Design
Tranquillement installé derrière son bureau à Stockholm, (dans sa Villa Rose), simplement vêtu d’un pull rouge et blanc, Luca Nichetto donne une impression de douceur, de chaleur et de tranquillité. Quand on le rencontre en personne, on est frappé par sa taille et son aisance à se mouvoir dans des univers qui ne sont pas forcément adaptés à son gabarit. C’est un géant du design, et le monde du design se l’arrache.
L’esprit Luca Nichetto est un savant mélange d’ingrédients de couleurs et de goûts, longtemps et savamment testés comme le sont les Spritz, ces apéritifs vénitiens qui s’adaptent très bien aux grands froids de la Suède. Le Nichetto Spritz a besoin dans sa version très spéciale de très bons ingrédients : une bouteille de Cava, un vin fou, une bouteille d’Aperol, de l’eau pétillante, des oranges et des glaçons. Pour les proportions, cela reste un peu flou. Mais les résultats sont pleins de conforts, de couleurs et de bon goût.
Un Vénitien de souche
On ne peut pas parler de Luca Nichetto sans évoquer sa famille. Né à Venise en 1976, il est toujours fier de faire visiter la pharmacie du Musée du verre de Murano et de pointer le blason accordé à sa famille par la Sérénissime pour leur travail du verre en tant que spécialiste. La fabrication du verre a longtemps été un secret, et la simple visite d’un atelier de soufflage permet de réaliser la grande qualité et coordination des ouvriers pour aboutir à des formes et des coloris indescriptibles qui nécessitent autant en puissance dans le souffle qu’une connaissance pointue des teintures et autres poudres de couleurs. Enfant, on aime l’imaginer courant partout, d’un point A à un point B de la ville, pour aider son père ou sa mère à la confection des verreries de Noël.
En 2017, sur le off du Salon du meuble de Milan, il avait apposé le blason sur une chaise-fauteuil Canal dessiné pour Moooi, le fabricant hollandais, avec différents types de tissus et sur différentes formes de pieds à la Eames. Via Savona, dans un espace régulièrement loué par la marque, il faisait face à la projection d’un bison à la marche forcée mais calme, allégorie à la disparition de certaines espèces rares.
Manier le froid et le chaud
Après des études d’Art et un diplôme de design industriel obtenu à l’Institut Universitaire d’Architecture de Venise, il dessine ses premières formes en verre de Murano en 1999 pour la Maison Salviati et une série de projets pour l’éditeur Foscarini. Mais l’île ne lui suffit pas, un appétit insatiable de découverte du monde l’entraîne au-delà des frontières et pour s’assurer la capacité de voyager, il fonde son agence en 2006 à Venise, puis cinq ans plus tard à Stockholm. Ces deux géolocalisations lui permettent aujourd’hui de jouer des effets de froid et de chaud et de tempérer sa culture latine. Il injecte du fun et du flamboyant dans un paysage d’objets produits pour une liste surprenantes de fabricants italiens et internationaux. Arflex, Cassina, De Padova, Ethimo, Established&Sons, Foscarini, Gandia Blasco, Ginori 1735, La Chance, Molteni&C, Offecct, Venini, &Tradition, Lodes, Rubelli, Hermès… ou l’éditeur chinois Zao Zuo.
Design et industrie
Sa définition du design reste liée à la production en série car le travail du designer est dédié à l’industrie. Comme le disait Vico Magistretti, l’entreprise est la mère, le designer est le père, et l’identité propre s’atteint par un nombre infini d’échanges entre les exigences de l’usine et la conception et la créativité du designer. Si l’art ne connait aucune limite, le design en connaît beaucoup. Plus les contraintes sont fortes, meilleure est la réponse. Directeur artistique de l’éditeur chinois Zao Zuo en 2015, il a signé les boutiques physiques du label qui en compte aujourd’hui quatre, à Pékin, Shanghai, et d’autres villes chinoises. Le succès du design en Chine est un succès de masse. Il touche ainsi le mainstream, des populations qui ne lui étaient pas accessibles via des marques plus haut de gamme comme Wittmann, Offecct ou Bernhardt Design. Il a attaqué l’Empire du Milieu avec la même énergie qu’un Pierre Paulin ou Achille Castiglioni en Europe en embarquant dans son aventure Constance Guisset, Noé Duchaufour-Lawrance, Richard Hutton ou Philippe Malouin.
L’option de La Manufacture
En France, avec La Manufacture, la maison d’édition de Robert Acouri, il a retrouvé cette possibilité de développer une large gamme de produits qui vont de l’objet au vêtement. Donner forme à des projets est ce qui compte le plus pour lui, du mobilier à l’architecture en passant par la scénographie d’expositions. Les prochains salons sur lesquels on risque de le revoir sont Milan, le plus grand salon en matière de créativité, ou les Biennales comme celle de Venise qui draine une population haut de gamme d’aficionados du design.
Difficile de trouver un territoire sur lequel il ne s’est pas exprimé. Toujours à surprendre, à l’image des formes originales de la collection Paradise Bird pour Wittman (retrouvez le bureau dans la sélection de la rédaction Les Intemporels 2021-2022). À venir en 2022, une cuisine-salle de bains pour Scavolini, des fauteuils pour Arflex, des chaises de conférence pour Bernhardt Design… Il boucle une proposition de coque de pianos Steinway&Sons en édition limitée, tout en respectant l’intérieur de la « boîte ». Pas de son révolutionnaire, on respecte le clavier et ses touches en feutre. Une nouvelle lampe doit sortir chez Barovier & Toso. Il signe une gamme de parfums d’intérieur pour Ginori 1735 et une extension de marque d’accessoires via la Home collection. Une table est en préparation pour Offecct, une chaise longue pour Swedese, une lampe pour &Tradition.
À la tête d’un studio de 8 personnes, il vient de gérer avec succès le déménagement de ses bureaux suédois passant de Hägersten à Stockholm à une jolie maison rose où les visiteurs pourront venir tester en vrai la qualité du confort de ses produits. L’hospitalité, est peut-être le mot qui lui vient le plus souvent à la bouche. Il ne voit pas ses ‘collègues’ comme des concurrents mais utilise le design comme un outil de rapprochement. Pour la Manufacture, il n’a pas hésité à convier certains à la construction de la collection dans les règles les plus strictes du développement durable et de la production locale. Il ne se prend pas pour un grand. Son honnêteté intellectuelle est à louer. Canapé, chaise, tabourets, luminaires, vases, textile… peu de typologies n’ont éprouvé sa créativité. S’il est une marque qui le ferait rêver d’une collaboration, peut-être citerait-il Opinel.
Robinetterie, WC, sol stratifié… découvrez de nouvelles collections dans une sélection spéciale « salle de bains ».
Robinetterie gamme Zephyr par Horus
Cette nouvelle gamme de robinetterie en laiton adopte des traits épurés, inspirés de l’élégance à la française et du mouvement américain « Streamline », un courant artistique des années 1930 également connu sous l’appellation « Style Paquebot ». Le fabricant s’est notamment inspiré de la silhouette des voitures de cette époque et a imaginé des robinetteries élancées où les angles s’arrondissent ; les manettes sont longilignes ou en forme de croisillons, semblables à des hélices et de fines stries, réalisées grâce au procédé de guillochage, apportent du relief et complètent cette illusion de mouvement. Si la gamme se présente dans des coloris classiques – chrome, nickel brillant ou mat -, elle arbore également des teintes plus contemporaines et décoratives : noir mat, canon de fusil et laiton satiné. Enfin, de nouvelles finitions exclusives tels le rose ou bleu pastel, le vert forêt ou le blanc « Ice », sont disponibles.
Washlet RG de TOTO
Remplaçant deux modèles d’entrées de gamme emblématiques de la marque (GL et EK), ce WC lavant, plus aplati, moins haut et plus compact, affiche un design simple composé de lignes douces et lisses, lui permettant de s’adapter et de se coordonner facilement à n’importe quel espace. Il est par ailleurs doté de la technologie inédite EWATER+ : une eau du robinet traitée par électrolyse qui possède des propriétés nettoyantes et résistantes à la saleté ; disponible jusqu’alors dans l’offre haut-de-gamme de la marque, cette innovation est désormais accessible dès l’entrée de gamme. À noter enfin que ce WC lavant intègre un système actif anti-calcaire ainsi que la lunette chauffante.
Trone en arc-en-ciel
Le concept de ce fabricant de WC ? Casser les codes et révolutionner cet espace intime en proposant des projets et des idées innovants, empreints de liberté et d’imagination. Selon lui, l’heure est ainsi aux néons et à la lumière, qui apportent une vibrance exceptionnelle à la pièce, avec un effet hallucinant et lumineux, résolument futuriste, qui se réverbère sur la céramique lisse du produit. En se reflétant sur la céramique des toilettes et sur les différents matériaux de la pièce, le néon se déforme, joue et ondule. « Le contraste des couleurs et des lumières modifie indéniablement la perception que l’on se fait de l’espace mais surtout des toilettes », déclare Romain Freychet, directeur artistique chez Trone.
Egger Design Green Tech
Avec ce produit, le fabricant démocratise l’usage du sol stratifié bois dans toutes les pièces de la maison, du salon à la cuisine en passant par la salle de bains : grâce à une surface adaptée et antidérapante associée à un système d’installation « CLIC it ! », l’eau perle sur sa surface sans imprégner ou pénétrer le sol, ce qui le rend parfaitement adapté pour une pose dans les pièces les plus humides, mais également dans les zones commerciales ou de grand passage. Du reste, cette technologie inédite permet à ce sol stratifié d’être certifié par le NALFA test et de repousser les limites conventionnelles, avec une résistance à l’eau garantie jusqu’à 72 heures. Et, présentant une épaisseur de 7,5 mm, il est adapté à la rénovation, notamment pour une pose facilitée sur carrelage.
Robinetterie gamme Baulines par GROHE
La marque allemande GROHE propose la nouvelle gamme de robinetterie Baulines : des produits d’entrée de gamme mêlant à la fois un bon rapport qualité prix et un confort d’utilisation. Le design des robinets à l’angle élargi et bec plus affiné assure une meilleure maîtrise du débit d’eau, réduit les éclaboussures, et permet des économies d’eau, notamment grâce à la technologie GROHE EcoJoy, dont tous les robinets de la gamme sont équipés. Une technologie qui se traduit par l’installation d’un limiteur de débit d’eau, réduisant la consommation d’eau de 10 litres à 5 litres par minute.
Studio Klein a rénové ce duplex familial situé à Neuilly. L’objectif ? À travers une composition habile d’aménagements et de matériaux, le studio a valorisé la collection éclectique d’objets et de mobilier d’un propriétaire féru des années 70.
[Cet article est un complément de l’article « Duplex familial par Studio Klein » publié dans le numéro 210 d’Intramuros]
Projet : rénovation duplex
Lieu : Neuilly, Hauts de Seine
Surface : 140 m2
Année : 2018
Les deux appartements de ce bien ont été acquis au cours d’une opération immobilière avantageuse afin y loger un couple et ses trois enfants. Séduits par le potentiel de ce duplex un peu vieillot, les propriétaires ont conservé la configuration de l’existant, deux niveaux reliés par un escalier en colimaçon, dont la trémie réduite optimise l’espace. En revanche, la partie à l’étage était à remanier dans sa totalité. « Nous partageons les mêmes goûts pour les seventies, et nous avons créé un écrin pour les pièces de mobilier vintage, ainsi que pour les oeuvres d’art. C’est un travail à quatre mains », explique David Duron, architecte du Studio Klein en charge du projet.
L’escalier d’origine est remplacé le M400 hélicoïdal dessiné par Roger Talon en 1966, pour sa forme sculpturale unique. « Ce modèle original déniché par le propriétaire était en bon état. On a juste refait à l’identique une marche chez Galerie Sentou », (note de l’auteur distributeur exclusif du modèle depuis 1986, réédité et fabriqué en fonte d’aluminium dans les moules d’origine). Dans l’implantation imaginée par l’architecte, chaque enfant a sa chambre ; la suite master a été créée dans un volume compact, avec au programme, salle de bains, télé et dressing intégrés dans un agencement astucieux.
La cuisine ouverte est habillée de bois métallisé en contraste avec le placage de chêne clair. Ouverte sur le couloir de transition et offrant une perspective sur le séjour, elle met en exergue la table étonnante du coin repas, en porte à faux, fabriquée sur mesure par un serrurier. Au sol, le parquet en chêne à bâton rompu, dont la teinte sombre souligne la mise en scène des pièces de design, jusqu’au salon/salle à manger. Chaque matériau est choisi, dans un esprit chaleureux teinté de modernité qui revisite le mobilier vintage. « Dans le salon, nous avons dessiné ensemble avec le client ces étagères inspirées des années 70, composée d’un fond, en grès cérame imitation marbre et rétro éclairée. Elles accueillent les objets et œuvres d’art colorées du style pop. »
La salle de bains des enfants joue avec la géométrie des motifs en grès cérame imitation rotin, autre réminiscence des seventies. Quant aux pièces de design iconiques, c’est l’affaire du propriétaire qui chine les modèles originaux de l’éditeur Knoll, tabourets Tulip de Eero Saarinen et fauteuils Culbuto de Marc Held. Enfin les radiateurs de la marque italienne Tubes conçus par Antonia Astori et Nicola de Ponti poursuivent la quête de l’esprit stylistique et fonctionnel d’un collectionneur passionné.
Au printemps 2021, le nouveau site web d’Intramuros a été lancée. Dans cette version, la rédaction met désormais à l’honneur chaque mois un designer dont le portrait est consultable en home page. Une traduction d’une volonté de multiplier les rencontres et les portraits, dans le magazine comme sur le site. Retrouvez les designers du mois de 2021 !
Avril 2021 : Marie Christine Dorner, la passion d’un métier, une chance
Elle a fait la couverture du n° 12 d’Intramuros, juste avant Philippe Boisselier, son professeur et même Philippe Starck, son héros. À 26 ans, diplômée de l’Ecole Camondo, elle revenait d’une année à Tokyo avec des projets plein les poches. 2020 n’aura pas été une année morte pour elle. Elle sort de nouvelles collections pour Cinna, Ligne Roset, le musée du Louvre avec la RMN, Zeus…Tout en parlant de son actualité, Marie Christine Dorner revient sur ce qui a façonné son parcours avec pudeur… et bonheur !
Mai 2021 : Sebastian Herkner, le design jusqu’au bout des doigts
Sebastian Herkner est aujourd’hui l’une des figures internationales que les éditeurs se disputent. Il n’est pas aisé d’établir de manière exhaustive la liste de ses collaborations, tant elle est diverse et variée, à l’image de la curiosité sereine du designer allemand, qui travaille aussi bien avec des petits éditeurs comme La Manufacture qu’avec Cappellini et Thonet.
Juin 2021 : Elise Fouin, la pensée en arborescence
Au cœur de la Bourse de Commerce-Pinault collection, Michel et Sébastien Bras viennent d’inaugurer La Halle aux grains, leur premier restaurant parisien. Pour ce lieu extraordinaire, ils ont confié à Elise Fouin la signature des arts de la table. Dans une totale osmose avec la thématique de l’offre culinaire développée autour de la graine, la designeuse a développé la collection Sillon, des assiettes, bols, tasses qui relient la terre à la terre et font du moment du repas une expérience unique. Un projet qui voit son aboutissement au bout de trois ans, effets collatéraux de la crise sanitaire inclus.
Juillet-août 2021 : Chafik Gasmi, luxe, calme et désirabilité
Tout a démarré avec la construction d’une maison à Alger, puis d’un hôtel à Paris, dont il conçoit le mobilier. Viendront par la suite la signature de flagships pour de grandes maisons comme Baccarat et la réinvention des concepts magasins et de leurs parcours clients aussi bien pour Sephora que pour Lancôme, physiques comme digitaux. Ainsi, depuis 1987, Chafik Gasmi s’est construit à l’international un parcours dense et extrêmement varié, entre design, architecture et architecture d’intérieur. Avec un engagement de son studio clairement affiché depuis 2005 : allier luxe et écologie.
Septembre 2021 : Samuel Accoceberry, de l’omnipotence du designer
En juin 2021, Samuel Accoceberry exposait au sein de Maison Molière, à Paris, ses graphismes, version tapis ou version dessins, à saisir sous l’œil averti de Karine Scherrer de la galerie The Art Design Lab. Depuis trois ans, il fait partie de tous les Top 100, Top 50 ou même Top 20. La pandémie ne l’a pas empêché de travailler, d’éditer et de finaliser des projets qu’il avait « en attente », mais aussi d’initier de nouvelles collaborations. Depuis son studio du 13e arrondissement ou depuis Biarritz, il peaufine ses produits avec passion et avec un engagement de tous les instants. Verre, bois, métal, textile n’ont pas de secret pour lui.
Octobre 2021 : A+A Cooren, entre technique et poésie
À la Carpenters Workshop Gallery, dans l’exposition de « Tiss-Tiss, Flexible Rigidity » les créations de A+A Cooren se confrontaient à celles de Simone Prouvé, dans un dialogue sensible. Au Mobilier national, ils présentaient pendant la Paris Design Week leurs fauteuils et canapé « Dans un nuage de Pixels ». Retour sur un duo de designers qui, depuis la création de leur studio, en 1999, ont travaillé sur des projets d’aménagement d’intérieur, de produits, de meubles ainsi que de scénographies pour entre autres Shiseido, Artemide, ClassiCon, L’Oréal, Cartier, Yamagiwa, Saint Louis, Boffi Bains, Vertigo Bird, Noma…
Novembre 2021 : Stefan Diez, l’esprit de laboratoire
Le 21 octobre 2021, Stefan Diez était à Barcelone avec une partie de son équipe pour le lancement de sa dernière collection de luminaires pour la marque espagnole Vibia. Auprès de Pére Llonch, le CEO de Vibia, il assurait le lancement de Plusminus, « The New Era of Lighting ». Le showroom Vibia construit par Francesc Rifé Studio et aménagé par Saus Riba Llonch architectes et Carlota Portavella, reflétait cette parfaite révolution dans la manière de faire l’éclairage, la lumière, l’électricité.
Décembre 2021 : Germain Bourré, de la terre à l’assiette
Germain Bourré nous accueille dans son atelier-maison à Montreuil, dans le Grand Paris. Sur une table en Formica jaune, avec derrière lui la Taccia de Castiglioni (Flos) et sous une Tolomeo Mega de Michele de Lucchi (Artémide), il nous explique les objectifs du bureau Germ-Studio : cultiver une expertise d’accompagnement par le design pour apporter une pluralité de réponses sur mesure au service de l’alimentation de demain.
Connectée, en céramique, en alliage… entre haute technologie et savoir-faire artisanal, la montre reste un objet personnel, fort… et symbolique par sa fonction de Garde-Temps. Sélection de propositions aussi diverses qu’intrigantes.*
*cette sélection vient en complément de l’article « La Montre, ce Garde-Temps » publié dans le numéro 210 d’Intramuros.
Rado - True Thinline Les Couleurs
Rado propose une collection de montres en céramique haute technologie, La True Thinline Les Couleurs TM Le Corbusier qui décline toutes les couleurs développées par le célèbre architecte en 1931 et en 1969. 63 couleurs, une édition limitée de 999 exemplaires par couleurs. Neuf nouvelles couleurs sont à découvrir cette année. Swiss Made.
Tudor - Black Bay Ceramic
Le nouveau modèle Black Bay Ceramic affiche l’heure exacte sur un boîtier en céramique noir de 41 mm, calibre Manufacture MT5602-1, certifié par le COSC et METAS, grâce à des chiffres et des aiguilles fluorescentes visibles de jour comme de nuit. Son bracelet hybride en cuir et caoutchouc lui confère une idée de confort inégalé. Elle est étanche jusqu’à 200 m.
Rolex- Datejust 36
La Datejust 36, une Oyster 36 mm en acier Oystersteel est dotée d’un cadran vert olive au décor de palmier qui fait toute l’identité de la marque. L’acier Oystersteel appartient à la famille des aciers 904L, un alliage utilisé dans les secteurs des hautes technologies où la résistance à la corrosion doit être maximale. Elle conserve sa beauté même dans les environnements les plus hostiles. Son prix : 6650€.
Dior- Montre D
Au bras d’Anya Taylor-Joy, l’actrice phare de la série Le Jeu de la Dame, ne doit plus que figurer la montre D de Dior, version satine ou rose, mouvement automatique ou mouvement quartz, remise au goût du jour par Maria Grazia Chiuri, à la tête des collections féminines depuis juillet 2016. De 2000 à 49 500 € pour la dernière version Rose, incrustée de diamants.
Chanel - Montre J12
J12, une montre iconique équipée du calibre 12.1, en céramique haute résistance, d’un noir éclatant ou d’un blanc intense. Dessinée à Paris et manufacturée à la Chaux-de-Fonds, Jacques Helleu révéla la première J12 en 2000, après 7 ans de réflexion. Inspirée des lignes élancées des voitures de course et des voiliers de l’America’s Cup, redessinée par Arnaud Chastaing, elle incarne l’allure Chanel. Retrouvez l’interview d’Arnaud Chastaingt dans le numéro 200 d’Intramuros.
Seiko - 44 Grand
La 44 Grand de Seiko fait partie des plus beaux cadrans que l’on peut voir Place Vendôme où les Japonais avec leur savoir-faire de Maîtres Takumi se sont installés en juin 2020. Dissociée de la marque Seiko, Grand Seiko a défini la grammaire du design Grand Seiko en 1967 sous l’impulsion du designer Taro Tanaka. C’est la troisième marque sur son segment.
Cartier – Montre mitaine Clash (Un)limited
Cartier, montre mitaine, pièce unique de la collection Clash [Un]limited, un bijou seconde peau réalisé en impression 3D qui a nécessité 277 heures de travail. Mitaine, or rose, diamants. Photo © Greg Gonzalez
Retrouvez l’interview de Marie Claude Cérède, Directrice Création Horlogerie chez Cartier, dans le numéro 209 d’Intramuros.
La Villa Noailles organise depuis 2016 la Design Parade de Toulon, petite sœur de celle de Hyères qui fête cette année ses 15 ans. Respectivement centrés sur l’architecture intérieur et le design, ces deux domaines se côtoient dans ce festival qui avait cette année une saveur toute particulière. Après l’annulation de l’édition 2020, il était tant de retrouver les créateurs et partager avec les visiteurs ce qu’est le design d’aujourd’hui et ce que sera peut-être celui de demain. Le jury composé de 10 personnalités, était cette année présidé par Karl Fournier et Olivier Marty, fondateurs du Studio KO.
Henri Frachon : Mention spéciale du jury (Hyères)
Diplômé de l’Ecole nationale supérieure de création industrielle (ENSCI), Henri Frachon possède aussi un bagage d’ingénieur et de physicien obtenu respectivement aux Arts et Métiers et à l’Université Claude Bernard de Lyon. Le designer, déjà lauréat des Audi Talents 2020, conçoit le design contemporain comme un ensemble de facteurs complémentaires. À la fois inventif, intemporel et pratique, il n’exclut pas une approche sensible offrant rythme, justesse mais aussi dissonance. À travers ses conceptions percées de trous et dépourvues de leurs fonctions classiques, Henri Frachon s’est focalisé sur l’essence même de cette absence de matière. « J’ai interrogé ce que sont formellement les trous, ce qui les caractérise, ce qu’ils apportent, ce qui les rend beaux ». Un projet qui laisse donc voir bien plus loin que la surface en elle-même.
Arthur Donald Bouillé : Prix du public (Hyères)
Après avoir débuté son cursus avec un Bachelor de Design Industriel à l’Ecole nationale supérieure des arts visuels de Bruxelles, Arthur Donald Bouillé a obtenu un master en création industrielle à l’Ecole nationale supérieure de création industrielle à Paris. Médaillé il y a quelques années au concours annuel organisé par le MIT à Boston pour le développement d’un purificateur d’air intérieur, le designer porte depuis un intérêt plus profond à « l’exploration des mécanismes et des stratégies du Vivant ainsi que les questionnements éthiques ou écologiques qu’elles suggèrent ». C’est ainsi que l’échange avec des chercheurs a pris une place de choix dans son processus créatif pour proposer « de nouvelles manières d’envisager notre relation aux vivants et aux technologies ». Une évidence pour celui qui transforme les frontières en zones de rencontres inter-disciplinaires/environnementales/conceptuelles. Au travers de son projet récompensé par le festival, le designer souhaitait « interroger les manières de prendre soin et d’accompagner les malades du cancer par l’intermédiaire d’objets transitionnels, de supports de projection qui permettent d’extérioriser, de mettre à distance un fragment de la maladie ». Un projet qui, grâce à l’implication de la recherche scientifique et philosophique, peut se qualifier de thérapeutique et transitionnel selon les dires du créateur.
Johanna Seelemann : Mention Spéciale Eyes On Talents X Frame (Hyères)
Née en Allemagne, Johanna Seeleman développe ses « fascinations » durant sa licence en conception de produits à l’Académie des Arts d’Islande puis son master en design contextuel à la Design Academy of Eindhoven au Pays-Bas. Une fascination globale qui a conduit la designer à prendre la parole lors de conférences et d’événements comme la Deutsh Design Week, à s’exposer à Londres, mais aussi de nombreux pays nordiques. Mais celle qui en 2019 a été séléctionnée pour le « ICON Design – 100 Talents to Watch », n’avait jamais remporté de prix avant celui de la Villa Noailles. Particulièrement intéressée par « l’exploration de produits et de matériau qui semble banal en Europe », la designer « aime dénicher des parcours et des contextes cachés et proposer des scénarii alternatifs ou des futurs possibles ». La sensibilité de Johanna Seelemann envers les matériaux et leurs impacts dans une société pourtant sensible à la cause environnementale l’amène à se questionner sur la « possible adaptation de nos systèmes et l’utilisation des ressources au changements constants des goûts. »
Terra Incognita vise ainsi à placer la plasticine (un argile de prototypage) au centre du matériau. « En design on dit que la forme suit la fonction, mais elle suit aussi la mode et les tendances. » Ce nouveau médium offrirait donc la possibilité de remodeler l’objet à l’infini. Un projet esthétique et évolutif en somme !
Cecile Canel & Jacques Averna : Grand prix du jury (Hyères)
Lauréats de la résidence « sur mesure + » de l’Institut français et résidents aux Ateliers de Paris, Cécile Canel et Jacques Averna ont exposé leur création mêlant dynamisme et mécanisme à la Design Parade de Hyères. Sortis tous deux de l’ENSCI les Ateliers, et préalablement diplômés respectivement aux Beaux-Arts de Toulouse et à l’Ecole Boulle, ces deux designers adhèrent à un design qui « vient se frotter à des réalités techniques, matérielles et sociales, tout en gardant élégance et astuce ! ». C’est ainsi que ce duo s’est intéressé aux enseignes de magasins « responsables de beaucoup de pollution lumineuse et de consommation énergétique». Pour y remédier avec élégance et astuce, les designers ont saisis la force du vent pour animer aux grès de ses courants ces repères du quotidien.
Anna Talec & Julie Brugier : Mention Spéciale du jury (Toulon)
Anna Talec et Julie Brugier sont toutes les deux diplômées d’un DSAA, spécialisées respectivement en mode et environnement à l’école Duperré de Paris, et en design d’objet à l’école Boulle de Paris. Ancrées dans l’idée que l’approche contextuelle est désormais devenue inévitable, les deux créatrices font des différents facteurs d’un lieu, un ensemble d’éléments à prendre en compte. « Nos projets s’ancrent toujours dans des territoires emplis de savoir-faire », leurs permettant de revendiquer « un design sobre et vivant ». Premier appel à projet réalisé par le binôme, la thématique leur a permis de mettre en avant une plante attachée au territoire méditerranéen : le chanvre. Écologique, les designers l’ont donc transformée en objet domestique au sein de leur espace appelé la Villa du cueilleur. Un appentis qui, avec sa charpente en bois et ses fonctionnalités primaires, offre un résultat « frugal » selon les créatrices.
Clemence Plumelet & Geoffrey Pascal : Prix Mobilier national (Toulon)
Pour ces deux diplômés de la Design Academy of Eindhoven au Pays-Bas, ce prix est le premier remporté. Avec leur vision du design contemporain basé sur l’échange des savoirs-faire et des souvenirs générationnels, les deux jeunes designers ont abordé la thématique méditerranéenne selon plusieurs angles au gré de leurs rencontres. « La Méditerranée et son atmosphère chaleureuse et chaloupée […] se décline en un projet que nous avons voulu riche de couleurs saturées et de matières sophistiquées ». Mais de voyage en rencontres, le projet s’est enrichi pour pencher vers « des matériaux plus justes, en accord avec l’atmosphère qui réside sur le littoral ». Au final, le projet s’articule autour d’un espace remplissant la fonction de salon-bar. L’évocation d’un bord de piscine où entrent en discussion le lieu et les objets l’animant. Le résultat d’une collaboration dont les inspirations tant cinématographiques (La piscine de Jacques Derray) que photographiques (les clichés de Slim Aarons) signent un espace à l’allure ludique et au style intemporel selon les créateurs.
Edgar Jayet & Victor Fleury Ponsin : Grand prix Design Parade Van Cleef & Arpels + Mention Speciale Eyes On Talents X Frame (Toulon)
« Dans la pénombre, on sent ce vent, tout dans cette pièce respire, on peut se laisser aller à une sieste », tel est décrit le projet par ses créateurs, tous deux étudiants à l’école Camondo de Paris. Si pour Edgar Jayet, le design doit principalement passer par les sensations et la transdisciplinarité, Victor Fleury Ponsin fait pour sa part place au dialogue inter-créatif et à la compréhension propres à chaque matériaux. Deux approches complémentaires du design contemporain qui ont permis aux jeunes primés de créer « un projet autour de souvenirs et de sensations ». La sieste, institution méditerraéenne, se mue ici en un espace travaillé. « Notre pièce est habitée par l’ombre et traversée par le vent ». C’est ainsi que la pierre humidifiée, le plâtre et un voilage suffisent à créer un lieu hors de l’éblouissement et de la chaleur. La sieste, une habitude de vie matérialisée en un espace où les longs et chauds après-midis s’atténuent dans le calme d’un repos.
Marc-Antoine Biehler & Amaury Graveleine : Prix Visual Merchandising (décerné par Chanel) et Prix du public (Toulon)
« Questionner l’existant, écouter l’histoire d’un besoin, s’ancrer et s’adapter dans un lieu de façon la plus naturelle possible ». C’est ainsi que résonne le design d’aujourd’hui pour Marc-Antoine Bielher et Amaury Graveleine. Diplômés d’architecture d’intérieure et design d’objet à l’école Camondo de Paris pour le premier, et d’architecture d’intérieure et design d’espace à l’Ecole Boulle de Paris pour le second, la localité des savoirs et des matériaux représente pour eux une réponse aux besoins. C’est donc de fait que « la beauté du geste artisanal offre une réponse architecturale plus humaine ». Si la Méditerranée est une évocation du bord de mer, le duo a pour sa part choisi de s’inscrire dans les terres. Souvenirs de vacances qui leur sont propres, issus tantôt de moments partagés ? Entre amis ou en famille, tantôt des lectures de Pagnol ou encore de films, un projet est né mêlant liberté et insouciance des moments vécus enfant. Un projet où parasol et table en marqueterie de noyaux d’olives rappellent cette ambiance provençale avec humour.
Fondée il y a presque un siècle, la maison Bang & Olufsen a su faire preuve d’innovations technologiques et design au fil des années pour assembler enjeux du futur et besoins actuels… et a reçu cet automne pour l’une de ses enceintes grand public une certification Craddle to Craddle.
Depuis quelques années, musiques et supports d’écoute semblaient être devenus indissociables : aujourd’hui la qualité de l’émetteur importe tout autant que la musique elle-même. Fondée en 1925, Bang & Olufsen l’a bien compris. La société danoise qui a débuté par des transistors radio pour arriver à de prestigieux modules sonores, s’est adaptée aux exigences des époques en passant par les téléviseurs et le rasoirs électriques. Mais pour Alexis Le Prado, Directeur général France chez B&O : « L’ADN même de la marque, c’est le son.» Désormais diversifiée pour être plus adaptable aux différentes activités (musique, télévision, gaming, sport), la maison bientôt centenaire, n’a cessé de se réinventer.
Un design engagé
Si l’entreprise se caractérise avant tout par sa spécialisation dans la musique, elle accorde aussi une grande place au design, pour conjuguer technique et esthétique. Une équipe de design intégrée collabore le plus souvent avec une agence de design externe afin de maintenir un équilibre entre préservation de l’ADN design de la marque et renouvellement de ses créations. Par ailleurs, B & O n’hésite pas à développer des projets avec des grandes maisons, à l’image d’ Yves Saint Laurent ou encore Berluti, pour des séries limitées. Mais quelle que soit la collaboration, le groupe conserve une identité visuelle qui lui est propre alliant le design contemporain et les lignes scandinaves le tout dans des matériaux nobles mettant le bois à l’honneur. Cultivé au nord du Danemark, le chêne – dont la constitution n’altère pas le rendu acoustique – se retrouve (quasiment) sur l’ensemble des modèles. Brut, teinté, peint, il peut aussi se colorer en fonction des intérieurs de chaque client pour s’adapter à l’existant.
Si le choix du bois est dans l’air du temps, la société utilise ce matériau pour sa pérennité depuis longtemps, contrairement au plastique qui se désagrège et colle au fil des années explique Alexis Le Prado. Et la maison est aujourd’hui plus que jamais engagée dans une démarche de durabilité se posant la question de la déprogrammation de l’obsolescence et de la réparabilité de ses conceptions.
Des technologies de pointes pour un rendu haut de gamme
En effet, sous les enveloppes design et séductrices, se trouve le cœur névralgique d’une réflexion durable. La Beosound Level, est la première enceinte compartimentée pouvant s’ouvrir afin de remplacer les composants technologiques dépassés. Cette nouveauté permettra de conserver l’enceinte des décennies durant tout en se situant à la pointe de la technologie. Cette enceinte portative a été cet automne d’ailleurs la première au monde à recevoir la certification Cradle to Cradle. Mais outre ces systèmes permettant la confection d’un produit durable, B&O ne cesse d’explorer les dernières technologies permettant une écoute tant optimale qu’immersive. Ailettes directrices permettant d’orienter certaines notes vers telle ou telle personne, finesse du module permettant l’intégration de l’enceinte dans une bibliothèque sont autant de nouveautés répondant aux exigences d’un auditorat à l’affût de sensations toujours plus pointues. Quant aux modèles les plus iconiques comme le Beoplay A9 sorti en 2012, l’entreprise continue sa commercialisation tout en adaptant la technologie interne tous les deux ans. Bang & Olufsen est ainsi une société pionnière, design et technologiquement avancée, au service de l’écoute et du ressenti de la musique.
Luminaires, vases, coffret de fusains… Entre alliance de matières et multiplicité des savoir-faire, le design d’objets a été riche en cette année 2021. Sélection non exhaustive d’accessoires pour clôturer l’année.
Luminaire ATHENA, Atelier Alain Ellouz
Faire de chaque luminaire une poésie… Les créations en albâtre d’Alain Ellouz allient design et légéreté pour chacune des pièces réalisées pour sublimer chaque intérieur.
Collection Noire de Lave, Maison Blanc Carrare
Labellisée entreprise du patrimoine vivant (EPV), la maison de marbrerie Blanc Carrare travaille sur la pierre naturelle pour le bonheur des architectes d’intérieur. Au-delà de ses collections dédiées à l’aménagement, la maison développe une activité d’édition de mobilier et d’accessoires. Cette nouvelle collection, en pierre de lave, comprend notamment des vases et vides-poches, réalisés par Alessandra Apos & Andrea Persano. Photo : © Daniele Notari.
Le Moulin, gamme « Michel Bras » pour KAI
Lauréat du Red Dot Award, « le Moulin » de la gamme Michel Bras développé pour la marque japonaise KAI, il révolutionne le concept du moulin traditionnel. Conçu pour pouvoir moudre aussi des ingrédients aussi bien durs que mous, il permet de créer un mélange unique de saveurs et d’épices.
Vase narcisse, Najma Temsoury pour la Maison Dada
Fascinée par la perception de la lumière sur laquelle elle met l’accent dans ses créations, la designeuse Najma Temsoury présente Narcisse, conçu pour la Maison Dada. Le vase met l’accent sur les couleurs et les formes qui se dévoilent au fur et à mesure de l’observation, en créant un effet visuel tout aussi intéressant grâce à un effet loupe.
Coffret fusains « The Garden of Shadows », Fabrice Cazenave pour Sinople
Un hommage au bois : les coffrets de fusains « The Garden of Shadows » de l’artiste Fabrice Cazenave et édités par Sinople, disponibles en 12 exemplaires uniquement, allient divers matériaux tels que le houx, l’acacia ou encore le sapin, pour un rendu autant fascinant qu’intrigant. Photo : © Anthony Girardi
Mi-novembre, la troisième ville espagnole fêtait le lancement officiel de sa programmation 2022 en tant que Capitale mondiale du design, lors d’une soirée d’ouverture au Palais des Arts Reine Sofía. Si l’ensemble des projets ne sont pas encore précisés, les grandes lignes esquissées et la chronologie des événements annoncés montrent une volonté de valoriser le maillage des acteurs dans le territoire, de l’ouvrir au grand public, mais aussi d’être un vrai centre d’échanges pour les professionnels.
Plus de 100 activités, 150 intervenants de haut niveau, 70 accords de collaboration, 25 lieux et près de 100 entités impliquées composent l’agenda de Valencia, World Design Capitale 2022. Autour d’enjeux de développement, avec le design comme moyen de transformation.
Un programme structuré autour de temps forts appelés Signatures
Le programme est en conjonction de différents événements : les événements habituels, comme le Salon Cevisama en février, adaptent une partie de leur contenu à ce statut de Capitale mondiale en ajoutant des expositions spécifiques et en mettant l’accent sur les rencontres de professionnels. Parallèlement, des opérations ont été montées de façon à être pérennes : une Map Design est ainsi proposée, identifiant dans la ville des lieux pour leur architecture, leur architecture d’intérieur, des showrooms, des boutiques particulières, des agences…, comme un parcours multiple suggéré dans Valence. Plus spécifiquement, pour valoriser un savoir-faire local autour de la céramique, une appli sera lancée autour du projet NollaMap, du nom de cette maison ancienne, pour sauvegarder son savoir-faire d’excellence. Il s’agit de repérer les lieux comportant ces sols en mosaïque. Ils sont notamment présents dans de nombreuses habitations de la ville, voire dans des institutions, comme on peut le constater à l’hôtel de ville. L’année sera marquée par sept événements dits Signatures coorganisés avec la World Design Organization. L’objectif est d’attirer environ 130 000 visiteurs en 2022 et plus de 100 intervenants internationaux de haut niveau. Ils se tiendront au second semestre, en point d’orgue de la manifestation, afin de démontrer l’importance et la reconnaissance du design comme outil clé pour améliorer le développement économique, social, culturel et environnemental des territoires.
Ainsi, au mois de juin, le quartier de La Marina vibrera au rythme du festival World Design Experience : cet événement interrogera la recherche de la meilleure expérience utilisateur. Il proposera, autour de concerts, d’échanges, d’expositions, une mise en avant de la force de la communauté en design graphique qui porte la ville depuis des décennies. Et il fera également la part belle aux œuvres numériques. Des professionnels internationaux sont attendus pour des échanges et des master class dont, notamment, Caterina Bianchini, Brian Collins, Alex Trochut, Alex Hunting, Liza Enebeis, Rebeka Arce, Yarza Twins, Thomas Kurppa et David Navarro. Le 23 septembre, le centre d’art Bombas Gens accueillera le World Design Exchange, une rencontre entre les managers et les organisateurs de certaines des Semaines mondiales du design – de Stockholm à Berlin et de Lima à Chengdu – et d’autres événements similaires. Ce forum réunira des représentants du design des cinq continents pour en discuter d’un point de vue global, créatif et social ; des études de cas, les connaissances acquises et les défis seront partagés au travers de sessions d’ateliers et de réseautage.
Le design comme outils de politique
Parallèlement, le World Design Street Festival, du 19 au 25 septembre, sera la célébration de la Capitale mondiale du design Valence 2022 dans les rues et le départ de la Feria Hábitat València. Son calendrier d’activités se déroulera dans toute la ville et dans l’ancien lit du fleuve Turia, et sera axé sur la créativité et la promotion de ses professionnels au travers d’expositions, de conférences, d’ateliers, d’itinéraires et d’initiatives qui relieront le design à des domaines tels que la gastronomie. Le Street Festival permettra aux gens de rencontrer des éléments de design par hasard dans des contextes quotidiens pour provoquer une réflexion spontanée sur le vrai sens de leur conception.
Les 3 et 4 novembre 2022, le Palais des congrès de Valence accueillera la World Design Policy Conference, qui réunira, elle, des personnalités telles qu’Ezio Manzini, Brandon Gien, Alok Nandi, Leyla Acaroglu, René Spitz, Anna Whicher, Päivi Tahkokallio, Gisele Raulik Murphy et Brigitte Borja de Mozota. Son objectif sera de fournir une plateforme mondiale pour l’échange d’idées et de meilleures pratiques de différents pays, régions et villes qui activent, développent et maintiennent une politique de conception efficace. La conférence sera représentée par la Commission européenne et le New European Bauhaus et mettra en évidence la pertinence sociale, pour les entreprises, organisations et institutions de premier plan, de l’intégration du design dans les stratégies d’entreprise et de croissance. La cérémonie de remise des diplômes du monde du design aura lieu le 3 novembre. Un événement pour faire le bilan, révéler les premiers résultats de l’étude d’impact, réfléchir sur l’héritage de World Design Capital Valencia 2022 et remettre officiellement le titre de World Design Capital aux deux villes, San Diego et Tijuana, qui se le partageront en 2024.
Au cours de l’avant-dernier mois de l’année aura lieu le World Design Cities Meeting. Un forum mondial des Capitales mondiales du design où, à partir de la participation et du regard de ses représentants institutionnels, il sera l’occasion de générer des synergies et des rencontres entre ses dirigeants et ses principaux promoteurs. Le cycle Signature Events viendra parachever la commémoration de la Capitale avec la présentation du World Design Spotlight, conçu pour promouvoir les talents locaux – Valence est le berceau de nombreux lauréats des National Design Awards – et dirigé par Marisa Gallén. Cette activité, en effet, se développera tout au long de l’année et se terminera fin 2022 en ayant rendu hommage à la communauté du design à travers 52 professionnels qui en seront les protagonistes semaine après semaine.
Entre cuisine et arts de la table, retrouvez notre sélection de produits innovants et séduisants. L’occasion de finir l’année 2021 en mettant les petits plats dans les grands… en beauté !
Moulin à sel poivre et épice MP0215, réédition, Centre Pompidou x Alessi
À l’occasion de l’exposition rétrospective sur Ettore Sottsass à Beaubourg, le Centre Pompidou et Alessi se sont associés pour rééditer un modèle de moulin à sel datant de 1989 : le MP0215. Le moyen de rendre hommage à son design unique et de continuer à le faire vivre dans le temps.
110.00€
Benoit Ardureau pour Habitat Design Lab, pièces en céramique
Benoît Ardureau, artisan designer-céramiste et créateur de vaisselle, a présenté cet automne sa collection de produits réalisés dans le cadre de Habitat Design Lab, uniques et fabriqués à la main.
Coffret de 6 crayons aromatiques et 2 tailles crayons
Faire à manger n’a jamais été aussi ludique. L’entreprise culinaire OCNI, spécialisée en innovation alimentaire, a mis au point des crayons aromatiques, à tailler. Ail noir, basilic, yuzu, paprika… Une dizaine d’aromates sont déjà disponibles, de quoi ravir les papilles gustatives.
53.90€ © OCNI
Assiette de cuisson OMEGA
L’assiette de cuisson OMEGA a été pensée par Oh Cinq Sens pour permettre de réaliser les préparations sans effort, sans fumée et sans odeur. Une fabrication française pour une cuisson parfaite, à aromatiser selon les envies.
À partir de 30.00€ © Oh Cinq Sens
Friteuse à air sans huile de 5,5L « Fryer air smart »
Friteuse dernière génération, la « Fryer Air Smart » est dotée d’une technologie à air chaud sans huile. Tactile, aérienne et équipée d’une connectivité Wi-Fi offrant la possibilité de gérer la cuisson à distance via l’application correspondante, la Fryer air smart, va faire des ravis, et des gourmands.
129.95€ © CREATE
Plat à four « Roaster »
La Maison Cristel, forte de son savoir-faire et de sa fabrication française qui se ressentent dans la qualité et l’esthétique de ses outils de cuisine, présente le plat à four « Roaster ». Idéal pour les grandes occasions, le plat est équipé de anses non-débordantes pour éviter les brûlures ainsi que d’une grille rabattable pour faciliter son rangement. Sa composition en Inox et aluminium lui permet de pouvoir être mis au four mais également d’être utilisé sur une plaque à induction.
209.90€ © CRISTEL
Carafe Filtrante « Making Water », Brook Sigal
Conçue par la designeuse Brook Sigal, le coffret Making Water vous propose de bénéficier d’une eau filtrée et pure, grâce aux bio-filtres intégrés. Biodégradables, ces filtres ont pour fonction de personnaliser la teneur en minéraux, le goût et la qualité de l’eau filtrée.
Compositeur noir « Lacque Palais Royal »
Et pour bien se détendre après un repas, pourquoi ne pas jongler avec une « playlist olfactive » personnalisée? La société française Compoz propose de découvrir son compositeur de parfums, naturel et sur mesure, intéressant pour personnaliser les expériences olfactives : un jeu de compositions comme un jeu d’aromates à assortir, même si ce n’est pas
990€ © Compoz Parfum
C’était l’une des foires très attendues de cet automne 2021. Du 20 au 24 octobre dernier, Paris Internationale avait fait son grand retour pour une 7e édition remarquée. Pendant 5 jours, pas moins de 35 galeries venues de 21 pays différents ont été exposées dans un hôtel particulier du XVIe arrondissement.
Si le grand raout du marché de l’art contemporain à Paris s’était fini en beauté avec l’annonce des bons résultats de la Fiac, la foire Paris Internationale s’était démarquée par son engagement toujours plus prégnant pour la création émergente, et son retour dans un hôtel particulier qui fait, depuis 2015, sa signature.
Après les espaces vacants d’un supermarché parisien en 2020, la foire avait retrouvé les moulures et papiers peints –dans leur jus– d’un hôtel du XIXe siècle, sis 186 avenue Victor Hugo, dans le XVI arrondissement, où 35 galeries de plus de 21 pays ont occupé les étages. Tenant ses promesses de découvertes et soutien aux artistes émergents, cette nouvelle édition présentait aussi des scènes trop rares sur le marché français. En témoignait la galerie Blitz de La Valette proposant des pièces du plasticien maltais Pierre Portelli, dans la cuisine du premier étage. Remarqué à la Biennale du Design de Saint-Etienne en 2008, celui-ci exposait ici The Blue Garden, rideau aux motifs de roses bleues résultant d’une hybridation génétique et de mouches venant interrompre l’image idyllique, mais aussi Homecoming, évoquant le tatouage. En remplaçant l’encre par des couverts de cuisine et la peau par le bois des tables, Portelli traduisait « les sentiments humains en un mélange tangible de matériaux quotidiens et artistiques », selon la galerie. Au deuxième niveau, l’enseigne française Crèvecœur faisait son show avec les peintures murales géométriques très vitaminées et les personnages-animaux à l’expression ambivalente de l’artiste engagée argentine, Ad Minoliti.
Parmi d’autres encore, le public avait pu découvrir les œuvres des lauréats et lauréates de la Bourse Révélations Emerige, présentées à l’étage supérieur. We are volcanoes de Loucia Carlier évoquait d’inquiétants objets en vitrines, telles des ruines archéologiques du futur, tandis que la vidéo poétique de Linda Sanchez présentait la course sur le fil d’une goutte d’eau. Non loin, chez le Néerlandais Wilfried Lentz, de facétieux sneakers flasques, en céramique, de l’Américain Michel Portnoy semblaient contester leur marchandisation excessive. Enfin, le continent africain avait trouvé une de ses plus belles expressions au quatrième étage, à travers les œuvres graphiques, entre tradition du faire et nouvelles technologies, de l’artiste sénégalais Mbaye Diop, à la galerie-résidence Selebe Yoon de Dakar. Dirigée par Silvia Ammon, cette foire décidément alternative compte toujours plus dans le paysage de l’art contemporain.
En septembre, entre talks, café, concept store, Intramuros s’installait avec ses partenaires à la Galerie Joseph, au cœur de la Paris Design Week Factory. Un lieu vivement plébiscité par le public !
Du 8 au 12 septembre, Intramuros a animé au sein de la Galerie Jospeh, rue de Turenne, un espace café et un concept store, dans une scénographie réalisée par Sandra Biaggi. Le public a ainsi découvert une sélection de produits de la rédaction, en se régalant des plats et desserts concoctés par le restaurant partenaire Sezono. Un projet possible grâce à l’implication des partenaires Vitra, IVC Commercial, Cruso, JVD, Mobilier national, Minuit Céramique, Bang & Olufsen, Formel Studio, Élise Fouin, Lucile Viaud, Néolithique… Des œuvres des artistes Wai Ming et Tiffany Bouelle étaient également exposées.
L’Intramuros Café a été aussi le lieu central d’une dizaine de talks filmés, auxquels le public pouvait assister dans la limite des places disponibles. Portant sur des sujets aussi divers que la jeune création, la RSE, les biomatériaux, le luxe et l’innovation durable… le programme réunissait des professionnels du design et différents experts autour de la création durable et désirable, thème de cette édition de la Paris Design Week. Toutes les vidéos des talks sont consultables ici.
Un public très présent
Du 8 au 12 septembre, 4436 personnes ont visité cet espace rue de Turenne, avec un moment fort, lors de la soirée du samedi 11 septembre, qui a réuni quelque 650 personnes. Retrouvez ce temps fort en images.
Toute l’équipe d’Intramuros remercie vivement les partenaires, les intervenants, et le public, qui ont fait de cet événement une véritable réussite !
RETROUVEZ L’INTRAMUROS CAFÉ du 20 au 24 janvier à Maison & Objet, HALL 7, stand F20.
Diplômé en 1985 d’un Master en architecture et urbanisme à la Cornell University de New York, collaborateur pendant près de seize ans d’Andrée Putman , Elliot Barnes a à son actif l’aménagement de plusieurs résidences privées, showrooms et bureaux dans le monde entier. Également contrebassiste, ce passionné de jazz signe le réaménagement du fameux club parisien Le Duc des Lombards en 2008 et le décor du siège social de Ruinart à Reims en 2010. À cette occasion, il développe, entre autres, un papier-peint dit Wine paper, mélange de peaux de raisin avec du chanvre et du lin ainsi que le sol Granito, réalisé à base de bouteilles de champagne concassées. Car l’architecte franco-américain, amoureux des Arts décoratifs, est toujours à la recherche d’expérimentation.
[Cet article est en complément de l’entretien paru dans le numéro 210 d’Intramuros : « Elliot Barnes ou les Arts décoratifs à fleur de peau »]
Endless Summer, Pli, Starfish ou Onde … Le travail de la peau sous forme du cuir occupe une place importante dans vos créations. D’où vous vient cette fascination ?
Tout a commencé avec Onde en 2014. Je voulais considérer le cuir comme une structure et non comme un élément qui couvre. Je l’étudiais en le manipulant, en le pliant. J’ai aussi repensé à Franck Gehry : dans les années 1970, il a fait un énorme travail avec du carton ondulé, notamment avec sa fameuse chaise (ndlr : The Wiggle Side Chair). Pour moi c’est un chef-d’œuvre. J’aime beaucoup cette démarche de détourner les choses de notre vie courante. Ça offre tout de suite un autre langage aux objets. Cette notion de détournement fait partie de mes origines qui me lient avec Andrée Putman mais aussi avec mes débuts en architecture. Je n’ai pas une fascination proprement dite pour le cuir. Disons que je suis amoureux des finitions et j’aime bien avoir une sorte d’extravagance calme et maîtrisée. Cette notion de couvrir rejoint ce que nous, architectes d’intérieur, faisons, c’est-à-dire couvrir ou habiller des espaces. Il y a donc un lien conceptuel derrière tout ça. Mais en réalité, cette exploration du cuir a démarré en 2013, pour AD Intérieurs à l’hôtel de Miramion. Au lieu d’habiller une pièce avec des boiseries traditionnelles, je voulais des matériaux souples comme le cuir. J’ai cherché à le plisser à la manière des origamis japonais. Je voulais des lignes droites disposées comme des éventails. Quand on commence à manipuler le cuir, toute une réflexion se met en place, les objets viennent peu après. Et puis cela dépend des collaborateurs rencontrés. Le tapissier Philippe Coudray a réalisé tous les panneaux pour ce salon. C’est toujours une question de dialogue.
Effectivement, Pierre-Yves Le Floc’h, tapissier très discret, ne voulait pas seulement se cantonner au métier traditionnel, mais aussi explorer de nouvelles techniques. Vous êtes devenu un duo de choc.
C’est une sorte de génie. Il parle très peu, il écoute, il va dire deux ou trois choses et on se sent en confiance. Puis il revient avec des premières maquettes et je suis bluffé. Aujourd’hui des marques de luxe font appel à lui, car il leur apporte un savoir-faire, une expertise et surtout cette exigence que j’apprécie.
La table Écume, pièce unique, semble se démarquer de votre production.
C’est une pièce un peu extravagante qui fait une sorte de contrebalance à des pièces épurées, comme Endless Summer justement. Elle réunit beaucoup de techniques dont celle du cuir, la découpe, le placage de ce papier de sel, ainsi que la recherche de transparence du verre. Tout ça conçu, maîtrisé et assemblé par Pierre Yves, sans oublier le travail du verre par Judice Lagoutte avec cette loupe qui change l’échelle et crée un effet de surprise. Qui dit « cuir » dit « peau ». Je questionnais ce genre d’associations de manière assez libre au point de vouloir tatouer le cuir. Mais ça n’a pas abouti car le cuir, peau déjà morte, ne s’allie pas avec la technique du tatouage. Ce motif au fond de la table reprend des formes de la culture indoue notamment le yogi. Pour la forme, l’idée était de coucher le cuir sur la tranche de façon à créer une base solide sur laquelle repose la table. Écume est une pièce unique, mais elle rassemble des idées que nous ressortirons pour d’autres pièces. Elle sert de dictionnaire de matières, de formes et de détails.
Vous aimez intégrer un ornement dans vos pièces dont cette rosace marquetée sur la table Écume ou les sphères sur le piètement d’Endless Summer. Quelle est votre vision de la place de l’ornement ?
A vrai dire, je suis plutôt un moderniste dans le sens où j’aime les choses épurées. S’il y a de l’ornement, c’est en le faisant sortir de la matière, tel le galuchat ou le gypse, ou encore le veinage naturel des plaques des marbres par exemple. Disposé en frisage ou en « livre ouvert », il s’en dégage quelque chose de fort. C’est très « loosien ». J’entends par là Adolf Loos (1870-1933) qui, dans son opus Ornement et Crime (1908), parle justement de ne pas rajouter de choses. Mais comme il y a du bonheur dans la contradiction, il fallait quand même ajouter dans cette pièce tellement épurée une touche avec ces sphères en laiton poli. Aujourd’hui le banc existe dans une version sans sphères.
Comment cherchez-vous l’inspiration ?
C’est un processus de laisser-aller. Me laisser porter par un mot, un bruit, une lumière et à partir de là, plonger dans ma tête et chercher des associations libres. L’intonation d’un mot peut faire penser à quelque chose et le rattacher à un objet, à l’image de la collection Poinciana avec la maison Delisle en 2017. Nous l’avions présentée à l’hôtel de la Monnaie au Salon AD la même année. Je devais décorer un salon en hommage à Jean Varin (1607-1672), un important graveur de la Monnaie sous Louis XIII. Or certains outils de graveurs me faisaient penser à ceux des tapissiers qui travaillent le cuir, ce qui m’a amené à chercher des rapports avec le cuir. Avec Jean Delisle et Pierre-Yves, on a cherché tous ensemble à gainer la structure des lampes. Comme source d’inspiration formelle, j’ai regardé les outils de graveurs dont les manches des poinçons. Je les ai alors retravaillés à la manière de l’art très élargi des œuvres des années 1960 de Claes Oldenburg (né en 1929). J’ai alors proposé à Jean Delisle de nommer cette collection Poinciana. Sa collaboratrice, Ornella, musicienne comme son mari, a à son tour fait le lien avec le tube Poinciana (1936) de Nat Simon. Cette association de poinçon /Poinciana et de renvois très libres m’amuse.
Vous-même êtes contrebassiste. Est-ce que la musique vous inspire des formes ?
Pour moi c’est un processus. Je m’explique : quand on est contrebassiste dans un ensemble, surtout en jazz, on a un rôle de leader, mais qui reste en arrière-scène. Bien souvent on pense que c’est la batterie qui donne le tempo, mais en réalité c’est le contrebassiste. Quand j’ai monté mon agence, j’aimais justement être le gars en arrière-scène qui orchestre tout pour que mon équipe puisse à son tour créer des solos. On est ici et on travaille tous ensemble. Cette ambiance de musique et d’improvisations nourrit vraiment le travail. C’est une jam session. Lorsque je reçois des gens en entretien, je leur raconte souvent cette histoire qui était arrivée à Miles Davies quand il était en train d’enregistrer un disque dans les années 1950. Pendant la préparation, un de ses saxophonistes vient le voir en lui demandant « Miles tu veux que je joue quelles notes » et Miles Davies lui répond « play what the fuck you want! » (joue ce que tu veux bordel !). C’est vrai ! vous êtes musiciens, ne demandez pas quelles notes il faut jouer, jouez ! Il n’y a jamais de mauvaises notes comme disait Herbie Hancock. Donc ici, il ne faut pas venir au bureau me demander ce qu’il faut faire. Vous êtes professionnel, designer, architecte d’intérieur, alors proposez ! Et si vraiment ça ne marche pas, on en parlera. Personne ne peut vous apprendre à créer. Soit vous créez, soit vous ne créez pas. En revanche on peut vous enseigner le contexte dans lequel vous allez créer. Et ce contexte d’art et d’histoire a cinq mille ans. En tant que créateur, j’estime que c’est votre devoir de le connaitre. C’est ce qui nourrit votre vocabulaire, votre langage et qui vous donne le moyen d’improviser librement… donc de créer !
Sur le chantier de la maison Ruinart vous avez exploré de nouvelles matières à partir d’éléments authentiques tels le Wine paper. Comment vous est venue l’idée ?
En visitant le site, j’étais impressionné par le silence qui régnait sur ces 26.000 mètres carrés comprenant jardins, terres, bâtiments de productions, le tout accompagné d’une remise en question en tant que créateur : que pouvais-je apporter à la plus vieille maison de spiritueux du monde ? J’ai alors réalisé assez vite qu’il ne fallait pas apporter mais exporter les choses. J’en ai parlé au président de l’époque, Stéphane Baschiera, en lui expliquant que tout ce dont j’avais besoin existait déjà sur ce site. Pour le minéral, je pouvais extraire la pierre des crayères, remployer les anciens fûts pour avoir du bois ou me servir des bouteilles pour le verre. Mais à un moment, j’ai eu un souci budgétaire et esthétique pour recouvrir un mur. Je voulais faire du papier-peint, or dans mon esprit, qui dit papier dit plante, qui dit plante dit vigne, qui dit vigne dit raisin… Ainsi, par association libre d’idées, j’ai choisi de faire du papier à base de raisin. En effectuant des recherches on s’est rendu compte que ça n’existait pas. J’ai alors contacté un vigneron en Bourgogne qui a fait des essais avec le pressage des peaux de raisin. Il y a eu plein de problèmes avec les premiers échantillons. Le papier commençait à moisir, les pépins restaient collés… Puis j’ai rencontré un artisan en Bourgogne spécialisé dans la fabrication de papier avec du lin et du chanvre. Ce mélange entre le raisin et le lin donnait une consistance au papier mais faisait aussi un nouveau lien avec l’histoire des moines de Dom Pérignon. Leur gourde avait des bouchons en liège maintenus par des ficelles en chanvre. Donc mélanger le raisin des vignes de Ruinart m’a permis de faire un produit spécifique à cette maison, au point que l’on peut parler d’une cuvée de papier. Et ce qui m’enchante encore plus dans ce développement du langage, c’est qu’il y a une osmose entre les vignerons de Ruinart qui font leur champagne une fois par an et moi qui fait aussi un papier tous les ans.
Vous considérez-vous comme un partisan de matériaux écoresponsables ?
Être écoresponsable est important bien sûr. On peut penser le mobilier dans cette optique-là, mais des gens bien plus spécialisés que moi travaillent sérieusement sur ces projets à tel point qu’ils sont déjà prêts à les industrialiser. Mais pour moi, être écoresponsable n’est pas suffisant. Il faut être créatif, rajouter une notion esthétique. Il faut inscrire tout cela dans l’Histoire des Arts décoratifs. Il y a une sorte de va-et-vient entre l’actualité et cette tradition française des Arts décoratifs qui m’est primordiale.
Vous semblez avoir un profond respect pour l’art classique français et italien. En 2013 par exemple, lors de l’exposition « Transposition », le musée Carnavalet vous a invité à établir un dialogue entre votre mobilier et les collections du musée. Comment avez-vous abordé cela ?
Être invité par le musée Carnavalet qui rassemble des objets fascinants était énorme. Mais je reste un enfant des années 1960. Même s’il y a des influences plus anciennes, je fais du mobilier d’aujourd’hui, donc je n’ai pas la prétention de mettre en rapport les boiseries extraordinaires du musée avec mon travail. Il faut juste arriver, poser ses œuvres, et les laisser comme ça, parfois en contrepoint avec des pièces historiques. Cette confrontation contemporain/historique est suffisante. Chaque pièce renvoie une lumière de façon à laisser le visiteur libre de tirer ses propres conclusions. C’était ça le but de « Transposition ».
Vous présentiez ces pièces sous le nom d’Elliott Barnes Sessions…
Quand le musicien va enregistrer on appelle ça une session. C’est le concept de sortir une collection, un disque. J’y présentai Onde, Pli, Petal, Replis I et II, Orbite et aussi d’autres pièces que j’avais dessinées pour Ecart International entre autres.
L’actualité évoque une nouvelle collection de luminaires Iqanda. Pouvez-vous nous en parler ?
Iqanda est le résultat d’une rencontre avec Antoine Tisserant. Il avait dans son showroom des œufs d’autruche qu’il m’a envoyés. Je les ai gardés pendant pratiquement un an, comme si Antoine avait semé dans ma tête des graines d’idées qu’il laissait germer. Je l’ai recontacté pour en faire des luminaires. Il y a réellement une tradition séculaire de l’œuf d’autruche dans l’histoire des Arts décoratifs. De ces cadeaux rapportés d’Orient, on en faisait des objets d’art en les gravant. Mais je voulais partir dans le travail de la forme et mettre en valeur le métier de bronzier d’art de Tisserant, notamment avec ce travail de cannelure qui leur est propre. Dans le langage sud-africain, Iqanda signifie œuf. Ils ont été coupés avec une lame diamantée et l’intérieur a été poncée pour retirer la peau. Quand elle pond, l’autruche ne fait jamais des œufs de même dimension. Chaque œuf est donc unique.
Avez-vous ressenti une différence dans le travail de la décoration lors de votre passage des Etats-Unis en France ?
Ma dernière expérience dans une agence américaine remonte à plus de 15 ans maintenant, donc ça a certainement bien changé depuis, mais j’ai le souvenir que lorsqu’on avait besoin d’une porte par exemple, on choisissait simplement dans un catalogue la forme, les poignées, les charnières etc. Alors qu’en France, à mon arrivé chez Ecart International, il fallait complètement dessiner les portes des maisons ! Du coup, j’ai appris à les dessiner avec leur structure, leurs éléments… Puis sur les chantiers, j’ai rencontré les vrais artisans : Je voyais les staffeurs en train de travailler le plâtre avec leurs mains, faire des moulures, les compagnons façonner sur place les éléments. J’étais stupéfait. C’est vraiment là où j’ai développé cette appréciation pour l’artisanat d’art français. C’est vraiment unique au monde. Aujourd’hui, je m’appuie beaucoup sur la créativité des artisans et des fournisseurs avec qui je collabore. J’adore Martin Berger, Manon Bouvier, ou Phillipe Hurel par exemple, mais aussi les gens que je rencontre sur les chantiers.
Quels sont les savoir-faire qui vous enthousiasment le plus ?
Sans hésiter la marqueterie et les coloristes. La couleur me fascine réellement. Elle est compliquée, je l’étudie pour mes collections de tapis avec Tai Ping. En ce domaine, Tai Ping sont vraiment des maîtres avec ce travail de laine et de soie. Discuter de la couleur avec eux c’est vraiment impressionnant. J’ai dû étudier les travaux de Joseph Albers (1888-1976) pour aller un peu plus loin. Il me reste encore beaucoup de travail à faire.
Vous avez été l’un des principaux collaborateurs d’Andrée Putman. Comment s’est passée votre rencontre ?
J’avais déjà un projet de venir habiter en France depuis l’âge de 15 ans environ. J’étais dans un lycée français aux Etats-Unis et j’étais profondément marqué par le cubisme et par les personnalités comme Gertrud Stein, Hemingway, Picasso et toute cette époque-là. J’y faisais déjà plusieurs voyages pour rencontrer des architectes, de façon à comprendre la vie parisienne et voir comment je pouvais m’y insérer. Puis j’ai découvert le travail d’Andrée Putman dans la presse. Avant de faire de la création, le studio Ecart d’Andrée Putman consistait à rééditer du mobilier moderniste tombé dans l’oubli à l’époque. Sa connaissance de l’Histoire pour faire de la création faisait sens pour moi. C’est pourquoi je suis allé la voir.
Quel est l’aspect qui vous a le plus marqué dans son travail et qui vous influence encore ?
La curiosité. Ce refus d’être enfermé dans une catégorie. Andrée a côtoyé toute sa vie des artistes incroyables. Elle a atteint dans son travail une véritable liberté d’artiste. Andrée ne voulait jamais se répéter. Je me souviens des séances de travail avec elle où il fallait saisir cette chance de créer et aller toujours plus loin et se remettre en question. Tout le personnel de l’agence était d’ailleurs très jeune. Cette jeunesse lui donnait des idées. C’est ce que je fais exactement ici dans mon agence. Comme elle, je cultive cette sorte d’échange, de master class.
Vous consacrez une part de votre temps à la transmission. Vous enseignez en effet à l’Ecole des Arts déco. Quelle discipline y enseignez-vous ? Quels sont les enseignements les plus précieux que vous voulez transmettre à vos élèves ?
Je donne des cours d’architecture d’intérieur. A l’intérieur de ça, j’essaie de donner des outils à mes élèves qui leur permettraient de confronter différents types de problèmes. Encore une fois, je ne peux pas leur enseigner la créativité, ce n’est pas mon domaine. Mais je peux leur montrer différents outils qui leur permettraient de nourrir leur propre créativité et apporter des solutions à des situations. Concernant la transmission, ce sont les élèves qui m’apportent quelque chose. Depuis mes tous premiers cours à l’université, quand on doit expliquer quelque chose à quelqu’un, on apprend à organiser ses idées et à se mettre en arrière, en toute humilité. Il n’y a que les étudiants qui peuvent vous apporter cela. C’est une grande leçon. Ce qui est important ce n’est pas mon projet mais le leur et je les aide à faire de leur mieux.
Ensuite, qu’ai-je à leur apporter ? Tout d’abord l’Histoire et la théorie de l’architecture pour connaitre sa gamme et ses accords. Comme je le disais tout à l’heure, ça mène vers cette possibilité d’improviser, de créer. Enfin, il est toujours important de prendre un crayon avant de prendre un clavier d’ordinateur. Notre métier est avant tout de dessiner et de communiquer des informations à travers un dessin, sans quoi vous compromettez vos idées.
Quel est votre regard sur la jeune génération d’artisans qui s’installent ?
Ça doit être très compliqué. Mais aujourd’hui on a une meilleure appréciation du travail artisanal qu’il y a trente ans. On apprécie les choses faites à la main, d’autant plus que dans ce « fait main » il y a ce geste de faire quelque chose pour quelqu’un d’autre. Je pense que dans cette société où l’on vit à travers nos portables, on a tendance à perdre cette notion de « quelqu’un a fait ça pour moi ». C’est ce que préservent les chefs avec cette notion basique de nourrir quelqu’un. C’est une chance, un honneur et une véritable responsabilité. L’engouement des jeunes artisans qui rentrent dans ce contexte est merveilleux, on a donc bien progressé.
En septembre dernier, lors de la Milan Design Week, Cassina lançait officiellement dans son showroom des collections dédiées au secteur du contract (hospitality, bureaux, espaces commerciaux, hôtels, restaurants..) Une ligne sobrement baptisée Cassina Pro, que nous expliquait Luca Fuso, président directeur général du groupe.
Comment se distingue Cassina Pro des collections résidentielles ? Est-ce avant tout une adaptation de produits à un secteur professionnel plus que de la création de collections dédiées ?
Luca Fuso : Nous avons constaté qu’il y avait effectivement une forte demande, dans les secteurs de l’hôtellerie-restauration et des bureaux, de produits qui aient une certaine esthétique et un grand confort, tout en répondant à l’utilisation particulière, intensive, de ces secteurs. Nous avons donc décidé de sélectionner plusieurs modèles iconiques des collections de Cassina et de les adapter. Mais nous avons aussi quelques nouveaux modèles.
Comment concrètement procédez-vous à ces adaptations ?
Luca Fuso : On garde bien sûr les formes. Parfois on adapte les tailles, comme c’est le cas par exemple avec les collections Volage designées par Philippe Starck où l’on a légèrement réduit la profondeur des assises, on va rajouter un piétement pour la stabilité (comme pour le fauteuil pivotant LC7 de C. Perriand) . Ensuite on adapte surtout les revêtements aux normes du secteur : on a des tissus ignifuges, à la résistance certifiée ( par exemple BIFMA et GreenGuard). Et on actualise bien entendu la technologie (électrification, intégration de prise USB…) , sachant que déjà on adapte les systèmes électriques de nos produits suivant le pays. Parfois les adaptations ne portent pas sur des questions techniques mais sur des gammes de couleurs exclusives.
Vous transposez finalement l’ADN de Cassina dans le secteur pro, en gardant ce principe de réédition ?
Luca Fuso : On ne revient pas sur l’histoire de Cassina : notre portfolio comprend des collections qui datent de 1965 qui perdurent. La réédition fait partie de l’image de Cassina, les produits traversent le temps, ils sont adaptés pour répondre aux usages contemporains : on prévoit le passage de câbles, on adapte les tiroirs, les systèmes de fermeture par exemple. Mais Cassina Pro présente aussi des modèles qui ne sont pas des rééditions, mais des éditions conçues à partir de relectures d’archives. Nous sortons ainsi le Petit bureau en forme libre de Charlotte Perriand (dessiné en 1956) et l’adaptation du bureau LC10 de La Semaine à Paris ( Salon d’automne 1929). Nous avons aussi de nouvelles collaborations comme avec le designer américain Jeffrey Bernett (ndlr : fauteuil Exord).
Cassina a annoncé aussi cette année le rachat de la maison Karakter ?
Il y avait un rapprochement évident : Karakter fait en plus « petit » le même travail que Cassina : présenter des produits de maestri combinés avec des créations de nouveaux designers.
Il y a deux ans, Cassina présentait aussi le Cassina Lab avec notamment à Paris la présentation d’un canapé de Philippe Starck avec un revêtement en cuir végétal, issus d’épluchures de pomme. Où en est ce projet ?
Il est toujours au stade de prototype, il ne répond pas encore de façon satisfaisante à nos critères de mise en marché, notamment en termes de résistances et de process de production. Mais nous l’avions exposé pour lancer le Cassina Lab. Ce département a démarré il y a deux ans. Le premier objectif était de créer une équipe dédiée à l’innovation, à la recherche de matériaux avec une application possible dans l’industrie du meuble. Nous avons un partenariat avec Polytechnico de Milan, l’objectif est vraiment d’avoir des équipes pluridisciplinaires, biologistes, chimistes, architectes, ingénieurs, designers… Cette année, nous avons par exemple réédité le canapé Soriana de Tobia Scarpa. Dans le cadre des recherches du Lab, le polyuréthane de la structure d’origine a été entièrement remplacé par des microsphères en BioFoam (ndlr : mousse à base de biopolymères obtenus à partir de ressources naturelles ). Ce matériau résistant est adapté à un usage pérenne, tout en étant biodégradable et compostable. Pour l’assise, nous avons aussi utilisé des fibres en PET recyclé, qui garantissent un grand confort.
Car la recherche du confort rejoint le deuxième objectif du Cassina Lab, qui est le « well being ». Nous partons vraiment des produits de l’habitat auxquels nous venons ajouter des fonctions. Par exemple, l’an passé, nous nous sommes intéressés à la chambre, une pièce où nous passons beaucoup de temps. Nous avons ainsi travaillé sur des têtes de lit qui absorbent le bruit, « augmenté » des tissus pour qu’ils filtrent l’air, grâce à une technologie brevetée.
Les deux marques iconiques du design populaire fêtent leur anniversaire. Prisunic, c’est fini, mais pas tout à fait ! En fusionnant depuis 1997 avec Monoprix et les Galeries Lafayette, les deux marques ont réinventé le design au quotidien, et accessible.
Cet événement ponctuel et ciblé pour les nostalgiques ou collectionneurs est l’occasion d’acquérir et (re)découvrir des pièces cultes des années 1970, qui n’ont pas pris une ride. Au sein d’une boutique éphémère et en ligne, les créations pour Prisunic de 5 designers emblématiques de cette époque ont été rééditées, en série très limitée, et proposées à la vente. Une façon de remettre au goût du jour le talent de créateurs, parfois oubliés.
Réédition de 5 designers emblématiques des années 70
Pour les 90 ans des deux marques Prisunic et Monoprix, Cécile Coquelet, directrice de création de Monoprix, souligne l’ampleur du projet : « Nous avons choisi de scinder l’évènement en trois phases : la réédition de meubles et d’accessoires de 5 designers emblématiques de Prisunic des années 70 que nous avons réunis, celle de 150 objets de créateurs, et enfin la participation à l’exposition au MAD à Paris retraçant l’histoire des enseignes. » Avec Prisunic, pionnière du design populaire français fondée en 1931, les designers de l’époque se sont replongés dans les années phare du design industriel, en portant un regard actuel. L’un des fils de Terence Conran (décédé en 2020) Marc Held, Danielle Quarante, Jean Paul Garrault, Claude Courtecuisse… Tous, ont répondu à l’appel. Les modèles sélectionnés ont été fabriqués à l’identique à partir des dessins originaux des designers, et se rapprochent le plus possible des matériaux d’origine, sans être vintage.
Terence Conran, la simplicité au quotidien
D’après les photos de mobilier et d’objets de Terence Conran, pour le premier catalogue Prisunic, les pièces du créateur de l’enseigne Habitat, sont d’une modernité intemporelle évidente. Les assiettes ultra simples de la collection capsule Mono Design, créées en 2000, affichent leur style shaker tandis que le fauteuil le coffre et la desserte, leur singularité tout en restant des produits de design grand public.
Marc Held, une lampe d’exception et un fauteuil relax
Architecte, designer et photographe, Marc Held avait conçu cette lampe exclusivement pour le bureau du président François Mitterrand à l’Elysée en1983, accompagnée d’un ensemble de mobilier en bois. À partir de ses archives personnelles, il propose pour cette rétrospective, le modèle d’origine en trois finitions, doré, inox, noir mat. Un fauteuil en cuir, toile et métal, à la fois décontracté et raffiné, montre une autre facette de son talent.
Danielle Quarante, l’élégance intemporelle
Lauréate du concours Shell en 1970, initiée par Prisunic, la designeuse Danielle Quarante propose une petite table en métal réalisée d’après un dessin original jamais exploité par Prisunic à l’époque et une lampe seventies. Toutes deux sont mises à l’honneur pour l’évènement. Elle avait créé aussi pour Prisunic, le fauteuil empilable Balthazar, vendu à sur catalogue. A l’étude pour sa réédition, ce siège sera fabriqué en composite recyclé, plus écologique que l’ABS d’origine.
Jean-Pierre Garrault, un festival de couleurs
De ses archives personnelles des années 70, l’artiste designer Jean-Pierre Garrault a extrait 5 dessins, parmi les 1500 imprimés colorés. Les formes géométriques très graphiques et hautes en couleurs témoignent de sa vive créativité. Les tapis et la vaisselle qui dynamisaient hier le quotidien sont encore d’actualité. A utiliser donc, sans modération…
Claude Courte-Suisse, l’innovation avant tout
Ce designer industriel, dessinateur, sculpteur et photographe, prolifique a toujours eu un regard curieux et une réflexion large sur les matériaux industriels. Entré au musée, dans plusieurs institutions, avec ses fauteuils en skaï, ces créations sont rééditées en version textile, plus confortable et plus écologique aussi.
Pop-up store Prisunic, du 3 au 11 décembre de 11h30 à 19h30, 5 rue Saint-Merri, 75004 Paris.
Monoprix.fr à partir du 3 décembre, www.monoprix.fr
Germain Bourré nous accueille dans son atelier-maison à Montreuil, dans le Grand Paris. Sur une table en Formica jaune, avec derrière lui la Taccia de Castiglioni (Flos) et sous une Tolomeo Mega de Michele de Lucchi (Artémide), il nous explique les objectifs du bureau Germ-Studio : cultiver une expertise d’accompagnement par le design pour apporter une pluralité de réponses sur mesure au service de l’alimentation de demain.
Formé à l’ESAD de Reims, de 1995 à 2000, Germain Bourré n’hésite pas à citer ses mentors : Marc Brétillot, Mathilde Brétillot, Stéphane Bureau, Matt Sindall, Vincent Beaurin… avec Gervais Jassaud aux commandes, tous présents à l’école dans un bouillonnement créatif sans limite. Créée trois ans en amont, la section design avait tout à prouver. Chacun arrivait avec son background. Marc Brétillot, « garçon boucher » formée à Boulle, Mathilde, « dame de porcelaine » enseignante à Camondo… avec des pratiques du design complémentaires et des croisements de fers où chaque élève pouvait trouver son territoire d’épanouissement.
La pêche à la mouche et le design
« Mon mémoire a porté sur « La pêche à la mouche et le design » et il est toujours valable. Tout était là dans le rapport au dessin, le rapport à l’outil et avec cette volonté d’être à l’écoute. Je pratique la pêche à la mouche depuis toujours. Ma famille habite Blois. J’y ai fait un bac S, avec option dessin pour pouvoir faire tous les concours d’écoles d’architecture. Quand j’ai eu le concours de l’École Supérieure d’Art et de Design de Reims et que j’ai réalisé tout ce que pouvait faire le designer, à toutes les échelles, de l’architecture à l’objet, j’ai tout de suite adhéré. »
Pendant ses années d’études, il se retrouve seul à Reims et se met à cuisiner. Il était pour lui hors de question de « mal manger ». Il se met à cuisiner avec sa mémoire, la mémoire de la cuisine de sa mère et de ses grand-mères et des plats traditionnels aux différentes étapes de leur cuisson.
« Je goûtais tout, tout le temps et je posais le même regard sur la cuisine que sur un bois ou un plastique. Vous saisissez la viande, vous faites un roux… je demandais pourquoi et mes grands-mères me répondaient, c’est comme ça. Après, à la lecture d’Hervé This, le physico-chimiste, ça été le grand bouleversement. Avec Pierre Gagnaire, ils sont toujours fidèles au poste et n’en finissent pas d’expliquer l’alchimie de la cuisine dans des démonstrations sans faille comme L’œuf de 100 ans ».
Avec Marc Brétillot, il choisit de présenter son diplôme avec simplement des objets que l’on mange, présentés sur des plaques en verre pour s’abroger de la question du support et dire qu’on peut avoir une vraie démarche de plasticien et de designer, associée avec un chef. Il travaille avec Arnaud Lallemand, fils de chef pour ouvrir de nouveaux champs au design. Il présente donc cinq plats et obtient son diplôme avec Félicitations ce qui offre à Marc Brétillot, une porte ouverte pour créer cette formation design culinaire à Reims.
Concept de bar à soupes et quenelles mobile, pouvant s’implanter de manière éphémère aussi bien en extérieur qu’en gare ou aéroport. Travail sur la transparence et l’évocation de l’ultra-fraîcheur et la saisonnalité des produits.
Le voyage à Tokyo
En 2000, il fait ses classes chez Jean-Marie Massaud. En 2005, il ouvre son studio et commence tout de suite à travailler à Tokyo sur des événements culinaires pendant la Tokyo Design Week. Quand il va à Tokyo, il reste une dizaine de jours pour mettre en place l’événement et travailler avec Mathieu Taussac, chef cuisinier, sur place.
« J’ai commencé à dessiner des objets naturellement en lien avec le culinaire, avec le végétal, avec le vivant jusqu’à développer une maison d’édition, Miloma, qui produit en 2007 des étagères potagères aujourd’hui très à la mode. Leurs copies récoltent des Design Awards partout. »
Entre 2008 et 2012, il travaille pour Veuve Clicquot et crée des menus dégustations pour éclairer les particularités des gammes millésimées de Champagne. C’est le projet qui lui permet de reprendre la parole sur le design culinaire. Il fait un peu d’événementiel pour les 90 ans de la Vache qui rit ou la BNP. Avec Giraudet, soupes et quenelles, il assure un accompagnement beaucoup plus long où il prend le rôle fondamental du designer dans l’entreprise : il reprend leur histoire, leur savoir-faire, contextualise leur zone géographique, remet à plat, et propose une image, des boutiques (trois à Paris) et une cuisine mobile et autonome pour leurs évènements intérieurs et extérieurs. À Chaumont-sur-Loire, il propose une vision pour l’avenir de la rue qui devient un jardin partagé où le vivant et la biodiversité deviennent les éléments structurels.
Cocon végétal au cœur des rues de Paris qui accueillent 35 couverts le temps d’un service. Comme une place ou un deck à la pointe du Médoc, les tables d’hôtes accueillent des instants de partage et de convivialité comme des banquets ou marchés improvisés en découvertes de produits. Un mobilier conçu sur mesure pour répondre aux enjeux d’une implantation urbaine. Dotés de volumes de terre conséquents pour un développement végétal fructueux et naturel. Le temps d’un service, les plateaux de table viennent s’y greffer pour une dégustation en immersion.
Le design au service du vivant
Aujourd’hui il coordonne et enseigne au sein du Master Design & Culinaire de L’ESAD de Reims. Un espace supplémentaire de recherche où il s’assoit autour d’une table pour partager sa passion de la matière vivante et questionner avec ses étudiants l’avenir du métier de designer face aux enjeux culturels et économiques de l’alimentation de demain. Il a fondé Germ-Studio, pour se doter d’un outil de travail plus ouvert encore à toutes les compétences invitées dans des projets de plus en plus ambitieux. « Germ, parce qu’à l’image du microbe nécessaire à tout équilibre de vie, le design c’est aussi le grain de sable dans l’engrenage qui permet de prendre du recul et d’ajuster méthodes et visions. Un nom qui a trouvé une résonnance toute particulière en cette période de pandémie où le vivant s’est imposé en venant bouleverser nos mécaniques de croissances sans vergogne. »
Cloches Tempérées, 2012 © GermStudio
Germain Bourré cultive un regard indiscret sur les matériaux et savoir-faire qu’il aborde jusqu’à constituer un bestiaire formel et coloriel lui qu’il partage avec les plus grands chefs.
Selon lui, « demain nous aurons accès à des produits, d’un côté plus techniques et sophistiqués, de l’autre d’une qualité brute inégalée, pour lesquels il convient de concevoir des postes d’observation et de contemplation. »
C’est ainsi qu’il a imaginé de rendre visible ce que l’on range habituellement dans un réfrigérateur. Par le truchement de cloches tempérées, conçues pour optimiser la conservation et pour offrir des points de vue particuliers sur les produits, il créé des compositions qui, telles des natures-mortes contemporaines, se renouvellent au gré des marchés. Le garde-manger, reprend une place de premier choix dans l’espace de la cuisine, magnifiant le produit brut et naturel, avant sa transformation.
À l’échelle de la ville
Les commandes d’installations végétales à l’échelle de la ville, à l’échelle des façades où les champignons poussent en se nourrissant de carton, bois, marc de café, sont l’allégorie d’un réseau de communication ultime pour les sols. Son installation (Surfaces Comestibles) en 2017 à la Cité de la Mode et du Design en témoigne : La ville redevient fertile pour les terres avoisinantes.
« Avec le projet de Laboratoire SOLS intégré au studio, nous sommes en quête d’une intelligence économique pour mener de la recherche, notre sujet et mettre en lumière les énergies tangibles et sensibles, de la terre à l’assiette, pour choisir notre alimentation de demain ».
Surfaces Comestibles, design prospectif 2017
Hauteur : 9 mètres // Matériaux : structure acier, peinture époxy
Avec « Surfaces Comestibles », les façades ombragées et intérieurs des bâtiments accueillent un vivant micellaire pour nos assiettes tout en transformant sans transport supplémentaire, nos rebuts de carton, papier, bois, café en un substrat ultra-fertile pour les terres avoisinantes.
La ville et sa densité participent à la dynamique des sols de demain.
Grand Prix de la création
« Être Lauréat du Grand Prix de la Création de la Ville de Paris 2018, m’a notamment conforté et encouragé à poursuivre la recherche en parallèle et avec mes clients. 95% de nos clients ont trait à l’alimentation. Je viens de développer une session sur l’identité culinaire à l’Institut Paul Bocuse de Lyon et j’accompagne les agriculteurs sur des questions nouvelles par rapport à l’agriculture, comment se diversifier et comment être acteur de l’alimentation de demain.
Le projet en décembre, c’est l’épanouissement des boutiques C’Juste, marque de fruits et légumes et que nous accompagnons à 360°, du positionnement aux boutiques en passant par l’identité visuelle et les prises de parole et l’écriture du positionnement culinaire du restaurant du MOBHOUSE dont l’ouverture est prévue en début d’année. »
Une belle collaboration avec Cyril Aouizerate, l’entrepreneur philosophe défenseur du bio et du local.
L’expérience client
Au sein de La Réserve Paris, de Michel Reybier, il accompagne le chef deux étoiles Jérôme Banctel dans son positionnement, son identité culinaire et l’écriture de l’expérience client du restaurant Le Gabriel. En coordination avec l’équipe de salle et les équipes de cuisine, les réponses sont multiples : il a imaginé des « Voyages immobiles » pour un embarquement immédiat au gré des explorations culinaires du chef qui prennent racine en Bretagne.
La création d’un passeport, donné à l’entame du périple culinaire, permet de partager des anecdotes d’enfance, des histoires de plats et des découvertes de techniques de cuisson.
Les arts de la table sont dessinés ou sélectionnés avec précision pour évoquer, inviter, suggérer. La collaboration avec l’Atelier Lucile Viaud permet l’apparition d’alignements de pierres levées en verre marin Opale. Un chariot à mignardises vient clôturer l’expérience avec une apparition surprenante de « cartes postales » sucrées comme autant de souvenirs du voyage.
Chariot de Mignardises, Restaurant Le Gabriel, 2019
© GermStudio
Réalisation : Atelier Archétype
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