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Jeudi 30 juin 2022, Marcus Fairs est décédé soudainement à l’âge de 56 ans. Il était le fondateur, et rédacteur en chef de Dezeen qui s’est imposé comme une référence dans le domaine de l’architecture et du design.
Visionnaire, brillant et créatif, c’est par ces mots que la rédaction de Deezen qualifie celui qui fut leur leader depuis 2006, date à laquelle Marcus Fairs crée son magazine. Du projet lancé depuis sa chambre à la reconnaissance mondiale actuelle, Deezen s’est épanoui sous la direction du journaliste britannique. Il avait en effet su prendre le tournant des années 2000 avec l’entrée dans le numérique.
Un journalisme créatif
Né en 1964, Marcus Fairs connaît un parcours brillant et riche. Diplômé en design 3D, il commence sa carrière dans le journalisme architectural en écrivant pour Building Design et Building – dont il devient rédacteur en chef adjoint – tout en écrivant en free-lance pour The Guardian ou The Independant.
Sa première création est Icon, en 2003, un magazine d’architecture et de design qui s’impose dans le milieu en remportant plusieurs prix tel celui du Magazine mensuel de l’année en 2005 et 2006. Marcus Fairs est alors remarqué par le prix du Journaliste de l’année – en 2002 – et du Journaliste architectural de l’année en 2004.
Dezeen est créé en 2006 et attire plus de deux millions de visiteurs uniques chaque mois. La plateforme uniquement numérique devient l’un des web magazines d’architecture et de design les plus influents. Pour preuve, il est nommé en 2011 par le magazine Architectural Digest dans la liste des 100 Qui Comptent des personnalités les plus importantes du design mondial.
De plus, Marcus Fairs est le premier journaliste numérique à recevoir un Honorary Fellowship du Royal Institute of British Architects en 2017 pour « l’énorme contribution qu’il a apportée à l’architecture ».
Un entrepreneur visionnaire dans le design
« Nous nous souviendrons de lui pour son flot d’idées passionnantes, ses capacités de réseautage inégalées, son énergie, son enthousiasme contagieux et, bien sûr, pour Dezeen, qu’il a transformé en un succès majeur grâce à sa ténacité, sa créativité et son dévouement » déclare Tom Broughton, directeur général de l’éditeur de Building and BD Assemble Media Group suite au décès de Marcus Fairs, mettant en avant la vision novatrice de ce dernier. En effet, Marcus Fairs souhaitait rapprocher la communauté mondiale du design tout en valorisant de jeunes architectes et designers. Il a également permis au design storytelling de rentrer dans l’univers numérique avec une plateforme qu’il s’efforçait de maintenir sensible aux enjeux contemporains.
Marcus Fairs a marqué la presse design en pensant Dezeen comme un projet pérenne, « Nous voulons que Dezeen soit à jamais un bastion du journalisme indépendant, un champion de l’architecture et du design et une force du bien dans le monde » expliquait-il. Une tâche que la rédaction du magazine s’est engagée à remplir après son décès.
Les espaces de coworking Deskopolitan ont développé un concept totalement inédit en Europe. Les trois sites parisiens ont été imaginés comme des campus urbains, en proposant une multitudes de services, allant bien au-delà du simple espace de travail.
Deskopolitan est une société de coworking fondée par Alexis Rebiffé et Paul Chevrillon en 2015. Avec un premier espace de 1400m2 inauguré après la rénovation d’une ancienne manufacture dans le 10e arrondissement, les deux entrepreneurs s’emparent du 11e arrondissement quatre ans plus tard et inaugure l’espace Voltaire en 2019, quatre fois plus grand que le premier avec 6000m2 d’espace aménagé. Récemment en 2021, ils ont dévoilé l’espace Pasteur, grand de 2500m2, situé à quelques pas de la gare Montparnasse dans le 15e arrondissement. Pour cette dernière adresse, contrairement aux deux autres espaces Deskopolitan, une seule et même entreprise y est hébergée.
Des espaces de coworking clé en main
Membre abonné ou simple « guest » venu travailler pour la journée, les espaces de coworking Deskopolitan ont été pensés pour permettre à chacun d’optimiser au mieux son temps de travail. Pour donner vie à leur projet, les équipes de Deskopolitan se sont accompagnés de l’architecte Franklin Azzi pour le site de Voltaire, du cabinet Dubuisson Architecture pour le site de Pasteur et du studio MoreySmith pour l’architecture d’intérieur. Les espaces cumulent ainsi bureaux, salles de réunion et espaces de coworking mais sont dotés d’un restaurant, d’une salle de sport, d’une crèche associative et même d’un hôtel, le Deskopolitan House, situé dans l’espace Voltaire. Une sorte de ville dans la ville, qui s’adapte selon les profils, les envies et les besoins de chaque bénéficiaire.
Plusieurs forfaits d’abonnements sont disponibles, allant de la simple location à la journée à l’abonnement d’un mois. Il est également possible de louer une salle de réunion ou de réserver une nuit d’hôtel.
Deskopolitan Voltaire, 226 Bd Voltaire, 75011 Paris
Deskopolitan Chateau d’eau, 48 Rue du Château d’Eau, 75010 Paris
Deskopolitan Pasteur, 83 boulevard Pasteur, 75015 Paris
Plus d’informations sur : https://deskopolitan.com
À Gien, dans le Loiret, région Centre-Val-de-Loire, Mathilde Brétillot signe la nouvelle scénographie du musée qui a ouvert ses portes le 29 avril 2022. Dans un bâtiment industriel rénové par Atelier Jourdain Architecture, à l’occasion des 200 ans de la manufacture en 2021, on peut découvrir sur 400 m2 une présentation historique et thématique de la faïence.
Couleur « terre crue », ambiance « crayeuse »… un environnement idéal pour mettre en valeur dans trois espaces différenciés, les couleurs de la manufacture, secret de fabrication industriel. Car il ne suffit pas de mélanger, la terre, la craie, le feldspath et l’eau pour obtenir cette pâte que l’on appelle faïence à Gien et qui nécessite trois étapes de cuisson dans des fours à très haute température dont une après émaillage et une après peinture délicatement faite à la main. Car le fait-main reste l’atout maître de l’industrie française qui n’a jamais autant cherché de personnels maîtrisant ces savoir-faire plus que les tableaux Excel de rentabilité.
200 ans d’histoire
Innovations techniques, succès des expositions universelles du 19ème siècle, l’entrée dans la modernité (avec la fourniture des carreaux du métro parisien), les collaborations avec les artistes du 20ème siècle et les designers du 21ème siècle, sous un rayonnage chronologique, le visiteur peut découvrir des pièces uniques, issues des 2000 pièces de la collection Gien : Fornasetti, Pascal Mourgue, Paco Rabanne, Martin Szekely, Isabelle de Borchgrave et son assiette Millefleurs, incontournable et best-seller depuis 2005…
Le cabinet des dessins a fait un choix exigeant entre les 12000 dessins et 8000 planches numérisés en 2018. Dans le salon Bapterosses, du nom de l’ancien propriétaire de la manufacture, trône une cheminée ayant appartenu à Jean-Felix, qui côtoie le fameux vase Paon de 3 m de haut mais aussi les beurriers, les pendules, les aiguières, les gourdes, les encriers, les bénitiers, les bonbonnières, les barbotines et les dinettes pour enfant… que l’on peut toujours demander à compléter et à acheter dans le magasin d’usine.
Yves de Talhouët, le nouveau propriétaire depuis 2014 des 8000 m2 du site, a pour ambition de construire une résidence pour artistes au dernier étage du musée, un espace où ils pourraient affiner leurs dessins et bénéficier directement de la proximité de l’usine pour les mettre au point. Si les rencontres avec JonOne, Pen Yong, Ines Longevial ou Julie de Libran ont été le fruit d’excellentes recommandations, les 800000 pièces produites à l’année sont le résultat du savoir-faire inestimable de 150 ouvriers, en permanence au feu.
Un propriétaire engagé
Yves de Talhouët aime raconter son entreprise. « Cette ouverture pendant l’année du bicentenaire est d’une importance capitale. Et il y a de nombreuses anecdotes à raconter sur son histoire comme celle par exemple des carreaux du métro : le carreau à bord biseauté a été mis au point pour rassurer les premiers utilisateurs du métro qui au début du 19ème siècle n’avaient aucune envie de circuler sous terre. Paris, percé de toute part, paraissait fragilisé. Mais pour la faïencerie, cela a été de suite un énorme marché qui l’a fait connaître de par le monde entier grâce aux expositions universelles. Il reste une douzaine de stations toujours équipés du carreau d’origine sur la ligne à l’époque recensée comme Nord/Sud et l’on peut encore trouver sur certain carreau ce monogramme N/S qui fait la fierté du métropolitain. Ces carreaux réfléchissaient la lumière quelque peu blafarde des premiers éclairages au gaz et donnait un sentiment de solidité des accès aux tunnels. Pour cette faïencerie qui reflète un art de vivre à la française et bénéficie à l’étranger de l’image de marque de la France, je ne pouvais résister à la tentation de l’aider dans son développement. Pour moi qui aime le bois, la ferronnerie, la chaux, originaire d’un village des Vosges à côté de Lunéville, ingénieur de formation (Polytechnique et Telecom) je me suis engagé dans cette croisade. Les derniers designers suggérés par Nathalie Cesbron sont des talents de la mode avec qui elle a pris contact et avec lesquels ce fut à chaque fois une rencontre, un projet de notoriété, une envie réciproque sous-tendue par autre chose qu’une simple motivation financière. Yaz Buckey signe le service du printemps, Julie De Libran des assiettes personnalisées qu’elle vend également dans son showroom et La Prestic Ouiston (Laurence Kiberlain, Laurence Mahéo et Stéphanie Bonvicini) essaient de tirer le meilleur de la proximité avec les ouvriers et ouvrières de la faïencerie. »
Le musée donne l’opportunité de voir un best-seller, le jardin de Kyoto édité à 20 exemplaires et vendu 9000 euros pièce, sans oublier le service à thé Tara de Claude Bouchard ou les Naïades, quatre ondines, Céleste, Grace, Ondine et Victoire, porteuses d’eau où dessiner à la main le filet manganèse qui les entoure est un véritable honneur pour les jeunes recrues.
Pour la 60e édition du Salone Del Mobile à Milan du 7 au 12 juin, l’espagnol GAN présente quatre nouvelles collection ainsi que son nouveau programme de personnalisation intitulé « GAN Custom ».
La marque de tapisserie GAN est née en 2004 de la collaboration du président du groupe Gandia Blasco Group, José Gandía-Blasco, avec Mapi Millet, une amie de longue date. Ensemble, ils ont lancé et construit l’identité de GAN. Mapi Millet est en charge de la sélection des designers avec lesquels ils collaborent, créant ainsi l’essence même de la marque. Elle est également en charge d’introduire le concept GAN SPACES, qui permet de faire évoluer les tapis en développant, en accord avec leurs designs, des systèmes modulaires et des accessoires qui définissent des espaces complets à vivre.
Quatre nouvelles collections présentées
À l’occasion du salon de Milan, GAN propose de découvrir quatre nouvelles collections : Goz, Plastic Rivers, Reversible et The Crochet Collection.
La première collection, Goz, a été imaginée par Kengo Kum. Il s’agit d’une collection de tapis en laine et en bois de teck, à travers laquelle le designer montre une vision de l’artisanat à l’écoute des matériaux. La seconde, Plastic Rivers, est une série de quatre tapis conçu par Álvaro Catalán de Ocón et réalisés à la main avec des fibres de plastique 100% recyclées.
Reversible, crée par Charlotte Lancelot est une collection qui n’a ni devant ni derrière : ses tapis et ottomans peuvent changer d’apparence et de texture d’un simple tour, avec un côté laine pendant les mois d’hiver et un côté coton et lin pendant les mois chauds. Enfin, la dernière collection présentée, The crochet collection, par Clara von Zweigbergk est une série de quatre dessins contemporains dans lesquels la couleur contribue à mettre en valeur les immenses possibilités du crochet dans le monde de la décoration.
GAM custom, nouveau programme de personnalisation
Nouveau programme de personnalisation lancée par la marque, GAM Custom permet aux tapis, coussins et poufs de s’adapter à tout espace – intérieur ou extérieur – et à tout style, en offrant des options pratiquement illimitées en termes de couleur, de taille, de technique et de forme. Le programme propose trois types de personnalisation : Solutions sur mesures, Catalogue personnalisé et Contract Studio, qui permet de réaliser tout type de projet, adapté au contractuel et au résidentiel.
GAN
Salone del Mobile
Hall 20, Booth B01/C06
7-12 Juin 2022
La 23e Triennale de Milan aura lieu du 15 juillet au 11 décembre 2022 sous le titre « Unknown Unknowns ». Un choix de titre et une thématique qui posent la question de l’inconnu et sur lesquels Stefano Boeri, directeur de la Fondation, s’est exprimé afin d’éclaircir certains points.
Architecte de formation, l’italien Stefano Boeri est le directeur de la Triennale de Milan depuis 2018. Après un premier mandat de quatre ans durant lequel il dirige la 22e édition qui s’intitulait « Broken Nature », il a été réélu le 5 avril dernier, aux côtés d’Elena Vasco comme vice-présidente. Pour cette 23e édition nommée « Unknown Unknowns », le sujet principal est l’inconnu, dans tout ce qu’il peut représenter. Fortement inspirée par les événements qui ont touché le monde ces deux dernières années et particulièrement la crise sanitaire, cette édition devrait être celle de l’exploration.
Quelle est l’origine du nom « Unknown Unknowns » ?
Lors de notre première réunion d’organisation le 1er mars 2020, soit quelques jours avant le confinement en Italie, nous avions senti que quelque chose était en train de se passer autour de nous, sans que nous sachions vraiment de quoi il s’agissait. C’est donc à partir de là que cette dimension d’inconnu a commencé à se faire une place dans nos échanges. Pour ce qui est du nom « Unknown Unknowns », nous nous sommes inspirés d’une phrase prononcée par l’ancien secrétaire d’Etat américain, Donald Rumsfeld. Il avait tenu un discours à la suite des événements de septembre 2001 durant lequel il essayait de convaincre le Sénat de ne pas entrer en guerre avec l’Irak. Au cours de cette allocution, il avait expliqué que malgré la puissance du pays, certains territoires restaient inconnus. Il prononcera donc cette phrase : « What we don’t know, we don’t know » (En français : « Ce que nous ne savons pas, nous ne le savons pas » ). Une double négation qui s’est révélée intéressante à utiliser dans notre exploration de l’inconnu.
Se sont ensuite ajoutés les événements de ces deux dernières années qui ont considérablement perturbé nos vies. Le virus a amené de nouvelles problématiques liées au fait qu’il n’y avait plus aucune barrière entre l’humain et le reste. En résumé, cette dimension d’inconnu se présente à tous mais se manifeste juste différemment.
Quelles sont les expositions prévues pour cette 23e Triennale ?
Pour cette édition, nous sommes partis d’une l’idée commune, l’inconnu, et nous en avons exploré le champ des possibles. Nous ne voulions pas nous baser uniquement sur l’architecture, le design ou l’art, nous avons souhaité imaginer une sorte de constellation d’expositions et de recherches. Nous proposons ainsi plusieurs installations réparties selon plusieurs thématiques dans le but de créer un espace de débats et d’échanges. On pourra y trouver des représentations théâtrales orchestrées entre autres par Roméo Castelluci, des expositions d’art contemporains menées par des spécialistes tels que l’historien Giacobbe Giusti, mais également des expositions qui abordent la question du silence ou de la physique, telle que l’organise Ersilia Vaudo, astrophysicienne et directrice de la diversité à l’agence spatiale européenne. Nous exposons également une série d’oeuvres artistes ukrainiens en soutien de la situation actuelle.
Au total, nous proposons une trentaine d’espaces et événements regroupés au sein des espaces du Palais dell’Arte, avec des artistes originaires d’une quarantaine de pays différents. Cette multiplicité d’origines culturelles et corps de métiers est une idée que nous avons développée il y a déjà plusieurs années et à laquelle nous tenons car elle permet d’apporter des visions diversifiées sur un même thème.
Quelles sont vos attentes concernant cette édition ?
Il n’y a pas vraiment de résultats tangibles attendus, notre objectif est plutôt de réussir à stimuler, créer des intérêts et des réactions de la part du public. Il est difficile d’avoir des certitudes sur ce que vont penser les visiteurs et c’est toujours la grande question avant chaque représentation. Il y a certaines certitudes que l’on pense avoir mais qui risquent d’évoluer ou de changer au fur et à mesure. Je suis assez curieux de voir le rendu et les débats qui vont pouvoir en découler durant ces cinq mois.
Crée en 1919 par Louis Midavaine, l’atelier Midavaine, aujourd’hui dirigé par sa petite fille Anne, est une référence dans son domaine. Avec des commandes pour de grands émirats, décorateurs ou maison de luxe du monde entier, l’atelier n’a pas le temps de s’ennuyer.
Dirigée par quatre designers de légende, l’agence milanaise de production de verre FontanaArte a fait du verre un matériau élégant, affranchi de ses contraintes industrielles. Ce qu’explique « Vivere nel vetro », exposition satellite à la 59e biennale d’art contemporain de Venise. Un hommage muséal immanquable à cette société iconique.
Depuis 2012, sur l’île de San Giorgio Maggiore, le projet culturel et espace d’exposition Le Stanze del Vetro, abrité par la fondation Giorgio Cini, a pour but de proposer des évènements dédiés « à l’étude des formes modernes et actuelles de l’art du verre. » Cette année, sous la houlette de Christian Larsen, curateur au MAD de New York, « Vivere nel vetro, House of Glass » présente environ 85 pièces produites par FontanaArte, agence de verre flotté créée par Luigi Fontana, en 1881. Didactique, chronologique, l’exposition très esthétique démontre à travers six salles le rôle majeur de la société italienne dans l’évolution formelle et fonctionnelle de ce matériau, au fil de ses différentes directions.
Gio Ponti et Pietro Chiesa : de l’Antique Revival au modernisme des formes
Après un plongeon au cœur du savoir-faire de l’agence, dans les années 1930, à travers un film, focus est fait sur l’apport de Gio Ponti, directeur entre 1932 et 1933, au design inspiré de l’antiquité classique, illustré parmi d’autres exemples par coupe et piédestal (1934), en verre, bois et métal, évoquant un fût de colonne cannelée. De même, l’évènement explique le travail du maître verrier Pietro Chiesa, qui le rejoint à la direction à partir de 1933. Ce dernier ayant fait intervenir les artisans de son propre atelier au sein de la société a su proposer un langage plastique neuf dont témoignent des tables en verre incurvé, à l’épure moderniste.
Max Ingrand, poète de la lumière et des reflets
Les deux salles suivantes réévaluent à juste titre la contribution du maître verrier français Max Ingrand, à la tête de FontanaArte, entre 1954 et 1967. Ses lignes de lustres et de miroirs figurent parmi les objets en verre design les plus poétiques à la maison. Son Chandelier Dahlia de 1958 rappelle les pétales d’un bourgeon en fleurs de verre courbé, fixées à une structure métallique rayonnante, alors que son miroir avec lampe pilote (1955), composé de verre concave et réfléchissant, de cabochons de cristal et laiton, crée de splendides jeux de lumière exacerbés par le rétroéclairage et les cristaux.
Gae Aulenti, le verre personnalisable
Directrice entre 1979 et 1996, Gae Aulenti innove avec un design multifonction et met en exergue la créativité de ses créateurs – Piero Castiglioni, Renzo Piano, Ettore Sottsass et Umberto Riva -. Giova, sa lampe de table iconique en verre soufflé et métal, à la fois luminaire et vase (1964), implique le propriétaire dans l’usage de la pièce. Ainsi disait-elle, en 1972, lors de l’exposition « Italy, The New Domestic Landscape », au MoMA de New York : « Un objet design est constitué d’éléments mettant en exergue leur finalité d’origine, tout en restant ouvert à leur fonctionnalité future. » Près de splendides pièces de Sottsass ou Riva, on découvre encore Tour, table d’Aulenti en verre, acier chromé et pneu (1993), aux titre et pieds évoquant la légendaire compétition française, tout en faisant joyeusement allusion à Roue de bicyclette, premier Ready Made de Marcel Duchamp.
« House of Glass », une utopie ?
Au fil du parcours, le visiteur prend réellement la mesure du caractère visionnaire de l’agence, culminant dans les derniers espaces. Là, une enfilade de salles rythmée par des murs de verre illustre une « maison de verre » constituée uniquement d’objets FontanaArte, interagissant entre eux et dans l’espace. Le verre comme matériau idéal ? Certes, si des modernistes comme Pierre Chareau ou Mies Van Der Rohe ont repris en partie ce postulat, le mérite revient à Fontana et Ponti qui, avant eux, ont su détourner le verre industriel en matériau pour objets et mobilier domestiques élégants et luxueux.
FontanaArte, Vivere nel vetro, Le Stanze del Vetro, Fondazione Giorgio Cini, Isola Di San Giorgio Maggiore, 30124 Venezia (It) – Jusqu’au 31 juillet 2022. Entrée Libre.
Le 23 juin, le festival Design Parade s’est ouvert à Toulon avec les expositions d’architecture d’intérieur suivies le lendemain par l’inauguration des expositions de design à la villa Noailles à Hyères, un évènement à la fois grand public et pointu. Au total, 20 jeunes talents entraient en concurrence avec des projets de grande qualité. Découvrez les lauréats de cette édition 2022.
Depuis 2006, la villa Noailles accueille la Design Parade, fondée et dirigée par Jean-Pierre Blanc et présidée par Pascale Mussard. Le festival se divise depuis 2016 entre Hyères – pour le design – et Toulon -–pour l’architecture d’intérieur. Il a pour mission de mettre à l’honneur 20 jeunes créateurs, en leur offrant une vitrine ainsi qu’un accompagnement complet pour la réalisation de leur présentation. Dans chaque section, un jury professionnel récompense des lauréats dans des prix rendus possible grâce à une dizaine de partenariats qualitatifs (comme le Mobilier national, la fondation Carmignac ou encore la manufacture de Sèvres, Chanel…) Les expositions sont ouvertes au public jusqu’au 4 septembre pour celles de Hyères et jusqu’au 30 octobre 2022 pour celles de Toulon. Cette année, le jury de Toulon était présidé par Rodolphe Parente – également invité d’honneur – et retenu pour son style percutant et glamour. Quant à Hyères, le choix s’est porté sur Ineke Hans et son design et sa recherche d’économie de matière.
Design Parade Hyères 2022
Grand Prix du jury : Claire Pondard & Léa Pereyre
Le projet Anima II, réalisé par Claire Pondard & Léa Pereyre a remporté le Grand prix du jury ainsi que le Prix du public de la ville de Hyères pour leur recherche alliant matériau et robotique : Anima II sont des formes mouvantes, qui réagissent à la présence humaine grâce à des capteurs de mouvements : dans un esprit de créatures abyssales, des « simples » feuilles de plastique en 2D se transforment en formes organiques qui montent, descendent et s’étendent.
Ce Grand Prix du Jury de la Design Parade Hyères dote le duo d’une résidence de recherche d’un an à Sèvres, de la participation au concours en 2023 en tant que membre du jury accompagnée d’une exposition personnelle à la villa Noailles ainsi qu’un séjour de recherche d’un an au Centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques de Marseille (Cirva) afin de réaliser un vase en trois exemplaires.
La Mention spéciale du jury pour Stéven Coëffic
Stéven Coëffic avec son projet « Un moment de distraction fonctionnelle » et ses objets colorés majoritairement réalisés en céramique et en verre reçoit la Mention spéciale du jury. Par sa série de neuf objets, le designer joue avec les codes d’ouverture et de fermeture, les redéfinissant : le coffre s’ouvre grâce à un point de connexion, le lampadaire s’allume par la superposition de deux objets … La démarche design se veut intemporelle avec ses objets qui ne nécessitent pas d’électronique et ses formes simplifiées.
Un prix fruit de l’association d’American Vintage avec le festival qui offre à Stéven Coëffic une dotation pour créer une pièce en collaboration avec eux.
Design Parade Toulon 2022
Madeleine Oltra & Angelo de Taisne : consacrés par 4 prix
Le duo a fait une prestation fracassante à la Design Parade Toulon 2022 avec Sardine Sardine en remportant pas moins de 4 prix avec le Prix Chanel, le Prix Van Cleef et Arpels, le Prix Carmignac et le Prix du jury. Sardine Sardine nous plonge dans sa tente en toile aux couleurs chaleureuses et dorées. Entre la Ricorée, les figues sur la table, le lit de camp et la bouilloire frémissante, ce projet offre une immersion complète appelant à l’aventure. Le duo a dessiné les différentes pièces de mobilier, a su décliner des fauteuils et des lits d’appoints les codes du matériel de camping (matériau, technique) et a repris dans les coutures des revêtements des matelas gonflables. La « tente XXL » est entièrement démontable et transportable sur un toit de voiture équipé. Les deux jeunes designers se sont ingéniés à détourner des matériaux (tapis de sol) pour mieux revisiter les objets du quotidien dans un principe ergonomique.
Créé en 2019, le Prix Visual Merchandising décerné par Chanel permettra au duo de réaliser un projet de création à hauteur de 20 000€. Ce dernier sera exposé lors de la Design Parade Toulon 2023. Quant au Grand prix Van Cleef & Arpels, il dote les gagnants d’une bourse de 5 000€. Nouveautés 2022 : un accompagnement en conseil en image et relations presse par l’agence David Giroire Communication est proposé pendant un an ainsi qu’une possibilité de collaborer avec Delisle pour créer une pièce d’une valeur de 10 000€. Sans oublier le développement d’un projet créatif avec Codimat Collection, projet ayant vocation à rentrer dans les collections de la maison. Enfin, 2022 marque également l’arrivée de la Dotation de la fondation Carmignac qui récompense le duo avec une participation au concours en tant que membre du jury, une exposition personnelle à Toulon à la Design Parade Toulon 2023 et une invitation dans une résidence à créer un objet faisant le lien avec la philosophie du lieu.
Paul Bonlarron, Prix du Mobilier national à Toulon
C’est dans la matière molle que Paul Bonlarron trouve son inspiration et pense sa toilette aux coquillages comme une coquille habitable, mêlant miroir de nacre, fresque rocailleuse et motifs marins sur les pas des rocailleurs méditerranéens du XVIIe siècle.
Ce Prix du Mobilier national lui offre alors l’occasion de développer un projet créatif avec son l’Atelier de Recherche et de Création (ARC). L’institution – qui met en avant le design contemporain – permettra à Paul Bonlarron de présenter en 2023 son prototype au cours d’une exposition scénographiée par lui.
Prix du public de la ville de Toulon pour Marthe Simon
L’oursinade remporte le Prix du public de la ville de Toulon pour son intérieur évoquant l’oursin avec ses motifs inspirés de la villa Kérylos.
Le 7 juin à Milan, la marque danoise Carl Hansen & Søn a proposé une exposition immersive autour de la Wishbone chair proposée en série limitée et en 9 coloris dans le flagship du Foro Bonaparte, via Arco. Knud Erik Hansen, le PDG, troisième génération, y dévoile la chaise CH24 par Ilse Crawford dans des coloris allant du vert fluo au vert bouteille, du blanc craie au rouge sang.
La VLA26, chaise Vega et la série Foyer de Wilhem Lauritzen comptent également parmi les dernières nouveautés de cette entreprise familiale qui en trois génération a su faire évoluer son chiffre d’affaires ces 20 dernières années de 500% passant de 50 employés à près de 600 personnes dans l’usine la plus moderne d’Europe. Cette usine n’est pas de celle que l’on croit, bruyante, aliénante, étouffante. On est loin de l’industrie à la Zola. Néanmoins, il faut un certain degré d’abnégation pour travailler 38 heures par semaine sur la même pièce, peaufinée sans fin, poncée et re poncée, dans le même sens, qui de droite à gauche et qui de gauche à droite, dans le respect du travail de l’architecte Wilhem Theodor Lauritzen, auteur de l’aéroport tout en longueur de Copenhagen ou de l’ambassade danoise à Washington. Le travail comptait avant tout en premier pour lui.
« L’architecture doit être appliquée pour tous et ne jamais être un privilège pour les few », aimait-il expliquer. En 1921, il obtient son diplôme d’architecte et fonde son studio en 1922 pour concourir pour l’aéroport de Copenhague sur les terminaux 1, 2 et 3. En concurrence avec Arne Jacobsen sur le Terminal L de l’aéroport de Washington, il proposera un résultat tout simple avec un plafond en vague de carrelage blanc et des portes pivotantes en teck. Les projets de l’agence Lauritzen aujourd’hui sont de grande ampleur, pouvant couvrir des projets de halls de 2500 m2. Sur le dernier projet de l’ambassade d’Inde à Copenhague, l’agence, (installée dans de magnifiques locaux sur les quais de Copenhague) est en compétition avec Kengo Kuma. Ils conçoivent tout, de la peinture à l’imprimante 3D.
L’usine la plus moderne d’Europe
Depuis Copenhague, pour se rendre sur l’usine la plus moderne d’Europe, mais la plus artisanale aussi, il faut prendre vers l’ouest jusqu’à Gelsted sur l’ile de Fionie, et découvrir ces rois du recyclage qui depuis plus de 110 ans, transmettant du grand-père au père, puis au fils Knud Erik Hansen un outil de travail fantastique pour le meuble a profité à 300% de la pandémie. Affirmant haut et fort qu’il tient à transmettre le hand made aux générations du futur, rendant un hommage ému à sa mère Ella qui a su reprendre le business à la mort de son père en 2002, Knud Erik Hansen reprend le family business et étend sa présence à l’international. Carl Hansen (1908), Holger Hansen (1934), Jørgen Gerner puis Knud Erik Hansen, trois générations auront suffi pour faire des chaises en bois de teck ou de chêne tourné, des icônes du design.
Un design de référence est chez Carl Hansen & Søn une combinaison de simplicité, d’esthétique et de fonctionnalité matérialisé par un travail d’excellence avec les meilleurs matériaux. Et au Danemark, le meilleur matériau, c’est le bois et la corde de papier. Le partenariat le plus créatif a commencé en 1949 avec Hans J. Wegner et la chaise Wishbone qui représente l’ADN de l’entreprise et dont Carl Hansen & Søn est le premier fabricant mondial et les rend accessible à travers des showrooms dans le monde entier de New York à Tokyo, de Barcelone à Paris. A l’usine, techniques traditionnelles (tressage, ponçage, découpe…) et nouvelles technologies (robotisation des taches les plus pénibles) se combinent pour rester dans le respect des normes de qualité les plus exigeantes, pratiques honnêtes et durables.
Le développement durable danois
Les classiques du mobilier danois de Kaare Klint, Arne Jacobsen, Nanna Ditzel, Poul Kjaerholm… s’étoffent de nouvelles collaborations avec Rikke Frost, Mads Odgard, Anker Bak ou Morten Gøttler. Un récent partenariat a été engagé avec Ilse Crawford, l’architecte japonais Tadao Ando, le trio de designers autrichiens EOOS ou le designer américain Brad Ascalon.
Carl Hansen & Søn s’engage depuis des années en faveur du développement durable. De la stratégie globale à la solution simple, dans une volonté de prendre soin des êtres humains et de la planète, Carl Hansen & Søn investit dans des équipements de pointe moins énergivores et fournit à ses artisans des conditions de travail saines et sûres. Le bois provient de forêts et de scieries gérées de manière durable. L’intégralité du bois acheté est utilisée à la fabrication ou les chutes servent de combustible dans une centrale de chauffage urbain qui alimente 400 foyers à Gelsted. Les fauteuils Carl Hansen sont produits pour durer au de-là d’une vie et pour être transmis. Des services de réparation et de remise à neuf ont même été mis en place pour donner une seconde vie au meuble. Chez Carl Hansen & Søn, design et restauration vont de pair.
L’éditeur iranien Edelgrund rend le plus bel hommage à l’héritage Perse en s’opposant justement à son image classique.
C’est l’histoire de tapis persans qui sont tissés à la main à Téhéran par des petites mains expertes iraniennes. Ils sont imaginés, crées et conçus par des artistes Perses presque pure souche… Sauf que la collection de tapis et de kilims Edelgrund ressemble à tout sauf à des tapis persans. Zéro fioriture, nul orientalisme, pas de volutes et d’entrelacs bavards, pas de couleurs comprises dans la très traditionnelle et inoxydable gamme sourde et chaude des tapis persans classiques -ceux que l’on identifie tous sous ce nom devenu générique. A la place, chaque création Edelgrund est une démonstration de modernité. Les motifs sont pour ainsi dire cubistes, les traits pointillistes et les formes géométriques. Ces designs sont presque « graphés », jetés et empilés dans un mouvement moderniste par la designer Alireza Lofti et le développeur de produits Mahshid Askari. Les coloris sont doux et contemporains, juste épicés de rais de lumière et de teintes gourmandes, électriques ou savoureuses, c’est au choix.
« Les créations d’Edelgrund témoignent de l’artisanat persan traditionnel dans un langage de conception moderne et expressif », confirme la maison, depuis son bureau allemand. « Avec chaque pièce, Edelgrund nous emmène dans un voyage aux racines historiques des techniques de fabrication traditionnelles, vers des matériaux d’une subtilité et d’une provenance particulières. Les designers internes d’Edelgrund à Téhéran, en Iran, s’inspirent souvent d’images historiques, mais dans une interprétation moderne. De plus, la collaboration d’Edelgrund avec des designers internationaux est une puissante motivation pour repousser les limites des capacités de production et de conception ».
Les dessins très modernes, presque exploités à contre-emploi quand on parle d’artisanat séculaire, transmettent la richesse de la fabrication de tapis traditionnels d’une manière « rafraîchissante et nouvelle », a-t-on pu entendre dans les allées de Maison et Objet, où Edelgrung expose. Les produits sont faits à partir de laine 100% cueillie à la main, colorée avec des teintures végétales naturelles et du fil filé à la main.
Du 14 au 19 juin 2022, la Messeplatz de Bâle accueillait la 16ème édition de Design Miami/ Basel sur le thème « The Golden Age : Rooted in the Past ». L’occasion pour la nouvelle directrice artistique de la manifestation, Maria Cristina Didero, de nous présenter les nouveautés.
Cette 16e édition de Design Miami/ Basel permettait les expositions de 34 des plus grandes galeries du monde, parmi lesquelles la Friedman Benda new-yorkaise, la parisienne Galerie Meubles et Lumières ou encore la BABS Art Gallery de Milan. Par ailleurs, 17 expositions Curios – c’est-à-dire une plateforme invitant les designers, conservateurs, innovateur et galeries à présenter des cabinets de curiosités tout au long de la foire – étaient présentées, telle la Rademakers Gallery et l’installation Altar of Imagination de Kiki van Eijik. Nouveautés également avec la première exposition « Podium » à Bâle, la série inaugurale de projets satellites spéciaux et le cycle de conférences variées.
La présentation des nouveautés
Inspiré par le thème « The Golden Age », le « Podium » de la foire est une exposition-vente explorant espaces géographiques et chronologiques, comme l’explique Maria Cristina Didero : « Podium devient une plateforme de réflexion sur la manière dont ces pièces peuvent susciter des discussions sur la scène du design d’aujourd’hui. » Ainsi, les pièces modernes se mêlent aux pièces historiques, passant du luminaire de Faye Toogood à la chaise Capricone de Vladimir Kagan. Une sélection que Maria Cristina Didero décrit par « La sélection des pièces repose sur les émotions qu’elles peuvent transmettre, elles ne sont pas liées les unes aux autres, mais elles sont ici parce que chacune d’entre elles est très importante et franche. Je vois beaucoup d’émotion et de sensibilité dans ces objets. » Visibles à la fois sous forme physique et en ligne, elles peuvent être achetées tout au long de l’évènement.
Notons par ailleurs le Special Satellite Projects, marquée par Pulse Topology, l’installation du Mexicano-Canadien Rafael Lozano-Hemmer. Ses 6000 ampoules forment une expérience immersive avec les capteurs de pouls réalisant un enregistrement des battements du cœur des visiteurs, ajoutant le pouls de chaque nouveau visiteur au rythme de la lumière. Autres découvertes avec les porcelaines de Diego Cibelli, Méditation en cas d’urgence, et les meubles inspirés par la nature de Joseph Walsh Studio.
Enfin, un cycle de conférences, numériques ou en personne, ont eu lieu autour de la nature même du design. Le futur du design ? La montée des NFT ? La popularité des designs des années 1980 ? Autant de thèmes éclectiques qui ont pu être abordés sous l’organisation de Maria Cristina Didero.
Les galeries mises à l’honneur
Quatre galeries ont été particulièrement remarquées. La hollandaise Morentz a reçu le Prix pour la meilleure galerie avec son installation mélangeant les oeuvres rares en célébrant « le meilleur du design international du milieu du siècle, unissant intuitivement les expressions nordiques, italiennes, américaines et brésiliennes » pour reprendre les mots du conseiller Simon Andrews.
Quant au Prix du meilleur Curio, il revient à la Faina Gallery avec sa designer d’origine ukrainienne Victoria Yakusha et sa tapisserie de deux mètres symbolisant le lien indéfectible des Ukrainiens à leur sol.
Récompense également pour la Galerie Meubles et Lumières qui reçoit le Prix du meilleur objet historique grâce à l’ensemble de mobilier de bureau signé Pierre Poutout et rappelant les années 1970.
La Galerie Maria Wettergren n’est pas en reste puisqu’elle obtient le Prix du meilleur objet contemporain pour Planet de la danoise Astrid Krogh que résume l’architecte Lee Mindel par « Faite de feuilles d’or, d’argent, de platine, d’aluminium et de fibres optiques – avec son flux de lumière en mouvement et ses diverses surfaces vibrantes – Planet d’Astrid Krogh est un festin pour les yeux ».
De Los Angeles à Paris, du camping jusqu’au vol transatlantique, Intramuros part à en voyage.
Le design se fait ici nomade, répondant à nos envies de vents nouveaux. Accessoires high-tech, vans électriques, objets éclectiques, ce numéro d’été d’Intramuros offre une vision très large du design. À travers la découverte de nouveaux éditeurs faisant appel à de grands noms pour se lancer, de parcours variés, d’Edward Barber & Jay Osgerby à Goliath Dyèvre, en passant par des projets d’architectures intérieure dépaysants, Intramuros vous fait voyager au gré de ses rencontres et de ses inspirations.
Novembre 2021. Dans le bus, une jeune femme pose devant moi son tote bag noir, qui expose une citation de la romancière américaine Susan Sontag : « Je n’ai pas encore été partout, mais c’est sur ma liste. » Telle une revendication, dans cette période de réouverture progressive des frontières – et en pleine réflexion du planning éditorial 2022 –, cette phrase résonne alors très fortement. Voyager, explorer de nouveaux paysages, partir sur les routes en nomade…, dans l’Hexagone et au-delà.
Cette envie d’ailleurs est un appel d’air ressourçant, notre quotidien regorge déjà de ces hybridations culturelles devenues naturelles. Qui s’étonne aujourd’hui de trouver dans le salon des canapés bas aux structures inspirées des tatamis, des cotons indiens dans le linge de maison, des baguettes dans les tiroirs à couverts…?
Si la globalisation des marchés a apporté une certaine uniformité, reconnaissons aussi que l’internationalisation des échanges a ouvert nos modes de vie à des influences extérieures. Les éditeurs eux-mêmes n’hésitent pas depuis longtemps à faire appel à des designers de continents différents pour ouvrir les gammes, et participent à leur façon à ce grand métissage des pratiques et des inspirations.
Partir à l’étranger est loin d’être une décision facile, mais c’est toujours une étape dans une carrière pour qui accepte de jouer le jeu de l’immersion.
Et si l’acquis professionnel est important, ces workshops, résidences ou tout simplement séjours hors du territoire sont indéniablement des expériences fortes sur le plan personnel qui nourrissent l’esprit et l’imagination. Car la confrontation à une autre culture incite à un face-à-face avec soi- même, et à l’interrogation de ce qui nous anime. Sans oublier l’essentiel, comme le poursuit Susan Sontag : « Ce que je veux, c’est être au cœur de ma vie – être là où l’on se trouve, contemporain de soi-même dans sa vie, prêter une totale attention au monde, qui vous inclut »
À Poissy, la Villa Savoye a donné carte blanche à Nathalie Du Pasquier dans le cadre de l’exposition « Chez eux, une carte blanche à Nathalie Du Pasquier » qui se tiendra jusqu’au 25 septembre. L’occasion de « meubler » à nouveau cette villa imaginée par Le Corbusier et inhabitée depuis 1940.
Membre du mouvement Memphis lancé par l’Italien Ettore Sottsass à Milan dans les années 1980, la designer franco-italienne Nathalie Du Pasquier s’est attaqué pour la première fois à un monument historique. L’exposition « Chez eux, une carte blanche à Nathalie Du Pasquier », qui a pour commissaire Yvon Lambert, s’est vue choisir ce titre du fait de la volonté de Nathalie Du Pasquier de redonner vie à ce lieu, qui fût la résidence secondaire de la famille Savoye dans les années 1930-1940. Conçue par Le Corbusier entre 1928 et 1931 à la demande de Pierre et Eugénie Savoye, la villa a depuis été reconduite en lieu de visite culturelle.
Des oeuvres pensées pour être en harmonie avec la Villa
Composée de douze réalisations, cette exposition carte blanche de Nathalie Du Pasquier se traduit en une sorte de dialogue avec les murs de couleurs présents dans la villa, et en référence à la Polychromie architecturale, une théorie de la couleur avancée par Le Corbusier. De fait, elle explique que ces réalisations, qui agissent comme des oeuvres composites, ont été pensées « comme des trompes l’oeil, des faux meubles, venus pour habiller et apporter une âme à ces différentes pièces à vivre ».
Un bel hommage et une mise en valeur du travail de l’architecte, qui a cependant demandé une certaine réflexion liée à des contraintes techniques dues au statut de monument historique du lieu. En effet, le peu de surface disponible et l’impossibilité d’accrocher des œuvres aux murs a restreint les possibilités de réalisations, mais s’est avéré au final bénéfique, « Grâce à cette contrainte de ne rien pouvoir accrocher aux murs, j’ai développé de nouvelles pièces » témoigne t-elle.
Le résultat permet d’offre une certaine « nouvelle âme » à la villa, qui à travers ses nombreuses fenêtres entourant la bâtisse, permet des jeux de lumière interessants avec les réalisations de la designer.
Jusqu’au 18 septembre 2022, le musée Guggenheim de Bilbao accueille l’exposition « Motion, Auto, Arts et Architectures » conceptualisée par l’architecte Norman Foster et avec pour commissaires d’exposition Lekha Hileman Waitoller et Manuel Cirauqui.
38 voitures entourées de 300 œuvres retracent l’histoire de l’automobile tout en invitant le visiteur à imaginer son évolution future. Six espaces et dix salles proposent un voyage chronologique à travers plus d’un siècle de créations automobiles, tout en dressant un brillant parallèle avec les différents courants artistiques et architecturaux de la même période.
Des voitures qui ont marqué l’histoire
L’exposition permet de retracer l’histoire des voitures qui ont marqué l’univers de l’automobile et qui ont impacté notre mode de vie. Parmi elles, se trouve la Volkswagen Type 2 ou également surnommée la « Samba ». Il est aussi possible de retrouver une BMW 600 et une Fiat 500. Chacune de ces trois voitures ont eu un impact sur notre mode de vie et dans la démocratisation de l’automobile à travers l’Europe et l’Amérique du Nord.
L’exposition regroupe également des voitures de légende comme la Ferrari 250 GTO, qui a été pendant de nombreuses années la plus chère du monde et pour cause, elle n’existe que sous 36 exemplaires. Il y est également présenté une Aston Martin DB5, modèle mythique de la saga James Bond et aussi une Citroën DS de 1971.
Une invitation à imaginer le futur de l’automobile
La dernière salle proposée dans l’exposition est nommée Future et est composée de travaux imaginant l’avenir de l’automobile. La Norman Foster Fondation a en effet proposé aux étudiants de seize écoles de design et d’architecture, venant de quatre continents différents, d’imaginer le monde automobile à la fin du siècle. Leurs travaux qui comportent entre autres des dessins, des maquettes, des vidéos et des textes sont le résultat du travail des élèves avec l’industrie automobile. Ils abordent des sujets comme la pollution, les embouteillages et le manque de ressources qui font écho aux mêmes problématiques qui ont poussé à la création des voitures à la fin du XIXe siècle.
Immersion dans l’univers de l’automobile
Les autres espaces que comprend l’exposition sont consacrés à un atelier de modelage en argile, des maquettes et une expérience sonore immersive. Autre découverte, l’envers du design automobile, avec un intéressant tableau recréant, au sein du musée, l’atelier de modelage de General Motors. L’installation, qui rajoute un élément vivant à l’exposition, est celle utilisée pour la LYRIQ EV.
Les maquettes qui viennent de la collection Hans-Peter Porsche Traumwerk permettent de voir l’impact des voitures sur l’univers des jouets ou des reproductions à taille réduite ou grandeur nature. Pour le projet Didaktika, qui a pour but la création d’espaces éducatifs, l’exposition a imaginé une expérience sonore immersive présentant les voitures exposées de manière globale grâce à des silhouettes minimalistes. Cette activité permet l’écoute des voitures en mouvement et ce, tout au long de l’expérience.
L’exposition « Motion, Auto, Arts et Architectures » permet ainsi de se plonger dans l’histoire de l’automobile depuis sa création jusqu’à nos jours tout en observant l’influence que le milieu artistique à pu avoir sur elle. L’exposition nous invite également à voir une vision de son futur et à l’imaginer tout en réfléchissant aux problèmes actuels de la voiture. Elle permet également une expérience unique par la découverte d’un studio de modelage fonctionnel et une immersion sonore grâce au son des voitures.
Jusqu’au 29 août 2022, le Centre Pompidou-Metz accueille l’Americano-Turc Refik Anadol et son installation « Machine Hallucinations – Rêves de nature ». Une première pour la Grande Nef du musée qui se voit ainsi confier à un seul artiste avec sa sculpture/peinture numérique.
Né en 1985 en Turquie et travaillant à Los Angeles, Refik Anadol s’est imposé comme le pionnier dans le monde de l’art numérique et des crypto-monnaies de collection. Fasciné par les machines, son œuvre est à la croisée de l’architecture, de l’intelligence artificielle et de l’esthétique pour une immersion complète qu’il réalise avec son algorithme, créé en collaboration avec l’équipe de recherche quantique de Google AI. L’installation « Machine Hallucination » est donc une plongée directe dans les rêves d’une machine…
Une combinaison algorithmique
Dès ses premiers pas dans la salle, le visiteur est happé par les formes mouvantes et colorées de l’oeuvre, formant comme une chorégraphie. Les couleurs sont changeantes, passant du bleu au vert et du rouge au gris, sur une toile numérique de 10m x 10m soit plus de 100m2 d’images en mouvement permanent. Spectaculaire, cette sculpture de données est le fruit de 300 millions de photographies de nature, réunies entre 2018 et 2021. L’algorithme développé par la suite, l’IA GAN, permet une combinaison de formes, de pigments et de motifs de 20 minutes. Le tout accompagné d’une expérience sonore, également réalisée par un algorithme.
Nos souvenirs de la nature se mélangent alors avec la dimension alternative du monde réel proposée par la machine et forme une expérience multisensorielle. Celle-ci pousse à la réflexion, entre onirisme et nature, en questionnant la collaboration entre technologie, nature et homme.
Le Centre Pompidou-Metz accueille jusqu’au 6 février 2023 sa nouvelle exposition intitulée « Mimèsis : un design vivant », signant là son premier accrochage centré exclusivement sur le design. Une idée fruit d’un dialogue de plus de deux ans entre Marie-Ange Brayer, conservatrice chargée des collections Design et Prospective industrielle du Musée national d’art moderne, et Olivier Zeitoun, attaché de conservation du département.
« Mimèsis : un design vivant » s’articule comme une réflexion autour de l’évolution de la nature dans le design comme l’exprime jusqu’à son nom, mimèsis, reprenant le concept platonicien d’imitation dans les arts. Cette tension entre design et nature, entre imitation et re-création est alors mis en avant. L’exposition se pense comme une conversation avec le vivant, en mêlant le travail de designers originaires du monde entier, abordant des techniques et des approches nouvelles, toujours centrée sur cette exploration du vivant. Au total, l’exposition regroupe 400 œuvres de 90 créateurs, exposées sous une forme chronologique et thématique et explorant biomorphisme, biomimétisme ou encore biofabrication. Immersive et vivante, l’exposition propose également deux focus : le premier sur le designer de la modernité française Serge Mouille et le deuxième sur le duo de designers contemporains Erwan et Ronan Bouroullec.
Le design vivant exploré sous toutes ses formes
L’exposition retrace l’histoire du design vivant à travers la présentation de la fascination de certains designers pour la nature, ses formes et processus de créations à travers le temps. À l’entrée, l’œuvre « Grotto II » (2015-2016) de Michael Hansmeyer et Benjamin Dillenburger, une grotte passée aux cribles des nouvelles technologies et composée d’une quarantaine de blocs imprimés en 3D, propose une ouverture au merveilleux. « Cette œuvre est à valeur de manifeste pour traiter de ce nouveau rapport du vivant” commente Olivier Zeitoun. Au fil des salles sont décryptées les évolutions et avant-gardes présentes pour explorer, sous toutes ses formes, cette notion de design vivant.
400 pièces de collections emblématiques pour dix salles thématiques
Tout au long du parcours de l’exposition, le visiteur est invité à découvrir – ou redécouvrir – des pièces iconiques. Si le parcours est chronologique, les deux premières salles, « Grotesques » et « Cabinet de curosités », se présentent plus comme des états des lieux sur les matériaux et le numérique dans tout ce qu’ils sont de plus large. La salle 3, intitulée « Biomorphisme », qui s’étend des années 1920 à la fin des années 1950, présente le travaux de plusieurs designers de renommés et pionniers de leur époque, notamment Charlotte Perriand avec la Table en forme (1938) ou encore la chaise Ombre (1955), qui sont le résultat de ses recherches sur la nature qu’elle a travaillé en tant que matière brute.
Des pièces du finlandais Alvar Aalto, curateur du design organique, la chaise DCW (1946) du couple Charles & Ray Eames figurent parmi les pièces présentées. Le design scandinave et notamment les pièces d’Arne Jacobsen sont également à l’honneur, avec la chaise Goutte (1958) et du fauteuil Signe (1958), logiquement inspirés, à travers leur nom, par la nature pour leur conception.
La salle 4, nommée « Pop, natures artificielles » balaye la période de 1960 à 1980. Ici, le design vivant rime plutôt avec couleur et forme qui rappellent la nature, à l’instar de la célèbre chaise Tulipe (1656-1957) d’Eero Saarinen ou de la chaise Peacock (1960) de Vernon Panton.
Dans la salle 5, c’est le matériau qui devient l’organisme vivant, puisque celle-ci est centrée sur le travail du designer Serge Mouille, créateur de plus de 50 familles de réflecteurs. Sont présentées, entre ses luminaires emblématiques, des réalisations qu’il a imaginées comme des objets dynamiques, pensés comme des torsions organiques créées par le métal dans lequel ils sont fabriqués. À partir des années 1980, le processus de création ne va plus simplement se baser sur les matériaux et les inspirations de nature, mais va mêler des processus industriels, comme le montre la salle 6, « Natures à l’oeuvre ». Le bois n’est en effet plus le seul matériau utilisé, à l’instar de l’oeuvre « Tree 5 » (2010) de l’Italien Andréa Branzi, qui associe l’usage du bois à l’aluminium.
Et si le dialogue entre nature et design se renouvelle avec de nouveaux procédés, l’espace public, n’est pas en reste. Ainsi, la salle thématique sur les frères Bouroullec, présente les Rêveries urbaines, installations issues d’une exposition faite à Rennes en 2016. Une présentation qui remet à l’honneur les espaces urbains « oubliés », comme ce pourrait être le cas de certaines places ou parcs. Comme une expérimentation, les designers ont imaginé des espaces où la nature serait à nouveau omniprésente. Des réalisations sont allées bien au-delà de la simple maquette puisque les villes de Paris, de Miami ou d’Aarhus les ont mis à l’échelle.
Nouvelles technologies et interêts environnementaux
La salle 8, axée sur la « Recréation numérique », présente des pièces conçues dans les années 2000, qui allient des savoir-faire et des processus de création nouveaux, rythmés par l’arrivée de l’impression 3D, à l’instar de la chaise Solid C2 (2004) de Patrick Jouin, première réalisation réalisée grâce à cette technique d’impression, ou de la chaise Adaptation Chair de Joris Laarman (2015). Une neuvième et avant-dernière salle, qui s’intitule « Chaises longues », propose de faire un parallèle sur l’évolution de cette dernière, au fil du temps, à travers la présentation de La chaise (1948) Charles & Ray Earles, de la Bone Chair Prototype (2006) de Joris Laarman et de la très étonnante Divan Duchess (2020) de la française Aurélie Hoegy.
L’exposition se clôt sur une dernière et dixième salle, intitulée « Biofabrication », qui expose les travaux de designers qui imaginent les biomatériaux comme des objets de recherche. En alliant procédés numériques et matériaux organiques, le résultat peut-être plus que surprenant. Le travail de Samuel Tomatis, diplôme de l’ENSCI en 2016, se concentre notamment sur la création d’un nouveau matériau fait à partir de déchet organique : les algues. Plus surprenant encore, le travail du Néerlandais Eric Klarenbeek, qui fut le premier à maîtriser la technologie du mycellium associé à l’impression 3D, présente la Mycellium chair (2018-2019), totalement biodégradable in fine.
Ainsi, « Mimèsis : un design vivant » dévoile un spectre de recherche et d’évolutions indiquant que le design vivant, au fur et à mesure du temps, continue d’intriguer et de fasciner les designers. Avec l’aide des nouvelles technologies et la prise en compte des problématiques sociétales, ces derniers proposent des pièces inspirées et tirées de la nature, manifestes et chargées d’histoires significatives.