Réseau de manufactures collaboratives et solidaires, la force de Make ICI, aujourd’hui, est d’avoir réussi à créer dans plusieurs régions de France, des lieux qui sont de vrais écosystèmes de l’industrie créative. Les résidents ont pour points communs d’être entrepreneurs, de placer le design au cœur de leurs activités – soit en étant designers ou en travaillant avec des designers – , et de mutualiser leurs compétences pour se développer. Car ces espaces comportent différents dispositifs d’accompagnement à l’entreprenariat, souvent absentes des formations initiales. Et c’est ce pari sur l’intelligence collective qu’a voulu récompenser la Fondation Bettencourt, en distinguant le couple fondateur dans la catégorie Parcours.

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Comment définissez-vous vos manufactures ?

Christine et Nicolas Bard : Le terme le plus courant pour désigner ce concept est makerspace mais nous avions envie d’un mot français. Nos lieux sont des manufactures sociales et solidaires à but lucratif, dont les bénéfices générés sont intégralement réinvestis. Notre ambition est d’aider une génération d’artisans d’art à vivre correctement de son savoir-faire. Pour cela, nous avons réuni un ensemble de dispositifs qui constitue, à nos yeux, les éléments clés de la réussite : l’accès commun à des équipements traditionnels et numériques; un compagnonnage avec d’autres artisans qui permet de rompre l’isolement; une proximité avec d’autres disciplines alors qu’en France, les savoirs sont trop séparés. Enfin, une solidarité à tous les stades de l’activité -de la conception à l’accès au marché. La philosophie de MAKE ICI ? Tous indépendants, tous interdépendants. Il est aussi important d’être autonome que de pouvoir se faire aider lorsque cela s’avère nécessaire. A MAKE ICI, les entrepreneurs en difficulté ont toujours quelqu’un à proximité pour leur donner un coup de main.

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Que signifie le prix Intelligence de la main/ Parcours pour vous ?

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ChB&NB. Nous sommes très fiers d’avoir été distingués, d’autant que nous connaissons l’exigence de la Fondation en termes d’excellence et d’innovation. Cette reconnaissance est très importante pour nous car elle vient valider notre façon de penser l’artisanat d’art. Notre initiative est souvent observée avec intérêt mais on nous reproche de n’être pas assez puriste. Nous pensons, au contraire, que les artisans ne peuvent rester dans l’entre-soi. Ils doivent travailler avec des designers, des industriels... Un ferronnier d’art peut créer un prototype pour Airbus; une maroquinière, formée par Hermès, fabriquer la ceinture qui servira de récompense pour le concours de danse hip-hop créé par la marque Redbull, comme cela fut le cas pour deux de nos résidents. L’artisanat d’art doit s’ancrer dans le XXIe siècle ; conjuguer les savoir-faire ancestraux avec les techniques, et les désirs, de demain.

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Quels projets allez-vous développer grâce à cette récompense ?

ChB&NB. Il va nous donner l’opportunité d’inaugurer de nouvelles manufactures, quatre sont déjà prévues, avec un ancrage dans les savoir-faire spécifiques des régions où nous allons nous implanter. Celle de la rue Ordener, à Paris s’organisera autour du travail sur le bois, le métal, le cuir et le textile. À Wasquehal, entre Lille et Roubaix, nous allons investir les anciennes imprimeries des catalogues Trois Suisses et allons naturellement promouvoir les savoir-faire textiles. A Tours, nous avons noué un partenariat avec le Théâtre National pour travailler autour des métiers du spectacle avec notamment des ateliers de costumes. Chaque lieu abritera environ 30% de savoir- faire locaux. Une façon de dynamiser le tissu industriel français, et redonner aux régions toute leur vitalité.

« Histoires d’ICI » est une websérie qui présente différents résidents du réseau. Découvrez ci-dessous le parcours de l’Atelier Noue.

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Manifeste du studio Cutwork extraits du chapitre ``Territoires liquides

« Au cours des 30 dernières années, le coût de la vie dans les villes a augmenté de façon spectaculaire. À Toronto, par exemple, le prix du mètre carré a augmenté de 425 %, contre 133 % pour le revenu familial. Bien que la ville soit toujours le modèle le plus attrayant aujourd’hui, peut-on vraiment s’attendre à ce que celui reste un modèle dominant ? (…) Dans quelle mesure la ville est-elle un modèle résilient si elle engendre une aggravation des inégalités ? Pouvons-nous, de manière réaliste, nous attendre à ce que les villes supportent économiquement un afflux de plus de 3 milliards de personnes d’ici 2050 ?

L’attrait pour l’espace et le grand air n’est pas seulement une tendance qui reflète ces conditions. De nouvelles formes de flexibilité et de notion de distance dans nos modes de vie et de travail peuvent conduire à un passage vers un mode de vie décentralisé – mélangeant les modes de vie entre l’urbain et le rural dans les « territoires liquides » émergents. (…). En mars 2020, près d’une personne sur quatre a quitté Paris pour passer son confinement à la campagne. Presque toutes les grandes villes ont connu un exode urbain similaire (…). Bien sûr, il s’agit de signaux à court terme, mais sur quoi réside la qualité de nos villes si nous en venons à désirer les quitter en temps de crise ?

La ville est devenue l’incarnation de l’inégalité systémique. (…) Non seulement les espaces coûtent plus cher, mais ils ne cessent de se réduire (…) Le logement tel que nous le connaissions avant le confinement était un espace avec une définition bien précise. Pourtant, aujourd’hui, nos espaces privés, étroits, atteignent leurs limites. Nous devons dormir, travailler, cuisiner, manger, faire du sport, élever des enfants, le tout dans un environnement extrêmement compact. Avec ou sans confinement, cela devient la norme. Comment notre qualité de vie ne peut-elle pas se réduire si nous continuons à être entassés dans des espaces de plus en plus réduits ?
En 1845, Elisha Otis Graves invente l’ascenseur. (…) Cette invention-clé a permis aux villes de se développer et de se densifier verticalement pour limiter leur étalement, tout en accueillant une part de plus en plus importante de la population rurale.

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Aujourd’hui, les ordinateurs portables, les smartphones et l’accès très répandu wi-fi très répandu ont de nouveau radicalement changé notre rapport à l’environnement. Mobile par définition, le portable a un impact très direct sur l’architecture : il libère l’espace de ses fonctions prédéfinies. Avec l’ordinateur portable, désormais depuis n’importe où, et même depuis notre lit. Avec l’essor du travail à distance, cette tendance à une plus grande flexibilité ne fait que s’accélérer. Les logements actuels ont été construits dans le cadre d’un scénario qui perd de sa pertinence aujourd’hui.

Nous devons changer de perspective et repenser nos habitats pour accompagner ce changement. Si le défi du siècle dernier était de densifier nos villes verticalement, le défi d’aujourd’hui est de repenser nos espaces pour les rendre plus élastiques dans leurs utilisations – en adéquation avec la façon dont nous les utilisons véritablement. Ce changement incroyable a alimenté l’apparition de nouveaux types d’architecture :, notamment d’espaces de travail partagés et de modèles de cohabitation. Ces expériences sont des occasions d’explorer de nouvelles façons, plus flexibles, d’accéder aux espaces et de les partager. Au sein de nos appartements compacts, la polyvalence est essentielle. Il ne s’agit plus d’avoir le plus de mètres carrés possible, mais de repenser la façon dont nos espaces peuvent facilement permettre à différentes activités de se dérouler dans un même lieu. Le défi consiste maintenant à les concevoir de manière à ce que nous puissions facilement reconfigurer chaque espace pour l’utiliser dans des activités variées : dormir, travailler, socialiser, et plus encore.

L’amélioration de la fluidité fonctionnelle et la logique des espaces partagés imprègnent toutes les échelles et tous les standards de vie : pièces intérieures, maisons entières, configuration des quartiers, expansion de la ville et rejoint maintenant et même l’ancienne opposition entre ville et campagne s’en voient impactés. Nous assistons déjà au développement d’un mode de vie mixte, rural et urbain. Car les gens ne fuient pas n’ont pas seulement fui la campagne pendant leur confinement : bien avant le mois de mars, nous avons vu le début de la tendance des « citadins qui quittent la ville ». Au cours des neuf dernières années, un million de gens ont fui, quitté New York. Selon Bloomberg, près de 300 personnes par jour quittent la région. Si nous pouvons maintenir nos relations personnelles et une certaine l’activité économique à distance, et si les pressions systémiques de la ville continuent de s’intensifier sans contrôle aucun, ce passage à une vie décentralisée ou mixte est inévitable sur le plan économique et social (…)

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Les transports joueront un rôle déterminant dans cette évolution. La conduite intelligente et l’hyper-mobilité pourrait véritablement devenir une norme dans les villes au cours de la prochaine décennie. Même l’avènement des voitures volantes arrive plus tôt que nous ne le pensions. Les entreprises sont déjà en train de planifier l’ouverture d’aéroports permettant d’accueillir ce type de voiture dans les zones urbaines dès 2023. Ces nouvelles formes de transport sont en voie de changer radicalement notre compréhension de l’espace, du temps et des distances. Elles réduirons notre perception des trois. Ce même sentiment de bouleversement s’est produit très rapidement au début du XXe siècle avec la construction du chemin de fer mondial et la démocratisation des voitures individuelles et des vols internationaux. Une fois que la version contemporaine de ces systèmes aura permis de réaliser des économies d’échelle et de devenir largement accessible à tous, quels nouveaux modes et réseaux de vie et le travail vont émerger ?

Depuis 10 000 ans, l’homme est devenu de plus en plus sédentaire. Pourtant, aujourd’hui, certains d’entre nous sont retournés à la vie nomade, à mesure que la mobilité mondiale remet toujours plus en question nos modes d’habitat traditionnels. Les nomades numériques tracent de nouveaux réseaux entre les villes du monde entier, en dépensant précieusement leur temps ici et là. Ces premiers vecteurs de déplacement, passant d’un endroit à un autre, annoncent que nos habitudes largement sédentaires pourraient évoluer vers une sorte de mode de vie de « sauterelle ».

Avec la sédentarisation de la vie urbaine, la campagne est devenue un lieu de vacances et de retraite. Aujourd’hui, cette migration pendulaire est presque exclusivement observée l’été, mais si nous pouvions imaginer de nous mouvoir plus librement et plus fréquemment, un mode de vie très différent, plus intégré, qui réunisse ces deux espaces distincts, pourrait émerger. (…) Et si toute notre conception du trajet quotidien était remplacée par un flux annuel de migrations continues ? Si nous continuons à mutualiser les coûts de manière à rendre le travail à distance encore plus flexible et faciliter l’accès à une plus grande mobilité, nous pourrions explorer un nouveau type de « territoires liquides », où l’on serait beaucoup moins liés à un lieu particulier. (…)

« Pourquoi faites-vous du design? » c’est la question que Jean-Louis Fréchin a posé à une douzaine de designers, de générations différentes, et qui donne lieu à une installation vidéo présentée au début de l’exposition. Après un hommage à des figures qui ont marqué la discipline, comme Charlotte Perriand, Jacques Viénot, Roger Tallon ou encore Marc Berthier, et qui ont formé des générations bien en place aujourd’hui,  cette entrée en matière plutôt directe a le mérite d’éviter de perdre le public dans une énième définition de ce qu’est le design, en mettant directement l’accent sur les projets, comme une preuve par l’action, tout en partageant directement la passion de ces professionnels.

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Le parcours continue avec une salle dédiée à Philippe Starck («  parce qu’il représente bien l’absence de limite du design » selon Jean-Louis Fréchin : le designer le plus connu des Français est présent avec des projets totalement éclectiques, depuis le projet d’éolienne individuelle à la voiture électrique, la chaise AI pour Kartell, les lunettes aux  articulations bioniques brevetées…  mais lui succède dans la salle suivante le kayak et les vélos  conçus par l’équipe interne de Decathlon, le premier téléphone mobile grand public réalisé par Alcatel,  les projets de Stéphane  Thirouin avec SEB, de  Fritsch + Durisotti (par exemple le voilier ) et bien d’autres  insistent sur les fondamentaux du design industriel : répondre à des usages, des pratiques,  dans une conception pensée pour une diffusion pour le plus grand nombre. C’est d’ailleurs la force de ce tour d’horizon français : à côté de fortes personnalités qui travaillent à l’international, le rôle important des équipes de design intégrées est également mis en avant.

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Le design, force de propositions

À travers les projets de Constance Guisset, de Jean-Baptiste Fastrez, de Mathieu Lehanneur… l’exposition se poursuit en se focalisant sur la force de propositions du designer. Ici, les frontières entre artisanat et industrie sont brouillées : que ce soit en déclinant la lampe de chevet dans les TGV (Saguez & Partner) aujourd’hui reprise par l’éditeur Moustache, ou des recherches sur les matériaux (recyclage de pneus, fibres de jute…) ou sur des sources plus inattendues en « cofabricant» un luminaire avec l’intervention directe de vers à soie (Twill Light, d’Elise Fouin), le designer surprend par les réponses et les pistes d’exploration qu’il propose à des questions environnementales et sociétales plus larges.

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Compte tenu de la personnalité du commissaire de l’exposition, le parcours prend évidemment en compte la révolution numérique, qui « élargit le rôle et le potentiel des objets ». On y découvre les recherches d’EDF Lab, comme différents objets connectés, mais aussi des recherches sur des polices de caractère pour le design d’interface , des badges capteurs de pollution… Enfin, comme un écho à l’aménagement de l’espace urbain traité au début du parcours – à travers l’évolution de la définition des projets de la RATP et de la SNCF – la dernière partie du parcours insiste sur la question de l’intérêt général abordés par les designers : rafraîchissement urbain, mobilier urbain, impression 3D à la demande …

Dense, mais accessible au grand public par une scénographie bien soignée, cette exposition dresse un panorama vivant des acteurs français du design (une soixantaine sont cités, toutes générations confondues), montre combien un designer peut travailler sur des sujets extrêmement variés alors qu’il est toujours tentant de d’enfermer dans des catégories. Dans son témoignage vidéo, au début du parcours, Jean Marie Massaud exprimait » je fais du design parce que je ne peux appréhender une question que globalement », Mathieu Lehanneur  » parce que j’ai besoin qu’on me pose une question« . Et pour Mathilde Brétillot « j’essaie de trouver une forme entre ce qui est profondément personnelle et une question empathétique« .

Héritage de fabrique familiale du XIXe siècle, menace de délocalisation, reprise par un collectif d’ouvriers, ascension internationale d’une entreprise locale… L’histoire de Cristel réunit tous les ingrédients d’une saga de l’été à succès. Pas étonnant que Bernadette Dodane, sa présidente, soit en train de finaliser un roman qui en raconte l’aventure. Cette success-story est en fait due à la créativité de Paul Dodane, qui a su lire les capacités de l’appareil de production pour imaginer un produit usuel, bien positionné sur le marché, industrialisable et diffusé dans le monde entier. Le rêve de tout designer ?

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À quelques kilomètres de Montbéliard, dans le Doubs, en lisière de forêt, Cristel a donné une seconde vie à l’ex-Casserie, une usine de ferblanterie construite en 1826 par Japy, avec ses trois fils, à Fesches-le-Châtel. Précurseurs à l’époque, ils rachètent le brevet du premier procédé d’emboutissage appliqué à la fabrication d’éléments de cuisson qui, ce faisant, se distinguent des casseroles en fer battu. Avec le temps, ils améliorent la production en déposant des brevets d’étamage. Quelques générations après – et trois guerres plus tard –, l’empire se délite, des parts sont cédées à des financiers séduits par l’aura de cette entreprise qui a des comptoirs dans le monde entier. Des conflits sociaux éclatent, la modernisation tarde, et les fonds d’investissement ne réussissent pas à sauver l’entreprise. En 1979, Japy fait faillite, est repris, puis fait face à un deuxième dépôt de bilan. Une vingtaine d’anciens ouvriers cherchent alors une solution pour redémarrer la fabrication sous forme de coopérative ouvrière et créer une marque sous laquelle déposer leur production : Cristel est née, contraction de « cristal » (en référence à la brillance de leur acier) et de « Châtel », le lieu. Très vite, ils sont de nouveaux en difficulté : manque de cadres formés, de capitaux financiers, perte de fichiers clients… Bernadette Dodane est contactée pour faire une évaluation de la situation pour le sous-préfet de région. Alors dessinateur-projecteur chez Peugeot, son époux, Paul Dodane, visite l’atelier et se lance dans une étude pour imaginer un produit adapté aux besoins de l’époque qui passe du feu à la table. Cristel tient son concept : la cuisson-service. Si l’idée est bonne, l’industrialisation prend du temps, et la Scop doit à nouveau déposer le bilan en 1986. Un Allemand offre une reprise avec un déménagement à Düsseldorf, mais les autorités se battent pour sauvegarder le site, véritable patrimoine local. Faute de repreneur et pour éviter de nouveau au personnel de perdre leur emploi, en 1987, le couple Dodane devient exploitant de l’entreprise Cristel puis propriétaire en 1993. Bien lui en a pris : aujourd’hui les quatre-vingt-dix employés produisent chaque année quelque 600 000 pièces. L’entreprise a survécu grâce à l’implication de vingt-trois associés, qui rassemblent les salariés et des quelques amis qui y ont mis leurs économies. Et surtout en se positionnant sur un marché haut de gamme et en revendiquant une excellence à la française.

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« Cook & Serve »

Comme souvent, ce sont les idées simples qui frappent le plus fort. L’ingéniosité de Paul Dodane, c’est d’avoir repensé la poignée amovible des instruments de cuisson pour décliner le concept de cuisson-service : « Les poignées démontables existaient déjà, mais pas un produit dont, une fois l’accessoire retiré, la poignée ou l’aisance présentait une forme pure, sans éléments de mécanique apparente. » Perfectionné au fil des collections, le clipsage-déclipsage se fait d’une main, très simplement : le manche s’accroche aux anses, pour déplacer l’élément de cuisson, et au couvercle en verre, pour le soulever facilement. La dernière version de cette poignée ne présente aucun jeu. Le rangement des ustensiles est facilité dans les armoires, et les plats passent ainsi du four au gaz et arrivent sur la table sans dépareiller le service ; il n’est donc plus nécessaire de transvaser le contenu.

Paul Dodane précise : « On voulait un produit de qualité. Quand on monte en gamme, on sort de l’obligation de s’aligner sur le marché. » Le produit est différent et suit l’évolution de la cuisine. Bernadette Dodane indique : « Le marché était saturé de produits bas de gamme, pas chers, dans des matériaux qui ne répondent pas aux normes d’hygiène alimentaire actuelles. » Cristel prend le temps de s’adapter au contexte. Designer-concepteur, Paul Dodane apporte aussi des compétences techniques pour la recherche de matériaux. En 1991 sort ainsi en premier des gammes d’articles en acier inoxydable compatibles avec la cuisson à induction.

Depuis, les gammes n’ont cessé d’être développées : Mutine, Strate, Casteline… Les collections sont toujours pensées pour être associées entre elles. Le catalogue rassemble 1 200 produits et se décline aujourd’hui autour des accessoires : théières, services à fondue, etc., et les produits sont présents à l’étranger, au Japon et aux états-Unis, par exemple. Paul Dodane travaille de concert avec Pascal Drouville , et le duo forme le bureau d’études de Cristel. (…)

Directeur général délégué, Damien Dodane souligne que ce nouveau marché « permet de développer la marque au-delà des produits à poignées amovibles. On a travaillé avec des cuisiniers et des pâtissiers. On a conçu la collection Castel’Pro il y a deux ans (NDLR : notre photo). Si on est parmi les derniers arrivés sur ce segment, l’implantation se fait par le haut. Les investissements sont très lourds en réfrigérateurs et en équipement, et la casserole arrive souvent dans les lignes de budget. Il faut convaincre les professionnels que l’élément casserole peut les aider à créer. Actuellement, la cuisson par induction commence à entrer dans les grandes cuisines. Nous, on arrive avec des produits performants en montée comme en descente de température, pour aller au degré près pour des cuissons parfaites. » Et c’est aussi le rechapage possible qui séduit les professionnels : Michel Bras confie ses poêles revêtues après chaque saison.

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Un succès qui ne fait que croître

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Durant le confinement, les ventes Internet ont explosé de 500 %. Damien Dodane explique : « Cette période a permis aux gens de se recentrer sur leur maison, et ils ont réappris à cuisiner. Il y a une inflation d’images sur Instagram, tout le monde a partagé les plats. Top Chef a eu un audimat historique. Les gens se sont rééquipés. On venait de refaire notre site Internet. Aujourd’hui, c’est notre première source de clients. » A un bémol près : Cristel soigne ses liens avec les revendeurs en France et les a toujours placés comme partenaires dans ce positionnement de premier fabricant français d’articles culinaires en Inox haut de gamme. Emmanuel Brugger, directeur général,  précise : « De ces ventes Internet, on a reversé 20 % à nos revendeurs. On les a toujours intéressés aux ventes Internet. Pour acheter chez nous, le consommateur doit choisir un revendeur, qui reçoit une commission, qu’il soit livré chez lui ou en magasin. Il y a une relation de services qui se crée entre le consommateur et le revendeur. Le réseau physique est une des valeurs de la marque. »

Associant une vingtaine de fabricants de meubles à de grands réseaux de distribution, l’opération « Meublez-vous français » a notamment pour ambition de porter à 50 % la part des meubles fabriqués et vendus en France par les industriels, (40 % aujourd’hui). Cette initiative a fait l’ objet d’un accord entre l’Ameublement français et les distributeurs signé au sein du Ministère de l’Économie et des Finances, en présence d’Agnès Pannier-Runacher, secrétaire d’Etat.

Le secteur du contract est bien entendu concerné par cette campagne, et une conférence en ligne animée par Philippe Jarniat (Ameublement français) et Intramuros a réuni Yves Jego, ancien ministre, président de l’organisme Origine France garantie, Arnaud Du Mesnil, directeur général de Lafuma Mobilier et Bartolomé Lenoir, cofondateur de La Chaise française (notre photo). Cette dernière entreprise a vu le jour face au constat de Bartolomé Lenoir de la part majoritaire de l’importation sur le marché de la chaise en France. Parallèlement à un engagement écologique, son objectif est le maintien du savoir-faire en France et sa mise en valeur pour éviter une perte compétences. Cette entreprise –dont la direction artistique a été confiée à Margaux Keller – s’est inscrite dès le départ dans un écosystème : elle s’est associée avec une manufacture à Clairveaux pour la production et est capable de répondre à toutes demandes. Le bois vient de France et chaque achat donne lieu à une plantation dans une pépinière, ce qui pose le client en acteur. Cet engagement porteur de valeurs sociales, esthétiques et de traçabilité rejoint celles portées par Origine France Garantie. Selon Yves Jego, « le XXI^e siècle sera le siècle de la transparence. » Pour lui, la crise sanitaire a été un révélateur, « l’écosystème Made in France qui est un écosystème local sera un des leviers du rebond post Covid ». Il note une explosion des demandes de certification d’origine de la part des dirigeants d’entreprise.

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Pour sa part, Lafuma Mobilier, qui ouvre ses collections au contract, se présente comme une « start up de 60 ans » : la marque a grandi en revendiquant avant l’heure, un savoir-faire français en métal et en toile, un sourcing local de matériau.

Ainsi, après « l’expérience client », dans l’intérêt croissant que porte le public sur la conception des produits, on semble évoluer vers un « pacte client » : au regard de ce qui se passe dans l’agroalimentaire, celui-ci demande de plus en plus une transparence. Les stratégies marketing vont donc devoir en tenir compte dans l’ameublement, et parallèlement à la mise en scène des produits, montrer les producteurs qui sont derrière. « C’est une valeur forte », selon Yves Jego, qui parle aussi du fort impact en affect de la marque Origine France, certes sur le le territoire national, mais aussi sur un plan international.

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Née des préconisations présentées lors des Assises du design en 2019, France Design Week est un label événementiel visant à donner de la visibilité à la diversité et la vitalité des pratiques du design français, dans une séquence temporelle commune et partagée.

Le label fédère le monde du design français lors d’un événement international, annuel et global qui vise à promouvoir le design et les savoir-faire de ses designers auprès des professionnels et à sensibiliser le grand public à sa pratique, en mettant à l’honneur tous les champs du design. Développé lors du premier confinement, puis étoffé durant l’été dans des délais serrés, l’événement a pu voir le jour en septembre dans un grand respect des consignes sanitaires et de distanciation.

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France Design Week 2020, c’était :

▪  les 13 régions présentes avec 60 villes mobilisées.
▪ Un mois de design : 2 semaines de dates officielles, du 1 au 15 septembre 2020, et un supplément de dates jusqu’au 5 octobre.
▪ Plus de 260 événements comptabilisés : 172 encarts référencés sur la carte du site web, certains encarts faisant mention de plusieurs événements. Tous les événements Paris Design Week et Lille Capitale Mondiale du Design, qui étaient labellisés, n’ont pas tous été détaillés.
▪ Une cinquantaine de propositions exclusivement online, pour faire face aux contraintes sanitaires.
▪ Une très grande variété d’événements : majoritairement des conférences et tables-rondes, des expositions, des portes ouvertes et des webinars. On pouvait aussi assister à des ateliers, des soirées ou afterworks festifs… À retrouver prochainement : les archives en textes et en images de ces événements sur le site web France Design Week.
▪ Une fréquentation d’environ 206 400 personnes sur toute la France durant toute la période, en présentiel et online.

▪ les 13 régions présentes avec 60 villes mobilisées.
▪ Un mois de design : 2 semaines de dates officielles, du 1 au 15 septembre 2020, et un supplément de dates jusqu’au 5 octobre.
▪ Plus de 260 événements comptabilisés : 172 encarts référencés sur la carte du site web, certains encarts faisant mention de plusieurs événements. Tous les événements Paris Design Week et Lille Capitale Mondiale du Design, qui étaient labellisés, n’ont pas tous été détaillés.
▪ Une cinquantaine de propositions exclusivement online, pour faire face aux contraintes sanitaires.
▪ Une très grande variété d’événements : majoritairement des conférences et tables-rondes, des expositions, des portes ouvertes et des webinars. On pouvait aussi assister à des ateliers, des soirées ou afterworks festifs… À retrouver prochainement : les archives en textes et en images de ces événements sur le site web France Design Week.
▪ Une fréquentation d’environ 206 400 personnes sur toute la France durant toute la période, en présentiel et online

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Le comité organisationnel France Design Week

Coordination générale : APCI
Partenaires : France Design Education, (avec la participation active de l’ENSCI) ,Institut Français du Design
Web : Groupe LinkedIn « Les Designers français »
Structures représentantes par région :
Auvergne-Rhône-Alpes : Cité du Design, Designers +, Lyon Design  Bourgogne-Franche-Comté : ARCADE Design à la campagne
Bretagne : L’eclozr – Design Lab Bretagne
Centre-Val de Loire : Valesens
Corse : Territoires Design
Grand Est : Association Innovation Design et Expérience (IDeE), ACCRO •
Hauts-de-France : lille-design
Île-de-France : Ateliers de Paris, Paris Design Week
Normandie : Design!r
Nouvelle-Aquitaine : ADI N-A, Fédération des designers en N-A (FDNA)
Occitanie : Indigo d’Oc, Pulse
Pays de Loire : Advanced Design, École de design Nantes Atlantique, Samoa Provence-Alpes-Côte d’Azur : Marseille Design Méditerranée, Pôle Culture & Patrimoines

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Rendez-vous en 2021 du 7 au 28 septembre pour la deuxième édition.

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Au mois de mai, l’étui seconde peau de la Maison Ruinart créait la surprise : dans l’air du temps et des préoccupations écologiques,  la maison française dévoilait  le fruit de deux ans de recherche et développement autour d’un packaging vraiment nouveau pour ses champagnes : ultraprotectrice pour garantir la dégustation, une enveloppe 100 % papier, 100 % recyclable, 9 fois plus légère que la précédente génération de coffrets. Elle annonçait notamment par ce choix une réduction de 60 % de l’empreinte carbone de l’emballage selon la méthode BEE de l’ADEME.

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Moulée à la forme du flacon, la blancheur et la texture de l’enveloppe évoque les Crayères, caves historiques de la la Maison à Reims.

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Chef de caves, Frédéric Panaiotis revient la conception de cette enveloppe .

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Ce produit a déjà remporté 8 prix en Europe récompensant à la fois son design, ses innovations techniques et ses résultats en matière environnementale :

SUSTAINABILITY AWARDS – EUROPE
Lauréat dans la catégorie : Ressource Efficiency

LUXE PACK IN GREEN AWARDS – EUROPE
Lauréat dans les catégories : Packaging éco-responsable et Prix du Public

GRAND PRIX DU LUXE STRATEGIES – FRANCE
Lauréat du Grand Prix du Luxe 2020
Lauréat de la catégorie : Design Produit/Packaging

LUXE PACK AWARDS – EUROPE
Lauréat dans la catégorie : Folding Boxes

OSCAR DE L’EMBALLAGE – FRANCE
Lauréat dans la catégorie : Transformation, section papier/carton

TROPHEES CHAMPENOIS – FRANCE
Lauréat dans la catégorie : Packaging of the Year 2020

TROPHEES CHAMPENOIS – FRANCE
Lauréat dans la catégorie : Packaging of the Year 2020

À l’automne 2021, CY Cergy Paris Université accueillira ses premiers étudiants en design global au sein du Campus d’IXblue à Saint-Germain-en-Laye : Les premières promotions de CY Ecole de design – composées de 80 étudiants en 1ère année et 20 étudiants en 4e année – bénéficieront d’un environnement pédagogique particulièrement équipé (design studio, labo d’informatique graphique, Ateliers machines, Fablab, VR/AR IoT Lab…).

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À noter, la filière est implantée dans un contexte bien spécifique : au sein d’un écosystème d’entreprises de hautes technologies (IA, robotique, Biotech, spatial) dans un parc boisé classé et sécurisé, aAvec son château du 19 siècle transformé en centre des congrès par l’architecte Dominique Perrault, et son amphithéâtre de 300 places.

iXcampus, Chateau la nuit

Le hall d’accueil de l’école est construit autour d’un escalier monumental conçu par Jean Prouvé, un beau symbole pour une nouvelle école de design.

Parallèlement,  40 ingénieurs-designers, spécialité « info-design », rejoindront le campus de CY Tech à Cergy-Pontoise. Il s’agira là du premier double diplôme ingénieur-designer intégré sur 6 ans en France.
En octobre dernier, l’annonce de ces futurs cursus  axés sur la transversalité soulignait l’ambition de contribuer à la » formation des designers, ingénieurs et managers de toutes les transitions, de la matière à la décision ».

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Un Diplôme universitaire de « Designer Global » en 5 ans, accessible à tous

Ce cursus en design global est pensé sur 5 ans, autour d’une pédagogie par projets (20 en 5 ans) et   et de 7 piliers éducatifs :
1. Se cultiver / Penser / Ecrire
2. Représenter
3. Observer / Analyser / Comprendre
4. Créer / Résoudre / Collaborer
5. Faire / Expérimenter
6. Comprendre l’entreprise
7. Se professionnaliser

Les 3 premières années sont centrées sur l’acquisition des savoirs, méthodes, pratiques et outils fondamentaux du design, et les 2 dernières années sur la compréhension fine du fonctionnement des organisations humaines (entreprises, collectivités, services publics) afin de pouvoir y prendre place. Le cursus prévoit un semestre international (échanges/stages/voyages d’étude) en 3e année, les 2 dernières années seront faites en alternance.
Gratuite pour les boursiers, le coût total de la formation sera de 10 500€  (3 500€  par an). Le site internet de l’école est accessible à l’adresse : www.cy-ecolededesign.fr

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Un Bachelor international de « Datascientist by Design » en 4 ans

L’école propose aussi un Bachelor international « Datascience by Design » co-signé avec CY Tech. Ce programme en anglais, à cheval entre la France et l’Asie forme en 4 ans des professionnels complets, nourris de sciences (mathématiques, physiques, statistiques) et de technologies IA, big data, mais aussi de sciences humaines et de design afin de leur permettre d’imaginer les futurs usages nés de l’exploitation juste des données.

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Un double-diplôme Ingénieurs-designers en 6 ans à Cergy-Pontoise

CY Tech et CY école de design co-signent le premier double-diplôme intégré Ingénieurs-designers,spécialisé en informatique. Ce parcours en 6 ans va former des ingénieurs capables de mettre un savoir et des méthodes informatiques très pointues au service de la conception d’objets, de systèmes, d’interfaces, d’espaces, de services et d’expériences utiles, réussies et belles.

En 2020, après un processus de recherche et de développement technologique autour des créations de Carlo Mollino, Zanotta lance la collection CM : “Ce projet est né comme une réinterprétation de l’œuvre de Carlo Mollino. Nous avons créé cette collection avec un processus de production semi-artisanal. Le caractère éclectique des créations de Carlo Mollino exprime parfaitement la vision de Zanotta” explique Giuliano Mosconi, PDG de Zanotta.

Le tandem Zanotta-Mollino commence en 1981, lorsqu’Aurelio Zanotta décide de fabriquer la chaise alpine en bois massif Fenis (conçue par Mollino en 1959 pour le campus de l’école polytechnique de Turin). L’éditeur s’intéresse aux expériences menées par ce maître de l’architecture moderne italienne dans le domaine de l’aménagement intérieur, et étudie avec précision le contenu des archives de Mollino. En 2020, 8 pièces dédiées à l’univers domestique viennent constituer une collection hommage.

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La Collection CM 2020

Pour comprendre le travail de Carlo Mollino en tant que designer, il faut adopter une approche globale : chaque objet interagit avec certains éléments de la maison, une vue particulière sur Turin, un mur aménagé… Chaque meuble fait ainsi partie d’une narration figurative dont l’architecte est scénariste, réalisateur et acteur. À partir de l’analyse de documents d’archives, en collaboration avec le Politecnico de Turin, Zanotta vient d’éditer une collection de mobilier fidèle au dessin de Mollino tout en l’équipant des dernières technologies pour le marché contemporain.

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La collection se compose de 8 pièces de mobilier, toutes portant les initiales CM et couvrant 21 ans de son travail : le meuble de rangement Carlino CM (1938), le miroir Milo CM (1938), le fauteuil Ardea CM (1948), la table Reale CM (1948), la table d’appoint Arabesco CM (1949), le bureau Cavour CM (1949), le fauteuil inclinable Gilda CM (1953) et le fauteuil Fenis CM (1959).

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RBC Lyon fête ses 10 ans

L’exposition consacrée à Carlo Mollino vient marquer de manière festive le dixième anniversaire de RBC Lyon. Franck Argentin, directeur de RBC travaille toujours de concert avec des architectes pour inscrire ses différents showrooms dans leur environnement, et leur donner une signature spécifique.

En 2010, c’est ainsi le duo Jacob /MacFarlane qui va signer cet écrin orange audacieux, dirigé par François Basilien. Durant cette décennie, le showroom aura accompagné de grands projets : aménagement du siège d’Euronews, aménagement du Groupama Stadium-Parc OL, les appartements de standing de la tour Ycône, aménagement du MOB Hôtel, Altavia, Sporting Club de Genêve ou encore plus récemment les bureaux de Opteven… En 2019, cet ancrage RBC voit l’inauguration d’un second lieu en centre-ville, cette fois, consacré à l’éditeur Poliform.

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Comment s’est passée cette fin de diplômes dans les conditions très particulières que nous vivons ?

René-Jacques Mayer : Être un bon architecte d’intérieur designer est une affaire de contexte. Celui de la conception, de la production et de l’invention des diplômes de cette promotion 2020 a été profondément bouleversé. Faire sans aurait été si contraire au principe tant énoncé pendant leur cinq années d’études de faire avec l’existant pour mieux le transformer que nous avons choisi, collectivement, d’aller au bout de cette logique de la distance. Conduite du projet, soutenance et exposition des diplômes ont collectivement basculé dans l’espace virtuel.

Au-delà de la contrainte imposée à tous, ce fut un choix pédagogique audacieux, particulièrement dans une école de création, où la matérialité, l’échange collectif, l’émergence d’une idée au travers d’un simple regard ou d’un geste, constituent la palette des possibles expressions de ce qu’ils sont. Accompagnés par leurs directrices et directeurs de diplômes, nos étudiants furent cependant souvent seuls face à des horizons imaginaires qui ont produit de belles échappées libres. La force conceptuelle et l’approfondissement d’une narration engagée marquent profondément le travail de ces jeunes diplômés qui forment collectivement une promotion d’exception.

Pour eux, nous avons créé une plateforme digitale d’exposition de leur travail : Diploma.ecolecamondo.fr. Pensée comme un véritable réseau d’alumni, cette plateforme permet de découvrir en trois temps (un sujet imposé, un mémoire, un sujet libre) et de manière pérenne l’identité singulière de chacun des 60 étudiants qui composent cette promotion 2020, promotion Cynthia Fleury. C’est un jalon formidable pour leur parcours qui révèle la grande diversité des approches qu’ils peuvent avoir de leur futur métier et des enjeux sociétaux qui les animent.

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Comment se sont organisées les auditions avec les équipes de Lafuma Mobilier, Moore Design et Sunbrella ?

R.-J. M. : Toujours dans le contexte du confinement, les rencontres se sont opérées à distance sous forme de visioconférences. Dès l’été, quand ils y ont été invités et parce que c’était possible, les lauréats se sont rendus sur les sites de production des marques pour découvrir leur savoir-faire et leurs outils de production. Depuis la rentrée, les échanges continuent et de beaux projets se dessinent. Nous avons tous hâte d’en savoir plus.

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Un trait marquant pour chacun des trois projets de diplômes retenus ?

R.-J. M. : Je dirais qu’à l’instar des valeurs portées par l’École Camondo, ils répondent à des enjeux importants comme le développement durable, les valeurs sociales et de partage, une démarche de recherche créative et originale.
Le projet de Thomas Carlier, Duo, est un ensemble d’expérimentations autour de la biofabrication mettant en avant la collaboration entre le designer et l’organisme vivant. Les résultats de ces expériences lui permettent de développer une gamme de mobilier en sel et en mycélium. Travailler sur des biomatières pour un designer, c’est proposer une alternative aux ressources non renouvelables. Et c’est plutôt une bonne nouvelle puisqu’elles visent à laisser une empreinte écologique minimale et bénéficient parfois de propriétés pour le moins étonnantes.
Le projet de Zeina Sleiman propose d’intégrer de la sensorialité dans nos mobiliers du quotidien. L’intention du projet consiste à concevoir une gamme qui combine les deux aspects : formel et sensoriel. Enfin, celui de Juliette Droulez, dans un mouvement de décélération de la production matérielle, livre une collection d’objets mentaux, qui n’existeront jamais et qui ne sont pas faits pour exister. Ils sont seulement là pour ouvrir nos imaginaires, pour nous questionner, et pour que la frustration de ne pas pouvoir les acquérir soit remplacée par la beauté de les posséder dans un coin de sa mémoire.

Qu’est-ce que signifie pour l’École Camondo d’être partenaire de ce concours avec Intramuros ?

R.-J. M. : Après le temps de l’apprentissage libre et créatif, pouvoir directement travailler avec des entreprises partenaires est une formidable chance pour de jeunes diplômés. Valoriser et accompagner par un grand média spécialiste du design le travail de jeunes architectes d’intérieur est un signal fort de la porosité et de la complémentarité de ces deux disciplines. Le faire comme s’ils constituaient un collectif envoie aussi une adresse forte à la vaste communauté des étudiants en arts appliqués pour qu’ils travaillent ensemble, au-delà de la valorisation individuelle des parcours de chacun. Un partenariat et trois signaux forts, donc.

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Il était de l’aventure du Salon du meuble de Milan dès 1961 : Manlio Armellini a été l’un de ceux qui a permis  l’évolution de cet événement du design  pour le rendre aujourd’hui majeur sur la scène internationale. Parallèlement au développement commercial de la foire milanaise, on lui doit aussi plus de 40 initiatives collatérales – dont le  SaloneSatellite – qui, organisées parallèlement au Salon, ont permis de faire en sorte que les le design devienne une référence stylistique, formelle et industrielle pour l’ensemble du secteur de l’ameublement.

En 1987, ses activités ont été récompensées par un Compasso d’Oro de l’ADI, « pour la promotion du design italien« . Manlio Armellini a commencé comme rédacteur en chef de la plus longue revue de l’industrie du meuble. Très actif dans les associations industrielles, il a également présidé Assomostre,  l’association Confcommercio, qui regroupe 37 organisations internationales les salons professionnels. Il était le directeur général de Cosmit SpA – la société qui a organisé le Salone Internazionale del Mobile, Euroluce, Eurocucina, EIMU (maintenant Workplace3.0), le Salon international des accessoires d’ameublement, le Exposition sur les salles de bains, SaloneSatellite, SASMIL – et la Fondation Cosmit Events à Milan, ainsi que président de la Fondation Cosmit. Il a été notamment membre de l’ADI (Association italienne du design industriel), membre de l’UFI (Union Foires Internationales, Bruxelles), membre du CIRDI (Conseil international des sociétés de design industriel, Helsinki). Il a été fait Chevalier de la Grande Croix de l’Ordre et du Mérite de la République italienne le 2 juin 2008.

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Les 60 ans du Salon du meuble de Milan au printemps… ou à l’automne 2021 ?

Compte tenu de la pandémie Covid-19, le Salon du Meuble de Milan n’a pas eu lieu en 2020. Si le site Internet du Salon annonce encore des prochaines dates en avril 2021, il semble que des discussions soient encore en cours pour un report éventuel à l’automne 2021… comme c’était le cas jusqu’en 1990. Une décision importante, qui doit s’accompagner également d’une réflexion sur la tenue – simultanée ou non – des nombreux autres événements « off » du Salon, qui font habituellement de cette Milan Design Week une manifestation d’ampleur au Parc Rho Eero comme dans de nombreux quartiers de la ville. Assurément, un soixantième anniversaire qui fêtera une édition à nulle autre pareille, mais qui relèvera des défis à la hauteur de l’engagement dont a fait preuve Manlio Armellini tout au long de sa carrière.

2 SAINTS est un groupe de créateurs qui ont décidé de créer des accessoires destinés à la gent masculine : briquets, cendriers, pendentifs, boutons de manchettes, couteaux, bagues, bracelets… tous les accessoires sont fabriqués dans leur atelier en France. Ils sont notamment distribués à à l’Eclaireur Paris et Mad Lord.

Dans le contexte sanitaire actuel, ils viennent d’éditer « Stay Safe », un outil en bronze BR 10 avec plus de 93% de laiton, métal anti virus par excellence. Cet outil permet d’aider à l’ouverture des portes, appuyer sur les boutons de lumière ou d’ascenseur et d’écrire sur des supports tactiles sans créer de contact avec ses mains.

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– Dans le Dubai Design District (d3), l’édition 2020 mettra en scène une série d’installations et d’interventions urbaines et d’expériences en plein air.

–En première mondiale, le premier MENA Grad Show présentera des projets universitaires axés sur l’innovation à impact social dans les domaines de la technologie, de la science et du design et qui met en avant des projets choisis parmi plus de 200 soumissions de plus de 35 universités basées au Moyen-Orient et en Afrique du Nord.

– Le designer irakien Hozan Zangana récompensé cette année par la commission Abwab proposera « Fata Morgana », un cadre conceptuel dans un arrangement ouvert comportant des piliers focaux représentant chacun des sept émirats.

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–L’exposition des designers des EAU présentera les travaux de 20 designers émergents ,représentant la production créative locale actuelle.

– Downtown Design, le principal salon du design de la région, revient avec une édition remaniée, adaptée aux spécificités de cette année marquée par la crise sanitaire, et rassemblera la communauté du design sur des plateformes physiques et numériques. Elle sera complétée par un programme de conférences virtuelles et une exposition de design « The Shape of things to come » de Downtown Design présentera le design d’intérieur et les concepts d’architecture du futur.

Piémontais de naissance, Enzo Mari, s’est formé à l’Accademia di Brera de Milan. Dès les années 1960, il collabore avec les plus grands éditeurs italiens et étrangers. En 1974, il s’affiche comme un ardent défenseur du do it yourself avec le projet “Autoprogettazione” qui rend accessible à tous la réalisation de mobilier, et où, contre une enveloppe timbrée, il offrait le splans de des ses dessins de cette collection à réaliser soi-même. Entre utopie et militantisme, Enzo Mari est précurseur d’une pratique de Fablab et d’ateliers de co-working. Dans les années 1980, sa collaboration avec la marque Driade développe des collections exemplaires et durables.

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« “Quoi qu’on dise, je ne suis pas calviniste.“ C’est par ces mots qu’Enzo Mari conclut l’entretien dans son agence de Milan où les principales références de son parcours professionnel sont présentes. La bibliothèque en modulable ABS, dessinée en 1966 pour Gavina, remplie de revues d’architecture et de design ; les lithographies avec la faucille et le marteau de 1973 ; les couverts Piuma, produits par Zani & Zani en 1992 ; la chaise Box conçue en 1971 pour Castelli et éditée en 1995 par Aleph/Driade, et quelques pièces historiques nées de sa relation complice avec Jacqueline Vodoz et Brunon Danese dès 1958.

C’est la vérité, Mari n’est pas cal­viniste, même si au premier abord il paraît un peu « ours » et qu’il agresse d’un ton polémique, prêchant la bonne parole avec énergie. En s’approchant de plus près, on découvre un autre person­nage. Une gentillesse perce timide­ment sous le regard sévère et révèle une disposition à s’émouvoir de la beauté des choses et de leur message intime.
Si le ton est souvent agressif, les œuvres de Mari montrent tou­jours une grande délicatesse, comme cette nappe brodée de fleurs créée pour Zani & Zani (Macef, septembre 97). Il dit l’avoir dessinée pour céder aux instances de son éditeur, mais je le soup­çonne de prendre un certain plaisir à créer des pièces où les qualités féminines dominent.  PAs d’austérité radicale en lui c’est un homme passionné, tant sur le plan humain que politique, convaincu avant tout de pouvoir changer le monde, même s’il n’a guère d’illusions sur la réussite d’un tel dessein.
« Dans le processus du design, dit-il, il y a des positions contradic­toires : la position humaine et la position post-moderne, qui ne s’as­socient que pour mieux vous berner.  Il manque une posi­tion lucide intermé­diaire. C’est celle que j’aimerais occuper ».

Non, Enzo Mari n’est pas calviniste parce qu’il ne se lasse pas de répéter : « dans mon travail, je cherche à donner des réponses à des pulsions primaires comme le sexe et la faim, pour moi les hommes sont des animaux qui ont évolué en construisant des pro­thèses ».
Il est sévère envers les autres, envers les concepteurs « zombis » qui n’ont jamais lu un livre de poé­sie, envers les personnes qui croient être à l’avant-garde parce qu’elles font quelque chose de dif­férent. Il est surtout sévère envers lui-même et se remet continuelle­ment en question, même si « aujourd’hui on ne conteste plus rien ».
« ]’essaie, affirme-t-il d’être à la hauteur d’un travail intellectuel et je lutte contre les projets médiocres ». Enzo Mari recherche la cohérence, s’engage dans des batailles épuisantes, « avec les pro­ducteurs qui ne se remettent pas en question, ne s’intéressent qu’au superficiel, à la différence pour la différence, à la redondance ». « Concevoir, répète-t-il inlassable­ment, suppose une négation ». Cela signifie élaguer, enlever pour trou­ver l’essence même du projet et la justesse des objets archétypes, comme le peigne et la faucille par exemple, que personne d’identifié n’a conçus. « La décoration n’est que répétition. C ‘est comme le rosaire, dit-il, une litanie que l’on répète machinalement ».

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Artiste, dessinateur, auteur de quelques pièces emblématiques du design des 30 dernières années, Enzo Mari n’est jamais satisfait et tou­jours mécontent. Quasi monoma­niaque dans la poursuite d’une  idée, il est « viscérale­ment attaché à l’utopie » affirme-t-il, « même si à la fin, on ne peut en lire qu’une toute petite partie », et il s’investit entière­ment comme un jeune débutant. Il reste artiste même quand il n’est pas designer, parce qu’il est sûr que « tout ce que l’on fait est poli­tique », il est convaincu « qu’un bon projet implique toujours du gas-pillage, de la folie et du courage », parce qu’il veut travailler pour la société et non pour lui, parce qu’il est constamment impliqué dans les batailles qu’il livre.

Comme tous ceux qui s’affrontent aux utopies, il a été un précurseur génial : avec Metamobile, par exemple, une collection de meubles pauvres et basiques en kit, conçue pour Gavina en 1974; ou avec Ecolo, un manuel d’instructions pour fabriquer des vases de fleurs en découpant des bouteilles d’eau minérale en plastique, réalisé pour Alessi en 1995. Ecolo peut être considéré comme un manifeste de la principale prérogative d’un bon projet pousser l’utilisateur à concevoir lui-même. « Tout le monde doit concevoir des projets, prétend Mari, au fond, c’est le meilleur moyen d’en garder le contrôle ».

En 1999 il recevra le prix du de­sign à Barce- 1 one, après Ettore Sott­sass et Achille Castiglioni. Au même moment « Le Printemps du design » accueillera une rétrospective au Centre Cultu­rel Santa Monica. Une récompense qu’il annonce avec un certain orgueil, comme si le « système » qui l’a toujours mis en marge à cause de son attitude polé­mique envers les méthodes de production se rendait enfin compte que sa bataille était une bataille pour la qualité. Une qua­lité accessible à tous, claire et intelligible, une qualité intrinsèque et durable, qui incite au respect de l’objet.

« Mes plus beaux objets sont ceux qui ont été réalisés par des producteurs avec lesquels j’ai bien travaillé, car la forme finale d’un ouvrage dépend toujours de la qualité des rapports de production qui l’ont généré ».

Comme pour lui un projet consiste à épurer, il est souvent considéré comme un « minimaliste », pourtant, si l’on regarde son oeuvre de près, on s’aperçoit qu’elle est très différente de l’approche minimaliste du moment, celle de Jasper Morrison, ou celle de Paolo Rizzatto pour Luce Plan. Dans chacun de ses objets, on peut lire cette passion primaire qui donne l’impulsion au projet et cette utopie qu’il ne cesse de poursuivre. Ce sont ces tensions qui rendent les prpduits intéressants.

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Aujourd’hui, on parle beaucoup des objets relationnels capables d’établir avec l’utilisateur des rapports de complicité. On arrondit les lignes, dans l’illusion que la sinuosité communiquera le caractère amical. Depuis ses débuts, Mari a toujours cherché à établir des rapports avec l’utilisateur de son projet, non par des artifices formels, mais en essayant d’offrir vraiment une idée, quelque chose qui vaille la peine d’être dessiné; on pense à la carafe en verre soufflé pour Danese, réédité aujourd’hui par Alessi, où chaque pli du goulot fait alternativement fonction d’anse et de bec verseur. Et cette idée, même si elle est filtrée par les fondements logiques de l’action artistique (sur­tout dans le courant de l’art pro­grammé) – qui est un état de recherche permanent – cette idée est toujours clairement perçue. Les produits d’Enzo Mari sont permanents, non parce qu’ils refor­mulent les archétypes, mais parce qu’ils sont l’aboutissement difficile de cette recherche, de cette néces­sité de toujours trouver un sens.

« Je m’ennuie, dit Mari, si je fais, un projet qui n’est qu’une simple répé­tition ou un truc de mar­keting. Je veux que mon travail soit un jeu, le travail comme jeu c’est une déclaration de liberté ». Pour les enfants, le jeu est en effet une recherche d’identité et d’expressi­vité, qui leur permet de se démarquer du monde des adultes. Par son travail de concepteur, Mari prouve son autonomie vis-à-vis des lois absurdes du marketing, des systèmes de production de masse, des besoins artificiels qui condui­sent à la multiplication des objets inutiles. Son travail est un jeu dans la mesure où il se veut libre. De cette liberté, aujourd’hui de plus en plus rare, naissent des produits qui tra­versent le temps, comme la coupe à fruits Adal en PVC moulé sous vide en 1968 pour Danese, rééditée par Alessi en 1997. Ou encore la chaise Box en polypropylène injecté édité en 1971 par Castelli, rééditée par Aleph (Driade) en 1995 sa pre­mière chaise, propo­sée à l’époque comme une négation des « formes plastiques », faite de courbes et de raccords organiques et témoignant de l’enthousiasme frénétique pour le « tout en plas­tique ». Il s’agit d’une chaise solide, avec quatre pieds bien placés, qui correspond parfaitement à l’idée originelle de chaise. Aujourd’hui, alors que les matières plastiques trouvent une expressivité nouvelle, la chaise « Box » semble plus contemporaine que beaucoup d’autres qui essaient désespérément d’être nouvelles. Cette chais en kit, est une invitation explicite à construire, cette invitation que Mari lance depuis toujours à l’utilisa­teur, et qu’il considère comme une partie active du projet.
Non, Mari n’est pas cal­viniste, c’est un rêveur. Et c’est sans doute cette atti­tude si rare, assez décon­certante, qui lui donne l’apparence d’un ours. C’est un rêveur qui aimerait vivre « dans un pays où il y aurait trois designers, où je me contenterais d’être le troi­sième ». Des designers qui seraient en quelque sorte les dépositaires d’une cul­ture. »

Sous la direction de Philippe Brocart, le jury 2020 a âprement débattu pour la sélection des lauréats de cette édition du Paris Shop & Design. Et la présence cette année de concepteurs comme Tristan Auer, Dorothée Meilichzon et Ramy Fischler a fortement enrichi les échanges. Bien entendu, le contexte particulier de 2020 était en filigrane dans l’analyse des dossiers, et donne une couleur particulière à cette édition, sachant combien les secteurs des différentes catégories (alimentaire, mode, bien-être, déco, hôtelleries-restauration) ont été (et sont encore) particulièrement éprouvés. C’est donc le choix de la cohérence dans le projet, entre le propos du commerçant et la réalisation qui ont été mis en avant, ainsi que l’éventuel impact en termes d’attractivité, d’emplois sur le quartier. Le jury a été particulièrement attentifs au recours à l’affichage digital, pour vérifier sa pertinence, ainsi que le choix des matériaux.

Lauréat Catégorie Alimentaire : LAITERIE LA CHAPELLE (Laiterie Fromagerie)

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72 rue Philippe de Girard – 75018 Paris
Commerçant : Paul ZINDY
Concepteur : AKR architecture – Atelier Killian Roland

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Ici on fabrique et vend des fromages et autres produits laitiers. Ce projet (qui a intégré le Paris Design Guide 2020 d’Intramuros) trouve toute son originalité dans le concept de transparence : montrer la fabrication à l’œuvre, grâce à des baies vitrées, en faisant « remonter ce qui est traditionnellement à la cave » au niveau de la rue. Un gros défi technique pour les architectes, de garder la sobriété, un caractère contemporain dans l’aménagement tout en répondant à un cahier des charges sanitaires très précis.

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Lauréat Catégorie Mode PETIT BATEAU (Prêt-à-porter)

Petit Bateau Prix Paris Shop & Design 2020

53 bis rue de Sèvres - 75006 Paris
Commerçante : Myriam Doukhan
Architecte/Designer : CUT architectures

Retrouver le caractère ludique et espiègle de la marque dans un aménagement qui corresponde aussi bien aux enfants, qu'aux parents : c'était le brief principal du projet. Cut Architectures a proposé de partir sur un jeu de construction de cabanes, dans un système modulable de tiges assemblées par des joints colorés, qui s'adapte à tous les lieux.

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Lauréat Catégorie Bien-être, Santé, beauté EN (Institut cosmétiques japonais)

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7 Rue de Condé – 75006 Paris
Commerçant : Goh HIROSE
Concepteur : ARCHIEE – Kinoshita Yusuke

« En » en japonais a plusieurs sens, dont celui de cercle, et le nom de cet institut rejoint l’approche holistique et personnalisée du soin qu’il entend proposer, dans une rencontre entre l’art de vivre français et la culture japonaise. Le concepteur a bien entendu jouer du cercle dans l’aménagement intérieur du lieu, tout en multipliant les espaces de bien-être personnalisés, entre élégance et sobriété, mais aussi repenser la cave voûtée dans un aménagement audacieux.

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Lauréat catégorie Hôtels Cafés restaurants- AU TOP

Un projet réalisé à plusieurs niveaux : en rooftop couvert, il fallait avant tout privilégié la vue, à presque 360 ° sur Paris, et garder cet effet de surprise au visiteur qui arrive à l’étage après un long cheminement. Puis il fallait aussi recentrer sur une échelle plus réduite – un moment de partage et de dégustation gastronomique – tout en laissant la possibilité de lever les yeux pour admirer la nuit Paris illuminée. Soit réussir une dualité entre un espace intime et un panorama. La transition s’opère avec un mobilier sobre, en métal, une présence végétale comme une invitation à l’extérieur qui justement évite un cadre métallique trop froid, et une confrontation trop brute au panorama.

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Lauréat catégorie Maison et Décoration : Point P (vente et matériaux de construction)

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Port de Javel bas – 750015 Paris
Commerçant : Nicolas Rome
Concepteur : Elisabeth Veit Architecture

C’est l’esthétique globale et l’intégration urbaine de ces lieux de ventes plutôt réservés aux professionnels et habituellement refoulés en périphérie qu’ont voulu saluer à l’unanimité le jury. Dans un jeu de boîtes en bois et en Corten, les différents entrepôts s’inscrivent en bord de Seine, sans couper la promenade aux passants.

Les Restaurant & Bar Design Awards est une compétition internationale consacrée à la conception d’espaces d’hospitality. Au-delà des bars et restaurants, il couvre tous les espaces d’accueil imaginables, des navires aux aéroports, des musées aux camionnettes à hamburgers, et des établissements vénérés étoilés par le Michelin au dynamisme éphémère des pop-ups.

Jugée par un jury composé de certaines des personnalités les plus influentes du monde du design, de l’hospitalité et du style de vie, cette édition annuelle des prix a attiré plus de 900 participants de 65 pays.

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Les lauréats

Restaurant Design Award 2020

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Garden Hotpot, un restaurant à Chengdu, en Chine, conçu par MUDA-Architects et INNS Bar, un bar à Chengdu, en Chine, conçu par Wooton Designers sont les gagnants des prix 2020 de design de restaurants et de bars. Les 42 autres gagnants de catégorie ont été révélés lors de la cérémonie virtuelle de remise des prix, qui s’est déroulée en ligne le 15 octobre. La  cérémonie de remise des prix a été suivie par les meilleurs designers du Royaume-Uni et du monde et leurs clients responsables de la conception des espaces de restauration les plus innovants. En plus de présenter les 248 projets présélectionnés et bien sûr d’annoncer les gagnants, l’animateur de la cérémonie de remise des prix – Harry Mckinley, a interviewé l’architecte japonais Kengo Kuma et les designers Martin Brudnizki, Lazaro Rosa Violan, Roisin Lafferty, ainsi qu’une sélection des juges de cette année.

La vidéo de la cérémonie est à retrouver ici.

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Bar Design Award INNS Bar, réalisé par Wooton Designers

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VyTA Farnese (Rome Italy) par ColidanielArchitetto

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Lauréat de la catégorie Europe

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