Actualités

Il s’agit d’un rendez-vous immanquable de la rentrée, donné depuis des années à la salle Wagram. Le Prix pour l’Intelligence de la Main a récompensé les lauréats de sa 25e édition. Un événement anniversaire pour rendre hommage au travail de la Fondation Bettencourt Schueller et surtout aux métiers d’art. « Beaucoup pensaient que les métiers d’art appartenaient au passé, mais nous voyions dans la main le prolongement de l’esprit qui domine » déclarait Françoise Bettencourt-Meyers. 131 lauréats plus tard, la volonté est toujours de faire rayonner les 51 savoir-faire qui « contribuent à faire notre monde » avec l’envie de continuer à montrer et à valoriser les métiers d’art.

Crée en 1999, le prix célébrait cette année son quart de siècle avec quatre nouveaux lauréats choisis par le jury présidé pour la 2e année consécutive par Laurence des Cars, directrice du Musée du Louvre. Une équipe composée de différents corps de métiers de l’art, à savoir : l’actrice et metteuse en scène Lilo Bauer, la galeriste et créateur de la galerie kreo Didier Krzentowski, l’architecte Lina Ghotmeh, l’historien Neil MacGregor, la designeuse Constance Guisset, le chef cuisinier Guy Savoy, le directeur de la Cité Internationale de la tapisserie à Aubusson Emmanuel Gérard et le styliste Rabih Kayrouz.

Prix Talents d’Exception : Nadège Mouyssinat avec Console Pseudosphères

Après Pascal Oudet en 2023, c’est la porcelainière Nadège Mouyssinat qui a été récompensée du prix Talents d’Exception pour sa Console Pseudosphères. Une réalisation à la fois spectaculaire et singulière, qui a demandé la fabrication de moules sur mesure, dont certains oscillaient les 1m20, une hauteur rarement atteinte pour ce matériau. « Quand je fais une pièce, elle existe déjà dans ma tête, il faut que je trouve le moyen de la réaliser. On m’a dit que c’était impossible, c’est pour cette raison que je l’ai fais » raconte-t-elle. En termes de technique, l’artisane a privilégié une cuisson à 1250° - contre 1400° traditionnellement -, ce qui permet de réduire la consommation de gaz et électricité de 25 à 30 %.

Pour ce prix, Nadège Mouyssinat bénéficie d’une dotation de 50 000 € et d’un accompagnement financier pouvant aller jusqu’à 100 000 € en fonction du projet, lui permettant ainsi de gagner en autonomie, déployer son talent et pérenniser son activité.

Prix Dialogues : Catherine Romand et Clémence Althabegoïty avec Tresser l’ombre

Pour ce prix Dialogues 2024, c’est le duo composé par la vannière Catherine Romand et la designeuse Clémence Althabegoïty qui a été récompensé avec Tresser l’ombre, une pièce qui mêle à la fois le savoir-faire ancestral de la vannerie et le design. Un objet technique et scientifique, puisque les deux femmes ont fait appel à l’astronome Pascal Descamp pour définir les trajectoires du soleil de la région de Touraine qui ont permis à la designeuse d’imaginer une pièce unique, adaptée au village de Villaines-les-Rochers où elle est née. Pour ce faire, Clémence Althabegoïty a appris les bases du métier de vannière afin de mieux le comprendre et l’appréhender. « Ensemble, nous avons crée un dialogue avec le même langage à partir des bases du tressage » expliquent les deux femmes.

Le duo se voit obtenir une dotation de 50 000€ et un accompagnement financier pouvant aller jusqu’à 150 000€ pour le déploiement de l’objet ou du prototype développé afin de l’approfondir davantage.

Prix Parcours : Association Acta Vista

Créée en 2002 à Marseille, Acta Vista est une association dont l’objectif est la restauration du patrimoine en ne recrutant que des personnes en situation de précarité ou isolées. Âgés de 18 à 65 ans, tous les profils sont les bienvenus et valorisés au maximum. Une initiative d’insertion, permettant à 500 personnes d’être formées aux métiers du bâtiment chaque année. L’objectif : rebâtir un avenir pour toutes ces personnes en les intégrant dans un milieu professionnel. Basée pour le moment dans la région Paca et en Occitanie, l’association espère pouvoir se développer partout en France.

L’association lauréate récolte la somme de 50 000 € ainsi qu’un accompagnant pouvant atteindre 100 000 € pour le développement d’un projet.

Ouverture des candidatures 2025

A la suite de l’annonce des lauréats 2024, la fondation Bettencourt Schueller a fièrement annoncé que les candidatures pour la 26e édition du prix pour l’Intelligence de la main étaient d’ores et déjà ouvertes. Inscriptions et informations via ce lien : https://www.fondationbs.org/candidater-un-prix#prix-l  

Artifacts est peut-être son projet le plus brut. Pourtant, Dana Harel n'en est pas à ses débuts. Après avoir manipulé le papier, le laiton, le porcelaine ou le plâtre, c'est de nouveau sur la terre que se sont portées ses mains. Un matériau qu'elle connaît bien et qu'elle s'est appropriée jusque dans le nom de son studio fondé en 2020 : White Dirt. Une évocation de l'argile kaolin, fréquemment utilisé pour ses porcelaines.

Pour ce nouveau projet, réalisé en collaboration avec valerie_objects, Dana Harel a réalisé deux vases, trois carafes et une tasse. Un trio visuellement très fort et conforme au style primitif et terreux de la designeuse. Comme dans plusieurs autres de ses travaux, elle s'est notamment appuyée sur « des fragments qui traînaient dans l'atelier » et les a utilisés « pour concevoir diverses formes. » Une liaison entre passé et présent traduite par l'apparence mi-antique, mi-moderniste de la collection.

‍

Le temps comme inspiration

« J'ai grandi à Tel-Aviv, une ville ou se juxtaposent de vieilles ruines et de l'architecture Bauhaus qui était populaire dans les années 1920 » explique la créatrice. Une ambiguïté qui a sans doute influencé son style et l'écriture esthétique de son studio. À cheval sur les époques, Dana Harel qui habite à San-Francisco depuis près de trente ans, voue une certaine admiration aux sculptures anciennes érodées et porteuses des stigmates du temps. Une dualité stylistique et temporelle qui a notamment influencé la forme facettée de ses objets. Un univers radicalement opposé à toute forme de rigueur, d'où se dégage une certaine imperfection volontaire. « Je fais ma propre archéologie » conclut l'artiste donc chaque collection est grandement inspirée du temps qui passe.

C'est toujours dans l'optique de gommer la frontière entre l'univers professionnel et le personnel, que Steelcase déploie une nouvelle assise. Imaginée pour prendre place dans les bureaux, Ensemble, a été imaginée pour répondre aux besoins ergonomiques des travailleurs. « La posture joue un rôle majeur dans la qualité de la conversation et de la réunion elle-même. La position lounge favorise une conversation plus humaine, moins guindée » détaille Florian Schulz, l'un des designers de Coalesse Design Group. Voués à être utilisés par des personnes actives, les coussins d'Ensemble ne sont pas aussi moelleux et profonds que ses semblables du salon. Un besoin relatif au maintien nécessaire pour écrire, lire ou assurer un rendez-vous sans s'affaler. Un choix également compensé par la mise en place  d'un réglage progressif du dossier. Le système dissimulé dans l'assise s'ajuste par la simple manipulation d'une sangle visible à l'avant du mobilier. Un choix technique mais aussi esthétique puisque sa disposition lui confère son statut d'élément essentiel.

‍

Une allure informelle pour un confort accru

Tournée vers des designs biophiliques - un concept utilisé pour accroître la connectivité des occupants à l'environnement naturel grâce à l’évocation ou la présence de la nature -, l'agence de design a réfléchi à la manière dont un aménagement lounge pourrait serpenter dans une pièce comme une rivière ou ressembler à un paysage vallonné. « C'est ainsi que nous avons eu l'idée de formes courbes, fluides tant en longueur qu'en hauteur. Dès le début, nous voulions éviter les arêtes vives et les angles vifs » Une réflexion qui a poussé les designers à concevoir Ensemble sous forme de modules. Ronds et organiques, ces derniers peuvent ainsi s'assembler pour former des lignes ou des îlots au sein des espaces de travail. Chaque élément, fixé sur un système de rails, peut aussi être agrémenté de modules complémentaires comme des tables, des bacs à plantes ou des cloisons (appelées des screens). Une modularité et une adaptabilité pour envisager le travail sous un nouvel angle.

Sur huit générations et depuis plus de soixante ans, les 911 se succèdent inlassablement, intégrant avec aisance toutes les vagues culturelles et les modes successives. Intemporelle mais toujours de son temps, s’il ne devait rester qu’une seule auto symbolisant ce qu’il y a encore d’immuable dans la société occidentale de la seconde moitié du XXe siècle et de la première partie du suivant, ce serait probablement elle.

‍

Retrouvez également l'article complet dans le numéro 221 d'Intramuros, disponible en kiosques et sur notre boutique en ligne.

Spécialisé dans le secteur de l’outdoor depuis 30 ans, la marque française Fermob a revu sa copie pour la rentrée 2024. Si la marque reste évidemment une référence en matière de mobilier outdoor, elle a souhaité se consacrer à l’univers indoor, en proposant une collection dédiée.

Une collection multi-usage

Composée de 6 pièces, cette nouvelle collection indoor propose à la fois des produits de collections outdoor adaptés, mais également des nouveautés inédites. La table Calvi, initialement pensé pour l’outdoor et désignée par Antoine Lesur, est proposée en une version en aluminium avec un plateau FENIX, une matière qui résiste notamment aux rayures et aux tâches. Même chose pour la chaise Studie de Tristan Lohner, sortie en 2022 et lauréate d’un Red Dot Awards, qui se décline en une version bridge et chaise, dont l’assise s’est tapie d’un tissu en coton et polyester recyclés. Le designer est par ailleurs allé encore plus loin dans la gamme, en imaginant le fauteuil Studie, exclusivité indoor.

Les équipes de design Fermob ont quant à elles imaginé les 3 autres produits de cette collection 2025. Le vestiaire Funambule dans un premier temps, véritable frontière entre intérieur et extérieur. En termes d’accessoire, le miroir vide poche Itac, trouvera sa place dans toutes les pièces. Enfin, la table en chêne So’o, proposée en version ovale et rectangulaire pour s’adapter à tous les intérieurs, célèbre la convivialité et l’art de recevoir.

Swiing, la lampe qui danse

Autre nouveauté marquante de cette rentrée, la lampe portable Swiing imaginée par Tristan Lohner, lui-même designer de la lampe Balad, premier concept de lampe nomade de la marque sortie en 2015. Adaptée pour l’intérieur et l’extérieur, Swiing est un modèle ludique qui, comme son nom l’indique, nécessite de « renverser » la lampe pour l’allumer ou l’éteindre. Un condensé de créativité et technologie, disponible en quatre coloris, gris argile, menthe glaciale, cerise noire et carbone.

3 nouvelles couleurs

Au delà de ses produits et son savoir-faire, la marque Fermob, c’est aussi un panel de couleurs comme aucun autre, partie intégrante de son identité. Une palette de couleurs régulièrement repensée pour se marier avec les tendances. Pour la saison 2025, la marque propose ainsi 3 nouveaux coloris : Bleu Maya, qui évoque la liberté et un vent de fraîcheur, Orange Confite dont les tons chauds favorisent la convivialité et enfin Tonka, pour une touche sophistiquée et réconfortante.

Récemment ouvert au 14, rue du Château-d’Eau, dans le 10e arrondissement, Chateau 14 est un espace de vente entièrement dédié aux pièces design venues du nord. Une adresse majoritairement tournée vers le Danemark et composée d'un éventail de produits allant du mobilier à des pièces de décoration plus petites.

Parmi les marques nouvellement représentées, FDB Møbler, fondée en 1942 par l'architecte Borge Mogensen. Une naissance due à l'esprit architectural de son instigateur selon qui « les meubles doivent laisser de l'espace pour la personne », et au mouvement danois Hygge, un état d'esprit positif offert par un moment ou un élément réconfortant. Une vision qui pousse alors l'entreprise à s'opposer aux meubles lourds et à favoriser un design léger et rétro pour l'époque. De ce parti-pris sort dès 1956 le grand succès de la marque réalisé par Poul M. Volher : la chaise J46. Une appellation devenue classique, dans laquelle s'inscrit quelques années plus tard une collection spéciale osier nommée J82. À noter également la présence de la collection Sletterhage. Un ensemble de luminaires en verre strié inspiré des éléments industriels du phare éponyme.

‍

De luminaire il en est aussi question avec la suspension POGDY de Krøyer-Sætter-Lassen, éditée par la marque PLEASE WAIT to be SEATED. Inspiré de son côté par le matériel photographique, ce luminaire est à l'image de la marque : contemporain. Fondée en 2014 par Thomas Ibsen et Peter Mahler (avant une association plus globale avec Eva Solo), la marque propose un joyeux mélange entre le style traditionnel et l'irrévérence géométrique d'aujourd'hui. La chaise BONDI en est l'un des meilleurs exemples, inspirée par les premiers souvenirs de son designer Fräg Woodall, voyant les menuisiers façonner les courbes pour les ajuster au plus proche du corps.

‍

Un travail minutieux du bois qui n'est pas sans rappeler les préoccupations ergonomiques du designer Hans J. Wegner également représenté dans la boutique. Il avait, dès les années 50, mené des études conjointes avec le professeur et docteur en médecine Egille Snorrason, concernant le confort de l'assise. Une réflexion qui accompagnera le designer tout au long de sa collaboration avec PPMøbler constituée originellement par les frères Peder Pedersen : Ejnar, le créatif, et son frère Lars, l'homme d'atelier. Une association dont sont issues plusieurs chaises parmi lesquelles, la Circle chair en bois et le fauteuil lounge Flag Halyard en métal, hommage aux maîtres modernistes.

‍

Autant de créations désormais disponibles à l'achat en plein cœur de Paris. Et pour que le vent du nord porte dans toutes les pièces de l'habitat, Chateau 14 s'associe avec la marque de décoration Niko June, la céramiste Anne Black et Wiener Times qui interroge de son côté, les limites entre fonction et abstraction dans ses créations textiles.

Une seule table, des convives inconnus et le tout dans un ancien garage à l'adresse mystère. Dit comme ça, le nouvel établissement de Justine Piluso a de quoi surprendre.

Après avoir fermé Le Cappiello, un établissement qu’elle a dirigé pendant cinq ans, la cheffe Justine Piluso, diplômée de l'Ecole Jean Drouant de Paris puis de l'Institut Bocuse de Lyon et participante de Top Chef en 2020, avait besoin d'un nouveau défi. Disons plutôt, un nouveau concept. « Avec mon mari Camille, nous voulions une table unique sur le principe de la table d'hôte où des personnes se rencontrent autour d'un repas, mais dans une version gastronomique » détaille la cheffe. À la recherche « d'un grand espace où le spectacle pourrait se trouver en cuisine », le couple a jeté son dévolu sur un ancien garage automobile après un an et demi de recherche. Successivement utilisé comme salle de sport et établissement de mixologie, “ce lieu hors du commun nous a séduit par sa grande hauteur sous plafond, ses entrées de lumières et l’impressionnant escalier en fer forgé”. Resté authentique, l'intérieur du bâtiment où se trouvent l'espace de restauration au rez-de-chaussée, et les bureaux à l'étage, a été repensé par Jules Mesny-Deschamps, architecte de l'agence Ouvrage.

‍

L'histoire commence sur une nouvelle page

Inspiré par la coque brutaliste en béton du garage, l'architecte a souhaité « greffer le patrimoine vivant de Justine, dont son rapport à la gastronomie, au sein du patrimoine architectural existant. » Mais passé cette volonté de conjuguer un bâti à la typologie particulière et une personnalité, Jules Mesny-Deschamps s'est véritablement attaqué à la fonctionnalité du lieu. « Chaque utilisation nous avait laissé une sorte d'héritage, du sol incliné dû à l'usage d'origine, aux arrivées d'eau pour les cours de mixologie » retrace-t-il. Désireux de conserver l'âme de l'édifice, l'architecte a gardé ces deux particularités, préférant réaliser une petite estrade centrale pour la table et simplement changer l'îlot de cuisine, signé Maison Volige, sans en modifier l'emplacement. Un parti-pris qui permet aujourd'hui à ces deux pôles essentiels de se répondre et d'ouvrir un dialogue culinaire et humain tout au long de la dégustation.

‍

Écrire par la lumière

Sensible à la lumière, source d’écriture à ses yeux,  et à sa nécessité dans l’art culinaire, Jules Mesny-Deschamps est venu dessiner les espaces en prenant compte des sources naturelles. « Nous en avions deux dans ce vaste espace. D’une part le mur en briques de verre au fond de la salle, et d’autre part les Velux au-dessus du plan de travail. » précise-t-il. Une diffusion zénithale grâce à laquelle la zone de conception se dote d'une lumière plus intense que le reste de la pièce, évoquant une scène de théâtre. « Je souhaitais également faire de ce lieu de réception de 130m², un environnement dans lequel Justine peut jouer en fonction de l'heure du jour ou de la nuit. » Un travail qui ne s'est pas tant traduit dans l'architecture existante que dans la disposition des luminaires. « Nous avons réalisé un univers très scénographié grâce à des spots que nous avons focalisé d'une part sur la table, et d'autre part sur le plan de travail. » Une autre manière de favoriser l'échange entre les invités et la Cheffe, en effaçant légèrement l'environnement.

‍

Un sucré-salé de références design

Outre le cadre qui sort de l'ordinaire, ce sont les objets en son sein qui attirent l'attention. Mêlant de célèbres pièces modernes et contemporaines à des objets quotidiens d'un autre temps chinés aux puces de Saint-Ouen et sur Selency, Justine Piluso parvient à offrir un cadre compréhensible et réconfortant à l’image de sa cuisine. Réunissant l'architecture industrielle dans sa matérialité la plus brute et la végétation ramenée par touches ponctuelles, Jules Mesny-Deschamps dessine des contours propices à un éclectisme design. Sous les auspices du luminaire Almendra de Patricia Urquiola trône la table. Imaginée sur mesure pour accueillir 14 convives, « la table est le poumon de l'endroit si la cuisine en est le cœur » explicite son créateur, Jules Mesny-Deschamps selon qui « l'utilisation d'un pin brûlé brossé s'imposait comme un trait d'union entre l'artisanat culinaire et l'artisanat menuisé pour lesquels il est toujours question d'assemblage. »

‍

Autour, comme pour signifier un certain retour au sens même du design et à la place du savoir-faire, les chaises Standard de Jean Prouvé prennent place dans différents coloris. Un choix en opposition radicale avec la table, mais en résonance évidente avec le tapis qui recouvre l'estrade. Dessiné par Jules Mesny-Deschamps, les courbes fleuries qui s'en dégagent sont inspirées des peintures flamandes du XIXe siècle. Un nuancier éclatant projeté sur le papier peint d'un mur courbe, érigé pour abriter les sanitaires. Autour, les quelques jarres d'où s'élève une végétation encore éparse, vient refermer le décor, favorisant une certaine intimité, « à la manière d'un jardin d'hiver voulu par Justine ». Un univers dans lequel les arts de la table ne sont pas non plus en reste avec des très belles céramiques signées Fanny Laugier.

Restaurant concept pour certains, showroom design pour d'autres, à moins que ce ne soit quelque part entre les deux, le 15 Porte de droite, livre une recette esthétique et gourmande assaisonnée d'un brin d'originalité !

Créer un équilibre entre la pureté des volumes et la richesse des matériaux naturels, c’est tout le principe du concept Yacht développé par Modulnova. Un projet de salle de bain qui combine l’utilisation du marbre Appennino au bois de noyer Classic aux veines continues et enveloppantes avec plusieurs systèmes d’aménagement de l’espace. 

Une réalisation « haute couture » 

Le corps central du meuble vasque est recouvert de marbre Appennino, avec un plan de 10 cm et un panneau à lattes qui renforce la continuité de la veine. La paroi est elle aussi recouverte d’un panneau en Appennino, dans la finition Sense. Soucieuse des détails, la marque propose une porte travaillée avec une expertise artisanale digne de la haute couture. Celle-ci est en effet réalisée avec la technique du pliage, inclinée à 30 degrés pour une épaisseur de 3 cm. Au-dessus, le miroir Blade est réalisé en finition Bronze ce qui renforce d’autant plus le style de la porte et du plateau, offrant une continuité visuelle à toute la pièce. 

Un projet modulable 

Le projet se définit également par ses larges propositions d’agencement, permis notamment par le système de cloisons en noyer massif Solid. Celle-ci permet en effet de diviser la pièce de manière naturelle et esthétique, avec un nombre important de possibilités d’agencement de l’espace, pour un agencement de la pièce selon les envies. 

A Paris, berceau des métiers d’Art, les savoir-faire d’hier ont été récompensés pour répondre aux enjeux de demain. Mardi, la mairie de Paris récompensait sous les ors de la salle des fêtes de la mairie, huit Grands Prix de la Création destinés aux domaines du design, de la mode et des métiers d'art. Une manière de « soulever des enjeux sociétaux et notamment environnementaux » décrit Nicolas Bonnet-Oulaldj, adjoint de la mairie de Paris en charge du commerce et de l'artisanat. Une ambition portée par des fabrications locales et énergiquement pauvres, mais aussi par des questionnements quant au travail et au sourcing de la matière. Accompagnés par leurs présidents de jury, les lauréats ont reçu une dotation de 18 000€ destinée à pérenniser leurs entreprises naissantes.

‍

Le design qui prend forme

Cette année, le jury design présidé par Constance Guisset – designeuse elle-même récompensée en 2017 – a souhaité « privilégier des personnalités au clair dans leurs avancées, tant dans leur rapport à l'artisanat qu'à l'industrie ». Wendy Andreu a ainsi été récompensée du Prix révélation pour son travail de développement d'un textile ni tricoté ni tissé, mais collé destiné notamment à la 2D comme à la 3D. Marlène Huissoud repart de son côté avec le Prix engagement pour ses créations sculpturales à destination des pollinisateurs. « Un travail de fourmis à destination des insectes, mes premiers clients » s'amuse la créatrice.

‍

La mode qui rhabille les habitudes

Côté mode, le jury présidé par le fondateur de la marque Pigalle, Stéphane Ashpool, a souhaité insuffler « un élan de développement aux structures ni trop récentes, ni trop installées. » Un parti-pris pour lequel Lucille Thièvre, qui a fait ses débuts chez Hermès et Givenchy s'est vu attribuer le Prix révélation pour ses pièces féminines et inclusives. Mossi Traoré, figure confirmée de la scène mode et fondateur des Ateliers d'Alix reçoit quant à lui celui de l'engagement pour ses conceptions textiles à base de matière organique. À noter également le Prix accessoires attribué au jeune créateur de 22 ans, Philéo Landowski, qui explique mêler « la forme identitaire et le confort de chaque chaussure, par une approche structurelle de l'objet », et le Prix accessoires bijoux remis à Kitesy Martin pour sa marque de bijoux confectionnée à partir des stocks dormant de grandes maisons de couture. Une manière de faire naître « des associations inattendues et de nouveaux équilibres. »

‍

Les métiers d’art d’hier repensés pour demain

Enfin, le jury des métiers d'art porté par le regard de Chloé Nègre selon qui « les dossiers sélectionnés ont eu pour point commun de faire un pas de côté pour aborder la création par une approche centrée sur la recherche », a remis deux récompenses. La première dans la catégorie révélation pour Antonin Mongin. Créateur surprenant, le docteur en design s'est penché sur les cheveux et leur valorisation par le biais d'objets quotidiens comme des sacs ou des bijoux. Une pratique courante au XIXe siècle qu'il développe sous un jour nouveau pour remplacer la fourrure animale. Côté engagement, le prix a été décerné à Tony Jouanneau, designer produit tourné vers l'écoconception et le biodesign illustré récemment par la création d'une teinte naturelle à base d'une espèce invasive d'oursins au Japon.

Autant de talents à suivre, qui, au-delà des savoir-faire, participent depuis près de trente éditions, à l'ouverture de nouvelles pistes.

Connue pour aimer mixer les influences et les savoir-faire, Florence Bourel s’est associée à M éditions et Toulemonde Bochart pour cette collection au parti-pris fort puisque celle-ci est conçue à partir de matériaux recyclés. Une collection dont le nom, Mexican Boudoir, laisse peu de place à l’interprétation, puisqu’il s’inspire directement d’un voyage au Mexique de la designeuse. Un pari audacieux, mais dont le résultat parle de lui-même.

Une collection aux lignes géométriques

La collection est composée d’un fauteuil et de deux tables basses édités par M Editions spécialisés dans les produits en marbre et travertin, de deux tapis en laine confectionnés par Toulemonde Bochart et d’un paravent en cuir, signé par le studio Florence Bourel. Inspirée de l’architecture mexicaine, la collection Mexican Boudoir est à la fois poétique et colorée, arborant des lignes géométriques et des formes communes entre chaque pièce, quand bien même celles-ci ne sont pas toutes du même éditeur ou faites avec le même matériau.

Un défi esthétique et responsable

Mexican Boudoir n’est pas simplement une réalisation esthétique, elle est surtout un engagement fort de la part de la designeuse avec les éditeurs. En effet, tous les produits sont réalisés à partir de chutes de matériaux ou de stocks inutilisés. Les tables basses et le fauteuil par exemple, sont réalisés à partir de fragments de blocs de pierres, rendant ainsi chaque pièce unique. En effet, Jean-Pascal Morvidoni, marbrier depuis 3 générations et fondateur de la maison d’édition en 2019, souhaitait mettre la pierre en valeur différemment, à travers une série de collections avec une démarche plus responsable. Pari tenu !

Fort d'une tradition de savoir-faire et d'excellence, le groupe Gainerie 91 franchit un nouveau cap dans son engagement envers l'innovation continue. L’entreprise reconnue depuis plus de 50 ans pour sublimer les produits des Maisons de luxe met aujourd'hui l'accent sur une évolution majeure, en créant un pôle innovation, visant à perpétuer et à enrichir son héritage d’excellence.

Un nouveau poste et de nouveaux défis

Pour prendre en charge ce nouveau pôle, les équipes du groupe ont décidé de créer un poste sur mesure de Directeur Innovation Groupe/Chief Innovation Operator. Une initiative importante qui permettra d’anticiper et de répondre au mieux aux besoins évolutifs de l'industrie du luxe avec des solutions avant-gardistes et durables. Une mutation significative, qui permet au groupe d'entrer dans une nouvelle ère de créativité de performance.

Mais ce nouveau pôle innovation ne sera pas un simple département supplémentaire. En effet, il s’agira d’un espace où se rencontreront expertise technique et inventivité, incluant de nombreux nouveaux challenges à relever : développement de matériaux innovants, conception des solutions éco-responsables, mise en place de procédés plus efficaces... Une nouvelle vision qui n’enlèvera cependant rien à la qualité qui fait la renommée du groupe Gainerie 91.

De nombreuses collaborations à venir

Comme cela a déjà pu être démontré dans le passé, le groupe a à cœur de s’entourer d’artistes, designers, artisans et créateurs pour nombres de projets et l’arrivée de ce nouveau pôle innovation ne dérogera pas à la règle. L'objectif étant de créer un environnement où chaque idée et chaque projet a sa place.

Gainerie 91 sera par ailleurs présent au salon Luxe Pack Monaco du 30 septembre au 2 octobre prochain, pour y présenter ses nouvelles créations.

Imaginer des solutions destinées spécifiquement aux espaces de vie des Parisiens n’avait jusqu’ici jamais été fait. Au sein de son nouveau magasin Place d’Italie, ouvert le 12 septembre dernier, Ikea passe un nouveau cap. Contrairement à l’offre que l’on pouvait retrouver au sein du IKEA de la Madeleine, celui-ci, implanté au cœur de Paris, dispose de la même offre que les enseignes situés hors de Paris. Une gamme de choix proposants plus de 5000 produits, dont 3000 disponibles en libre-service. Pour célébrer ce nouveau tournant, et la Paris Design Week par la même occasion, Ikea s’est associé à Zyva Studio, fondé par Anthony Authié pour imaginer sa « chambre idéale ». 

Un concept entre rêve et réalité 

Prenant le pas sur la Paris Design Week et son désir de faire évoluer les chambres des Parisiens, Ikea s’est approché d’Anthony Authié pour penser un concept de chambre, qu'il décrit comme "un espace immersif et expérientiel", adapté encore une fois puisque celle-ci mesure 9 m2. « On pense souvent que bien dormir, c’est juste un bon matelas et un oreiller, mais je pense que c’est tout un éco-système et contexte à prendre en compte. L’intime et la personnalité qu’on met dans cette pièce sont importants pour être en phase dans le lieu dans lequel on vit. C’est important que chaque espace soit vécu » racontait Anthony Authié. Il propose ainsi un espace monochrome avec des nuances de bleu, qui fait penser à un monde imaginaire voir cartoonesque selon les termes du designer. De quoi se laisser tenter par un moment de rêve, au sens propre comme figuré. 

Un focus particulier sur le sommeil 

Pour agencer les intérieurs du magasin et ses fameux espaces aménagés qui sont propres à Ikea, les équipes se sont appuyés sur les intérieurs des premiers concernés : les Parisiens eux-mêmes. En effet, les 20 espaces aménagés, dont 4 « home », s’inspirent directement des appartements parisiens, à la superficie souvent réduites. « Toutes les solutions apportées sont développées à partir des besoins des Parisiens. Nous les avons rencontrés pour comprendre leurs frustrations et leurs envies » déclaraient les membres de l'équipe d’IKEA présents pour l’inauguration. Plus spécifiquement, le challenge autour de cette ouverture a été de mettre en avant l’espace chambre, et plus spécifiquement de se pencher sur le sommeil. En effet, d’après les études réalisées par la marque, 77 % des Français seraient conscients de l’impact du sommeil sur le bien-être tandis que 81 % pensent que la chambre est la pièce la plus intime de nos intérieurs. Pour autant, elle est très souvent négligée. Ainsi, les équipes se sont penchées sur la question pour travailler autour de 6 grands pôles : confort, nuisances sonores, température, éclairage, rangement et personnalisation, avec l’objectif de proposer des solutions larges et adaptées. 

Reconnus comme de véritables pionniers de l’upcycling, les designers Claire Renard et Jean-Sébastien Blanc, co-fondateurs du studio 5.5, ont eu envie de pousser leur réflexion encore plus loin. Accompagnés de Muji, avec lesquels ils ont travaillé sur le projet pendant 2 ans, les designers avait cette volonté de questionner nos modes de vie actuels en imaginant un espace de vie modulable. « On s’est rendu compte en tant que designers qu’on a un tas d’objets qui ne servent à rien » raconte Jean-Sébastien Blanc. Un constat qui avait été fait pendant la période de confinement, qui avait fait naître chez les designers une envie de reconsidérer leur façon de vivre et leur rapport aux objets. 

Une maison manifeste, modulable et suffisante 

Répartie en différents modules : la chambre, la salle de bain, la cuisine ou l’espace atelier pensé dans le but de pousser à plus de travail manuel, la maison MUJI est une solution de 15 m2 pensée pour répondre aux besoins du plus grand nombre, tout en se focalisant sur l’essentiel. « Nous avons imaginé un habitat à géométrie variable, qui peut être agrandit ou rétrécit grâce aux différents blocs. Le but étant de s’adapter aux modes de vie de chacun » continue Jean-Sébastien Blanc. Chaque pièce est ainsi optimisée afin de ne pas perdre de place inutilement. De plus, tout ce qui est proposé à l’intérieur est pensé avec ce qu’il y a à l’extérieur. 

Un habitat respectueux de l’environnement, d’abord car il est posé « comme un meuble » et n’impacte donc pas directement l’espace où il est placé. Ensuite, l’ensemble des éléments qui le compose ont été pensés autour d’une « réflexion saine et grâce à des solutions astucieuses », pour reprendre les mots de Claire Renard.

12 objets ready-made

Pour équiper l’espace, le studio 5.5 présente une collection de 12 objets dits « ready-made », car des derniers sont imaginés à partir de collections déjà existantes. « Les produits Muji sont intemporels, bien dessinés et s’inscrivent dans la durée. Ils se questionnent vraiment sur ce qui est essentiel. On ne parle ici plus de matière première, mais d’objets premiers » explique Claire Renard. Ainsi, aucun nouveau dessin d’objet n’a été réalisé pour cette collection, c'est leur fonction qui a été repensée. L’objectif final étant de pousser les utilisateurs à créer leurs propres objets en fonction de leurs besoins, toujours à partir des collections existantes. 

L’édition 2024 porte le thème « Osons! ». Qu’est-ce qu’il signifie exactement ? Sur quelles bases a-t-il été choisi ?

Depuis mon arrivée à la direction d’EquipHotel début 2020, nous avons souhaité mettre en place une dynamique globale autour d'un thème général qui servirait de fil conducteur. Le salon est toujours organisé avec des réseaux forts, notamment les syndicats hôteliers que sont l’UMIH et GHR ou encore l’Ameublement Français. Avec ces partenaires, nous avons balayés toutes les problématiques auxquelles sont confrontés les professionnels et à partir desquelles nous avons choisi un dénominateur commun qui permettrait de lier tous ces échanges. En 2024, avec la dynamique olympique qui était très forte et tout ce que cela allait impliquer pour le secteur, on s’est dit que le thème devait porter sur l’audace d’entreprendre, l’envie d’innover, l’esprit d’équipe… Le secteur est en pleine mutation, ce qui implique des changements avec la recherche de nouveaux partenaires, de nouvelles idées et derrière ce thème « Osons » il y a justement cette idée d’encourager les professionnels, de les accompagner, les aider à aller de l’avant en travaillant différemment et en osant sortir des sentiers battus.

Lors de la conférence de presse de juin vous avez évoqué le terme « d’audace collective » comme fil conducteur, quelle est l’idée derrière cette formulation ? 

On sent que le collectif prend une place de de plus en plus importante, et pas seulement dans le secteur de l’hôtellerie. Personnellement, je l’ai ressenti fortement avec les Jeux Olympiques et Paralympiques qui nous ont bercés tout l’été, et cette audace est un peu ce qui guide notre société actuelle. Le monde change et la jeune génération aussi. Il y a beaucoup de problématiques dans le monde professionnel, particulièrement en hôtellerie-restauration, notamment en recrutement puisque le secteur peut être très difficile au quotidien. On cherche à apporter une réflexion nouvelle, plus d’audace et d’envie d’entreprendre concernant leurs projets actuels ou à venir. C’est d’ailleurs pour cette raison que le thème s’appelle « Osons » et pas « Osez », afin de renforcer cette dynamique d’esprit d’équipe et de collectif.

Quelles sont les grandes nouveautés de cette édition 2024 ? 

Au fil des différents échanges avec les organisateurs et partenaires, il y avait l’envie commune de réussir à mixer les populations réparties en 3 piliers principaux : hôteliers, architectes et fournisseurs. La plupart du temps, le fournisseur arrive en aval des projets sans pouvoir intervenir et avoir la parole. Cette édition nous permet de prendre un nouveau virage stratégique, en donnant un peu plus la parole aux hôteliers et investisseurs. Cette nouvelle dynamique s’est accompagnée d’actions notables avec d’abord les « Think thank », en collaboration avec le cabinet de conseil MKG. Avec eux, nous avons eu 2 dynamiques de travail. La première, qu’on a appelée les « braintrust », ont été réalisés en amont du salon et ont rassemblé plusieurs fois des investisseurs hôteliers, des architectes et fabricants pour les faire réfléchir sur les nouveaux défis de l’hôtellerie. Il y avait 4 ateliers autour du design, du wellness, du foodservice et de la technologie avec comme questions directrices : quelles sont les pistes pour aider les hôteliers à maintenir la rentabilité, fournir un service de qualité et répondre aux exigences des clients ? Les restitutions de ces échanges seront par ailleurs partagées sur le salon. La 2e dynamique, un peu sur le même axe, se caractérise par l’accueil du réseau La Fabrique du Tourisme, initié par la BPI, Extendam et MKG, qui inviteront les investisseurs, architectes et fabricants sur le salon pour évoquer le sujet de l’Intelligence artificielle en se questionnant sur le rôle qu'elle peut avoir sur l’optimisation et l’usage des ressources au sein de l’hôtel, l’amélioration de l’expérience client et autre problématique. Aussi, un dernier Think Thank, dédié aux femmes à travers le collectif anglais Women in hospitality sera mis en place sur le salon autour d'une table ronde et d'un cocktail de mise en relation.

L’idée de ce nouveau virage stratégique de réflexion est que les participants sortent du salon avec des clés pour repositionner l’hôtel, se développer, recruter ou repenser différemment leur offre, avec des choses concrètes pour pouvoir avancer. 

Qui sont les exposants, sont-ils français, européens, internationaux ? 

Le salon EquipHotel est très développé au niveau international, avec un plus de 40 % d’internationaux. Il y a une offre assez diversifiée de fournisseurs, ce n’est pas franco-français. Quant aux visiteurs, ils sont seulement 15 % à venir de l’étranger pour le moment mais c’est un axe sur lequel on compte travailler dans les années à venir. On a d’ailleurs mis en place une programmation entièrement en anglais le mardi sur le thème du design avec une expertise internationale dans cette logique de développement. Bien évidemment, les échanges seront également traduits en français.

Il va aussi y avoir des changements au sein des espaces inspirations, lesquels ? ‍

Nous avons essayé d’avoir une dynamique commune au sein des quatre halls. En termes de design cette année, sur le hall food service notamment, nous avons fait appel à des décorateurs et designers, avec Franck Lebrally par exemple qui a fait de grandes fresques ainsi que l'artiste Stéphanie Pioje. On a fait rentrer beaucoup plus d’artistes, et ça va encore une fois dans cette dynamique d’Oser. C’est aussi ce qu’on a mis en place au sein de notre espace inspirations, avec notamment la participation du studio Briand Berthereau ou encore Fanny Perrier. On a voulu faire participer des professionnels qui ne sont pas forcément spécialistes de l’hôtellerie, mais qui peuvent apporter une autre expertise et un regard neuf sur les projets.

EquipHotel 2024 c’est aussi une collaboration inédite entre Okko Hotels et l’Ameublement Français. Quel a été la genèse de ce partenariat et quel est son objectif ? 

Il existe un partenariat de longue date avec l’Ameublement Français qui avait l'habitude de proposer des cycles de conférences jusqu’ici. Après le salon 2022, on a eu cette envie commune de réinventer un peu l’expérience. Nous avions tous fait le même constat qui était que le fabricant arrive trop tard dans la balance. L’idée a donc été de monter un projet avec Okko Hotels qui est ici l’investisseur, les partenaires - Laune Architecture, EROZ - et le réseau des fabricants de l'Ameublement Français, en incluant tous les acteurs dès le début du projet. Le cahier des charges de l’investisseur a été communiqué en amont aux fabricants, à savoir le made in France. Il s’agit d’un projet initié il y a plus d’un an, dont le but était d’imagier 2 chambres témoins « 100% Made in France », en prenant en compte les différentes contraintes que cela peut impliquer. Le retour d’expérience sera exposé sur le salon concernant les difficultés rencontrées et les moyens engagés pour les contourner avec une conférence dédiée par jour.

On parle beaucoup de renouvellement et d’hybridation du secteur de l’hôtellerie, est-ce que vous partagez cette idée ? À quoi est-ce dû d’après vous ?

Le monde de l’hôtellerie est très résilient et se remet en question tous les jours. Mais post-covid, la société a beaucoup changé. Il y a eu de nouveaux courants, de nouvelles inspirations du côté des clients et des collaborateurs. Les codes de l’hôtellerie « standard » ne font plus rêver aujourd’hui, il faut donc se réinventer. J’ai le sentiment que l’on revient beaucoup vers une mode de l’hôtellerie "à l’ancienne", avec ce côté maison commune, qui implique beaucoup plus les travailleurs extérieurs, les locaux… On retourne vers une offre plus généreuse et dans le partage, qui sont deux fondamentaux de l’hôtellerie selon moi. On est moins dans la recherche d’expertise pure et dure, mais plus dans de la créativité que l’on va aller chercher ailleurs. Les clients sont aujourd’hui à la recherche d’établissements multi-fonctionnels qui leur permettent de pouvoir travailler dans leur chambre, au sein des espaces de vie communs, ou de faire une séance de sport… C’est un aspect qui va d’ailleurs se retrouver au sein du salon puisqu’il y a beaucoup d’exposants qui proposent du mobilier modulaire qui s’adaptent à différents usages et types de clientèle. 

Quels sont les enjeux principaux de cette édition 2024 ?

Notre objectif principal est d’apporter de la valeur à tous les professionnels qui visitent ou exposent sur le salon. On veut leur donner envie d’investir et de se lancer dans de nouveaux projets car on le sait, le secteur de l’hôtellerie peut être difficile, surtout avec la multitude d’offres d’hébergements qui existent aujourd’hui. On souhaite vraiment qu’ils sortent du salon avec des pistes, des idées et de nouveaux contacts qu’ils pourront les aider à se développer à l’avenir. 

Depuis 2021, Renault collabore avec des designers pour créer des concept cars inédits. En 2021, Mathieu Lehanneur réinventait la 4L en dessinant une suite d’hôtel nomade, Suite N°4. En 2022, Pierre Gonalons faisait de la R5 qui fêtait ses cinquante ans, un boudoir sur roues avec un volant en poussière de marbre. En 2023, Sabine Marcelis redessinait la Twingo. Cette année, c’est Ora Ïto qui est invité à ïtoïser la R17, icône des années 70, au design fulgurant, dont certains ont adoré conduire le modèle Fuego et dont d’autres se souviennent de l’effet cuir des fauteuils en skai. La démarche a été mené par Arnaud Belloni, Chief Marketing Officer Renault Group and Brand.

Un concentré d’idéalisme

Lancé en 1971, le coupé 4 places R17 était un concentré de l’explosion idéaliste des années 70, jouant autant de la technique que de l’élégance de ses lignes angulaires, produit à plus de 92000 exemplaires entre 1971 et 1979. « J’ai eu un coup de foudre pour la voiture, explique Ora Ïto, mais elle n’est pas évidente. Elle a beaucoup de caractère et il a été très difficile de se mettre d’accord sur ce que l’on gardait et ce que l’on retirait. Avec Gilles Vidal, Directeur du Design, et Sandeep Bhambra, Chief Designer Concept Car Renault, nous avons travaillé en ping pong. Quand on n’est pas dans l’entreprise, on arrive un peu comme une cerise sur le gâteau. Ce R17 electric restomod x Ora Ïto, je ne l’ai pas vu comme une voiture, mais comme une architecture, comme un objet, comme une sculpture à la fin, parce que c’est une pièce unique. Je me suis amusé à changer mon corps d’échelle. Un exercice que je n’avais jamais fait. Je me suis imaginé en lilliputien de 10cm de hauteur, face à la calandre, parce que je pouvais intervenir sur certaines parties mais pas sur l’ensemble. Si on cligne des yeux, on voit la R17, mais quand on regarde les détails, ce n’est plus la R17. Et soudain, j’ai vu un requin dans cette voiture. Le gimmick du requin nous a mis d’accord avec Sandeep et nous nous sommes retrouvés sur ce projet. Car le requin est souvent source d’inspiration dans l’industrie automobile, mais là, il y avait même les ouïes que l’on retrouve dans les jalousies de la R17 d’origine. Si les rétroviseurs sont filiformes, ils sont là pour faire ‘objet’ sur le concept car dans lequel tout passe par les écrans, la conduite automobile ayant été révolutionné avec la création du GPS. »

Pièce unique, cette R17 n’est pas destiné à la production de masse mais doit servir de puit à idées pour l’avenir de l’automobile. Cet objet d’art pourrait être édité à plusieurs exemplaires mais ce n’est pas une voiture de série. Le moteur est à l’arrière, les batteries sont devant, mais le capot n’a pas à être ouvert. Ce ne sont pas les mêmes accessibilités mais les garagistes eux-mêmes ont changé de métier.

Des leçons de design

« J’ai toujours été fan de la Renault 5 et j’ai appris que c’était le même designer, Michel Boué, qui avait dessiné la R18. La R5 était une leçon de design à elle toute seule, il suffit de tourner autour pour apprendre. Dans la R17, j’ai vu un requin, quelque chose de dynamique, sportif et en même temps intemporel, avec des formes qui lui ressemble, donc, j’étais très à l’aise et j’ai essayé de l’amener un petit peu plus loin et de la ramener à notre époque. La marge de manœuvre était très fine, avec énormément de contraintes, mais avec Sandeep, on a réussi à aller au-delà de ces contraintes, à la sublimer et la rendre nouvelle jusque dans les détails. L’avant, l’arrière, les jantes, la calandre, la bouche du requin sous la calandre. C’est la voiture soit de James Bond, soit de Steve Mac Queen, et je pense qu’on a réussi notre projet » ajoute le designer.

‍« Le moteur thermique de l’époque a été remplacé par un moteur électrique et on a dû élargir la voiture de 17 cm, explique Sandeep Bhambra. C’est un travail de sublimation. On a simplifié, enlevé plein de chose, on a distillé la R17 dans son essence propre. On a gardé les phares qui sont assez emblématiques, on a changé les sièges qui étaient sans appui-têtes pour des coques confortables. On a gardé les jalousies, on a « itoïsé » les jalousies dans un brun galactique. »

La mobilité pour tous

Abordables par tous, les dernières Renault électriques nous réconcilient avec la voiture pour deux raisons : quand on appuie sur la pédale de l’accélérateur, il y a une réponse immédiate "qui nous rappelle les auto-tamponneuses de notre enfance" se réjouit Arnaud Belloni. Renault ressuscite des voitures qui ne pouvaient rester sur le marché avec les nouvelles normes des crash tests. Les batteries qui autrefois habitaient l’espace se sont affinées pour laisser plus d’air dans l’habitacle. Révélée pour sa première mondiale, le 4 septembre, la R17 sera présentée au grand public sur le Mondial de l’Automobile, à Paris, du 14 au 20 octobre. Elle sera ensuite présentée au concours Chantilly Arts & Elegance Richard Mille du 12 au 15 septembre. La passion automobile reste intacte.

Tantôt totem tribal, tantôt matérialisation d'un dessin d'Escher, les pièces de la Modern Shapes Editions invitent à la contemplation. Dévoilées lors de la Design Week d'Anvers et exposées à l'occasion de Maison&objet, ces créations sont le résultat d'un travail à trois entre des artistes internationaux, la galerie Modern Shapes spécialisée dans l’art sculptural contemporain et moderne, et la marque de mobilier belge Ethnicraft. Une manière de faire converger les idées et les savoir-faire manuels par le biais de l'art.

‍

Une collaboration logique

Spécialisée dans le mobilier en bois depuis près de 30 ans, Ethnicraft propose avec cette collaboration, une approche design complémentaire. À la fois plus artistique et plus abstraite, elle permet notamment « d’élargir et de diversifier notre offre d’artisanat en bois massif métamorphosé par le talent de nos artisans » explique Philippe Delaisse, cofondateur de l'entreprise. En effet, réputé pour ses meubles aux allures contemporaines, Ethnicraft mise ici un ensemble de pièces au volet non plus fonctionnel mais purement décoratif. Sculptées à la main dans l'atelier indonésien de la marque ou opère près de 200 artisans, ces sculptures bâtissent un pont entre les artisans d'art locaux et les designers partenaires de la galerie Modern Shapes. Une démarche inhabituelle pour les concepteurs qui donnent généralement vie eux-mêmes à leurs dessins, loin de cette « industrialisation manuelle ».

‍

Une diversité au service de l'imagination

Aux yeux de Michael Franken, le propriétaire de la galerie Modern Shapes, « l'approche architecturale et design partagée avec Ethnicraft, a permis de collaborer sur ces sculptures dont la simplicité émane des lignes pures ». De cet ensemble riche d'une diversité tant formelle, dimensionnelle, stylistique que matérielle, la galerie Modern Shapes a fait naître une sorte de voyage. Que ce soient des façades de building, des cages d'escalier, des éléments techniques de l'habitat, les évocations architecturales, qu'elles soient volontaires ou non, sont nombreuses. Si c’est sans surprise pour cette galerie qui place ses collaborations à la croisée de l'art, de l'architecture et du design, ces créations permettent néanmoins aux visiteurs de prendre conscience, par le prisme de l'abstraction, de la complémentarité des volumes et de leurs forces sur l'imaginaire.