Enzo Mari, disparition d’un précurseur de génie

Enzo Mari, disparition d’un précurseur de génie

À 88 ans, Enzo Mari est décédé le 19 octobre. En 1997,  il déclarait à Intramuros « ]’essaie, d’être à la hauteur d’un travail intellectuel et je lutte contre les projets médiocres ». Le design perd un de ses activistes du design, intransigeant et ingénieux, qui aura travaillé aussi bien pour Artemide, Danese, Daum, Driade… pour des pièces de nombreuses fois rééditées. Retrouvez son ton incisif dans le portrait écrit en 1997 par  Cristina Morozzi dans le numéro 73 d’Intramuros.

Piémontais de naissance, Enzo Mari, s’est formé à l’Accademia di Brera de Milan. Dès les années 1960, il collabore avec les plus grands éditeurs italiens et étrangers. En 1974, il s’affiche comme un ardent défenseur du do it yourself avec le projet “Autoprogettazione” qui rend accessible à tous la réalisation de mobilier, et où, contre une enveloppe timbrée, il offrait le splans de des ses dessins de cette collection à réaliser soi-même. Entre utopie et militantisme, Enzo Mari est précurseur d’une pratique de Fablab et d’ateliers de co-working. Dans les années 1980, sa collaboration avec la marque Driade développe des collections exemplaires et durables.

INTRAMUROS 73 PORTRAIT ENZO MARI

« “Quoi qu’on dise, je ne suis pas calviniste.“ C’est par ces mots qu’Enzo Mari conclut l’entretien dans son agence de Milan où les principales références de son parcours professionnel sont présentes. La bibliothèque en modulable ABS, dessinée en 1966 pour Gavina, remplie de revues d’architecture et de design ; les lithographies avec la faucille et le marteau de 1973 ; les couverts Piuma, produits par Zani & Zani en 1992 ; la chaise Box conçue en 1971 pour Castelli et éditée en 1995 par Aleph/Driade, et quelques pièces historiques nées de sa relation complice avec Jacqueline Vodoz et Brunon Danese dès 1958.

C’est la vérité, Mari n’est pas cal­viniste, même si au premier abord il paraît un peu « ours » et qu’il agresse d’un ton polémique, prêchant la bonne parole avec énergie. En s’approchant de plus près, on découvre un autre person­nage. Une gentillesse perce timide­ment sous le regard sévère et révèle une disposition à s’émouvoir de la beauté des choses et de leur message intime.
Si le ton est souvent agressif, les œuvres de Mari montrent tou­jours une grande délicatesse, comme cette nappe brodée de fleurs créée pour Zani & Zani (Macef, septembre 97). Il dit l’avoir dessinée pour céder aux instances de son éditeur, mais je le soup­çonne de prendre un certain plaisir à créer des pièces où les qualités féminines dominent.  PAs d’austérité radicale en lui c’est un homme passionné, tant sur le plan humain que politique, convaincu avant tout de pouvoir changer le monde, même s’il n’a guère d’illusions sur la réussite d’un tel dessein.
« Dans le processus du design, dit-il, il y a des positions contradic­toires : la position humaine et la position post-moderne, qui ne s’as­socient que pour mieux vous berner.  Il manque une posi­tion lucide intermé­diaire. C’est celle que j’aimerais occuper ».

Non, Enzo Mari n’est pas calviniste parce qu’il ne se lasse pas de répéter : « dans mon travail, je cherche à donner des réponses à des pulsions primaires comme le sexe et la faim, pour moi les hommes sont des animaux qui ont évolué en construisant des pro­thèses ».
Il est sévère envers les autres, envers les concepteurs « zombis » qui n’ont jamais lu un livre de poé­sie, envers les personnes qui croient être à l’avant-garde parce qu’elles font quelque chose de dif­férent. Il est surtout sévère envers lui-même et se remet continuelle­ment en question, même si « aujourd’hui on ne conteste plus rien ».
« ]’essaie, affirme-t-il d’être à la hauteur d’un travail intellectuel et je lutte contre les projets médiocres ». Enzo Mari recherche la cohérence, s’engage dans des batailles épuisantes, « avec les pro­ducteurs qui ne se remettent pas en question, ne s’intéressent qu’au superficiel, à la différence pour la différence, à la redondance ». « Concevoir, répète-t-il inlassable­ment, suppose une négation ». Cela signifie élaguer, enlever pour trou­ver l’essence même du projet et la justesse des objets archétypes, comme le peigne et la faucille par exemple, que personne d’identifié n’a conçus. « La décoration n’est que répétition. C ‘est comme le rosaire, dit-il, une litanie que l’on répète machinalement ».

Artiste, dessinateur, auteur de quelques pièces emblématiques du design des 30 dernières années, Enzo Mari n’est jamais satisfait et tou­jours mécontent. Quasi monoma­niaque dans la poursuite d’une  idée, il est « viscérale­ment attaché à l’utopie » affirme-t-il, « même si à la fin, on ne peut en lire qu’une toute petite partie », et il s’investit entière­ment comme un jeune débutant. Il reste artiste même quand il n’est pas designer, parce qu’il est sûr que « tout ce que l’on fait est poli­tique », il est convaincu « qu’un bon projet implique toujours du gas-pillage, de la folie et du courage », parce qu’il veut travailler pour la société et non pour lui, parce qu’il est constamment impliqué dans les batailles qu’il livre.

Comme tous ceux qui s’affrontent aux utopies, il a été un précurseur génial : avec Metamobile, par exemple, une collection de meubles pauvres et basiques en kit, conçue pour Gavina en 1974; ou avec Ecolo, un manuel d’instructions pour fabriquer des vases de fleurs en découpant des bouteilles d’eau minérale en plastique, réalisé pour Alessi en 1995. Ecolo peut être considéré comme un manifeste de la principale prérogative d’un bon projet pousser l’utilisateur à concevoir lui-même. « Tout le monde doit concevoir des projets, prétend Mari, au fond, c’est le meilleur moyen d’en garder le contrôle ».

En 1999 il recevra le prix du de­sign à Barce- 1 one, après Ettore Sott­sass et Achille Castiglioni. Au même moment « Le Printemps du design » accueillera une rétrospective au Centre Cultu­rel Santa Monica. Une récompense qu’il annonce avec un certain orgueil, comme si le « système » qui l’a toujours mis en marge à cause de son attitude polé­mique envers les méthodes de production se rendait enfin compte que sa bataille était une bataille pour la qualité. Une qua­lité accessible à tous, claire et intelligible, une qualité intrinsèque et durable, qui incite au respect de l’objet.

« Mes plus beaux objets sont ceux qui ont été réalisés par des producteurs avec lesquels j’ai bien travaillé, car la forme finale d’un ouvrage dépend toujours de la qualité des rapports de production qui l’ont généré ».

Comme pour lui un projet consiste à épurer, il est souvent considéré comme un « minimaliste », pourtant, si l’on regarde son oeuvre de près, on s’aperçoit qu’elle est très différente de l’approche minimaliste du moment, celle de Jasper Morrison, ou celle de Paolo Rizzatto pour Luce Plan. Dans chacun de ses objets, on peut lire cette passion primaire qui donne l’impulsion au projet et cette utopie qu’il ne cesse de poursuivre. Ce sont ces tensions qui rendent les prpduits intéressants.

Aujourd’hui, on parle beaucoup des objets relationnels capables d’établir avec l’utilisateur des rapports de complicité. On arrondit les lignes, dans l’illusion que la sinuosité communiquera le caractère amical. Depuis ses débuts, Mari a toujours cherché à établir des rapports avec l’utilisateur de son projet, non par des artifices formels, mais en essayant d’offrir vraiment une idée, quelque chose qui vaille la peine d’être dessiné; on pense à la carafe en verre soufflé pour Danese, réédité aujourd’hui par Alessi, où chaque pli du goulot fait alternativement fonction d’anse et de bec verseur. Et cette idée, même si elle est filtrée par les fondements logiques de l’action artistique (sur­tout dans le courant de l’art pro­grammé) – qui est un état de recherche permanent – cette idée est toujours clairement perçue. Les produits d’Enzo Mari sont permanents, non parce qu’ils refor­mulent les archétypes, mais parce qu’ils sont l’aboutissement difficile de cette recherche, de cette néces­sité de toujours trouver un sens.

« Je m’ennuie, dit Mari, si je fais, un projet qui n’est qu’une simple répé­tition ou un truc de mar­keting. Je veux que mon travail soit un jeu, le travail comme jeu c’est une déclaration de liberté ». Pour les enfants, le jeu est en effet une recherche d’identité et d’expressi­vité, qui leur permet de se démarquer du monde des adultes. Par son travail de concepteur, Mari prouve son autonomie vis-à-vis des lois absurdes du marketing, des systèmes de production de masse, des besoins artificiels qui condui­sent à la multiplication des objets inutiles. Son travail est un jeu dans la mesure où il se veut libre. De cette liberté, aujourd’hui de plus en plus rare, naissent des produits qui tra­versent le temps, comme la coupe à fruits Adal en PVC moulé sous vide en 1968 pour Danese, rééditée par Alessi en 1997. Ou encore la chaise Box en polypropylène injecté édité en 1971 par Castelli, rééditée par Aleph (Driade) en 1995 sa pre­mière chaise, propo­sée à l’époque comme une négation des « formes plastiques », faite de courbes et de raccords organiques et témoignant de l’enthousiasme frénétique pour le « tout en plas­tique ». Il s’agit d’une chaise solide, avec quatre pieds bien placés, qui correspond parfaitement à l’idée originelle de chaise. Aujourd’hui, alors que les matières plastiques trouvent une expressivité nouvelle, la chaise « Box » semble plus contemporaine que beaucoup d’autres qui essaient désespérément d’être nouvelles. Cette chais en kit, est une invitation explicite à construire, cette invitation que Mari lance depuis toujours à l’utilisa­teur, et qu’il considère comme une partie active du projet.
Non, Mari n’est pas cal­viniste, c’est un rêveur. Et c’est sans doute cette atti­tude si rare, assez décon­certante, qui lui donne l’apparence d’un ours. C’est un rêveur qui aimerait vivre « dans un pays où il y aurait trois designers, où je me contenterais d’être le troi­sième ». Des designers qui seraient en quelque sorte les dépositaires d’une cul­ture. »

Rédigé par 
Nathalie Degardin

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26/12/2024
Studio Drift, la célébration festive par nature

Fondé en 2007 par les artistes néerlandais Lonneke Gordijn et Ralph Nauta, le Studio Drift réunit nature et technologie dans des dispositifs souvent spectaculaires – en particulier avec l’usage de drones – et enclins à un esprit de célébration parfois très symbolique et festif, à l’image des différentes installations présentées au cœur du célèbre festival américain Burning Man.

"Franchise Freedom", Burning Man, 2018 © Rahi Rezvani
"Ego", théâtre royal Carré, Amsterdam, Pays-Bas © Ossip van Duivenbode
"Franchise Freedom", Art Basel, Miami © Jon Ollwerther
"Franchise Freedom", Central Park, New York, Etats-Unis © Keenan Hock
"Social Sacrifice", Drone Stories x SKYMAGIC, Biennale de Venise, Italie, 2022 © Ossip van Duivenbode
"Tree of Ténéré", Burning Man 2017, Etats-Unis © Arjen Van Eijk
"Shy Society", palais Strozzi, Florence, Italie © Ela Bialkowska, OKNOstudio
"Franchise Freedom", Burning Man 2022, Etats-Unis © Arjen Van Eijk
"Fragile Future", Trapholt, Kolding, Danemark © Stjernegaard
"Franchise Freedom", Burning Man 2022, Etats-Unis © Arjen Van Eijk
"Shy Society", palais Strozzi, Florence, Italie © Ela Bialkowska, OKNOstudio

Retrouvez l'article complet dans le numéro 223 d'Intramuros, disponible en kiosques et sur notre boutique en ligne.

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6/1/2025
Faye Toogood, artistique éclectisme

Faye Toogood aime croiser les disciplines dans tout ce qu’elle propose. Rédactrice en chef du magazine anglais « The World of Interiors » pendant huit ans, elle décide de monter son studio en 2008. Depuis, elle enchaîne les projets et les collaborations, des intérieurs au mobilier en passant par le textile.

Journaliste, designer, architecte d’intérieur, créatrice de mode… La liste des expériences de Faye Toogood est longue, et nous donne l’impression qu’elle a vécu plusieurs vies en une. Née en 1977, la designer britannique, qui a étudié l’histoire de l’art à l’université de Bristol, s’est d’abord essayée au poste de rédactrice en chef de « World of Interiors » avant de se lancer à son compte. Aujourd’hui, nombre de ses créations font partie des collections permanentes de plusieurs musées internationaux, à l’instar du musée du Verre de Corning à New York, du Fabergé Museum à Saint-Pétersbourg ou encore du Musée national du Victoria à Melbourne. Elle est fascinée par les matériaux, les formes et l’artisanat depuis toujours, et la création de son studio en 2008 n’était finalement pas une grande surprise. Au sein de ce dernier, elle propose des projets toujours plus éclectiques, mêlant le design à la mode ou encore l’architecture d’intérieur à la nourriture. « Je me décris souvent comme un outsider dont le travail défie toute catégorisation. Ma pratique englobe le design d’intérieur, le mobilier et les accessoires pour la maison, les beaux-arts et la mode. Je refuse d’être contrainte par une seule discipline ou une méthode de travail définie. »

Canapé Cosmic, design : Faye Toogood pour Tacchini © Andrea Ferrari

Une pratique focalisée sur la forme

Influencée par l’art, l’architecture, le design ou encore la nature, Faye Toogood utilise un processus de création qui se tourne plutôt vers les formes que vers la fonction. « Je suis une designer axée sur la forme et j’aime remettre en question la fonction. Pourquoi une chaise doit-elle avoir cette forme, cette hauteur, cette proportion ? Pourquoi les poches de votre manteau doivent-elles se trouver dans ces positions ? Dans mon travail, je fais confiance aux gens avec qui je travaille pour trouver la fonction, je considère que c’est un processus engageant et passionnant. »

Collection Cosmic, design : Faye Toogood pour Tacchini © Andrea Ferrari

Son objectif au sein de ses projets est avant tout de proposer des pièces ludiques et inattendues, créées grâce à un savoir-faire particulier. Et c’est justement cet équilibre qui fait partie intégrante de tout ce qui est imaginé et conçu au sein de son studio. « En tant que cabinet pluridisciplinaire, nous nous influençons toujours les uns les autres – qu’il s’agisse d’un meuble qui s’inspire d’un tissu de vêtement ou de la silhouette d’une robe qui prend forme à partir d’une sculpture. Nous commençons souvent par des mini-maquettes en argile, en papier d’aluminium ou en carton, pour trouver des formes organiques que nous développons ensuite. »

Des collaborations remarquées et remarquables

Durant l’année 2024, Faye Toogood a su surprendre le public avec ses installations, à Milan et à Copenhague notamment. Pour la Milan Design Week, en avril dernier, elle présentait sa collection de tapis Rude, imaginée avec cc-tapis – la troisième collaboration du studio avec la marque –, ainsi que la collection de mobilier Cosmic avec Tacchini. « Le fait de pouvoir combiner le savoir-faire inégalé de cc-tapis et de Tacchini avec mon propre langage de conception a été ressenti comme une renaissance créative. » Plus récemment, en juin, à l’occasion des 3daysofdesign, à Copenhague, Faye Toogood s’est associée au studio Frama pour proposer « Collage », une installation qui mêlait plusieurs univers en un.

Installation "Collage" en collaboration avec Frama pendant les 3daysofdesign à Copenhague © John William

« Nous voulions explorer l’intersection de l’art, du design, de la nourriture et des gens, en nous réunissant pour une exposition collaborative au sein du showroom de Frama à Copenhague. Une première collaboration durant laquelle nous avons voulu présenter une vue amplifiée de l’une de nos expériences les plus humaines : le partage d’un repas. » Une installation présentée dans le prolongement du restaurant voisin du showroom, l’Apotek 57, dans laquelle les visiteurs ont été invités à manger dans tout l’espace sur des sculptures tactiles, dont les choix des couleurs ont été apportés par l’expertise de Toogood.

Installation "Collage" en collaboration avec Frama pendant les 3daysofdesign à Copenhague © John William

Des collections conviviales

En plus des collaborations avec les marques et les éditeurs, le studio de Faye Toogood élabore également ses propres collections. En avril, toujours pour la Design Week de Milan, elle dévoilait son projet « Assemblage 8: Back and Forth », composé des collections Gummy et Palette. La première est une chaise rembourrée qui a été pensée de manière durable et dont les matériaux utilisés sont tous naturels, puisque aucune mousse ignifuge cancérigène ou synthétique n’est utilisée, ce qui constitue une réelle prouesse technique et environnementale. « Je voulais créer une chaise avec beaucoup de personnalité, qui puisse s’intégrer dans n’importe quel intérieur, qu’il soit historique, grandiose, moderne ou familial. » Quant à Palette, il s’agit d’un ensemble de tables en bois – une table basse, une table d’appoint et une console –, dont les formes courbes se croisent et semblent s’emboîter. Le nom fait référence au contour organique de chaque plateau qui rappelle la palette de peinture d’un artiste. Un projet que la designer dit être une « célébration de la nature et de l’éducation. »

Fauteuils Gummy et Table basse Palette © Angus Mill


Désignée comme « designer de l’année » pour la prochaine édition du salon Maison & Objet du 16 au 20 janvier 2025, Faye Toogood présentera « Womanifesto », une installation inspirée du thème de l’année : « Sur/Reality.» Une mise en scène surréaliste, dans laquelle elle invitera les visiteurs dans son propre cerveau, pour comprendre et décortiquer son processus créatif.

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20/12/2024
Olga de Amaral : renouer avec la spiritualité

La fondation Cartier propose jusqu'au 16 mars 2025 une large rétrospective du travail d'Olga de Amaral, ambassadrice du Fiber art. Une mise en lumière sensible et particulièrement réussie où s’entremêlent les techniques et les inspirations, avec, au bout du fil, de véritables architectures.

Pour la première fois en Europe, une exposition d'ampleur propose de plonger dans l'univers de l'une des figures les plus emblématiques du Fiber Art : Olga de Amaral. À travers près de 80 ouvrages réunis aux quatre coins du monde, la Fondation Cartier rassemble six décennies de création. Véritable rétrospective du travail de l'artiste, l'exposition offre une déambulation libre et onirique dans son univers coloré et rigoureusement sensible. Servi par une conception spatiale subtile, aussi immersive que discrète signée par l'architecte Lina Ghotmeh, le parcours questionne l'évolution formelle et colorimétrique des réalisations aux inspirations géographiques et architecturales diverses. Autant d'horizons convoqués dans ces œuvres vibrantes aux émanations spirituelles.

La série des « Muros » joue subtilement sur les camaïeux rappelant des paysages d'automne ©Marc Domage



Une vision architecturale

Nouées, tressées, tissées, cousues, entremêlées... De la diversité des œuvres d'Olga de Amaral, se dégage une certitude. Le fil n'est pas l'aboutissement d'une technique mais le médium au cœur d'une démarche prospective. De ses premières créations dans les années 60 aux « Brumas » réalisées il y a une petite dizaine d'années en passant par les productions monumentales réalisées 30 ans plus tôt, l'artiste a construit son travail en résonance avec son parcours d'abord dans le dessin d'architecture à l'université de Bogota, puis plus artistique à l'université américaine de Cranbrook – l'équivalent américain du Bauhaus allemand – où elle découvre le tissage aux côtés de la designer textile finlandaise Marianne Strengell. Un parcours tourné vers la construction, dont elle gardera tout au long de ses 60 années d'activité, une vision très spatiale : ne pas concevoir comme des tableaux, mais comme de véritables architectures, vivantes sur leurs deux faces. Un parti-pris respecté sur l'ensemble de sa carrière à de rares exceptions près, parmi lesquelles les créations monumentales de la série « Muros » réalisées entre la fin des années 70 et le milieu des années 90. Une période de création faste au cours de laquelle les œuvres témoignent également d'une évolution formelle. D'abord construites selon des jeux de trames très rectilignes avec « Elementos rojo en fuego », les créations se sont progressivement assouplies par la déformation des lignes jusqu'à devenir un nouveau langage stylistique à l'image de « Strata XV » en 2009. Une diversification visuelle menée parallèlement à un grand nombre d'expérimentation sur les volumes dans les années 70 et 80 - « Naturaleza Mora » - puis sur les jeux de lumières à la fin des années 80 et courant 90 - « Entorno quieto 2 » -. Un moment de transition progressif entre la fin du siècle et le début du suivant où seront créées « Las Brumas » en 2013 et 2020. Une ultime série en rupture absolue avec ses créations précédentes. Interrogeant le médium sous un angle nouveau, Olga de Amaral propose une collection emplie de légèreté où les fils ne sont plus entremêlés mais indépendants. Simplement enduits de gesso - sorte de plâtre – peint astucieusement de manière à dessiner des formes, à la manière d'anamorphoses. Une approche innovante dont le nom et la conception sont d’évidents clins d’œil aux brumes omniprésentes de la cordillère des Andes natale de l'artiste.

Reflétées dans les vitres du bâtiment, les œuvres de la série « Brumas », les brumes, semblent flotter dans la végétation extérieure ©Marc Domage



La couleur, une matière au cœur de l'œuvre

« Je vis de la couleur. Je sais que c'est un langage inconscient et je le comprends. La couleur est comme une amie, elle m'accompagne » raconte Olga de Amaral. En effet, si la technique confère indéniablement aux œuvres, leur essence, la couleur en dégage souvent un sens. Tantôt automnales, tantôt prégnantes, elles habillent les créations de l'artiste et les animent. Témoignant d'une inspiration tout autant culturelle que symbolique, elles fragmentent sa production dans le temps. Très inspirée par l'histoire précolombienne, Olga de Amaral offre par le prisme de la couleur un regard à la fois historique et spirituel. Ainsi, comment ne pas voir dans les couleurs organiques des fibres, autant de portraits de sa région, rehaussés çà et là de bleu et de rouge rappelant la faune sauvage à l'image de « Naturaleza mora ». Une approche très personnelle dans l’œuvre de l'artiste, mais progressivement éclipsée à la fin dans les années 70 par l'arrivée de l'or dans son travail. Un matériau introduit dans sa démarche par la rencontre de Lucie Rie qui lui enseigne la technique du kintsugi – art japonais de la réparation des pots cassés avec de la poudre d'or -. Dès lors, l'activité d'Olga de Amaral entame une métamorphose technique, passant d'une matière principalement tissée brute, à des assemblages cousus de petits morceaux de coton rigidifiés par du gesso et recouverts d'acrylique et de feuilles d'or. Une évolution qui ouvre les portes d'un nouvel univers très visuel, évoquant des écailles colorées aux reflets dorés multiples. Se dégage de cette approche un nouveau monde, plus spirituel, plus précieux, aux intonations liturgiques en écho aux églises colombiennes fréquentées par Olga de Amaral dans sa jeunesse. De ces cartographies mémorielles et oniriques se dégagent également de nouveaux horizons. L'eau bien sûr avec « Umbra verde », mais également la terre ou encore le ciel avec « Estelas » - qui signifie les stèles, mais que l'on pourrait traduire par les étoiles -. Une double lecture qui conjugue le symbolique à l'artistique.

Des dessins abstraits sur les « Estrelas » rappellent les inspirations précolombiennes de l'artiste ©Marc Domage



Un lieu repensé pour l'occasion

Architectures en elles-mêmes, les créations d'Olga de Amaral trouvent à la Fondation Cartier un écrin taillé sur mesure. Ces tapisseries modernes et suspensions contemporaines par définition statiques auraient pu figer l'exposition dans une atmosphère répétitive. Il n'en est rien. Construit par l'architecte Lina Ghotmeh, le parcours propose une approche vivante des créations où la monumentalité de certaines n'écrase pas la finesse des autres, mais participe à la construction d'un univers. Par le biais d'apports comme des pierres rappelant celles sur lesquelles Olga de Amaral photographiait son travail en Colombie, ou la mise en place d'un film sur les vitres du bâtiment afin de refléter « Las brumas » dans le jardin de la Fondation, l'architecte convoque une dimension poétique à la rétrospective. Également à l'origine d'une restructuration complète du niveau inférieur, Lina Ghotmeh invite le visiteur à une découverte intimiste des œuvres. Mise en scène de manière simple mais très habile, chacune renvoie la lumière et évoque au gré d'un parcours en spirale, un voyage entre inspirations précolombiennes et japonisantes, marines et cosmiques.

Une exposition très réussie qui, après 40 ans passées au 261 boulevard Raspail, sera la dernière de la Fondation Cartier avant son déménagement Place du Palais-Royal prévu pour octobre 2025.

Au niveau inférieur, la déambulation guidée par la lumière invite le spectateur à une découverte onirique et chronologique ©Marc Domage
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10/12/2024
Wendy Andreu, tisseuse d'objets

Wendy Andreu lance son studio en 2016. Reconnue pour avoir imaginé le procédé Regen qui lui a permis de créer tout un artisanat, elle développe depuis des pièces éclectiques autour de ce dernier, entre autres projets de mobilier, joaillerie ou aménagements d’intérieur. En septembre 2024, elle était lauréate des Grands Prix de la création pour récompenser l’ensemble de son travail.

Wendy Andreu a été formée à l’école Boule en métal avant d’intégrer l’Académie d’Eidhoven en design pendant 5 ans jusqu’en 2016. À peine sortie d’école, elle lance son « one Women business » afin d’être indépendante et commencer les projets et les collaborations, notamment avec Faye Toogood à l’époque. Depuis, elle a installé son atelier à Paris dans le 19e arrondissement au sein de Métropole 19 pour élaborer ses projets, mais également de continuer à mener des recherches sur son procédé Regen, qu’elle développe depuis maintenant 10 ans.

Dragon Autumn Armchair, 2022

Un artisanat unique

L’aventure Regen commence en 2014, lorsque, dans le cadre d’un projet d’école elle décide d'élaborer une collection textile d’accessoires de pluie - qui donnera le nom à son procédé qui n’est autre que la traduction littérale de pluie en néerlandais - et qui s’avère être un réel saut dans le vide pour la designeuse qui n’a aucune expérience dans le domaine. « J’avais une formation en métal suite à mon passage à l’école Boule, c'est le métier que j'ai appris et donc se lancer dans le textile en faisant des moules en métal n’a pas été le plus simple au départ. J’ai commencé alors que je ne savais pas faire, et pour contourner le problème j’ai dû trouver des solutions alternatives. » Sans formation pour manier les machines à tisser, elle décide de coller les matières, du latex et de la corde de coton à l’époque, pour parvenir au résultat estompé. Une technique réalisée comme un test au départ sur un simple échantillon expérimental qui lui permet finalement de développer tout un artisanat qui aujourd’hui lui est propre. « Il y a toujours une innovation qui s’ajoute au fur et à mesure des années et comme je n’ai aucune référence pour m’aider j’invente des choses, ce qui me permets d’acquérir de nouveaux savoir-faire au fil du temps. »

Soft Stools, 2022 © Vanni Bassetti


Des objets très techniques, qui nécessitent des heures de travail pour créer la « peau textile » parfaite, confectionnée à partir d’un moule en métal, pour ne pas oublier ses origines et sa formation initiale. Wendy Andreu confectionne tous ses moules et utilise toutes sortes d’outils, parfois inattendus, comme un couteau de jardinier ou encore un peigne pour chien, l’objectif étant de pouvoir arriver au résultat attendu. Des pièces toutes uniques, confectionnées à la main avec l’aide d’une tapissière pour toutes les finitions. Parmi ses réalisations, on peut citer l’imposante Dragon chair, l’assise Soft Stools ou plus récemment la Ghost Chair réalisée dans le cadre de l’exposition « Les Aliénés du Mobilier national. »

Ghost Chair, utilisée dans le cadre de l'exposition "Les aliénés du Mobilier national" © Isabelle Bideau

L’importance du process

Et si son procédé de départ se développe à partir de ficelle collée avec du silicone, elle aime continuer de jouer avec les matières et les contraintes pour étendre sa technique. « Je suis assez curieuse de tous les matériaux, mais particulièrement des techniques et des process, et la manière de les modifier pour arriver à de la nouveauté. » Avec la marque française Polène, elle a travaillé à partir de rébus de cuir pour une édition limitée de 200 miroirs. Pour MontBlanc, elle a travaillé sur un comptoir de 9 mètres de long avec la contrainte d’adapter sa technique aux normes coupe-feu, puisque le bâtiment est situé dans un espace public. Enfin, avec l’entreprise coréenne Hyosung, qui fabrique des fibres en lyocelle - matière notamment utilisée pour renforcer les pneus - elle a confectionné le fauteuil Tyre.

Fauteuil Tyre, 2023 © Neige Thébault

Des innovations techniques qui demandent des temps de recherche importants et surtout nécessaires pour continuer de faire évoluer la pratique, mais auxquelles la designeuse ne souhaite pas accorder 100 % de son temps. « J’aime me dire que j’ai une partie prospective dans mon travail avec ces temps de recherche pour développer ma technique et de l’autre côté l’aspect commission et commandes de pièces. Les deux vont ensemble, la prospective permet d’inspirer la commission et la commission permet de financer la recherche. » Une idée qui rejoint son envie de faire du design avant tout, sans avoir d’étiquette précise ou de chemin tout tracé. « Il n’y a pas d’esthétique particulière qui prédomine dans mon travail, je dirais plus que ce sont plutôt les process qui m’interpellent. Mon univers n’est pas formel mais très rationnel, je cherche surtout à comprendre comment les choses sont faites. »

Autres projets inspirés

En parallèle de sa pratique autour de Regen, Wendy Andreu travaille sur des projets qui allient différents matériaux, notamment le métal et plus récemment le verre, dans le cadre de sa résidence au CIRVA durant laquelle elle a élaboré la collection de vases Jardin Mécanique. Pour Théorème Éditions, elle collabore sur la seconde collection de l’éditeur avec le miroir Maze et pour Rimowa, elle imagine la table basse Aircraft.

Table basse Aircraft pour Rimowa, 2022 © Gregor Kaluza
Collection de vases Jardin Mécanique, en collaboration avec le CIRVA © Thierry Depagne

Avec le designer Bram Vanderbeke, rencontré sur les bancs d’Eidhoven, elle collabore sur différents projets, notamment sur les pièces Triple Pyramid & Upside Down Pyramid, réalisées avec la galerie Nilufar dans le cadre de l'exposition FAR lors de la Design Week de Milan en 2019, ou encore sur l’aménagement intérieur de la boutique du musée du design de Gand, en Belgique. Un travail qu'elle réalise seule ou en collaboration, mais qui répond toujours à une commande spécifique, qu'elle aime voir aboutir. « Ça me rend heureuse de faire quelque chose pour quelqu’un, c’est d’ailleurs pour ça que je suis designer et pas artiste. J’aime l’aspect de commande pour faire plaisir aux autres.»

Miroir Maze pour Théorème Editions, 2022 © Valentin Fougeray

Pour les mois à venir, les projets devraient continuer d’osciller entre réponses aux commandes, temps de recherche et élaboration de nouvelles collaborations. En parallèle, la designeuse confie avoir un rêve, celui de créer un jour, un best-seller, une pièce anonymisée qui ferait partie du quotidien. Bien qu’elle conçoit que son design soit pour le moment plutôt Collectible, on sait bien qu’il ne faut jamais dire jamais…

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