Disparition
Le créateur star des années 80 est décédé à la fin du mois de février 2024, à l’âge de 76 ans.
Avec ses looks de femmes puissantes bien avant l’heure, roulant des épaules et des mécaniques, Claude Montana a marqué la mode. Figure des années 80 et inventeur de la panoplie incontournable de cette décennie flamboyante, le créateur star de ces années fric et frime a tiré sa révérence. Après plus de vingt ans à modeler les contours des guerrières de night-club, mais aussi des working girls augmentées de paillettes, de couleurs flashy et de fulguropoings, il s’était retiré de la scène et des podiums pour laisser la place à d’autres jeunes amoureux des femmes fortes et sensuelles, sexy en diable. Numéro Un de la Cote des créateurs du Journal du Textile, l’hebdomadaire des professionnels de la mode, qui l’ont élu, chaque saison, durant toute cette période, couturier le plus inventif du moment, il a précédé un autre architecte de la silhouette powerful des femmes, Jean-Paul Gaultier. Souvent comparé à Thierry Mugler, qui a été d’ailleurs son colocataire avant de devenir son rival, Claude Montana a imposé des canons de beauté à rebours des codes bourgeois et sophistiqués de l’époque. Pour eux deux, les courbures du corps de la femme épousent une ligne de sablier, taille très fine, hanches arrondies et surtout épaules XXL et sublimées de décors, d’ornements et de maxi épaulettes, sur une gorge généreuse et déployée à l’envi.
Apparat et costumes
Né à Paris le 29 juin 1947, Claude Montana s’est découvert très tôt une passion pour l’apparat et les costumes. Le Dictionnaire de la Mode au xxe siècle - dont l’auteur n’est autre que Didier Grumbach, fondateur de « Créateurs et Industriels » et cheville ouvrière du déploiement du concept de « créateurs de mode » (avant on parlait de stylistes ou de couturiers) presque inventé pour Claude Montana - , le rappelle très bien. « Ses parents, bourgeois parisiens, ne voulaient pas entendre parler des aspirations de leur enfant. Alors, avec sa petite sœur, Jacqueline, il s’échappe en douce de l’appartement familial pour aller fureter à l’Opéra Garnier, humer l’odeur des costumes, découvrir l’art des drapés et des étoffes. A 16 ans, il devient ainsi figurant dans Don Carlos, de Verdi, sur les planches de l’Opéra de Paris, à l’insu de ses parents. »
Son idée de la mode et de la femme sera néanmoins influencé par un tout autre milieu. C’est après un séjour du côté du Swinging London que commence à se dessiner dans sa tête les contours de sa femme idéale : son Amazone sera enveloppée de cuir. Claude Montana a en effet commencé dans la mode auprès de Mac Douglas, une enseigne spécialisée dans cette matière. Elle restera donc sa préférée tout au long de sa carrière. Mais Claude Montana l’a traitée comme de la soie ou n’importe quelle étoffe noble, moulée directement sur des corps nus pour des fourreaux étirés à l’extrême, miroitant et vernis, juste élargies aux épaules. Le cuir sera surtout la matière de ses tailleurs. Mais pas les tailleurs des dactylo ! Claude Montana va proposer aux femmes de pouvoir leur uniforme fétiche, doublement paddé aux épaules, croisé sur le plexus et bouclé à double tour sur une taille exagérément fine.
Bombe
C’est avec cette signature stylistique qu’il impressionne, dès son premier défilé en 1975. Un peu après, en 1979, il lance sa propre marque et ses bombes pétaradantes de couleurs et de brillances jaune, mauve, rouge éclatent dans le ciel de la mode parisienne alors plutôt Jolie Madame. Montana est vraiment un Ovni dans le paysage bourgeois de la mode française portée par l’élégance d’un Yves Saint Laurent, ou les inspirations multiculturelles de Kenzo Takada ou d’Issey Miyake.
Son autre signature, ce sont les défilés spectacle. Véritables productions hollywoodiennes, ses shows étaient les rendez-vous les plus courus de la fashion sphere. Il fallait y être vu, naturellement revêtu de la cuirasse sexy Montana, et il fallait ne pas rater une miette des propositions de styles, parfaitement dans l’air du temps … et parfaitement adaptées pour le cœur du marché.
Même après son retrait et la faillite, en 1997, de son entreprise, ses créations ont continué à marquer l’imaginaire collectif. Le style Montana est et restera une source d’inspiration pour de nombreux créateurs des années 1990 et 2000. Et dès que les soubresauts de la tendance remettent l’accent sur les épaules, sur la ligne en sablier ou sur les tailleurs powerful, l’allure Montana ressuscite.
Maria Pergay s’est éteinte le 31 octobre dernier à l’âge de 93 ans. Créatrice majeure dans le champ des arts décoratifs français, elle ne se considérait ni comme designer, ni comme décoratrice. Ce qui l’animait avant tout, c’était cette joyeuse collaboration avec ses précieux artisans…
Elle était arrivée à Paris à la fin des années 1930 après avoir fui la Moldavie avec sa mère. Pour subvenir à ses besoins, elle avait d’abord décoré des vitrines de magasins de haute couture tels Hermès ou Durer. C’est à ce moment qu’elle a découvert le monde des artisans, en réalisant des sculptures d’oiseaux en Vitrex avec l’aide d’un serrurier. Puis par ses participations aux salons Bijhorca, elle se fit connaître du Tout-Paris. Divers futurs collaborateurs pousseront la porte de son enseigne Place des Vosges, dont le producteur d’acier d’Uginox, Gérard Martel. C’est ainsi qu’elle commencera à explorer l’inox, matériau, selon elle, « aussi précieux que le plus précieux des bois ». Elle concevra pour Uginox des pièces voluptueuses aux formes gracieuses et sensuelles tel Tapis volant (1967-1968). Arrivera ensuite sa désormais iconique chaise Anneau (1967-1968), idée survenue pendant qu’elle pelait une orange.
Jamais elle ne dessinait, sa bonne entente avec les artisans lui permettait de travailler directement à l’atelier ou à l’usine. « Dans beaucoup de manufactures, il y a souvent un seul homme qui sait effectuer un travail bien spécifique, confie son fils Alexis Pergay. Chez Uginox, un seul ouvrier savait faire les reprises de soudure propre au mobilier de Maria. Elle aimait travailler avec lui car elle comprenait et visualisait parfaitement les contraintes. »
Une reconnaissance internationale
Puis la collaboration avec la maison Jansen lui permettra de se faire connaitre à l’international. Elle meublera le palais présidentiel de Bourguiba à Carthage, l’amenant à devenir, de fil en aiguille, la décoratrice attitrée des palais saoudiens et de l’aristocratie des pays du Maghreb. Après l’achèvement de ces chantiers pharaoniques, ça sera au tour de la galeriste Suzanne Demisch de la contacter : « La rencontre avec Suzanne va lui permettre de créer des pièces démentielles, raconte Alexis. Maria était vraiment boostée par Suzanne, elles étaient très complices ». Apparaissent alors des pièces d’inox incrustées de délicats motifs en bois précieux, nacre et galuchat. En cela, la rencontre avec le jeune ébéniste Hervé Morin et son atelier MAONIA sera déterminante. D’un tempérament fidèle, c’est désormais avec lui que Maria Pergay poursuivra l’aventure.
Régulièrement présents sur le stand de la galerie Demisch-Danant aux plus grandes foires d’art international comme la TEFAF, l’œuvre éloquent de Maria Pergay s’inscrit dignement dans l’histoire des Arts décoratifs français. Intramuros lui rend un dernier hommage en republiant un témoignage qu’elle avait confié à Suzanne Demisch : « Une chose qui me surprend et qui est un grand honneur, ce sont toutes les personnes qui m’ont aidée à fabriquer mes objets. C’était dur de trouver des gens qui voulaient les fabriquer. Un jour, quand j’ai visité un atelier pour la première fois, les jeunes artisans m’ont tous dit qu’ils ne savaient pas comment faire ce que je voulais. J’ai alors demandé au plus vieux, celui qui avait travaillé sur les meubles Louis XV, des années avant. Il m’a dit : « Vous êtes sûre que vous voulez faire ça ? ça va coûter cher ». J’ai répondu que plus un objet demandait de travail, de précision, d’habileté, plus j’étais contente. Et il a commencé à travailler comme un jeune homme. Ils m’ont tellement appris ».
Jeudi 30 juin 2022, Marcus Fairs est décédé soudainement à l’âge de 56 ans. Il était le fondateur, et rédacteur en chef de Dezeen qui s’est imposé comme une référence dans le domaine de l’architecture et du design.
Visionnaire, brillant et créatif, c’est par ces mots que la rédaction de Deezen qualifie celui qui fut leur leader depuis 2006, date à laquelle Marcus Fairs crée son magazine. Du projet lancé depuis sa chambre à la reconnaissance mondiale actuelle, Deezen s’est épanoui sous la direction du journaliste britannique. Il avait en effet su prendre le tournant des années 2000 avec l’entrée dans le numérique.
Un journalisme créatif
Né en 1964, Marcus Fairs connaît un parcours brillant et riche. Diplômé en design 3D, il commence sa carrière dans le journalisme architectural en écrivant pour Building Design et Building – dont il devient rédacteur en chef adjoint – tout en écrivant en free-lance pour The Guardian ou The Independant.
Sa première création est Icon, en 2003, un magazine d’architecture et de design qui s’impose dans le milieu en remportant plusieurs prix tel celui du Magazine mensuel de l’année en 2005 et 2006. Marcus Fairs est alors remarqué par le prix du Journaliste de l’année – en 2002 – et du Journaliste architectural de l’année en 2004.
Dezeen est créé en 2006 et attire plus de deux millions de visiteurs uniques chaque mois. La plateforme uniquement numérique devient l’un des web magazines d’architecture et de design les plus influents. Pour preuve, il est nommé en 2011 par le magazine Architectural Digest dans la liste des 100 Qui Comptent des personnalités les plus importantes du design mondial.
De plus, Marcus Fairs est le premier journaliste numérique à recevoir un Honorary Fellowship du Royal Institute of British Architects en 2017 pour « l’énorme contribution qu’il a apportée à l’architecture ».
Un entrepreneur visionnaire dans le design
« Nous nous souviendrons de lui pour son flot d’idées passionnantes, ses capacités de réseautage inégalées, son énergie, son enthousiasme contagieux et, bien sûr, pour Dezeen, qu’il a transformé en un succès majeur grâce à sa ténacité, sa créativité et son dévouement » déclare Tom Broughton, directeur général de l’éditeur de Building and BD Assemble Media Group suite au décès de Marcus Fairs, mettant en avant la vision novatrice de ce dernier. En effet, Marcus Fairs souhaitait rapprocher la communauté mondiale du design tout en valorisant de jeunes architectes et designers. Il a également permis au design storytelling de rentrer dans l’univers numérique avec une plateforme qu’il s’efforçait de maintenir sensible aux enjeux contemporains.
Marcus Fairs a marqué la presse design en pensant Dezeen comme un projet pérenne, « Nous voulons que Dezeen soit à jamais un bastion du journalisme indépendant, un champion de l’architecture et du design et une force du bien dans le monde » expliquait-il. Une tâche que la rédaction du magazine s’est engagée à remplir après son décès.
Il était l’un des architectes espagnols les plus exposés à l’international et surtout salué pour ses centaines de projets d’envergure. Né en 1939, Ricardo Bofill Levi est décédé à Barcelone à l’âge de 82 ans le 14 janvier 2022. Il avait crée en 1963 son cabinet d’architecture, Taller de Arquitectura. Depuis plus de 50 ans, son travail aussi varié que coloré a marqué l’architecture mondiale.
Ricardo Bofill Levi faisait partie de ses architectes régulièrement qualifiés de visionnaires et novateurs, pour sa conception particulière de l’espace, entre une inspiration néo-classique (et notamment de Palladio) et une expression postmoderne. Auteur du célèbre immeuble Walden 7 et de l’Hôtel W en Espagne, des Arcades du lac et du marché Saint-Honoré, des sièges sociaux de Cartier ou de Shiseido, ou encore de l’Université Mohamed VI au Maroc, Ricardo Bofill Levi a su séduire de nombreux pays du monde, avec des réalisations audacieuses, colorées, parfois déstructurées.
Par ailleurs, il a aussi réalisé des projets très controversés, à l’image de l’ensemble Abraxas de Noisy-le-Grand, conçu à la fin des années 70. Un projet qu’il voulait en opposition au principe des barres d’immeubles, et qui apparaît dans de nombreux films cultes, de Brazil à l’un des volets d’Hunger Games.
Taller De Arquitectura, l’entreprise familiale aux 30 nationalités
Étudiant à partir de 1957 à l’École technique supérieure d’architecture de Barcelone mais expulsé pour des raisons de militantisme trop affirmé, il se lancera un peu plus tard, en 1963, dans la création de son propre cabinet d’architecte. Il sera par ailleurs entouré de nombreuses personnalités et professions artistiques, telles que le critique littéraire Salvador Clotas, le poète José Agustin Goytisolo ou encore l’économiste Julia Romea, marquant une nouvelle fois un éclectisme certain, à l’image du personnage.
Repris il y a quelques années par Ricardo Emilio et Paulo, les deux fils de l’architecte, le cabinet Taller de Arquitectura représente aujourd’hui près d’une centaine de personnes actives sur les projets et plus de 30 nationalités différentes.
Au cours de sa vie, Ricardo Bofill Levi aura été à la tête de plus de 500 projets différents dans une cinquantaine de pays à travers le monde.
Louis Vuitton annonçait ce dimanche la disparition de Virgil Abloh, directeur artistique depuis 2018, emporté par un cancer à l’âge de 41 ans. Ce grand créateur bousculait les codes du luxe, qu’il voulait plus inclusif, engagé dans l’affirmation des cultures afro-américaines et la diversité. Dans une fusion des styles, il multipliait les propositions entre mode, art contemporain et design.
Avec sa trajectoire fulgurante, Virgil Abloh marquera son époque et surtout en inspirera plus d’un. À 22 ans, ce natif de l’Illinois fait son entrée dans le monde de la mode en devenant le styliste du rappeur Kanye West. Quelques années plus tard, il intègre la marque luxe italienne Fendi, et met un pied indirect dans le groupe LVMH. En 2013, il fonde Off-White, sa première marque de vêtements. Sa signature créatrice ? Apporter l’énergie de la rue, importer le streetwear dans le haut de gamme, en s’appuyant sur un graphisme fort. Le styliste va gagner différents prix prisés dans le milieu de la mode, et surtout séduire la maison Louis Vuitton qui le nomme directeur artistique en 2018. L’objectif est clair : séduire les milleniums, répondre à une jeunesse qui demande des gages d’inclusion. Pour la presse, il prendra très vite un surnom de « l’empereur du cool ».
Un créateur multidisciplinaire
Formé à l’origine en architecture et génie civil, le créateur aime la pluridisciplinarité : En 2019 le musée d’art contemporain de Chicago lui consacrait une retrospective baptisée « Figures of Speech » : on y retrouve notamment des pièces de sa première exposition solo « Pay per View », avec notamment ses détournements de panneaux publicitaires de grands groupes. De Chicago à Londres ou Tokyo, ses œuvres largement inspirées de la contre-culture sont exposées de par le monde. Et plus récemment à Paris : en 2020 la galerie Kreo présentait« Efflorescence », parmi ses dernières séries : un savant travail de la matière, le béton, tagué et graffité, et un miroir ajouré à la streetwear.
©Morgane Le Gall Courtesy
Musique, stylisme, art contemporain… l’artiste ajoute aussi la corde du design à son arc. Et dans une vision très panoramique. S’il a collaboré avec Nike, on repère ses collaborations capsules avec IKEA, dans la stratégie de la marque suédoise de rechercher des « signatures » pour ses collections tout en gardant des « prix serrés » : la collection Markerad, conçue pour les petits espaces, partira en un temps record. Baccarat, Levi’s, Vitra… les collaborations sont très diverses : il sera aussi conseiller de la marque Evian. Braun fera aussi appel à lui pour fêter ses 100 ans : 60 ans après la création du Wandanlage en 1961 par Dieter Rams, il s’empare, à sa manière de l’emblématique chaîne hifi exposée sur un mur, l’un des grands produits du design, selon l’artiste. Dans une finition chromée, le dispositif sonore évolue vers l’Art fonctionnel. « Les objets ordinaires peuvent avoir une qualité artistique si on les regarde vraiment. »
S’il a été controversé – jusqu’à parfois être accusé de plagiat –, il aura été surtout inspirant, avec une lecture ravigorante de l’époque contemporaine, faisant s’entrechoquer des énergies contraires, portant les cultures urbaines dans les plus hautes sphères.
Fondateur du groupe Artemide, Ernesto Gismondi est décédé le 31 décembre dernier, à 89 ans. S’il a su s’entourer de designers majeurs – à commencer par sa femme Carlotta de Belavicqua– tels Gio Ponti, Gae Aulenti, Ettore Sottsass, Michele de Lucchi, il restera le symbole d’une tête chercheuse qui a parfaitement conjugué entrepreneuriat avec innovation, depuis les prémices de l’éclairage à variateur jusqu’à la récente solution de lumière assainissante.
Avant de se lancer dans le design, Ernesto Gismmoni a démarré par une double formation d’ingénieur : il sort diplômé en 1957 en aéronautique à l’école polytechnique de Milan puis obtient deux ans plus tard à Rome un diplôme d’ingénieur en missile. Cependant, dès le début des années 60, il se consacre à la planification et à la production d’équipements d’éclairage, en fondant avec le designer Sergio Mazza le Studio Artemide, à partir duquel le groupe va se développer. Très impliqué dans le mouvement avant-gardiste « Memphis », Ernesto Gismondi s’est imposé aussi à l’international.
Au fil des années, sous sa direction, le groupe Artemide voit s’accroître son rayonnement mondial et devient l’un des principaux acteurs du secteur de l’éclairage design. ).
Un entrepreneur à la pointe
De 1964 à 1984, Ernesto Gismondi a été professeur associé en moteurs de fusée pour missiles à l’école polytechnique de Milan. Il a été vice-président de l’ADI – Association du design industriel – et a occupé plusieurs postes au sein de l’Association industrielle de Lombardie, de Federmeccanica, de Confindustria, de l’Agence autonome des foires de Milan et au ministère des Universités et de la recherche. Il est également membre du Comité pédagogique et scientifique de l’ISIA. (Institut supérieur des industries artistiques/design industriel) de Florence, du Conseil d’arbitrage du COSMIT (Comité d’organisation du Salon du meuble de Milan), et du CNEL. Il a présidé et participé à plusieurs ateliers, en Italie et à l’étranger, sur le design et ses développements et sur les économies d’énergie appliquées à l’éclairage.
Parmi les dernières innovations du groupe, la solution Integralis est une typologie d’éclairage innovante, interactive, qui désinfecte les espaces (contre les virus, bactéries, champignons, moisissures et autres agents pathogènes mortels), grâce notamment à une méthode de stérilisation qui utilise le rayonnement ultraviolet (l’irradiation germicide ultraviolette (UVGI), tout en respectant des longueurs d'ondes en adéquation avec la préservation de la santé des individus.
Une carrière honorée
Le parcours d’Ernesto Gismondi est jalonné de nombreuses récompenses, notamment le prix européen du design (1997).
En 2008, il a reçu le prix Ernst & Young « Entrepreneur de l’année » dans la catégorie Innovation, et Giorgio Napolitano, le Président de la République italienne, l’a nommé « Cavaliere del Lavoro ». En 2009, il a reçu le prix Ernst & Young « Entrepreneur de l’année » pour la catégorie Communication.
En 2018, il a remporté le Compasso D’Oro pour l’ensemble de sa carrière avec la mention suivante du jury : « Ingénieur aérospatial, professeur d’université et entrepreneur, en bref : un homme aux multiples talents. Fondateur d’Artemide, il utilise immédiatement les processus de conception comme un facteur distinctif et, dans ce long processus, il encourage et renforce les collaborations avec le monde de la conception nationale et internationale. Exemple cohérent de la manière dont le design peut être un levier stratégique concret pour la croissance culturelle et économique, il a toujours travaillé pour que le design italien puisse être un exemple vertueux au niveau international. »
Récompensée par le Compasso d’oro 2018, la collection Discovery d’Artemide (design Ernesto Gismondi) décline aujourd’hui des versions circulaires horizontales et verticales, mais aussi , plus récentes, rectangulaires et carrées. le principe de la construction reste le même que dans les versions précédentes. Un profilé ultra léger en aluminium sert de support à un ruban LED qui projette la lumière sur une surface de PMMA transparent avec un dessin de micro-découpes réparties pour obtenir une efficacité et une uniformité maximales. Discovery peut être réglé avec l’appli Artemide, et compatible avec la technologie d’éclairage assainissant Integralis.
À 88 ans, Enzo Mari est décédé le 19 octobre. En 1997, il déclarait à Intramuros « ]’essaie, d’être à la hauteur d’un travail intellectuel et je lutte contre les projets médiocres ». Le design perd un de ses activistes du design, intransigeant et ingénieux, qui aura travaillé aussi bien pour Artemide, Danese, Daum, Driade… pour des pièces de nombreuses fois rééditées. Retrouvez son ton incisif dans le portrait écrit en 1997 par Cristina Morozzi dans le numéro 73 d’Intramuros.
Piémontais de naissance, Enzo Mari, s’est formé à l’Accademia di Brera de Milan. Dès les années 1960, il collabore avec les plus grands éditeurs italiens et étrangers. En 1974, il s’affiche comme un ardent défenseur du do it yourself avec le projet “Autoprogettazione” qui rend accessible à tous la réalisation de mobilier, et où, contre une enveloppe timbrée, il offrait le splans de des ses dessins de cette collection à réaliser soi-même. Entre utopie et militantisme, Enzo Mari est précurseur d’une pratique de Fablab et d’ateliers de co-working. Dans les années 1980, sa collaboration avec la marque Driade développe des collections exemplaires et durables.
« “Quoi qu’on dise, je ne suis pas calviniste.“ C’est par ces mots qu’Enzo Mari conclut l’entretien dans son agence de Milan où les principales références de son parcours professionnel sont présentes. La bibliothèque en modulable ABS, dessinée en 1966 pour Gavina, remplie de revues d’architecture et de design ; les lithographies avec la faucille et le marteau de 1973 ; les couverts Piuma, produits par Zani & Zani en 1992 ; la chaise Box conçue en 1971 pour Castelli et éditée en 1995 par Aleph/Driade, et quelques pièces historiques nées de sa relation complice avec Jacqueline Vodoz et Brunon Danese dès 1958.
C’est la vérité, Mari n’est pas calviniste, même si au premier abord il paraît un peu « ours » et qu’il agresse d’un ton polémique, prêchant la bonne parole avec énergie. En s’approchant de plus près, on découvre un autre personnage. Une gentillesse perce timidement sous le regard sévère et révèle une disposition à s’émouvoir de la beauté des choses et de leur message intime.
Si le ton est souvent agressif, les œuvres de Mari montrent toujours une grande délicatesse, comme cette nappe brodée de fleurs créée pour Zani & Zani (Macef, septembre 97). Il dit l’avoir dessinée pour céder aux instances de son éditeur, mais je le soupçonne de prendre un certain plaisir à créer des pièces où les qualités féminines dominent. PAs d’austérité radicale en lui c’est un homme passionné, tant sur le plan humain que politique, convaincu avant tout de pouvoir changer le monde, même s’il n’a guère d’illusions sur la réussite d’un tel dessein.
« Dans le processus du design, dit-il, il y a des positions contradictoires : la position humaine et la position post-moderne, qui ne s’associent que pour mieux vous berner. Il manque une position lucide intermédiaire. C’est celle que j’aimerais occuper ».
Non, Enzo Mari n’est pas calviniste parce qu’il ne se lasse pas de répéter : « dans mon travail, je cherche à donner des réponses à des pulsions primaires comme le sexe et la faim, pour moi les hommes sont des animaux qui ont évolué en construisant des prothèses ».
Il est sévère envers les autres, envers les concepteurs « zombis » qui n’ont jamais lu un livre de poésie, envers les personnes qui croient être à l’avant-garde parce qu’elles font quelque chose de différent. Il est surtout sévère envers lui-même et se remet continuellement en question, même si « aujourd’hui on ne conteste plus rien ».
« ]’essaie, affirme-t-il d’être à la hauteur d’un travail intellectuel et je lutte contre les projets médiocres ». Enzo Mari recherche la cohérence, s’engage dans des batailles épuisantes, « avec les producteurs qui ne se remettent pas en question, ne s’intéressent qu’au superficiel, à la différence pour la différence, à la redondance ». « Concevoir, répète-t-il inlassablement, suppose une négation ». Cela signifie élaguer, enlever pour trouver l’essence même du projet et la justesse des objets archétypes, comme le peigne et la faucille par exemple, que personne d’identifié n’a conçus. « La décoration n’est que répétition. C ‘est comme le rosaire, dit-il, une litanie que l’on répète machinalement ».
Artiste, dessinateur, auteur de quelques pièces emblématiques du design des 30 dernières années, Enzo Mari n’est jamais satisfait et toujours mécontent. Quasi monomaniaque dans la poursuite d’une idée, il est « viscéralement attaché à l’utopie » affirme-t-il, « même si à la fin, on ne peut en lire qu’une toute petite partie », et il s’investit entièrement comme un jeune débutant. Il reste artiste même quand il n’est pas designer, parce qu’il est sûr que « tout ce que l’on fait est politique », il est convaincu « qu’un bon projet implique toujours du gas-pillage, de la folie et du courage », parce qu’il veut travailler pour la société et non pour lui, parce qu’il est constamment impliqué dans les batailles qu’il livre.
Comme tous ceux qui s’affrontent aux utopies, il a été un précurseur génial : avec Metamobile, par exemple, une collection de meubles pauvres et basiques en kit, conçue pour Gavina en 1974; ou avec Ecolo, un manuel d’instructions pour fabriquer des vases de fleurs en découpant des bouteilles d’eau minérale en plastique, réalisé pour Alessi en 1995. Ecolo peut être considéré comme un manifeste de la principale prérogative d’un bon projet pousser l’utilisateur à concevoir lui-même. « Tout le monde doit concevoir des projets, prétend Mari, au fond, c’est le meilleur moyen d’en garder le contrôle ».
En 1999 il recevra le prix du design à Barce- 1 one, après Ettore Sottsass et Achille Castiglioni. Au même moment « Le Printemps du design » accueillera une rétrospective au Centre Culturel Santa Monica. Une récompense qu’il annonce avec un certain orgueil, comme si le « système » qui l’a toujours mis en marge à cause de son attitude polémique envers les méthodes de production se rendait enfin compte que sa bataille était une bataille pour la qualité. Une qualité accessible à tous, claire et intelligible, une qualité intrinsèque et durable, qui incite au respect de l’objet.
« Mes plus beaux objets sont ceux qui ont été réalisés par des producteurs avec lesquels j’ai bien travaillé, car la forme finale d’un ouvrage dépend toujours de la qualité des rapports de production qui l’ont généré ».
Comme pour lui un projet consiste à épurer, il est souvent considéré comme un « minimaliste », pourtant, si l’on regarde son oeuvre de près, on s’aperçoit qu’elle est très différente de l’approche minimaliste du moment, celle de Jasper Morrison, ou celle de Paolo Rizzatto pour Luce Plan. Dans chacun de ses objets, on peut lire cette passion primaire qui donne l’impulsion au projet et cette utopie qu’il ne cesse de poursuivre. Ce sont ces tensions qui rendent les prpduits intéressants.
Aujourd’hui, on parle beaucoup des objets relationnels capables d’établir avec l’utilisateur des rapports de complicité. On arrondit les lignes, dans l’illusion que la sinuosité communiquera le caractère amical. Depuis ses débuts, Mari a toujours cherché à établir des rapports avec l’utilisateur de son projet, non par des artifices formels, mais en essayant d’offrir vraiment une idée, quelque chose qui vaille la peine d’être dessiné; on pense à la carafe en verre soufflé pour Danese, réédité aujourd’hui par Alessi, où chaque pli du goulot fait alternativement fonction d’anse et de bec verseur. Et cette idée, même si elle est filtrée par les fondements logiques de l’action artistique (surtout dans le courant de l’art programmé) – qui est un état de recherche permanent – cette idée est toujours clairement perçue. Les produits d’Enzo Mari sont permanents, non parce qu’ils reformulent les archétypes, mais parce qu’ils sont l’aboutissement difficile de cette recherche, de cette nécessité de toujours trouver un sens.
« Je m’ennuie, dit Mari, si je fais, un projet qui n’est qu’une simple répétition ou un truc de marketing. Je veux que mon travail soit un jeu, le travail comme jeu c’est une déclaration de liberté ». Pour les enfants, le jeu est en effet une recherche d’identité et d’expressivité, qui leur permet de se démarquer du monde des adultes. Par son travail de concepteur, Mari prouve son autonomie vis-à-vis des lois absurdes du marketing, des systèmes de production de masse, des besoins artificiels qui conduisent à la multiplication des objets inutiles. Son travail est un jeu dans la mesure où il se veut libre. De cette liberté, aujourd’hui de plus en plus rare, naissent des produits qui traversent le temps, comme la coupe à fruits Adal en PVC moulé sous vide en 1968 pour Danese, rééditée par Alessi en 1997. Ou encore la chaise Box en polypropylène injecté édité en 1971 par Castelli, rééditée par Aleph (Driade) en 1995 sa première chaise, proposée à l’époque comme une négation des « formes plastiques », faite de courbes et de raccords organiques et témoignant de l’enthousiasme frénétique pour le « tout en plastique ». Il s’agit d’une chaise solide, avec quatre pieds bien placés, qui correspond parfaitement à l’idée originelle de chaise. Aujourd’hui, alors que les matières plastiques trouvent une expressivité nouvelle, la chaise « Box » semble plus contemporaine que beaucoup d’autres qui essaient désespérément d’être nouvelles. Cette chais en kit, est une invitation explicite à construire, cette invitation que Mari lance depuis toujours à l’utilisateur, et qu’il considère comme une partie active du projet.
Non, Mari n’est pas calviniste, c’est un rêveur. Et c’est sans doute cette attitude si rare, assez déconcertante, qui lui donne l’apparence d’un ours. C’est un rêveur qui aimerait vivre « dans un pays où il y aurait trois designers, où je me contenterais d’être le troisième ». Des designers qui seraient en quelque sorte les dépositaires d’une culture. »
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