Design
Quand Eberhardt, distributeur spécialisé d’appareils ménagers et professionnels de production européennes les plus emblématiques, ouvre une vitrine à Paris, il ne l’envisage pas comme un simple lieu de vente mais véritablement comme un lieu unique d’exposition, de démonstration et d’expérience pour ses trois marques haut de gamme : Liebherr (réfrigérateurs, congélateurs et caves à vin), Asko (cuisson et lavage) et Falmec (hottes).
C’est à l’agence de design et retail Messieurs que la maison alsacienne a confié la conception de ce nouveau projet, le LiveStore Eberhardt. Nourri par la consultation de tous les services d’Eberhardt, Victor Boëda, designer et cofondateur de l’agence, a ainsi retranscrit dans cet espace de 175m2 une identité visuelle emprunte de clins d’œil régionaux (colombages revisités entre lignes graphiques et structures de verrière) et un aménagement qui ramène l’idée du vivant (mur végétal) au sein de matériaux chaleureux et des produits très industriels.
Le LiveStore invite alors dès sa vitrine à une découverte et une expérience complète des produits à travers un parcours privilégié en compagnie d’experts, afin de rendre compréhensibles les différentes technologies très avancées, de tester les usages en situation réelle, de manipuler les appareils dans des zones d’expérience, et bientôt de les réparer !
Un concept à la fois humble et généreux qui traduit la volonté de se sentir comme chez soi pour choisir l’équipement véritablement adapté à ses besoins. Et une promesse qui engage également Eberhardt auprès des professionnels et du grand public comme « marque de confiance », puisque qu’elle garantit l’accompagnement après achat (conseils, accessoires, entretien, réparation…) grâce à ses marques engagées dans la durabilité de leurs produits (dans leur durée de vie – 20 ans – et la durée de disponibilité des pièces détachées – 15 ans).
Dans les nouvelles habitudes d’achat, cet espace connecté, interactif et ludique apporte une réelle valeur ajoutée par rapport aux plateformes de vente, ainsi qu’une véritable réassurance face à l’innovation de pointe. De nombreux événements, rencontres, manifestations artistiques autour des produits sont prévus pour faire vivre le LiveStore.
On aime recevoir chez Eberhardt ; avec Monolith on a largement de quoi
Innovation et usage étant au cœur de ce nouvel espace, il n’est pas de meilleur environnement pour découvrir et apprécier Monolith de Liebherr, qui déploie jusqu’à 2,40m de grand froid. Pensé pour le marché américain, Monolith est une gamme intégrable de réfrigérateurs, congélateurs et caves à vin, récompensé du Prix IF Design Award 2019. Désormais disponible en France, Monolith est au frigo ce que le dressing est au placard !
Liebherr a en effet concentré l’ensemble de ses technologies les plus performantes dans des écrins d’acier inoxydable aux lignes épurées et intemporelles d’un fonctionnalisme allemand de la plus pure tradition, et qui ne servent qu’à mettre en valeur et préserver les denrées les plus divers. Si un bon design est innovant, discret, honnête, durable, approfondi et respectueux de son environnement pour le moins, alors les systèmes performants que sont le PowerCooling, tiroirs HydroSafe ou DrySafe (distribution homogène d’air froid avec hygrométrie réglable en focntion des aliments), le BioFresh, qui prolonge la durée de conservation et la fraîcheur des aliments, le pilotage à distance SmartDevice, l’amortissement de fermeture SoftSystem (épargnant les bouteilles des vibrations), ou l’éclairage InfinityLight (uniforme et sans dégagement de chaleur) font de cet ensemble une nouvelle icône en la matière !
Louis Vuitton annonçait ce dimanche la disparition de Virgil Abloh, directeur artistique depuis 2018, emporté par un cancer à l’âge de 41 ans. Ce grand créateur bousculait les codes du luxe, qu’il voulait plus inclusif, engagé dans l’affirmation des cultures afro-américaines et la diversité. Dans une fusion des styles, il multipliait les propositions entre mode, art contemporain et design.
Avec sa trajectoire fulgurante, Virgil Abloh marquera son époque et surtout en inspirera plus d’un. À 22 ans, ce natif de l’Illinois fait son entrée dans le monde de la mode en devenant le styliste du rappeur Kanye West. Quelques années plus tard, il intègre la marque luxe italienne Fendi, et met un pied indirect dans le groupe LVMH. En 2013, il fonde Off-White, sa première marque de vêtements. Sa signature créatrice ? Apporter l’énergie de la rue, importer le streetwear dans le haut de gamme, en s’appuyant sur un graphisme fort. Le styliste va gagner différents prix prisés dans le milieu de la mode, et surtout séduire la maison Louis Vuitton qui le nomme directeur artistique en 2018. L’objectif est clair : séduire les milleniums, répondre à une jeunesse qui demande des gages d’inclusion. Pour la presse, il prendra très vite un surnom de « l’empereur du cool ».
Un créateur multidisciplinaire
Formé à l’origine en architecture et génie civil, le créateur aime la pluridisciplinarité : En 2019 le musée d’art contemporain de Chicago lui consacrait une retrospective baptisée « Figures of Speech » : on y retrouve notamment des pièces de sa première exposition solo « Pay per View », avec notamment ses détournements de panneaux publicitaires de grands groupes. De Chicago à Londres ou Tokyo, ses œuvres largement inspirées de la contre-culture sont exposées de par le monde. Et plus récemment à Paris : en 2020 la galerie Kreo présentait« Efflorescence », parmi ses dernières séries : un savant travail de la matière, le béton, tagué et graffité, et un miroir ajouré à la streetwear.
©Morgane Le Gall Courtesy
Musique, stylisme, art contemporain… l’artiste ajoute aussi la corde du design à son arc. Et dans une vision très panoramique. S’il a collaboré avec Nike, on repère ses collaborations capsules avec IKEA, dans la stratégie de la marque suédoise de rechercher des « signatures » pour ses collections tout en gardant des « prix serrés » : la collection Markerad, conçue pour les petits espaces, partira en un temps record. Baccarat, Levi’s, Vitra… les collaborations sont très diverses : il sera aussi conseiller de la marque Evian. Braun fera aussi appel à lui pour fêter ses 100 ans : 60 ans après la création du Wandanlage en 1961 par Dieter Rams, il s’empare, à sa manière de l’emblématique chaîne hifi exposée sur un mur, l’un des grands produits du design, selon l’artiste. Dans une finition chromée, le dispositif sonore évolue vers l’Art fonctionnel. « Les objets ordinaires peuvent avoir une qualité artistique si on les regarde vraiment. »
S’il a été controversé – jusqu’à parfois être accusé de plagiat –, il aura été surtout inspirant, avec une lecture ravigorante de l’époque contemporaine, faisant s’entrechoquer des énergies contraires, portant les cultures urbaines dans les plus hautes sphères.
Créé il y a un an, le studio Figures est né de la collaboration entre Claire Cousseau et Gabriel Loirat. Enrichis par leur expériences passées autour du monde et dans divers domaines – le retail, l’hôtellerie, l’horlogerie et la joaillerie pour Gabriel et dans le monde de la mode et l’accessoire haut de gamme pour Claire – ils se sont finalement retrouvés à Paris pour collaborer au sein d’un même studio. La première collection dévoile des pièces singulières qui ont su attirer l’attention, et notamment celle du Mobilier national qui a sélectionné le guéridon CALC pour sa campagne d’acquisitions 2021.
Il a une formation en architecture d’intérieur, elle en design produit. Au retour de leur expériences personnelles, ils se sont retrouvés avec la volonté de créer un studio dont les collections éditées auraient leur propre langage et reflèteraient leur univers. Très complémentaires, Claire Cousseau et Gabriel Loirat travaillent étroitement ensemble sur tous les projets « Si l’un de nous commence quelque chose, l’autre va rapidement apporter sa touche. C’est un aspect très important pour nous et c’est ce qui forme l’ADN de figures ».
© Studio Figures
Des inspirations géométriques et architecturales
Si le nom du studio figures a été choisi pour faire écho au rapport avec la géométrie et les formats que l’on retrouve dans leur créations, la première collection de mobilier s’inspire en grande partie de l’architecture brutaliste et moderniste. « Ce que l’on essaye de faire en particulier, c’est de trouver des systèmes de fabrication qui soient des détails d’architecture, et réussir à mêler le design avec l’architecture » souligne Gabriel Loirat.
Pour cette collection, les deux designers ont insisté pour avoir des matériaux et une fabrication française. Aussi, ils accordent une importance particulière aux savoirs-faire artisanaux et font pour cela appel à des professionnels pour la production. Ainsi, les trois pièces de mobilier de la collection – le guéridon CALC, le tabouret ILE et la chaise DROI –sont en chêne massif et faits main par un ébéniste. La 4e pièce de la collection, le vase porcelaine OBLIC, a quant à lui été réalisé par une céramiste. En plus de ces quatre réalisations, ils présentent également des impressions d’art, inspirées du plein et du vide, une thématique venue d’Asie. Très abstraites, ces pièces ne laissent pourtant rien au hasard et se basent sur les oeuvres de design du studio.
Toutes les pièces de la collection sont réalisées sur demande et en séries très limitées (entre 8 et 30 pièces). Ce choix a été motivé par leur volonté de rationaliser la production en évitant au maximum les pertes de matériaux utilisés. Par la même occasion, cela permet d’avoir la main et un regard avisé sur tous les produits réalisés.
Des projets en architecture d’intérieur et nouveaux matériaux
À l’horizon 2022, le studio figures ambitionne de s’approprier de nouveaux matériaux tels que l’acier ou l’aluminium pour ses prochaines créations. Aussi, ils ont pour volonté de développer une branche d’architecture d’intérieur afin d’avoir une vision plus globale dans leur travail.
Du 26 novembre au 5 décembre, les œuvres du duo Antoine Lecharny et Henri Frachon, de Marie-Sarah Adenis et de Charlie Aubry, lauréats du concours Audi talents 2021, sont exposées au Palais de Tokyo. Organisée par le commissaire Gaël Charbau, l’exposition « Mind Map » allie quête du vivant, réalité virtuelle, intelligence artificielle et design abstrait.
Depuis 2007, le prix Audi Talents accompagne des jeunes créateurs (artistes et designers) dans la réalisation d’un projet. Inspiré du concept du Mindmaping (« carte mentale » en français), qui désigne une représentation graphique des différents chemins de la pensée, le nom de l’exposition « Mind Map » fait justement référence aux différents chemins et visions que peuvent prendre une réflexion, un concept ou un principe.
Henri Frachon et Antoine Lecharny : l’abstraction réfléchie
Seul duo parmi les lauréats, Henri Frachon et Antoine Lecharny sont les instigateurs de Abstract Design Manifesto. Un travail de recherche sur le design abstrait exposé à travers une sélection de 56 objets. Leur répartition en 4 rangées symbolise les 4 axes de recherche sur lesquels ils ont basé cette démarche créative : le trou, le triangle, la dissonance et le jonc doucine (seule technique d’assemblage par le repoussage). Dans leur démarche, ils ont cherché à définir ce qui permettait d’obtenir un trou ou un triangle par exemple, ce qui n’en faisait pas un, quels procédés permettaient d’en créer… L’axe de la dissonance a également créé des questionnements car le concept reste très large, et il a souvent été question de définir ce qui est dissonant et ce qui ne l’est pas, selon eux. Concernant la jonc doucine, le procédé très technique a offert des possibilités de travail intéressants.
© Thomas Lannes
Ils décrivent leur travail comme une expérimentation du design consistant à sortir de l’usage propre de l’objet. Tous les objets exposés n’ont effectivement pas vocation à avoir une utilité, ils sont simplement esthétiques et sont la réponse à des questions bien précises. « Nous partons d’un de ces 4 principes, nous nous posons des questions, élaborons des propositions de réponses et essayons ensuite de définir ses limites. Ce qu’on souhaite c’est faire ressortir l’essence même de l’objet. » Pour autant, ils insistent sur le fait que tous les objets sont des produits finis et n’ont plus vocation à être modifiés.
© Fabien Breuil
Un rendu qui a fait appel à différents savoirs-faire : taille de pierre, broderie, charpenterie, repoussage sur métal… De fait, la moitié des réalisations exposées ont été réalisées par les artistes eux-même, tandis que l’autre partie a été co-réalisée avec des artisans qualifiés, notamment pour le principe de jonc de doucine, qui est un savoir-faire très technique et peu répandu en France.
Marie-Sarah Adenis : quand biologie et formes ne tiennent qu’à un fil
Passionnée par la quête du vivant et le monde des sciences, Marie-Sarah Adenis présente Ce qui tient à un fil, une installation aux visions croisées entre biologie, technologies, philosophie et sociologie. « J’essaye de trouver et créer des formes qui portent le récit de ce que j’ai envie de raconter ». Passionnée par les liens de parenté entre les êtres vivants et l’ADN, elle tente de faire valoir une réflexion collective à travers les installations suspendues, celles présentent au sol et à travers les casques de réalité virtuelle mis à disposition.
© Thomas Lannes
Charlie Aubry : montre-moi ce que tu portes, Internet trouvera ta prochaine tenue
Le projet P3.450 de Charlie Aubry est le résultat d’une réflexion sur l’impact de l’intelligence artificielle, du partage des données et du questionnement autour de celles-ci. À l’ère des réseaux sociaux, des cookies et des tendances Internet, Charlie Aubry interroge les comportements sur internet. Une installation imposante, interactive : elle dissimule des capteurs vidéo programmés pour reconnaître et analyser les vêtements portés par les visiteurs. Les données retenues sont ensuite envoyées vers YouTube qui propose instantanément sur les nombreux écrans composant l’installation, des vidéos en lien avec le vestimentaire. L’artiste souhaite ainsi ouvrir une réflexion sur nos modes de consommation et la sollicitation permanente d’internet de proposer des contenus en lien avec nos habitudes et intérêts.
© Thomas Lannes
Depuis 2015, l’association Matières Libres organise un concours récompensant de jeunes diplômés ou autodidactes en arts appliqués ou métiers d’art. Les lauréats de l’édition 2021 viennent d’être dévoilés.
Lancée en décembre 2015 par le créateur Mathias, l’Association Matières Libres a pour objectif d’aider des jeunes sortant d’écoles des métiers d’art, des arts appliqués ou autodidactes, dans ce passage si difficile d’entrée dans la vie professionnelle. Chaque année, un concours est ouvert à tous les moins de 30 ans sortant d’écoles d’Arts appliqués (Boulle, Duperré, Estienne, Olivier de Serres … ) ou autodidactes. Il récompense des jeunes pour leur originalité, leur savoir- faire et leur liberté créative.
Les lauréats 2021
Pour cette 4e édition, deux lauréates ont été récompensées du Prix Mathias 2021 et ont reçu une dotation financière de 5000 euros.
– Eve George , co-fondatrice de l’Atelier George pour sa création intitulée Vagues
C’est une composition de 63 carreaux de verre coloré fusionné. Chaque élément est façonné manuellement et donc différent du suivant. Eve George a développé cette technique lors de sa formation au CERFAV. Cette création a nécessité 40 heures de travail.
– Nina Fradet, ébéniste, pour son œuvre Awaseru
Fascinée par l’art japonais du tressage de bambou (takezaiku), la créatrice a cherché à transposer cette technique sur du bois massif pour la conception d’une assise stylisée. Ce projet a nécessité 200 heures de travail.
Les lauréates ont été récompensées le 15 novembre dernier à l’Hôtel de l’Industrie à Paris. Au-delà de la remise des prix, Matières Libres assure un certain suivi des lauréats, que ce soit par leur promotion lors d’expositions dans des salons professionnels, une communication sur les réseaux sociaux… ou le conseil dans leurs premières commandes.
La dernière édition du salon Workspace a fermé ses portes le 7 octobre dernier. Laurent Botton, directeur de l’évènement, revient sur les temps forts de cette manifestation tenue dans le contexte encore incertain de l’après pandémie. Pour lui, cette édition est celle des retrouvailles et des questionnements. La prochaine sera celle des premières réponses.
Alors que l’on annonce régulièrement la fin des lieux de travail, que les salons dédiés à l’aménagement tertiaire ne paraissent guère plus vaillant que le secteur qu’ils représentent, est-il raisonnable de consacrer un salon à cet objet paradoxal: le bureau, dont le nom désigne à la fois meuble et lieu de travail ?
Laurent Botton : Le salon avait déjà une longue histoire lorsque nous l’avons racheté en 2006. Nous avons repositionné une manifestation dédiée aux services généraux en deux manifestations distinctes, la première, Bureaux Expo, consacrée à l’aménagement de bureaux, et la deuxième aux services d’entreprises. Bureaux Expo a été rebaptisée Workspace Expo afin d’être mieux identifiée par nos partenaires internationaux, en particulier européens. Il faut savoir qu’après l’Allemagne, la France est le deuxième marché d’Europe en termes d’aménagement des espaces de travail. Notre force, et ce qui explique que nous continuons d’exister et même de croître, c’est que nous recevons les donneurs d’ordre, qui, faute de temps, ne peuvent se rendre sur des évènements du secteur comme Orgatech ou le salon du meuble de Milan. De ce fait, nous attirons les fabricants étrangers, côté exposant, tandis que notre visitorat augmente en France et dans les pays francophones limitrophes — Belgique, Luxembourg, Suisse romande…
Êtes-vous satisfait de la fréquentation de l’édition 2021 ?
L. B. : Nous avons reçu un peu moins de visiteurs qu’en 2019, qui était notre année de référence, ce qui est plus qu’encourageant.
Avez-vous observé chez vos exposants l’apparition d’une offre différente, post-pandémie ?
L. B. : Nous connaissons tous les répercussions de cette crise inédite sur le monde du travail, avec la montée en puissance du télétravail, souhaité ou subi, et les problèmes qu’il a posé aux employés comme aux entreprises, qui ont fait un travail extraordinaire en termes de connexion informatique, et la sécurisation des liaisons qui l’accompagne — les ransomware auraient crû de 68 % ! Pour nos exposants, qui traitent de l’aménagement de tout l’univers du bureau plutôt que des questions purement informatiques, 2021 reste un salon de questionnement : quelles sont les dynamiques qui vont s’affirmer, comment va-t-on s’y adapter ? Nous connaîtrons les premières réponses et les premières esquisses de futures tendances dans les mois à venir.
Avez-vous été tenté par une conversion du salon au format numérique ?
L. B. : Nous nous sommes bien sûr intéressés aux salons digitaux, mais ce format ne nous a pas convaincus. Notre manifestation met en avant des produits liés à l’univers du bureau — mobilier, cloisons, tables, etc. Le numérique ne peut pas restituer le toucher d’un matériau, sa couleur, ni le confort d’une chaise ou d’un fauteuil. Et sur le plan de la sociabilité, j’ai été vraiment frappé par le plaisir qu’avaient les gens à se rencontrer après deux années de régime distanciel. Ces retrouvailles dégageaient une énergie très positive, entre les discussions, les échanges de points de vue, les sourires. L’édition 2021 de Workspace nous a convaincus de la pertinence du présentiel !
L’édition 2021 de Workspace Expo a fermé ses portes en octobre, l’exposition 2022 reviendra à son calendrier d’origine et ouvrira fin mai — début juin. Ne craignez-vous pas que cette proximité de dates empêche les fabricants de préparer des nouveautés ?
L. B. : Nous avons presque 10 mois d’écart, quasiment une année sépare un salon de l’autre. Il faut également regarder cette temporalité dans son contexte. 2021 était un salon de questionnement, de confrontation d’idées, un salon dressant le bilan d’une période inédite. Les entreprises vont maintenant travailler d’arrache-pied pour intégrer ces retours et adapter leur offre à cette nouvelle donne, et je suis persuadé que l’édition 2021 apportera beaucoup de nouveautés dans les allées.
Au-delà des évolutions produits suscitées par la pandémie, avez-vous observé des tendances, des dispositifs ou des systèmes ?
L. B. : J’ai pu observer des équipements très colorés, aussi très adaptables, basés sur des systèmes démontables autorisant réassemblages et modifications au gré des besoins de l’entreprise. De mon point de vue, ces dispositifs sont intéressants, car ils correspondent à un monde où l’entreprise est de moins en moins figée. Une grande entreprise doit pouvoir se reconfigurer pour absorber la croissance ou la contraction des effectifs, survenant lorsqu’une société recrute, fusionne, change de périmètre d’intervention ou réorganise ses départements.
J’aimerais aussi mentionner les questions de made in France ou made in Europe, traduisant un souci d’écoresponsabilité. Ces questions vont au-delà de l’aménagement des espaces de travail, elles ont des répercussions sur les collaborateurs, les dirigeants d’entreprises. Il est probable qu’à l’avenir on croise dans nos allées de plus en plus de produits faisant appel au recyclage, soit le recyclage des composants d’un produit ou du produit tout entier.
Vous organisez un Prix de design, pensez-vous développer un prix mettant en lumière des produits ayant le moins d’impact sur l’environnement ?
L. B. : Nous sommes en train de réfléchir à la façon dont nous pourrions mettre en place non pas un label, ce qui dépasserait de beaucoup le domaine de compétences d’un salon, mais une manière de faire ressortir cette dimension coresponsable chez nos exposants. Imaginer un prix reste plus compliqué, car nos exposants interviennent dans tous les secteurs de l’aménagement bureau. Comment comparer les mérites environnementaux d’un revêtement de sol avec un logiciel ou des tables de travail ? Je pense là encore que nos partenaires mettront en lumière ces sujets durant les cycles de conférences organisées sur le prochain salon. Cette année, les débats avaient pour sujet principal le Post-Covid, je pense qu’ils aborderont à l’avenir les différents aspects de la question environnementale.
Depuis 2012, le prix Paris Shop & Design récompense les meilleures réalisations d’aménagement intérieur de commerces, d’hôtels, restaurants, lieux culturels. Présidé cette année par le designer Patrick Jouin, le jury a sélectionné en octobre un lauréat dans les 6 catégories en lice : Alimentaire ; Bien-être, Santé, Beauté ; Culture, Loisirs, Services aux particuliers ; Hôtels, Cafés, Restaurants ; Maison, Décoration et Mode. Intramuros est partenaire de ce prix.
Au terme de plusieurs étapes de sélection, ce sont finalement les projets de 18 finalistes qui ont été présentés au jury pour les 6 lauréats 2021 du Prix Paris Shop & Design. La Chambre de commerce et d’industrie de Paris (CCI Paris) a réuni des experts de l’architecture d’intérieur, du design, de l’architecture, du commerce et du tourisme pour faire leur choix. Les débats ont notamment porté sur le caractère innovant du projet, la cohérence entre l’aménagement livré et les objectifs de l’activités, la dimension esthétique, l’exploitation, de espace, l’ergonomie, l’expérience proposée, l’accessibilité… L’idée étant de récompenser des lieux favorisant l’attractivité de Paris.
ALIMENTAIRE / Lauréats : Boutique Patrick ROGER / Pascal GRASSO (architecte)
Une nouvelle fois, une boutique Patrick Roger a été distinguée par ce prix, chacun des projets étant uniques. Aménagée par l’architecte Pascal Grasso, cette nouvelle boutique située dans le 6e arrondissement de Paris rue de Sèvres, propose à ses visiteurs une expérience inédite, où le magasin de chocolats se confond en galerie d’art : « L’inclusion de l’art dans un espace commercial permet vraiment de donner une expérience immersive nouvelle. Ce prix célèbre ma collaboration avec Patrick Roger et la démarche de sortir des codes habituels de lieux de vente » confie Pascal Grasso. Couleurs sombres et mobilier singulier, l’architecte a pensé une boutique aux allures végétales, laissant penser à une forêt.
BIEN-ETRE, SANTE, BEAUTE / Lauréats : parfumerie Maison GOUTAL Paris / Studio Démodé
Parfumerie et cosmétiques implantée dans le marché du luxe, GOUTAL Paris dévoile à travers cette boutique située rue De Bellechasse, un lieu aux airs poétiques et naturels. Pensée par le studio Démodé, la boutique aux touches dorées et intimistes offre une découverte des produits singulière et très soignée. Ce petit espace a été repensé dans les codes initiaux de la parfumerie, un hommage simple et direct à la fondatrice de la marque : « C’est à cette adresse que la créatrice, Annick Goutal a démarré en 1981 à créer ses propres parfums. 40 ans après nous souhaitions redonner vie à ce cocon parisien chargé d’histoire » confie Anne Veyrard, directrice marketing de Goutal Paris.
CULTURE, LOISIRS, SERVICES AUX PARTICULIERS / Lauréats : La Chapelle XIV, Benjamin Belaga / Delphine Sauvaget
Dans le 18e arrondissement, galerie d’art et de design, disquaires vinyle et atelier d’impression sont réunis, au fond d’une cour, dans un lieu pluriel baptisé la Chapelle XIV. L’architecte d’intérieur Delphine Sauvaget a conçu l’aménagement décloisonné et ouvert, facilitant une circulation d’un espace à un autre tout en gardant l’esprit bien contemporain du lieu.
HOTELS, CAFES, RESTAURANTS / Lauréats : JO&JOE, Neel Tordo / Sandra Demuth et Caroline Bene-Combes (Architectes d’intérieur)
Avec ces 4 sites répartis en la France et en Autriche, JO&JOE ( groupe Accor) propose une nouvelle version de l’auberge de jeunesse, à vivre seuls, entre groupes d’amis ou famille nombreuse, et complètement inscrit dans la vie d’un quartier. Le site lauréat JO&JOE de Paris Nation a été aménagé et décoré par Sandra Demuth et Caroline Bene-Combes, toutes deux architectes d’intérieur, pour un résultat offrant des espaces communs colorés, avec notamment des fresques de street art, et des espaces de couchages (dortoir sou chambres privées) plus sobres. Une dimension design ancrée selon Neel Tordo : « Le Design est au cœur de Jo&Joe et tout particulièrement au sein de Jo&Joe Paris Nation : un lieu de rencontre à la fois chaleureux et décalé avec son design urbain. Ce prix est un succès partagé avec le studio d’architecture D+B Interior Design et le propriétaire Novaxia »
MODE ET DECORATION / Lauréats : Maurice & la Matelasserie, Elie Gamblin / Antoine Lesur et Marc Venot (designers)
Trouver son matelas n’a jamais été si confortable ! En designant la boutique Maurice & la Matelasserie située rue De la Fayette, Antoine Lesur et Marc Venot, proposent aux clients une immersion dans un lieu haut de gamme et intime. Le visiteur y retrouve 3 espaces répartis sur deux étages : le rez-de-chaussée, où sont situés la galerie lumineuse qui expose les matelas et l’atelier de confection de ces derniers, tandis que le 1er étage aux couleurs plus sombres et tamisées est dédié à l’échange pour y personnaliser et trouver le matelas parfait. Une expérience main dans la main, articulée et rendu possible par un travail de design soigné. « Nous sommes ravis d’avoir reçu ce prix pour la visibilité qu’il nous apporte, mais nous nous réjouissons surtout du fait qu’un tel concept, absolument singulier dans la vente de matelas, soit récompensé ! » confie Antoine Lesur.
MODE / Lauréats : Michel Vivien / Sophie Dries (architecte d’intérieur)
Les souliers y sont exposés comme des oeuvres sur les étagères en bois de cette boutique du Faubourg Saint-Honoré. Grands miroirs et appliques en verre soufflés habillent le lieu décoré et pensé par l’architecte d’intérieur Sophie Dries.
Un lieu imaginé et créé en équipe, dont le prix est une reconnaissance pour tous : « Ce prix est particulièrement important pour l’ensemble de l’équipe avec qui nous avons construit une relation durable et enrichissante : le curator de design Gilbert Kann et les artisans sans qui nos créations ne prendrais pas vie. » confie Sophie Dries.
Jusqu’au 6 mars 2022, « Here We Are ! Les femmes dans le design de 1900 à aujourd’hui » honore les figures féminines qui ont marqué le monde du design.
Que ce soit au sein de la mode, du design de meubles, de l’industrie ou de l’aménagement d’intérieur, nombreuses sont les femmes qui ont apporté une touche cruciale au développement du design moderne. Comme un écho aux interrogations sur la place de la femme dans la société, le Vitra Design Museum de Weil am Rein en Allemagne leur dédie une exposition où près de 85 designeuses sont représentées.
© Christoph Sagel © VG Bild-Kunst, 2021
Une exposition chronologique sur 120 ans
Très didactique, l’exposition est divisée en quatre parties chronologiques. La première, qui démarre au début des années 1900, retrace l’histoire du design en Europe et aux Etats-Unis. Une période d’autant plus importante puisqu’elle rime avec reconnaissance de la profession en tant que telle. La deuxième partie s’étend de 1920 à 1950 et présente des figures marquantes de l’époque telles que la Française Charlotte Perriand, l’Irlandaise Eileen Gray ou encore la Cubaine Clara Porset. La troisième partie de l’exposition, étalée de 1950 à 1980, met en avant l’émergence d’une vague de figures féminines et féministes en totale opposition avec la mentalité conservatrice de l’après-guerre. La quatrième et dernière partie se concentre sur le design d’aujourd’hui et ses pionnières dont Matali Crasset, Hella Jongerius ou Patricia Urquiola sont quelques exemples. Plus spécifiquement, certaines femmes designers n’hésitent pas à repousser les limites pour se réinventer au sein de la discipline. Citons par exemple Julia Lohmann qui s’est affranchie d’un nouveau matériau durable et peu exploité : les algues marines, ou Christien Meindertsma dont l’approche unique s’intéresse aux processus de production et cherche à comprendre en profondeur les matériaux et les produits qui l’entourent.
Une exposition enrichissante et complète qui permet d’attribuer la place méritée à ces femmes qui ont contribué à l’évolution du design tel qu’il est aujourd’hui.
© Christoph Sagel © VG Bild-Kunst, Bonn 2021
© Christoph Sagel © VG Bild-Kunst, Bonn 2021
Le Vitra Schaudepot comme laboratoire
En parallèle, le Vitra Schaudepot, qui abrite près de 400 œuvres du musée, en a aussi profité pour se pencher sur les designeuses, en se basant toutefois sur un thème plus précis ; dévoilé en juin 2021, « Spot On : Les femmes designers dans la collection » s’intéresse au rôle des femmes dans le design de meubles. De nouvelles pièces inédites d’Inga Sempé, Zaha Hadid ou encore Gunjan Göttering y sont exposées tandis que des objets provenant des archives du musée, permettent en même temps d’illustrer le rôle des femmes dans la création de meubles.
© Christoph Sagel
© Christoph Sagel © VG Bild-Kunst, Bonn 2021
Avec ce prototype très green, le studio californien Emerging Objects livre un habitat, nouvelle génération, mêlant l’impression 3D aux pratiques ancestrales.
Imaginée pendant le confinement, la Casa Covida est un refuge un peu spartiate qui combine nouvelles technologies et matériau de construction à base d’argile. Conçu et réalisé par le duo d’architectes Rael San Fratello et Emerging Objects, spécialiste de l’impression en 3D, ce projet expérimental déterminé par trois espaces circulaires est implanté en plein désert de San Luis Valley au Colorado. Le gîte au final, offre à deux personnes, une expérience immersive unique de détente, au plus près de la nature et des procédés traditionnels, oscillant entre modes de vie d’hier et d’aujourd’hui.
Matériaux naturels et savoir-faire locaux
Ouverts sur le ciel, l’horizon et le sol, les espaces de vie sont en phase avec la nature puissante du désert, grâce à ce matériau typique qu’est l’adobe, un mélange de sable, limon, argile, eau et paille. Chaque élément de la Casa Covida est pensé en lien avec l’artisanat local dans un esprit contemporain. Au centre, le foyer est entouré de bancs en terre, nommés tarima, habillés de textiles colorés ; les ustensiles de cuisine sur mesure, imprimés en 3D d’argile, selon les codes de la poterie traditionnelle du Nouveau-Mexique, servent à la cuisson des haricots, maïs, piments, eux-aussi choisis en local. Le couchage est créé à partir d’une plate-forme en pin des peaux de mouton, couvertures et coussins de laine churro le tout réalisé par un tisserand de la région. La baignoire en métal se remplit d’eau issue de l’aquifère et nappe phréatique profondes du paysage désertique dont la chaleur est restituée par le sol. Les pierres de rivière achèvent le rituel de ce bain naturel et insolite avec vue sur ciel garantie !
Jusqu’aux moindres détail, la Casa Covida, est dans une démarche de développement durable, suivant le procédé rigoureux de l’écoconception et du local. Les poignées de porte sont une fabrication spéciale, en impression 3D et alu moulé qui provient de canettes ramassées en bord de route. Seule concession au projet, le toit léger et gonflable, cette fois synthétique, aux allures de cactus en fleurs, qui se déploie sur l’oculus en cas d’intempéries ou pour conserver la chaleur du foyer.
Impression à l’argile et nouvelles technologies
Le projet de la Casa Covida a été réalisé directement sur site. L’agence Emerging Objects a mis au point le logiciel et le système d’impression 3D, associant un bras de robot articulé SCARA (Selective Compliance Articulated) à trois axes portables ; ce qui permet d’édifier des structures plus grandes que l’imprimante elle-même, avec un débit continu en adobe. De plus, celle-ci est transportable, aisément par deux techniciens et se contrôle à l’aide d’un smartphone. Une fois déposé, le matériau compact sèche et durcit librement au soleil et au vent, à l’image d’une construction ancestrale.
Après une édition 2020 marquée par la crise sanitaire, la 7e édition de la Dubai Design Week revient en force du 8 au 13 novembre avec un programme très riche, le plus complet jusqu’ici. Au total, plus de 200 événements sont organisés : expositions, ateliers, conférences, rencontres…
La Dubai Design Week revient cette année avec encore plus de choix et d’évènements organisés au sein du Dubai Design District (d3) et dans toute la ville :
- Le Dowtown Design revient physiquement après avoir été contraint de se tenir en numériquement en 2020. Plus de 130 marques et designers provenant de plus de 20 pays à travers le monde sont attendus. L’Italie est bien sûr présente en force avec plus de 40 exposants, 19 pour le Portugal et 12 pour la France (avec notamment la présence de Lafuma, Meljac, Pradier, Duvivier Canapés, La Boîte, Lelièvre..). On notera la participation de la Colombie avec le créateur de textile luxueux Verdi (voir Intramuros 202). En revanche on notera une présence sporadique de l’Europe du Nord (deux exposants pour la Suède).
- Des expositions dédiées à la présentation de nouveaux talents : « The UAE Designer Exhibition 2.0 » présentera 25 talents émergents, tous basés aux EAU et qui produisent localement tandis que « The Beirut Concept Store » exposera le travail de 50 talents émergents originaires du Liban.
- Un showcase multimédia inédit intitulé 2040 : d3 Architecture Exhibition. L’exposition, construite autour de quatre thèmes principaux, Mobilité et transports, Espaces publics et de loisirs, Accessibilité aux infrastructures & Eco-tourisme – conformément aux objectifs du « Plan directeur urbain de Dubaï 2040 » pour un développement urbain durable – développera des propositions et visions d’architectes de futurs espaces de vie centrés sur la place de l’humain au cœur de mégalopoles.
- Le Mena Grad Show revient pour la 2e année consécutive et présente les meilleurs projets de sciences, de technologies et de design avec pour objectif de construire un meilleur monde futur. Plus de 50 projets sont exposés, pensés par des étudiants des meilleures universités de la région. Principaux enjeux cette année : la désertification, une meilleure accessibilité pour la nutrition des enfants et la gestion des déchets. Sur place, plusieurs lauréats seront notamment présents pour parler de leur projet.
Système de recyclage de l'eau pour éviter une surconsommation.
Système de compostage intelligent pour aider à la réduction du gaspillage alimentaire.
- Le Making Space, un espace dédié à plus de 80 ateliers sur le thème « Papier, Plastique + Jouer », invitent les visiteurs à expérimenter différentes techniques de création, à la fois très anciennes comme la poterie ou très innovantes avec par exemple l’utilisation du savon comme nouveau support. L’objectif principal étant de penser chaque activité dans un souci de respect des personnes et de la planète.
- Le Market Place est un lieu regroupant une sélection de produits de haute qualité, faits mains et issus de ressources responsables créés par 80 artisans de la ville.
Programme complet sur : www.dubaidesignweek.ae
Jusqu’au 13 novembre, découvrez à la Galerie Chevalier la collection de tapis spécialement éditée pour les 20 ans des éditions Parsua.
20 ans ça se fête ! Pour l’occasion, Céline Letessier et Amélie-Margot Chevalier ont voulu marquer le coup. Pour cette collection anniversaire, elles sont parties d’un concept tout particulier en faisant appel à 10 designers remarqués pour leur démarche éco-responsable. Une spécificité est cependant à noter : les heureux élus n’avaient jamais créé de tapis jusqu’alors. Les designers se sont vu proposer deux missions : concevoir un tapis qui conjugue à la fois leur univers personnel et l’ADN de Parsua, et réinterpréter un modèle déjà existant.
Des tapis à la conscience éthique et écologique
Depuis sa création en 2001, Parsua a pour ambition de créer « les antiquités de demain ». Tous les tapis sont conçus sans produits chimiques, à partir de laines locales filées à la main avec une patine à l’eau et au soleil à la manière de ceux créés aux XVII et XVIIIe siècles. Un savoir-faire devenu le symbole de leurs créations.
Deux ans de conception pour fêter vingt ans
De la conception du projet à sa finalisation, deux ans se sont écoulés. Au vu du résultat donné par l’exposition, le défi a été relevé avec succès par Marie Berthouloux, Agostina Bottoni, Alexandre Logé, Arthur Hoffner, Charlotte Julliard, Clément Brazille, Garnier et Linker, Fabien Capello, Hors-Studio et Ibkki. L’exposition présente les tapis réalisés, scénarisés autour de quelques pièces emblématiques de ces designers. Au fond de la galerie, les dessins des réinterprétations sont exposés à côté des modèles les ayant inspirés..
L’exposition se tient à la Galerie Chevalier, située au 25 rue de Bourgogne à Paris jusqu’au 13 novembre 2021.
40 ans après son lancement par l’Italien Ettore Sottsass, le mouvement Memphis continue de nous en mettre plein les yeux. Jusqu’au 8 janvier 2022, la galerie Made In Design du Printemps Haussmann accueille l’exposition « Umeda & Memphis, Dialogues Sensoriels ». L’occasion de découvrir ou redécouvrir le mouvement.
Comme un écho à l’exposition-hommage à son précurseur au Centre Pompidou, le 6e étage du printemps Haussmann prend les couleurs de Memphis. En exclusivité, la galerie Made in Design présente la collection Night Tales du designer japonais Masanori Umeda, sortie en 2020, et propose de découvrir ces pièces en exclusivité mondiale. « J’ai tout de suite eu un coup de cœur pour cette collection. J’ai senti qu’il fallait la présenter, dans une mise en scène soignée, qui valorise la dualité de références avec laquelle joue Masanori Umeto. Et nous avons obtenu l’exclusivité mondiale de ces pièces jusqu’au mois de janvier » , confie Catherine Collin, fondatrice de Made in Design.
Masanori Umeda à l’honneur…
Night Tales dévoile ainsi des pièces inédites comme le Lit Utamaro – dont le rétroéclairage accentue un effet de lévitation – et le Fauteuil Utamaro, tous les deux limités à 12 exemplaires. Largement inspirés du célèbre ring de boxe Tawaraya, ils sont teintés aux couleurs subtiles des kimonos traditionnels et parés des rayures noires et blanches, propres à Memphis. En parallèle, la collection présente également des rééditions d’objets conçus dans les années 80 comme c’est le cas du Fauteuil animal et de la table Médusa, inspirés d’un dessin de 1982 et édités en seulement 24 exemplaires chacun.
© 2021 LEA BOEGLIN
… et des Françaises engagées dans le mouvement Memphis
Invitée à l’inauguration de l’exposition, la designeuse française Martine Bedin n’a pas caché sa fierté quant à l’engouement que suscitait toujours le mouvement Memphis, dont elle est elle-même une pionnière : « Il s’est écoulé 40 ans, mais j’ai l’impression que le mouvement n’a pas pris une ride. Je suis contente et assez fière de voir qu’il continue de susciter de l’intérêt et la curiosité après toutes ces années ». Parmi les pièces que l’on retrouve au fil du parcours, on reconnaît au premier coup d’œil sa Lampe Murale Negresco et sa lampe de table Super inspirée d’une petite voiture d’enfant.
© 2021 LEA BOEGLIN
© 2021 LEA BOEGLIN
Si l’exposition rend particulièrement hommage au travail de Masanori Umeda en présentant sa nouvelle collection, elle permet par la même occasion d’y retrouver des objets mythiques du mouvement. Ainsi, les passionnés de design retrouvent avec le célèbre Buffet Beverly ou la console Tartar d’Ettore Sottsass, aux côtés du vaisselier de George J. Sowden et du fauteuil Roma de Zanini. À noter, la mise en scène valorise particulièrement dans un jeu de réponses le travail du motif qu’a apporté au mouvement la Française Nathalie Du Pasquier, notamment dans la présentation de tissus peu exposés ou son tapis California.
L’exposition se tient au 6e étage du Printemps Haussmann jusqu’au 8 janvier 2022, situé au 64 boulevard Haussmann à Paris. Ouvert tous les jours de 11h à 19h.
© 2021 LEA BOEGLIN
Succéder à des générations de créatifs, avoir la capacité de réinventer et pérenniser une entreprise familiale est souvent un lourd fardeau à porter. Cependant, certaines maisons sont enthousiastes et font du passé un héritage ouvert à l’avenir. Partage d’expériences avec les Procédés Chénel, Coéditions et les Éditions du Coté.
Procédés Chénel : à chaque génération sa pierre apportée
Si chaque famille a ses propres marqueurs, ceux des Chénel passent avant tout par l’amour et l’admiration. Quatre générations se sont succédé dans cette aventure créative et innovante que sont devenus les Procédés Chénel International, et ce depuis 1896 s’il vous plaît ! Sophie, arrière-petite-fille du fondateur Gilles Ranno, est aujourd’hui à la tête de cette société spécialisée dans la conception de techniques d’aménagement d’espaces. Consacrés aux expositions et manifestations en France et à l’étranger, les Procédés Chénel travaillent tout d’abord le bois et se développent largement jusqu’en 1991 grâce aux deux premières générations. C’est après des études en architecture que Guy Chénel, le père de Sophie, reprend l’entreprise en 1963. Avec plus de 50 brevets à son actif, Guy fait croître l’entreprise.
Aujourd’hui, Sophie a repris le flambeau et n’a de cesse de développer différents papiers non feu que l’entreprise a créés. Papier, carton et autres textiles classés non feu M1 sont transformés, pliés, gaufrés, collés en nids-d’abeille ou encore perforés, avant d’habiller murs, éléments lumineux et plafonds de lieux dédiés à l’évènementiel. Nombreux sont les clients qui en redemandent. Pour les collections 2021, Channel a fait appel à Chénel pour habiller ses vitrines à l’international. Pour Sophie, la transmission est fondée sur le lien affectif entre une entreprise et son dirigeant. Ce lien a été tissé avec le temps, mais aussi avec le cœur parce qu’elle a su apporter de l’âme à sa maison.
Fabriqué en carton recyclable.
Un matériau de type papier, non-tissé composé de cellulose, polyester et fibre de verre.
Classés non feu M1, autostables ou suspendus
Succession d’écrans découpés selon le motif désiré.
Chez Coédition : de père en fils
Lorsqu’un père et son fils décident de travailler à quatre mains pour créer une maison d’édition à leur image, en accolant les plus belles signatures à leur nouvelle marque, cela donne une entité basée sur la transmission et la passion du beau. Trente-cinq ans après avoir fondé Artelano, maison d’édition mythique aux inspirations italiennes, Samuel Coriat s’associe à son fils Charles, étudiant à l’époque, pour en fonder une nouvelle au nom évocateur de Coedition. Pour cela, ils font appel à des designers qui cochent toutes les cases de leur cahier des charges. Avant tout exigeant, le binôme tend vers une concordance et de la créativité dans les différentes collaborations mises en place. Construire des collections cohérentes, tout en préservant la différence de chaque personnalité est fondamental pour Coedition.
Quatre créateurs historiques de la maison Artelano, Patricia Urquiola, Marco Anusso Jr., Shin Azumi et Olivier Gagnère, entrent dans la danse, rapidement rejoins par d’autres designers non moins talentueux. Les produits de Patrick Jouin, Sebastian Herkner ou encore de A+A Cooren, pour n’en citer que quelques-uns, viennent étoffer les propositions de Coedition au fur et à mesure. Pièce iconique de la maison, le fauteuil Altay de Patricia Urquiola a tant de succès qu’il est décliné dans une même collection.
COEDITION janvier 2020
COEDITION © N. Millet
Editions du Coté : l’identité en héritage
Couple à la ville comme dans leur maison d’édition lancée en 2017, Elodie Maentler-Ducoté et Marc-Alexandre Ducoté ont choisi le Pays Basque dont ils ne sont pas originaires pour s’y implanter il y a quinze ans. Éditions du Coté propose du mobilier et des œuvres d’art à la fois minimalistes et atemporels. Les pièces sont faites de concert entre l’artiste, l’artisan et l’éditeur toujours en circuit court. C’est de cette manière que l’équilibre des trois premières collections s’est fait très naturellement. Éditions du Coté a su s’entourer d’artistes de tous horizons : sculpteur, designer, musicien, voire danseur collaborent aux projets de la marque. Tout est produit entre le pays basque et l’Aquitaine, dans un rayon de 20 km pour la plupart des pièces, en édition limitée, sur-mesure ou à la demande dans le but de mettre en lumière le savoir-faire des artisans régionaux.
Au-delà de cette valorisation, leur but est de développer ces expertises existantes, en poussant la réflexion vers de nouvelles techniques notamment. Une thématique est définie par collection, souvent inspirée par l’environnement. Artzain, leur première collection, fait écho au berger basque, Ondulations est une évocation au littoral et Perspectives rend hommage aux aspects culturels présents et à venir. Si la philosophie de la maison est la singularité, elle symbolise aussi la gratitude qu’ont Elodie et Marc-Alexandre envers une terre qui a su les accueillir à bras ouverts.
''Le liège comme souvenir d’un enracinement. Le verre comme minéral s’étant élevé à la transparence du vent. Une sculpture table basse''
© Melanie Torok
Le 21 octobre 2021, Stefan Diez était à Barcelone avec une partie de son équipe pour le lancement de sa dernière collection de luminaires pour la marque espagnole Vibia. Auprès de Pére Llonch, le CEO de Vibia, il assurait le lancement de Plusminus, « The New Era of Lighting ». Le showroom Vibia construit par Francesc Rifé Studio et aménagé par Saus Riba Llonch architectes et Carlota Portavella, reflétait cette parfaite révolution dans la manière de faire l’éclairage, la lumière, l’électricité.
2019 ©IngmarKurth
En 2017, au MAKK de Cologne (Museum fur Angewandted Kunst Köln), Stefan Diez avait fait le plein des espaces de ce gigantesque musée, en remplissant de ses créations la « Full House » ou Maison Pleine. Cette rétrospective couvrait déjà les 15 dernières années de sa production avec des produits pour e15, Thonet, Hay, Wilkhahn, emu, Flötotto, Rosenthal, Sammode… mais aussi des projets pour les céramiques Arita, et les caisses en plastique pour Authentics. Une section spéciale était réservée aux projets « invisibles » qui ne sont jamais entrés en production. Mais chez Vibia, on pouvait enfin voir le résultat d’un processus de développement qui a couru sur trois ans et demi.
Plusminus pour Vibia
Trois ans et demi, c’est le temps qu’il aura fallu à Vibia et Diez Office pour mettre au point le programme Plusminus. Avec Plusminus, il explore le potentiel de l’électricité qui peut faire des illuminations étonnantes en intérieur. La grande intelligence de Plusminus est de faire courir l’électricité dans un ruban, un ruban plat au tissage savant de fils de cuivre et de fibres synthétiques, dans lequel une basse tension de 42 volts seulement circule sans danger.
Emanciper la lumière de l’architecture, tel a toujours été le souhait de Pére Llonch, le CEO de Vibia fondée en 1987 et présente dans 103 pays (en six langues). Sur les salons du Luminaire, Euroluce à Milan, Light + Building à Francfort, Vibia brille par ses installations signées par les plus grands designers. Au nouveau siège, à 15 mn du centre de Barcelone et 10 mn de l’aéroport, une galerie de portraits en témoigne : Fernando Brizio, Lievore Altherr Molina, Sebastian Herkner, Arik Levy, Note Design Studio, Antoni Arola, Ramos et Bassols… sont présents comme parrains de la marque. Le showroom de 2050 m2 côtoie une usine de 16000 m2 dans laquelle sont assemblés et expédiés les produits.
…et la lumière fut
Un « simple » métier à tisser, Sächsisches Textilforschunginstitut (STFI) celui de Karina Wirth, designer textile au sein du TPL, Textile Prototyping Lab, un consortium financé par l’état et deux instituts de recherche, a suffi pour faire courir le fil conducteur dans la sangle. En 2019, pendant Euroluce, le produit a été montré en phase de développement comme un « work in progress ». Aujourd’hui, il en reste quatre sangles et une tool box, une boîte à outils avec tous les accessoires imaginaires pour faire de cette révolution une révolution innocente, sans danger même pour les enfants.
2021 ©Matthias Ziegler
« Il faut conduire la lumière dans l’espace pour aider les gens à aimer l’espace dans lequel ils sont, explique Pére Llonch. Ce ne sont pas de simples produits mais des produits pour des gens. Quand nous avons développé le produit, on s’est attaché à l’usage du produit. Son usage dans son aspect fonctionnel pour réaliser combien l’espace est important. On ne parle pas d’architecture de lumière mais simplement d’émotion, d’une lumière invisible. Ce que le design veut dire aujourd’hui, c’est Vibia. Ce n’est pas le produit seul mais toute son installation et la façon dont il est livré au consommateur qui importe. »
Une relation constante
Repris par Hay, « Rope Trick » tentait déjà de créer des atmosphères. La LED a atteint aujourd’hui un niveau de flexibilité et de sophistication qui en fait le couteau suisse pour la création d’ambiance lumineuse. Plusminus offre la possibilité de placer des sources lumineuses en tout point de l’espace. Et l’éclairage a pris de nouvelles formes. Il crée des atmosphères et c’est aux designers de signer les formes. C’est un produit flexible qui ne nécessite qu’un configurateur en ligne pour faire les installations les plus aériennes.
Avec la crise du Covid, les modes de travail et de fonctionnement ont été radicalement perturbés ou améliorés. Plus besoin de se rendre sur place pour surveiller la fabrication d’un objet. Les configurateurs automatiques se chargent de calculer le nombre de pièces nécessaires à la mise en place d’un tel équipement. Plusminus entre dans l’ère du produit numérique (digital en anglais) dont l’aspect physique implique l’intervention de designers et les connexions la présence de programmeurs pour une offre infinie.
Une économie circulaire
Ces dernières années, le bureau Diez s’est consacré à l’élaboration de lignes directrices pour une économie circulaire, convaincu que les designers peuvent contribuer de manière significative à la transformation du système économique mondial. Son canapé Costume pour Magis en est la démonstration. Il doit s’adapter à des conditions d’utilisation changeantes mais témoigne aussi d’une garantie de vie utile tout au long de sa durée de vie. « La conception des produits doit accepter cette réalité en privilégiant autant que possible la flexibilité et la modularité. Les produits sont fabriqués à partir de différentes pièces et matériaux qui s’usent à différentes vitesses. Il est important de comprendre cette variabilité et de concevoir autour d’elle, de sorte que tous les composants puissent être réparés ou remplacés par l’utilisateur ou des ateliers de réparation locaux. (…) Un produit circulaire peut être mis à jour. Le design doit accepter de travailler avec cette imperfection en créant des produits dans lesquels des éléments individuels peuvent être améliorés et réincorporés prolongeant leur durée de vie sur le marché. » La consommation d’énergie doit être limitée et appliquée sur toute la durée de vie du produit, de la fabrication au recyclage. Enfin, le transport ne doit pas augmenter son impact environnemental. Et, paradoxe, un produit circulaire doit être aussi peu produit que nécessaire, presque sur commande.
A bonne école
Avec une formation d’ébéniste, un diplôme de design industriel obtenu en 2002 à l’Académie de Stuttgart sous l’influence positive de Richard Sapper pour lequel il portera pendant deux ans le projet de micro-informatique « wearable computers » pour IBM puis un poste d’assistant chez Konstantin Grcic à Munich, Stefan Diez maîtrise tout. Méticulosité, intuition, expérience technique, productivité et originalité. Son passage chez tous les fabricants lui a servi à compléter et confirmer encore et toujours son intuition. He’s got the feeling, dirait-on aujourd’hui en anglais.
À partir du 11 novembre 2021, le grand public pourra voir dans les espaces vacants du Palais de Preysing, derrière la Feldherrenhalle sur l’Odeonsplatz, entre l’Opéra et le 5-Höfe, l’une des places les plus animées de Munich, les projets de Diez Office dans l’expérimentation du « 4e mur ». Des amis artistes, designers, photographes sont incités par la Société immobilière munichoise Cocon GmbH à s’exprimer derrière ce mur imaginaire comme s’ils n’étaient pas vus. Fin novembre Plusminus sera mis sur le marché en même temps que sera mis en route le configurateur, flexible, fluide, d’un usage intuitif. Une expérience à voir et une bonne raison de revoir Munich.
©Gerhardt Kellermann
Après avoir lancé avec succès l’Atelier Jespers, le galeriste Jean-François Declercq propose un lieu inédit la Bocca della Verità entre design et architecture.
Bruxelles offre sans cesse des découvertes à qui sait flâner, révélant ainsi l’histoire de son architecture singulière, de l’art nouveau et du modernisme. La capitale belge est le territoire de prédilection de Jean-François Declercq, à l’affut de nouveaux bâtiments empreints d’histoire à réhabiliter. Sa récente galerie La Bocca della Verità présente les œuvres de jeunes pousses du design dans le contexte particulier de bâtis historiques préservés. Derrière la Maison van Dijck classée, de Gustave Strauven, construite en 1900, se cache un bâtiment postmoderne, de 1989, édifiée par le jeune architecte Michel Poulain. Avec sa géométrie aux faux airs d’Ettore Sottsass, la façade de la Bocca della Verità s’inscrit dans une cour coiffée d’une lumineuse verrière. Dans une dynamique et une mouvance propres au travail de Jean-François Declercq, la galerie a pour ambition de soutenir les talents de la jeune création du design, avec trois expositions par an.
Le rez-de-chaussée et l’étage sont consacrés aux expositions collectives et individuelles. Le premier étage accueille la salle de projet du collectif Stand Van Zaken, qui invite un commissaire différent à chaque exposition et trois designers, artistes ou architectes. Le principe repose sur un concept de travail collectif visant à explorer des formes d’expressions émergentes, une référence au procédé initié par le « Cadavre exquis » des Surréalistes. Pour sa première édition, le collectif a choisi le jeune couple d’artiste et designer, Chloé Arrouy et Arnaud Eubelen, qui ont cogité ensemble autour de leurs univers personnels, composés d’assemblage de matériaux pour l’un et de reproduction d’objets pour l’autre.
L’exposition inaugurale montre également le travail de deux créateurs, plus confirmés. Le français, Thibault Huguet designer industriel de formation, explore les connexions entre les divers matériaux, et applique ses recherches à du mobilier épuré entre artisanat et technologie, comme la console en aluminium Plane, d’une simplicité déconcertante. Hélène del Marmol, quant à elle, est belge, expérimente la cire végétale, sous forme de grosses bougies totémiques, conçues dans une rigueur géométrique évoquant l’aspect subversif d’Ettore Sottsass et la poétique Constantin Brancusi. Pour un dialogue émotionnel avec les objets.
La Bocca della Verità, Boulevard Clovis 85 Clovislaan 1000 Brussels
Visite des expositions du 17.09.2021 au 17.12.2021
Table de l’architecte Theo de Meyer, du collectif Stand Van Zaken
L’histoire de l’art retient d’Ettore Sottsass son anticonformisme et sa contribution majeur au mouvement Memphis. Artiste designer protéiforme, il était aussi poète, voire gourou. Depuis le 13 octobre le Centre Pompidou dévoile une autre facette de cet humaniste génial à travers « Ettore Sottsass, l’objet magique ».
53,3 x 17 x 18,5 cm
© Adagp, Paris 2021
Si l’exposition retrace les quarante premières années de la carrière d’Ettore Sottsass, elle a surtout vocation à présenter son œuvre sous un nouveau jour. De Memphis on ne retiendra ainsi que la dernière salle, comme une ode aux possibilités novatrices et déconcertantes offertes par la collaboration avec Abet Laminati.
Meuble avec éclairage, placage en laminé Print d’Abet Laminati. Structure en multiplis.
© Adagp, Paris 2021 © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Service de la documentation photographique du MNAM/Dist. RMN-GP
Au gré du parcours, on retrouve un Sottsass enchanteur explorant tous les champs de la création avec une infinie liberté. Depuis ses débuts, on perçoit sa force créatrice qui s’assouvit dans autant de médiums – qu’il s’agisse du dessin, de la peinture, de la sculpture. Affranchit, il conçoit rapidement l’objet dans sa dimension symbolique faisant fi de sa fonctionnalité. Il dote ses créations d’énergies, composant une cosmogonie de formes, matières et couleurs comme autant d’éléments mystiques qui trouveront à s’incarner dans sa pratique de la céramique. Totémiques, les pièces monumentales présentées par Pontus Hulten en 1969 au Nationalmuseum de Stockholm sont une expérience spatiale à part entière comme autant de « montagnes impossibles à faire, à monter ou à déplacer » raconte Marie-Ange Brayer, empruntant les mots de Sottsass.
La culture anthropologique du designer transalpin est aussi largement mise à l’honneur. On le découvre à travers ses images filmées en Inde ou grâce à sa pratique compulsive de la photographie. Architectures vernaculaires, rites, sociétés de consommation, de l’Inde aux États Unis en passant par l’Égypte, rien n’échappe à son œil. En tout, ce sont près de 100 000 clichés, donnés à la Bibliothèque Kandinsky par Barbara Radice en 2013, qui composent ce paysage intime et délicieux offert à la vue du visiteur. Que dire de la nomenclature composée par Sottsass lui-même, si ce n’est qu’elle raisonne comme un doux poème et laisse entrevoir sa pratique quasi-ritualisée de l’archivage.
De l’exposition « Ettore Sottsass, l’objet magique », on ressort donc nécessairement envoûté par sa vision quasi-métaphysique des êtres et du monde, autant que des objets et des formes.
« Ettore Sottsass, l’objet magique », Paris, Centre Georges Pompidou, 13 octobre 2021-3 janvier 2022, Commissaire : Marie-Ange Brayer.
Etagère de rangement avec casiers et tiroirs encastrés.
Bois laqué et laiton, 250 x 200 x 50 cm.
Don de la Société des Amis du Musée national d'art moderne, 2010 .
© Adagp, Paris 2021 © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP
Armoire Bois, plastique peint, maquette d’armoire conçue pour Poltronova (Italie).
Don du designer, 1999.
© Adagp, Paris 2021
© Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jean-Claude Planchet/Dist. RMN-GP
Strutture tremano, 1979 .
Haut guéridon à plateau en verre carré supporté par 4 colonnettes torses en métal laqué rose, bleu, vert et jaune, reposant sur une base parallélépipédique plaqué de mélaminé blanc Verre, acier laqué, stratifié
119 x 60,2 x 60,2 cm / Plateau : 60,2 x 60,2 x 0.5 cm
Fabricant : Bitossi & Figli, Italie, commande d'Irving Richards
Assiette plate Céramique, hauteur : 0,5 cm diamètre : 31 cm
© Adagp, Paris 2021 © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP
Photographie n°13, épreuve gélatino-argentique, 42 x 32 cm © Adagp, Paris 2021.
© Adagp, Paris 2021
Photography Erik and Petra Hesmerg/Courtesy The Gallery Mourmans
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