est l’une des plus durement touchées. Un quatuor d’ingénieurs italiens propose un soutien en réalité virtuelle avec “Virtual Bar”. Les visiteurs virtuels peuvent entrer, rencontrer des amis et interagir avec de nouvelles personnes dans les bars partenaires. Ces derniers peuvent générer des revenus pour leur présence virtuelle, en livrant des plats commandés en ligne ou en vendant des billets d’entrée.
Ligne Roset collabore pour la première fois avec les designers Pieter Maes, Ramy Fischler et Sebastian Herkner dans le cadre de sa nouvelle collection 2020.
Pieter Maes signe le tabouret Monolog. Le designer hollandais, qui a installé son studio à Paris en 2017, est un fervent défenseur de l’intemporalité et des formes pures. Ses créations puisent dans l’art primitif et les formes d’arts inconnus de notre histoire. Pour Monolog, il s’inspire des civilisations néolithiques et propose un tabouret en frêne massif teinté noir, à la forme brute et inédite.
Ligne Roset et le designer de l’année 2018 de Maison&Objet Ramy Fischler donnent naissance au Valmy. Ce fauteuil-bridge est l’incarnation même du travail du jeune belge : un produit qui met à distance entre l’histoire, l’espace et le mobilier puisqu’il associe l’élégance des formes du XXe siècle et la sobriété des couleurs du XXIe siècle. Sa structure en fils d’acier surmoulés de mousse injectée et les deux piètement en hêtre massif (teinté anthracite, vernis naturel) ou métal laqué noir permettent au Valmy de s’adapter à tout type de contextes, de couleurs et de matières.
Sebastian Herkner mélange l’artisanat traditionnel, presque oublié, et les nouvelles technologies afin de mettre en valeur les matières et attirer l’œil sur les détails subtils. Un style que le designer de l’année 2019 de Maison&Objet applique sur Lewa. Cette table basse, en frêne et céramique, est inspirée des orgues basaltiques. Chaque composante possède une forme unique et leur assemblage rappelle ce superpositionnement de prismes régulier et asymétriques, fruit de la solidification et de la contraction thermique des coulées de magma.
Le designer allemand imagine aussi Taru, un canapé qui met en avant le savoir-faire artisanal de Ligne Roset et fait appel aux sens. Les matériaux et les couleurs sont mélangées : la pièce est entièrement en mousse, équipée d’un empiètement entièrement tapissé et d’une assise au dossier bi-matières. Le coussin et le pouf, identique à l’empiètement, viennent accentuer le confort du modèle.
Dimensions :
Table basse : L. 107, 6 x L. 72 x H. 34 cm
Table d’appoint : L. 51,3 x L. 38,5 x H. 46,7 cm
Grand canapé : H. 73 x P. 92 x L. 222 x H. assise 43 cm
Méridienne : H. 73 x P. 92 x L. 172 x H. assise 43 cm
Pouf : H. 41 x P. 56 x L. 68 x H. assise 41 cm
Chanel Kapitanj fonde son studio éponyme de design et de ferronnerie en 2017, avec pour mot d’ordre le minimalisme. Une approche de travail qu’elle se réjouissait de présenter au SaloneSatellite – Salone del Mobile Milano 2020, finalement annulé en raison de la crise sanitaire du Covid-19.
Chanel Kapitanj est aujourd’hui métallier soudeur, un métier dont elle est “tombée amoureuse”. Après un master en design industriel, la jeune Belge se lance dans une formation à l’IEPSCF Blegny-Visé de Liège. Elle touche à tous les procédés de la soudure, dont le TIG qui permet “un résultat fin et esthétique”.
La designeuse fonde son studio en 2017 avec la volonté de travailler les matériaux froids et le métal uniquement, car “il permet des combinaisons de possibilités infinies”. Elle concède aussi être attirée par cette matière depuis son enfance. Fille d’un ouvrier fraiseur, elle passait son temps dans l’atelier de celui qui est aujourd’hui son conseiller technique.
La résistance du métal plaît à la jeune femme : “cela me permet d’imaginer des projets fins et moins massifs qu’avec un autre matériau.” Comme en témoigne son étagère Moon qui associe des plateaux de 2 mm d’épaisseur et des montants en tubes de 20 mm de diamètre, “ce qui reste très fin pour une étagère avec une finition zingué bichromaté.”
Les projets de la jeune femme ont un point commun : le minimalisme. Partisane du “less is more”, Chanel Kapitanj s’attache à mettre en évidence les matières métalliques sans surcharger les structures de ses projets. C’est cette vision de l’économie de matière qu’elle souhaitait montrer au SaloneSatellite – Salone del Mobile Milano 2020. Malheureusement elle n’en aura pas l’opportunité. La 11e édition de cet évènement consacré aux designers de moins de 35 ans a dû être annulée à cause de la crise sanitaire qui touche en ce moment l’Europe.
La designer belge comptait présenter trois projets lors du salon milanais. L’étagère Blow joue sur le contraste des matières : la structure est en acier inoxydable soufflé et réfléchissant tandis que les étagères sont en acier inoxydable brut. L’étagère Doll est constituée de deux formes simple en laiton, un cercle et un cône, qui donnent l’illusion de flottement une fois accrochée au mur. Le dernier projet est la Coiffeuse. Définition même du minimalisme elle associe un plateau et un cylindre percé pour y ranger ses accessoires beauté.
Cette opportunité manquée n’arrête pas Chanel Kapitanj, qui travaille actuellement sur son mobilier Pierre d’acier. La gravure confèrera à l’acier de la structure un rendu proche de celui de la pierre.
Face à la pénurie de matériels pour les soignants, les designers et communautés de makers se mobilisent pour partager leurs fichiers, organiser des productions locales d’appoint, voire déclencher des reconversions de production. Et de jour en jour, l’organisation s’améliore, et les initiatives pour centraliser ces données, faire le lien entre l’offre et la demande se multiplient.
Parmi les pénuries auxquelles font face les hôpitaux et dans son ensemble le secteur de la santé, les besoins recensés portent notamment sur les gants jetables, masques, combinaisons jetables, sur-chaussures jetables, visières de protection. Que ce soit par des proches, des connaissances ou des besoins locaux, les designers et makers ont tout de suite été sollicités par les soignants pour des productions locales.
Partage de fichiers impression 3D
Dès le 2e jour du confinement, le Tchèque Joseph Prusa publiait tout de suite sur les réseaux sociaux un fichier pour une impression de visière en 3D : améliorée au fil des reprises, aujourd’hui circule la version 17 de ce modèle. Très vite les communautés de design s’impliquent de tous côtés pour que, partout en France, ceux qui possèdent des imprimantes 3D, produisent et livrent des lots aux établissements de santé, et aux personnels soignants en libéral, aux Ephad. Et les réseaux sociaux accélèrent le mouvement : les makers 3D s’organisent au sein des groupes Facebook Visières Solidaires.
4000 makers 3D ont aussi rejoint le site de mise en relation de la YouTubeuse Heliox . Des plateformes sont créées pour mettre en contact les appels à matériels et les concepteurs. Le site www.covid3d.fr met ainsi en relation des professionnels au contact du public et des bénévoles ( “j’ai besoin de matériel de protection”/ “je veux fabriquer du matériel de protection”/ “je veux offrir des matières premières”).
De son côté, une plateforme de l’Assistance publique des hôpitaux de Paris (APHP) transmet aux professionnels via la plateforme Covid3D.org les besoins urgents , informe sur les groupes de travail, les études pour les solutions standards, les validations… Ainsi, la salle capitulaire de l’Abbaye de Port-Royal vient d’accueillir 60 imprimantes Stratasys, installée avec Bone3D, CADVision et les équipes de l’hôpital Cochin. Ce parc de machines 3D professionnelles va pouvoir répondre à une production gros volume à la demande.
L’objectif est de mettre en place des chaînes de production organisées grâce aux moyens recensés, tout en procédant éventuellement à des adaptations pointées par un “bureau d’études d’urgence” mis en place. Comme ils le précisent, “nous avons à disposition des installations de 3500m² en Île-de-France et nous avons également la chance d’avoir des bénévoles sur place pouvant assurer la réception des pièces, l’assemblage et la distribution des produits. »
On notera aussi l’initiative d’étudiants ingénieurs et jeunes diplômés de dernières promotions de Supméca qui ont monté la plateforme Iniative 3D. Ils se présentent comme “un réseau inédit de moyens de fabrication additive mobilisant des particuliers, des fablabs, des universités, des professionnels, des grands groupes industriels.”
Production industrielle
Parallèlement à ces productions de matériels, des recherches aussi sont en cours pour la fabrication de dispositif de respiration artificielle. Antoine Berr a ainsi travaillé avec des ingénieurs et des médecins pour concevoir le MUR ( Minimal Universal Respirator), et partage le fruit de ce travail sur un site régulièrement mis à jour. Autre exemple, Makers for life (un collectif nantais) travaille actuellement à la conception d’un appareil respiratoire open source industrialisable.
De toute part, les initiatives fleurissent, en appui à ces réseaux, il faut tenir compte des usines, des entreprises, qui reconvertissent leur activité : ici, ce sont des ouvrières du textile qui viennent en appui à la production de masques ou des groupes de cosmétiques qui produisent du gel hydroalcoolique ; là, c’est une entreprise qui va suivre les initiatives d’un designer de son équipe, et reconvertir sa production pour fabriquer des visières de protection pour les soignants en impression 3D, en injection ou par découpe laser sur la base de fichiers partagés. Ainsi, le vivier de créateurs, de fabricants est là, pour le passage en production, les demandes de matériaux sont importantes, par exemple pour des visières depuis les feuilles plastiques d’intercalaires aux feuilles de PVC pour les productions industrielles.
Centraliser les informations pour mieux les partager
Pionnière parmi les makers, Mathilde Berchon a récemment créé son agence FuturFab, autour de l’exploration de la fabrication numérique, de l’économie circulaire et du mouvement maker. Sur les réseaux sociaux, elle constate très rapidement le foisonnement d’initiatives, mais aussi le manque de centralisation de l’information pour faire le lien entre des entreprises d’impression 3D, les acteurs de la santé, les designers et les makers. Elle met ainsi en place une liste ouverte, qui recense les entreprises, les initiatives en cours, les particuliers. Ouverte à tous, cette liste , complétée en permanence, est un outil précieux pour le partage d’informations, d’expériences (voir la liste ici). Elle vient habilement compléter toutes les démarches d’entraide actuelles.
Des exemples de fichiers mis en partage
L’agence de design Millimètres met à disposition une monture de visière particulièrement économe en plastique : cela réduit fortement le temps d’impression. Par ailleurs, ce modèle s’imprime par empilement, cela veut dire que sur la surface du plateau d’impression il est possible d’imprimer plusieurs dizaine d’exemplaire en une seule fois et de ce fait de lancer des impression en petites séries (retrouvez les éléments et une vidéo ici).
Le 3 avril dernier, l’Alliance France Design (AFD) présentait la première analyse de son sondage “L’impact du Covid-19 sur l’activité des designers” au Ministère de la Culture. Un questionnaire qui met en lumière les difficultés rencontrées par la profession depuis l’apparition de l’épidémie en France, et son incompréhension des mesures annoncées par le gouvernement.
Tout est allé très vite. En quelques jours à peine, les entreprises françaises de tous secteurs ont dû stopper partiellement leur activité, pour les plus chanceuses, et jusqu’à nouvel ordre. Cette situation met en exergue le manque de préparation face à cette crise sanitaire. La conjoncture est particulièrement difficile pour les designers, notamment fragilisés par les annulations ou les reports de projets et les impayés de leurs clients.
Le gouvernement, dans un communiqué en date du 27 mars 2020, a mis en place un certain nombre de mesures d’urgence pour venir en aide à ce secteur d’activité paupérisé : les designers ayant répondu au sondage se préparent à perdre entre 10 et 60% de leur chiffre d’affaires (CA). Des mesures intéressantes, bien qu’elles ne soient pas forcément adaptées à la réalité, comme le montre le décryptage de François Caspar, président de l’AFD.
Cinq mesures présentées par le ministère de la Culture
Les mesures sont bel et bien des mesures d’urgence pour répondre à une situation critique. La rue de Valois a donc annoncé le report des loyers et des frais d’énergie (eau, électricité et gaz) à ceux qui en font la demande. Pour les plus précaires, qui ne peuvent les payer, le ministère assure qu’aucune pénalité, suspension ou interruption de ces fournitures ne sera effectuée. Les dépenses contraintes, comme les factures de télévision, de téléphone et d’internet pourront aussi être reportées.
Le cabinet de Frank Riester annonce que les designers pourront bénéficier d’une aide de 1500 euros, versée par la Direction générale des Finances publiques (DGFIP), issue du fonds de solidarité d’un milliard d’euros mis en place par le gouvernement. Du moins les professionnels qui ont le statut d’artistes-auteurs. Et c’est bien là que le bât blesse pour François Caspar, designer et président de l’AFD : “le ministère comprend bien que ça peut être l’hécatombe, mais les mesures sont très mal adaptées aux indépendants.” Le sondage réalisé par le syndicat révèle une réalité tout autre. Les designers sont majoritairement des professionnels qui possèdent le statut d’indépendants (70% des répondants au 30 mars 2020) “qui leur assure une multidisciplinarité, qui est l’essence même du design”. Les professionnels risquent tout simplement de ne pas y être éligibles. Si par chance, ils le sont, le calcul même du montant n’est pas adapté à la réalité. Basée sur le CA du mois de mars 2019, elle ne prend pas en compte les onze autres mois de l’année. “On demande à ce qu’elle soit basée sur un douzième des revenus globaux de l’année. Parce qu’aujourd’hui, elle ne prend pas en compte les bénéfices or, certains vont faire 70% de bénéfices, d’autres 40%. Ça peut marcher pour de très grandes entreprises, mais pas pour les indépendants” déplore le président de l’AFD.
Voilà deux semaines que les mesures du gouvernement français ont été mises en place. À mesure que la situation évolue, François Caspar observe minutieusement comment s’organise les pays voisins. En plus d’être président, il s’occupe des relations internationales de l’AFD: “les indépendants allemands en difficulté touchent une aide de 5 000 euros, entre trois et cinq jours après en avoir fait la demande !” Outre-Rhin, l’aide d’urgence est une subvention unique à destination des travailleurs indépendants. Elle sert à garantir l’existence économique des entreprises. D’un montant allant de 9 000 à 15 000 euros, elle est versée par les différents Länder (états fédérés d’Allemagne). Ces aides sont intéressantes, “car elles vont immédiatement repasser dans l’économie réelle, pour acheter à manger tout simplement.”
Des mesures au long terme
François Caspar pense qu’il faut en profiter pour envisager le long terme et à “préparer les prochaines pandémies.” Certaines directives émises par le gouvernement suivent ce chemin. L’échelonnement de la TVA, des charges sociales et fiscales par exemple. Les prêts de trésorerie, avec la garantie de l’État aussi. Ce sont des pistes qui sont intéressantes, mais encore une fois un peu loin de la réalité. Les sommes avancées devraient être colossales. Le prêt, à taux 0, devrait couvrir les charges de l’année précédente et éponger l’année quasi blanche que sera 2020 selon le président de l’AFD : “aujourd’hui, les revenus médians de la profession sont de 20 400 euros, ce qui représente un CA d’environ 32 000 euros. Ce sont des revenus qui ont une grande difficulté à épargner dans notre profession. Ce qui fait qu’en 2020, un designer devra payer 8 000 à 10 000 euros de charges sociales et fixes. Il faudrait donc que le prêt accordé soit d’un montant de 40 000 à 50 000 euros pour que le bénéficiaire puisse vivre décemment.” Même remboursable en cinq ans, cela semble peu viable. C’est pour cela que l’AFD prône le système de don : “ça permet de réinjecter l’argent tout de suite, ça permet au bénéficiaire de ne pas trop s’endetter et de survivre et d’éponger trois quarts d’une année avec une absence de revenus.”
Les mesures mises en place par le ministère de la Culture sont donc intéressantes, mais doivent être plus adaptées à la réalité française du design. François Caspar attend un retour des équipes de Frank Riester afin de pouvoir travailler de concert et proposer “un plan opérationnel, qui aide réellement.” La première analyse du sondage avait pour but d’interpeller rapidement le ministère sur les réponses et inquiétudes des 220 designers. Une deuxième analyse, plus détaillée et plus aboutie, est prévue “prévue pour la mi-avril normalement” annonce le président de l’AFD. Ce qui est déjà sûr, “c’est que les conclusions seront plus alarmistes”, car d’autres difficultés émergent dans le quotidien comme le télétravail et la gestion du foyer dans le même temps.
La Maison Duvivier Canapé diversifie son activité depuis le début du mois d’avril, afin de répondre aux besoins des hôpitaux de la Vienne. Les équipes s’attellent à la fabrication de de matériel de protection pour le personnel soignant.
Réputée depuis 1840 pour ses canapés, fauteuils et son mobilier, la maison française prolonge la chaîne de solidarité qui se met en place afin d’épauler les services hospitaliers de l’Hexagone.
À l’instar des Ateliers Vanderschooten, qui concentrent leur activité sur la fabrication de masques, la Maison Duvivier Canapés met son savoir-faire de couture au service de ces femmes et de ces hommes qui luttent en première ligne contre le Covid-19, en produisant des sur-blouses de protection.
Les équipes de la maison parisienne, sous les directives des fournisseurs et des services sanitaires, s’adonnent à obtenir les matières nécessaires, réaliser les traçages et les tests afin d’automatiser la production le plus rapidement possible.
Lafuma Mobilier s’insère à la chaîne de solidarité envers le personnel hospitalier lyonnais qui lutte face au Covid-19. Le fabricant français de mobilier a fait don de centaines de fauteuils Relax, une assise iconique de la marque.
Relax est l’un des fauteuils de Lafuma Mobilier les plus iconiques : ce transat dédié à la relaxation sert aussi bien de chaises longues à l’extérieur que de fauteuil de détente à l’intérieur. Compte tenu de son ergonomie, il est depuis plusieurs années utilisées dans des unités de soins, notamment pour la détente complète obtenue avec la position zéro gravité. En cette période de crise sanitaire, Lafuma Mobilier a décidé de soutenir à sa façon le personnel soignant.
La première action s’est tenue le 23 mars dernier. En lien avec la Fondation des Hôpitaux de France, Lafuma Mobilier a fait don de 125 fauteuils Relax à quatre hôpitaux de la région lyonnaise. Une action réitérée la semaine suivante pour les hôpitaux de Montélimar et de Grenoble.
“Il nous a semblé naturel de participer et que cela avait du sens pour l’entreprise et l’ensemble de ses salariés puisque nous produisons chaque jour des fauteuils pour des usages professionnels comme la santé ” assure le directeur général de Lafuma Mobilier Arnaud Du Mesnil. Le fauteuil Relax est conçu pour le repos en milieu hospitalier : le matelas est imperméable pour lutter contre les bactéries et classé non-feu.
Le fabricant français a aussi livré des fauteuils Relax Vital. Équipé de la position Zéro Gravité, il permettra au personnel soignant du CHU Saint-Pierre de Bruxelles (Belgique) et de l’hôpital de Lucerne (Suisse) de bénéficier d’une récupération optimale.
Compte tenu de la crise sanitaire actuelle, l’organisation du concours Le Groupe de Gainerie 91 a reconsidéré le rétroplanning de cette 7e édition de son Concours Design. Les candidats ont jusqu’au 30 avril 2020 pour soumettre leur dossier aux professionnels du luxe, et tenter de remporter l’un des trois prix mis à disposition.
Depuis 1967, le Groupe Gainerie 91 fabrique écrins et présentoirs pour les plus grands noms des vins et spiritueux, de la parfumerie, de l’horlogerie et de la joaillerie français et internationaux (Chaumet, Chanel, Harry Winston, Louis Vuitton ou encore Van Cleef & Arpels).
Cette année, les candidats, encore étudiants, sont amenés à créer un packaging qui respectent les codes du luxe. Leurs projets mélangeront donc authenticité, savoir-faire, personnalisation et éco-responsabilité afin d’imaginer le prochain écrin de l’une des catégories du concours : horlogerie & joaillerie, parfums & cosmétiques et vins & spiritueux. Des productions qui devront être accessibles et reproductibles grâce aux choix des bons matériaux et des techniques de fabrication adéquates.
Afin de booster la créativité, le Groupe Gainerie 91 remettra trois prix,
– Premier prix : 2000 euros ou un MacBook Pro
– Second prix : 800 euros ou une imprimante 3D FlashForge PRO
– Troisième prix : 400 euros ou une tablette graphique Wacom
Un “Prix du Public” sera remis cette année aussi, doté de 300 euros ou d’un Smart Writing set Moleskine.
Un planning remis à jour
- Date de clôture de dépôt des dossiers: 30 avril
- Date de lancement prix du public: 25 mai
- Date de sélection des gagnants: 18 juin
- Date de clôture du prix du public: 31 août
- Date de la remise de prix: 10 septembre
En 2019, c’est Meana Oval qui a été couronné. Afin de répondre à la thématique “Quand le luxe se prend au jeu”, l’étudiante de l’ENSA Limoges a proposé Jacob, une palette de maquillage à double ouverture, lui conférant un aspect ludique. Le jeu s’installe dans la manipulation de l’écrin : en l’ouvrant du côté droit, on accède à deux couleurs de fards ainsi qu’à deux petits pinceaux. Du côté gauche se trouvent deux autres couleurs ainsi qu’un miroir.
Les dossiers d’inscription au concours sont à envoyer par Wetransfer à :
concours@gainerie91.com
Pour toute question, merci de contacter Clara Alvarez :
concours@gainerie91.com / 01 78 75 20 83
Durant dix jours, Christie’s présente dans ses salons parisiens les Expérimentations de François Azambourg, en partenariat avec le Centre international d’art verrier (CIAV) de Meisenthal. Une association qui se perpétue depuis treize ans, donnant naissance au vase Douglas, et aujourd’hui au Brindilles et à l’Intouchable.
Tout a commencé en 2006, lorsque Jean-Pierre Blanc, alors directeur de la Villa Noailles à Hyères, fait appel à François Azambourg. Ce dernier a pour mission de penser le réaménagent d’une pièce de la maison, qui doit inclure un objet en particulier : un vase en verre. Pourtant peu attiré par ce matériau, le designer conçoit que « sa transparence est intéressante. » La machine est lancée. Une semaine durant, il travaille étroitement avec les artisans du CIAV sur le décor du verre, plutôt que la texture même du matériau. Très vite, ils se rendent compte que la clé se trouve dans le soufflage. Il en existe trois formes. Le soufflé libre, le fixe avec un moule en métal et le tourné. François Azambourg en propose alors une quatrième : le soufflé fixe dans une matrice en bois. « Le verre est soufflé pendant une minute, à 800°C », explique-t-il, et ressort imprimé des nervures, des nœuds et des crevasses du pin Douglas. Ainsi est né le vase éponyme, première création de François Azambourg et du CIAV.
« Prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. »
Aujourd’hui cette collaboration ne se résume pas qu’au Douglas. Sur une des tables de bois de la maison Christie’s, plusieurs dizaines de vases cohabitent. Car dix ans durant, le designer et les artisans verriers lorrains ont pensé à de nouvelles créations, des variations du vase originel. La réflexion s’est d’abord orientée sur le mouvement du verre, et sur la façon de « prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. » Chaud, il a été sorti prématurément de son moule : pas trop tôt pour que l’essence du bois s’imprime sur les parois du vase, mais assez tôt pour que le verrier puisse étirer et le manipuler à sa guise, lui conférant cette sensation de mouvement.
Dans la salle attenante, les murs sont parés de tableaux représentant des fleurs ou des plantes. Des dessins qui sont croquis, réalisés par François Azambourg lui-même, et qui font écho aux créations posées au centre de la pièce.
Avec Brindilles, le designer replace la nature et la notion de territoire au cœur de la réflexion : chaque vase varie en fonction de la saison et du lieu de cueillette. « Habituellement, le décor des vases se fait à froid, mais le verre est plus fragile. C’est plus intéressant de travailler le matériau lorsqu’il est chaud », considère le créateur français. Les plantes et branchages sont plaqués contre les parois du moule, dans lequel est soufflé le verre. L’absence d’air permet à la plante de ne pas brûler et de laisser sa marque le long du vase. Quelques fois, le processus de création a été altéré par des soucis de calandrage. « La plante est imprimée en partie sur le rebord du vase, ce qui le déforme, explique François Azambourg, c’est un accident qui ouvre la question de ce qui peut être fait ou non en matière de création, un nouveau territoire de jeu. »
Puis vient Intouchables.
Cette création qui clôt l’exposition illustre le fait «qu’il n’existe pas d’échec dans la création » pour le designer. « Il y a une partie d’aléatoire avec le verre, si ça n’est pas bon on le casse. » Le verre est soufflé, puis il est laissé à refroidir. Dans un deuxième temps, il est réchauffé dans un four avant d’être roulé sur une tôle ajourée sur laquelle sont placés les éclats des précédentes expérimentations.
Au total, ce sont trois salles de l’immeuble du 9 avenue Montaigne qui sont consacrées au travail de François Azambourg et du CIAV. Loin de la scénographie, le designer français préfère parler de « filiation ». « Chacune des pièces présentées apporte quelque chose à celle qui est autour. Aux murs, les dessins préparatoires affichent la recherche de motifs. »
Au-delà de la créativité artistique, il y a une démarche scientifique dans le travail du designer. Les croquis font office de protocoles pour reproduire les vases sans fin. Il est conscient de la dualité qui existe entre la composition artistique et la rentabilité : « il faut aujourd’hui des objets qui soient faciles à reproduire ».
L’expérimentation demeure cependant la caractéristique principale dans la réflexion de François Azambourg. Selon lui, « la production est comme un instantané d’un objet à la croisée des chemins entre le moment où on la pense et le moment où on la réalise ». Un résultat final qui, dans le cas du verre, surprend souvent l’artisan et le designer.
“Exprimentations” – François Azambourg x CIAV/Meisenthal
Christie’s à Paris – du 24 février au 4 mars 2020
La Ville de Paris remettait, vendredi 29 novembre, les Grands Prix de la Création 2019, qui récompensent un talent émergent et un professionnel confirmé dans chacune des catégories design, métiers d’art et mode. Les jurys de l’édition 2019, constitués pour la 1ère fois de personnalités reconnues et d’experts des métiers de la création, distinguent 6 projets tous développés autour de l’upcycling.
Inédit cette année, Frédéric Hocquard, adjoint à la Maire de Paris, chargé de la vie nocturne et de la diversité de l’économie culturelle a demandé à 3 personnalités reconnues des métiers de la création d’endosser la robe de présidents du jury : India Mahdavi pour le design, Hugo Barrière pour les métiers d’art et Julien Fournié pour la mode.
Parmi les 200 candidats, les jurys ont sélectionné 10 projets dans chaque catégorie. À l’issue de leur délibération, ils ont remis 5 prix du « Talent émergent » à un professionnel dont le projet est particulièrement prometteur et 5 « Grands Prix » à un professionnel confirmé pour la qualité de son projet, sa stratégie de développement, et son engagement dans la transmission des savoir-faire ou l’innovation. En plus de la reconnaissance de leurs pairs, les lauréats des Grands Prix de la Création se voient doter de 15 000 €, dont 8 000 € proviennent de la ville de Paris. Une dotation enrichie par le Fonds de dotation des Ateliers de Paris par des partenaires privés : le Groupe Galeries Lafayette, la Fédération Française du Prêt à Porter Féminin, ESMOD, Roger Pradier, la Fondation Rémy Cointreau et Victoire.
Catégorie Design
Natacha&Sacha désigné « Talent Émergent 2019 »
Le studio de design natacha&sacha repense l’usage de certains objets afin de répondre aux besoins sociaux et environnementaux. Le duo souhaite changer la façon dont on conçoit, produit et perçoit les objets technologiques et électroniques afin de les rendre plus désirables et donc durables.
www.natachasacha.fr / @natachaetsacha
Jean-Baptiste Fastrez lauréat du « Grand Prix »
Basé à Paris, le designer diplômé de l’ENSCI – Les Ateliers repense aussi les usages des objets en transférant les savoir-faire. Il travaille sur différents projets de produit et d’espaces, de la série limitée à l’édition industrielle pour des maisons telles que Kvadrat, Sèvres / Cité de la céramique ou Moustache. En 2019, il signe sa première exposition personnelle avec la Galerie kreo et présente une rétrospective de ses dix premières années de travail à Mayenne.
www.jeanbaptistefastrez.com / @jeanbaptistefastrez
Catégorie Métiers d’art
Le « Talent émergeant » William Amor
À travers ses compositions florales, William Amor se mue en conteur d’histoires. L’artiste réinvente le métier de parurier floral. Il spécialisé dans la valorisation des matières délaissées : ses ornements floraux nés de la pollution plastique visent à faire des déchets une matière noble du luxe. À sa démarche artistique, s’ajoute une dimension sociale, l’artiste s’entoure pour ses productions de personnes handicapées les petites mains d’or à qui il transmet son savoir-faire.
www.creationsmessageres.com / @william.amor
Le « Grand Prix 2019 » pour Cécile Feilchenfeldt
Cécile Feilchenfeldt est Suisse, a grandi à Munich, a fait ses études en design textile à Zürich et s’est installée à Paris en 2007. L’artiste utilise les techniques traditionnelles de tricot et de tissage pour expérimenter la matière. Des créations en nylon, rafia, lycra, coton ou cashemere qui racontent une histoire en 3D.
www.cecilefeilchenfeldt.com / @cecilefeilchenfeldt
Catégorie Mode
« Talent émergeant 2019 », Marianna Ladreyt
Fascinée par la toge grecque et la mythologie, l’artiste française joue avec les drapés pour les adapter à la modernité. Finaliste du Festival International de la Mode à Hyères en 2017, elle lance en 2018 une collection de sacs, aventure qui la conduit à lancer sa marque éponyme de prêt-à-porter et accessoires en février 2019. Ses deux premières collections sont présentées durant la Fashion Week de Paris dans le showroom Designers Apartment au Palais de Tokyo.
www.mariannaladreyt.fr / @mariannaladreyt
« Grand Prix 2019 », Valentine Gauthier
Directrice artistique d’un concept store de lifestyle puis grande gagnante du Festival International des Jeunes Créateurs de Mode de Dinard juste avant le lancement de sa marque éponyme en 2007 et l’ouverture de sa première boutique en 2009, le parcours de Valentine reflète son état d’esprit : créatif, volontaire et passionné. En 2018, elle ouvre un flagship dans le Haut Marais à Paris, composé de deux boutiques et d’un appartement.
www.valentinegauthier.com / @valentinegauthierofficiel
Les Grands Prix de la Ville de Paris récompensent les professionnels et jeunes créateurs depuis 1993. À partir de 2003, le palmarès est scindé en 3 catégories distinctes : design, métiers d’art et mode. Chaque année à la rentrée, de nombreuses candidatures sont examinées par des personnalités qualifiées qui sélectionnent une dizaine de candidats dans chaque catégorie. Les finalistes sont invités à venir présenter leur parcours et leurs oeuvres lors d’une audition devant un jury d’experts (acheteurs, éditeurs, galeries, organisateurs de salons, architectes d’intérieur…) qui débattent et choisissent le lauréat. Outre la dotation, les lauréats bénéficient d’une visibilité offerte par les partenaires médias et associés, certains ayant fait partie du jury d’experts comme Intramuros.
Les 6 lauréats seront exposés à la Joyce Gallery du 4 au 19 février 2020 – 168 Galerie de Valois (75001).
Vibia dévoile, au cœur de son nouveau showroom, une palette de 23 couleurs aux tons clairs, foncés, neutres, vibrants et feutrés. Réalisée en collaboration avec le studio de design suédois Note Design Studio, « Chromatica » est pensée comme un outil d’inspiration pour les architectes et designer d’intérieurs.
Créer une lumière poétique
C’est dans son nouveau quartier général de la banlieue de Barcelone que Vibia dévoilait sa nouvelle collaboration avec le studio de design suédois Note Design Studio. Comme un clin d’œil, « Chromatica » était appliquée à la 1re collaboration entre Vibia et Note, la lampe « Musa ». Au cœur du showroom, accrochés sur un mur, se dressent 23 exemplaires de cette lampe, déclinée en 23 coloris qui composent la nouvelle palette.
« Chromatica » est inspirée de la nature et des matériaux utilisés par les professionnels de l’architecture et de la décoration d’intérieur : pierre, ciment, métal ou brique. Autant de surfaces qui leur offrent la possibilité de traduire leurs idées en sensations en associant tons clairs et lumineux, couleurs neutres et mates, ou en produisant des conceptions monochromatiques. Car « Chromatica » rayonne au-delà de ses 23 coloris : « c’est une plateforme qui offre une créativité sans fin », c’est une « boîte à outils à utiliser pour créer un espace » explique Cristiano Pigazzini, directeur de Note Design Studio.
Inspirer les professionnels
Afin de s’approprier les nuances de « Chromatica », Vibia et Note Design Studio proposent « Zoom In Zoom Out ». Une ressource visuelle qui présente concrètement l’utilisation qui peut être faite des 23 nouveaux coloris. Comme l’explique Sanna Wålhin, décoratrice du studio suédois, « les 23 couleurs de Chromatica ont été sélectionnées en vue d’être compatibles avec les matériaux d’architecture actuels, il fait donc sens de présenter ces associations dans un paysage construit ». Car chacune des 24 compositions présentées fusionne 3 nuances de la gamme « Chromatica » et un luminaire Vibia pour former un paysage à la fois réel et artificiel.
Un siège qui rassemble
Depuis décembre 2018, Vibia a pris ses quartiers à 20 minutes du centre-ville de Barcelone. Son tout nouveau siège de 16 000 m² réunit les bureaux, le showroom et l’usine d’assemblage de la marque. Un espace qui prône la collaboration entre Vibia et les professionnels de l’architecture et de la décoration d’intérieur.
Ce bâtiment est à l’image de l’enseigne espagnole puisque la lumière y est omniprésente. Dans l’entrée, le studio de design Fransesc Rifé joue avec la lumière naturelle. Le claustra en bois rosé, balayé par la lumière du soleil catalan enveloppe l’espace d’accueil et guide à l’étage supérieur. Le showroom, d’une superficie de 2 000 m² met en scène la le rôle architectural et décoratif de la lumière artificielle.
Ce nouveau siège catalan prône aussi la collaboration entre les départements. En effet, le cabinet d’architecture Saus Riba Llonch et l’architecte d’intérieur Carlota Portavela rassemblent les bureaux de la marque et son usine d’assemblage. Une proximité chère au directeur général Pere Llonch.
Jusqu’au 12 janvier 2020, le Pavillon de l’Arsenal présente l’exposition « Hôtel Métropole – Depuis 1818 ».
À travers cette exposition, les deux commissaires invités Catherine Sabbah et Olivier Namias interrogent sur le devenir des hôtels au regard des nouveaux enjeux environnementaux. Un travail tout d’abord historique qui dévoile le lien intrinsèque qu’il existe entre l’hôtel, les modes de vies et les époques dans lesquels il évolue. Une réflexion ensuite appuyée par 4 projets qui placent les enjeux environnementaux en leur cœur.
À ce jour, l’Ile-de-France compte 2 450 hôtels et 15 000 chambres. Chacun est le reflet des besoins et attentes de l’époque dans laquelle il a évolué. Le Meurice, à son ouverture en 1818, accueillait simplement les voyageurs venant de Calais. Puis des hôtels aux ambitions plus mondaines ont vu le jour, comme le Ritz en 1898. Plus tard, les Trente Glorieuses marquent le début du tourisme de masse. C’est à la même époque que fleurissent les premiers hôtels standardisés à l’image du Hilton Suffren en 1966. Enfin, l’hôtellerie s’est vue dans l’obligation de répondre aux besoins du tourisme d’affaires. Ainsi, de nombreux hôtels ont été construits à proximité de pôles de connexions tels que l’aéroport Roissy-Charles de Gaulle.
L’hôtel se devait de proposer un confort climatique (chauffage, climatisation et eau chaude) à ses clients, sans pour autant prendre en compte l’environnement. Aujourd’hui, l’exposition interroge sur le changement de mentalité de la clientèle, notamment en matière environnementale. Et si le respect de l’environnement devenait un critère dans le choix d’un hôtel ?
L’environnement au cœur de la réflexion
En lien avec l’exposition, 4 projets intègrent les enjeux environnementaux à leur réflexion : le lobby, le corridor et la chambre sont repensés pour être plus responsables.
La marquise – Jean-Benoît Vétillard, architecte
La marquise est un lieu de transition entre l’extérieur, la ville, et l’intérieur, le lobby. Elle marque donc le passage d’un monde à un autre. Ici, elle est en fibres de lin et de résine naturelle, et éclairée par des LED qui sont activées par les visiteurs lorsqu’ils passent la porte-tambour de l’entrée.
Une pièce capable – Lina Ghotmeh, architecte
La chambre s’adapte aux flux qui s’intensifient et répond à la pluralité des besoins. Ainsi, elle devient une pièce de vie, de travail, d’accueil et de sommeil, et répond aux enjeux environnementaux : les murs sont en bois et fibres naturelles, les carreaux de douches sont issus de la transformation du sable et le revêtement du lit est en linge recyclé.
Un voyage, pas une destination – Nicolas Dorval-Bory, architecte
Le couloir d’hôtel est pensé comme un vecteur d’usage : il irrigue les chambres de réseaux et guide le client vers celles-ci. Afin d’être éco-friendly, il répond aux enjeux de durabilité et de salubrité. Les matériaux utilisés, comme le bois, ont une empreinte carbone faible et le confort lumineux est au rendez-vous : l’intensité lumineuse est variée ce qui la rend plus agréable que l’uniformisée que l’ont roule actuellement.
La chambre de demain – Ciguë architectes
Cette chambre questionne l’usage qui est fait de l’eau. Alors qu’une chambre consomme en moyenne 150 litres par jour (pour un hôtel 4 étoiles), ce projet propose d’économiser 70% de l’eau utilisée grâce à un système de bouclage. Sur le toit, des réservoirs permettent de collecter l’eau de pluie et de stocker l’eau filtrée par phytoépuration et charbons actifs.
Une semaine après la démission de Rémy Fenzy, les élèves de l’ENSCI – Les Ateliers continuent à se mobiliser.
Après avoir obtenu la démission du directeur de l’ENSCI – Les Ateliers Rémy Fenzy le 20 novembre dernier, c’est l’occasion pour les élèves de faire un premier bilan de leur mobilisation. Une démarche nécessaire notamment en prévision d’une première échéance importante : le 9 décembre prochain, les élèves-élus rencontrent le conseil d’administration de l’école pour discuter de leur future gouvernance.
Pour rappel, Rémy Fenzy est nommé au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers le 13 novembre dernier par le ministre de l’Économie Bruno Le Maire et le ministre de la Culture Frank Riester. À l’encontre des inquiétudes prononcées par le conseil d’administration de l’école parisienne quelques mois auparavant, cette nomination n’est pas concevable pour les élèves et les membres du personnel. Ils votent un blocage de l’école de design dans la foulée. La contestation massive qui s’en suit aura raison du nouveau directeur puisque Rémy Fenzy présente sa démission la semaine suivante, le 20 novembre.
Un premier rendez-vous crucial
Le 25 novembre dernier, les élèves-élus rencontraient la direction générale de la création artistique (DGCA) et décidaient de faire tomber le mur qui bloquait l’accès à la cour de l’école. Exit le blocage, les élèves entraient dans une phase de mobilisation. Bien que les cours soient toujours annulés, le travail sur les projets partenaires a repris.
Depuis, entre deux projets, les élèves se retrouvent autour d’ateliers de discussion. En effet, le 9 décembre prochain marque le premier rendez-vous à ne pas manquer pour les futurs designers. Les élèves-élus s’entretiendront avec le conseil d’administration de l’ENSCI – Les Ateliers au sujet, notamment, de la gouvernance de l’école et ce au regard des derniers mois de contestation. Cette réunion vise à proposer un nouvel organigramme en accord avec l’identité de l’école parisienne : une école de design et non une école d’art.
Le lissage des spécificités inquiète
Les élèves de l’ENSCI – Les Ateliers, ainsi que les membres du personnel, sont inquiets de la tendance de l’administration publique à formater les écoles nationales de création. Par le lissage de leurs spécificités, ces écoles proposeront, à terme, les mêmes programmes que les écoles traditionnelles d’art.Parmi ces outils de lissage se trouve Parcoursup, la plateforme web qui recueille et gère les vœux d’affectation des futurs étudiants de l’enseignement supérieur public français.Certains étudiants lui reprochent d’interférer dans le processus de recrutement des promotions futures, puisqu’une inscription sur la plateforme amputerait une partie du concours d’entrée à l’ENSCI – Les Ateliers. Étant donnée que l’école de design est sous tutelle des ministères de l’Industrie et de la Culture, son inscription sur les tablettes de Parcoursup lui a été imposée. « Le débat a été éliminé » concède Erik Anspach, directeur des études des Ateliers, qui souhaite toutefois tempérer les inquiétudes de ses élèves : « cela n’est pas complètement mauvais puisque ça procure de la visibilité pour l’école » avoue-t-il. Même s’il déplore l’idée « d’aplanir les concours » et de voir toutes les écoles d’art et de design convoquer les candidats aux mêmes dates, il souhaite rassurer les élèves. En effet, Erik Anspach confesse que l’école bénéficie « d’une dérogation de calendrier » : l’entrée sur concours sera maintenue entre mai et juin 2020 malgré la présence de l’ENSCI – Les Ateliers sur les listes de Parcoursup. En somme « rien n’est définitif » quant au lissage affirme le directeur des études.
Une réflexion sur l’identité de l’école
L’identité de l’ENSCI – Les Ateliers se dessine au-delà du concours d’entrée. C’est autant ses étudiants que ses membres du personnel ou ses diplômés. Dans le cadre de cette mobilisation, ou plus régulièrement dans l’année, tous se retrouvent afin de discuter de ce que sont Les Ateliers, ce qu’ils apportent et ce vers quoi ils amènent.
Au cours du mois de novembre, Aurélien Fouillet, qui enseigne la philosophie du design, animait une discussion autour du rôle du design dans la société. Hier, Antoine Camus, diplômé en 2019, invitait à la réflexion sur l’identité de l’ENSCI – Les Ateliers. De plus, fort de son expérience de militant au sein du mouvement social écologiste Extinction Rebellion, il présentait des points-clés de médiation afin de faciliter l’agora dans ce contexte de mobilisation. Fréquemment, d’anciens élèves de l’école sont conviés à faire part de leur « après-ENSCI », à l’image de Frédéric Lecourt, cofondateur du studio Sismo Design. Diplômé en 1997, il a récemment pris part aux « Petits-Déjeuners de Margot ». Cette initiative de Margot Casimir, coordinatrice « Atelier de projets » à l’ENSCI – Les Ateliers, invite les anciens élèves à faire part de leur parcours personnel et des bénéfices d’une formation rue de Saint-Sabin (75012).
Transilien SNCF fait appel à 5 studios de design pour repenser des pièces du « Petit Gris » et met aux enchères 90 pièces originales de ce train emblématique du paysage francilien, ainsi que 35 pièces repensées par 5 studios de design français : Formel, Studio BrichetZigler, Désormaux&Carette, Studio Monsieur et Rémi Perret, dans le cadre de l’exposition « Nouvelle Destination – Les Petits Gris se réinventent ».
La centaine de pièces tirées de ces caisses en inox qui ont sillonné l’Ile-de-France pendant 50 ans est réunie à Ground Control (75012) jusqu’au 1er décembre prochain. Le lendemain, elle sera mise aux enchères, au profit de l’association des Restos du cœur. Comme Airbus en avril dernier, Transilien SNCF mise sur l’upcycling pour donner une seconde vie à ces pièces de l’iconique train aux banquettes en skaï orange.
Lier vintage et design
Transilien SNCF et les studios partenaires ont une volonté commune de transformer certaines pièces des « Petits Gris » en objets du quotidien. Tandis que certains se sont concentrés sur les pièces iconiques, comme Rémi Perret qui repense l’utilisation des banquettes, d’autres, à l’image du Studio BrichetZiegler, ont souhaité révéler les pièces invisibles telles que les phares du train tôlé.
Le duo Formel effectue un travail historique autour de ces pièces et décortique les charnières des strapontins des « Petits Gris ». Les deux designers Timothée Concaret et Nicolas Mérigout adoptent une approche rationnelle quant à la création de leur objet et proposent ainsi des tablettes murales rabattables qui usent de ces charnières encore fonctionnelles.
Une 2e vente au profit des Restos du Cœur
Après 2012, Transilien SNCF organise sa 2e vente aux enchères solidaire, dont l’intégralité des profits sera reversée aux Restos du Cœur. Une démarche qui résonne chez les 5 studios partenaires puisqu’ils présentent des objets non seulement esthétiques, mais aussi utilisables.
Les 125 pièces des « Petits Gris » sont exposées jusqu’au 1er décembre 2019. La vente aux enchères se tiendra le 2 décembre prochain à 18h30 et simultanément à Ground Control (75012).
Rémy Fenzy, nommé le 13 novembre dernier par le ministre de l’Économie Bruno Le Maire et le ministre de la Culture Frank Riester, démissionne de son poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers. À l’issue d’une ultime rencontre, la troisième, avec les élèves de l’école parisienne de création industrielle, l’ancien directeur de l’ENSP d’Arles a fait part de sa renonciation au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers.
Un processus de nomination opaque
Le feuilleton prend racine au mois de février 2019. Yann Fabès, alors directeur de l’ENSCI – Les Ateliers, présente sa démission au motif d’un « désaccord avec le ministère de la culture sur [son] statut administratif ». En poste depuis 2016, il est temporairement remplacé par la secrétaire générale de l’école Anne Nouguier, le temps que la procédure de recrutement se concrétise.
Une décision qui ne manque pas de surprendre et qui fait naître des inquiétudes dans les rangs des élèves. Dans un communiqué du 19 février, ils pointent du doigt les raisons de cette démission qui marque « un dysfonctionnement dans le dialogue entre la direction de l’école et ses tutelles » et « un manque de volonté de la part [des] tutelles d’assurer la pérennité du projet pédagogique porté par l’école ».
Le processus de recrutement du nouveau directeur de l’ENSCI – Les Ateliers est lancé au cours du mois de mars. Trois profils sont alors retenus : Jeanne Gailhoustet, directrice de l’ENSA Limoges, Emmanuel Mahé, directeur de la Recherche à l’EnsAD et Rémy Fenzy, directeur de l’ENSP d’Arles.
À titre consultatif, le conseil d’administration de l’ENSCI-Les Ateliers, composée d’élèves et de membres du personnel, de représentants des ministères de tutelles et de professionnels du design, soutient les candidatures des 2 premiers et émet des réserves quant à celle de Rémy Fenzy. Au vote, il totalise 4 voix « pour » qui ne sont autres que celles des représentants des ministères et d’un professionnel.
Malgré ce résultat, les ministères de l’Industrie et de la Culture entérine sa nomination au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers le 13 novembre.
Bien que l’avis du CA de l’école de la rue Saint-Sabin (Paris 11e) ne soit que consultatif, la nomination de Rémy Fenzy démontre une « une certaine opacité dans le processus de consultation » estime Émile, élève de 3e année à l’ENSCI – Les Ateliers.
Un candidat au projet peu convaincant
Début juillet, les entretiens par visioconférence avec les 3 candidats aboutissent à la découverte du projet pédagogique de Rémy Fenzy. Une candidature pauvre qui reflète « une mauvaise connaissance de l’école » selon les élèves.
Dans la journée du 20 novembre, le désormais ex-directeur a de nouveau présenté son projet. Alors que les élèves et les membres du personnel présents s’attendent à un projet enrichi comparativement aux précédents, ils constatent que rien n’a changé. “La forme convient mais le fond ne présente rien de convaincant” résume Émile, membre du bureau des élèves-élus. Il est reproché à Rémy Fenzy de s’appuyer sur un projet universitaire miroir de celui qui existe aujourd’hui. En proposant par exemple une année de césure déjà existante, ou des doubles cursus actuellement offerts, l’ex-directeur marque son manque d’ambition pour amener l’école dans une autre dimension et surtout sa méconnaissance de l’entité ENSCI – Les Ateliers.
À cela s’ajoute les polémiques qui le suivent depuis sa nomination au poste de directeur de l’ENSP d’Arles. Il a été reconduit en 2016 contre l’avis d’une majorité du personnel et des étudiants. Il lui est notamment reproché son attitude autoritaire envers les membres du personnel, ainsi que son manque d’investissement pour le futur de l’école. En juillet dernier, il a organisé une fausse inauguration des nouveau locaux de l’ENSP comme en témoigne les élèves du l’école arlésienne dans un communiqué : « Nous sommes toujours dans notre ancienne école, le matériel emballé dans des cartons, privés des ateliers qui font notre dynamisme ».
Une crise qui dure
Face à l’inaction des ministères de tutelles, les élèves passent à la vitesse supérieure. Le 24 septembre, les étudiants de l’école parisienne manifestent devant le siège de direction générale de la création artistique (DGCA), qui soutient la nomination arbitraire de Rémy Fenzy au poste de directeur de l’ENSCI – Les Ateliers. À la fin du mois d’octobre, une assemblée générale étudiante décide la mobilisation pour le mois suivant. Cette mobilisation prend la forme d’actions symboliques. Le premier week-end du mois de novembre, un mur de parpaings est construit dans la cour de l’école parisienne et le bureau du futur directeur est condamné à l’aide de planches.
La semaine du 4 novembre est marquée par une succession d’agora, d’ateliers et de conférences qui ont pour but d’affirmer le positionnement collectif des acteurs de la mobilisation. Patrick Bouchain, co-fondateur de l’ENSCI – Les Ateliers, discute des fondements de son école. Aurélien Fouillet y évoque le design et la politique. La mobilisation prend une tout autre tournure lorsque, le 13 novembre, la nomination de Rémy Fenzy est entérinée. Le blocage de l’école est voté, à l’unanimité, par les élèves et les membres du personnel présents, pour la semaine suivante. Et ce, jusqu’à ce qu’une réelle alternative soit proposée par les ministères de Bercy et de la rue de Valois.
Le mouvement de contestation est caractérisé par une solidarité entre les élèves et les membres du personnel de l’ENSCI – Les Ateliers, qui s’opposent à l’unisson à la nomination de Rémy Fenzy. À l’’instar du designer français Stéphane Villard qui enseigne rue de Saint-Sabin et affirme sa « solidarité au mouvement étudiant car leurs revendications sont très légitimes, et qu’entre autres éléments, la nomination de Mr Fenzy s’est faite en opposition avec les recommandations du CA et des membres du personnel qui ont pourtant été consultés pour avis ».
Un soutien qui dépasse les murs de l’école parisienne, puisque les élèves et les membres du personnel de l’ENSP d’Arles expriment officiellement leur soutien à travers un communiqué, le 15 novembre. Tout comme l’Alliance France Design (AFD) qui déplore que « la voix des professionnels du design, des enseignants et des étudiants [n’ait] pas été entendue à sa juste valeur ».
Replacer l’école au coeur du projet
Ce cri d’inquiétude des élèves et du personnel de l’ENSCI – Les Ateliers traduit un mal plus profond, à savoir la tendance de l’administration publique à formater les écoles nationales de création. Le lissage des spécificités de chacune mène, à terme, à proposer les mêmes programmes que les écoles traditionnelles d’art. Ainsi, Émile déplore « l’entrée de l’ENSCI sur Parcoursup » et donc la disparition d’une partie de son concours d’entrée, qui fait l’identité et le rayonnement de son école.
L’école parisienne, qui a formé des designers de renom comme Matali Crasset, Constance Guisset ou Mathieu Lehanneur, est classée au second rang des écoles et universités d’Europe et d’Amérique dans le Red Dot Design Ranking 2016. Elle « est censée être le fleuron des écoles de design en France » avance Émile. À cette fin, élèves et personnel doivent construire un projet qui replace la création industrielle au premier plan. Un projet qui bénéficiera d’une qualité d’enseignement qui a fait la réputation de l’ENSCI – Les Ateliers, et que l’AFD explique « en partie [par] les rapports équilibrés et bienveillants construits entre la direction, les personnes enseignants et les étudiants ».
Pour le moment, le blocage est le mot d’ordre. Si bien que l’exposition « Terre et verre », qui devait débuter aujourd’hui, est reportée à une date ultérieure, encore inconnue. Issue de deux workshops encadrés, l’exposition sur les arts du feu et de la terre devait exprimer la rencontre entre de jeunes élèves designers de l’ENSCI – Les Ateliers et des artisans d’exception.
Anne Asensio est nommée au conseil d’administration de la World Design Organization (WDO). La designer française rejoint les 10 autres membres du bureau pour la période 2019-2021. La liste des membres du conseil d’administration a été dévoilé lors de la 31e édition de la World Design Assembly™ qui se tenait à Hyderabad, en Inde, les 11 et 12 octobre dernier.
Placer l’humain au coeur du processus de designnu
Depuis 1957, la WDO, anciennement International Council of Societies of Industrial Design (Icsid), promeut le design industriel comme vecteur de croissance économique, sociale, culturelle et environnementale. Composée à l’origine de 12 associations, la WDO, dont le siège se trouve à Montréal (Canada), regroupe aujourd’hui 140 organisations réparties dans 40 pays qui ont une vision commune : placer l’humain au centre du design.
Parmi les outils de promotion du design industriel, la WDO dispose du programme World Design Capital (WDC). Tous les 2 ans, l’organisation internationale récompense les villes pour leur utilisation du design dans une démarche de développement économique, social, culturel et environnemental. La ville française de Lille a été désignée capitale mondiale du design pour 2020. Pendant 1 an, la ville du Nord mettra en avant les politiques urbaines et les innovations durables qui améliorent la qualité de vie.
Intégrer le design dans les usages de demain
Toute sa carrière, Anne Asensio s’est ingéniée à aller là où on ne l’attendait pas, avec toujours un coup d’avance : chez Renault, elle participe à l’invention de la voiture à vivre ; recrutée par General Motors, elle crée un brand center et redonne du sens aux marques en travaillant les leviers émotionnels du rétro-design. Vice-présidente Design Experience de Dassault Systèmes, elle accompagne la transformation technologique et numérique des industriels en les plaçant au coeur des usages et des besoins de demain, dans une démarche de design thinking empathique et systémique. Aujourd’hui, avec la même énergie communicative, elle définit des expériences comme elle dessinait hier des objets. Son parcours fait partie de ceux que l’on cite volontiers en exemple, avec ce penchant bien français de souligner l’exception qui vient confirmer la règle : après les Beaux-Arts, puis l’Ensaama, elle intègre dans les années 1980 le groupe Renault et réussit, en 1997, à être nommée Femme de l’année de l’industrie automobile. En 2000, General Motors vient chercher l’experte pour prendre la tête du département design et redynamiser ses marques. Et c’est la visionnaire que Dassault Systèmes recrute en 2008 pour conforter le design au coeur d’enjeux stratégiques. Rencontre avec une femme d’expériences.
Qu’est-ce qui a motivé ce virage du design industriel au design d’expérience ?
A. A. : C’est un vrai choix, lié à une rencontre. J’étais designer automobile, j’ai dessiné des voitures pourdifférentes marques dans divers pays. Avec le recul, je trouve que c’était un travail fin, magnifique, focalisé sur la forme extérieure, l’expérience intérieure, les couleurs, les matières : l’objectif était d’offrir quelque chose de beau dans lequel on allait avoir du plaisir. Puis les années 2000 ont vu l’arrivée du numérique de manière exponentielle, il y a eu la bulle et, surtout, une accessibilité et une démultiplication qui ont, pour certains, transformé leur vision du monde, et j’en faisais partie…