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Jusqu’au 23 juin, la Cité du design de Saint-Etienne présente deux expositions inédites : « Être là », seconde exposition du cycle Présent >< Futur et consacrée à Guillaume Bloget ainsi que « Réels », qui présente les projets des diplômés 2023 de l’Esadse.
« Illustrer la nouvelle ambition de la Cité du design », c’est toute l’ambition de l’établissement, qui sous la direction de son nouveau président Eric Jourdan, présentait ses nouvelles expositions pour la première moitié de l’année 2024. « Ce qui m’intéresse c’est montrer du design. Je cherche à remettre le designer et le design au cœur de ce qu’on présente » expliquait-il. Une volonté de réaffirmer la place de la cité du design à travers des cycles et une présence régulières d’expositions, pour la faire devenir un lieu de rencontres et un rendez-vous de design en dehors de la traditionnelle Biennale, pour le public mais également pour les designers. C’est dans cette optique que les deux nouvelles expositions de ce début d’année ont été présentées.
« Etre là », seconde exposition du cycle Présent >< Futur
Après Laurelinne Galliot en septembre, c’est au tour du designer Guillaume Bloget de se prêter à l’exercice. Lancé par la directrice du pôle diffusion du design Laurence Salmon, le cycle Présent >< Futur a pour objectif de mettre en avant le travail d’un designer en faisant le constat d’un travail - Présent - afin de pouvoir se projeter pour la suite - Futur -. « Il existe une génération actuelle de designers qui méritent de se faire connaître et qui ont déjà une pratique bien identifiée mais qui n’ont jamais eu l’occasion d’avoir une exposition. L’objectif de Présent >< Futur est de leur proposer assez d’espace pour voir la globalité d’un travail et le faire comprendre au plus grand nombre » expliquait notamment Laurent Salmon. Ainsi, Guillaume Bloget expose au sein des 200m² mis à sa disposition, un panel de réalisations effectuées depuis sa sortie de l’ENSCI en 2016. La scénographie, elle aussi menée par le designer qui avait carte blanche, est à l’image de son design, épurée et d’une simplicité formelle.
Par son travail, Guillaume Bloget cherche à s’ancrer dans les objets dits « ordinaires », tout en mêlant des recherches sur leurs formes et leurs évolutions possibles. Ce sont ainsi des travaux très éclectiques qui sont présentés à l’instar du kayak Sharp en aluminium et liège (2023), de la théière Thé et Café (2020) ou la lampe M (2012). En plus de ses travaux personnels aboutis, le designer a réalisé dans le cadre de l’exposition, une expérimentation avec la verrerie de Saint-Just (Loire) et ainsi découvrir plus en détails ce savoir-faire exceptionnel et proposer une œuvre découlant de ces recherches.
L’exposition « Réels » dédiée aux projets des diplômés 2023
Sous la curation de Didier Courbot, co-fondateur de la galerie A1043 (cf portrait Intramuros 213), l’exposition « Réels » présente les 30 projets de diplôme de la promotion 2023 de l’Esadse. Et la direction par une personne extérieure est loin d’être hasard, puisqu’elle permet une nouvelle lecture des projets, tout en transparence et avec une parfaite égalité de leur mise en exposition. Une démonstration qui présente ainsi des projets tous singuliers, réalisés en fonction de leur option ou mention spécifique qui sont au nombre de cinq ici, à savoir l’option Art, l’option art & design, l’option design mention objet, la mention objet et la mention Public(s).
Laudescher, spécialiste des panneaux acoustiques, propose désormais Canopea, une gamme d'îlots suspendus créés en collaboration avec Patrick Jouin.
Parfois oubliés ou négligés lors de la construction d'un bâtiment, les panneaux acoustiques peuvent sauver une architecture mal pensée. Consciente de leur place prépondérante, la société Laudescher travaille sur le sujet depuis près de 60 ans. Après avoir développé des habillages muraux, des cloisons séparatives et des plafonds suspendus, l'entreprise normande commercialise désormais des îlots suspendus. Cette gamme nommée Canopea, propose six modèles, dont deux dessinés par Patrick Jouin : Nest et Little Nest.
Le design
Certainement inspiré par la forme naturelle et plutôt ronde du nid – dont il reprend l'appellation anglaise -, le designer a cependant décidé de prendre le contre-pied en choisissant le partipris de l'orthogonalité. Conçus comme des enchevêtrements de tasseaux de bois massif entre lesquels se trouvent les briques phoniques, Patrick Jouin s'éloigne d'une esthétique organique pour une composition plus artificielle, presque numérique. Deux conceptions dont la linéarité rappelle les autres modèles de Laudescher, mais qui se différencient par son apport de volumes. En effet, si la marque normande se limite jusqu'à maintenant à de légers jeux de niveaux - notamment sur les modèles Leaf ou Wind qui apportent un dynamisme discret -, le designer joue avec les trois dimensions et particulièrement celle de la hauteur. En gardant l'esthétique chaleureuse et naturelle de Laudescher, Patrick Jouin propose une alternative plus sculpturale. Une manière de compléter la gamme Canopea en proposant d'une part des panneaux qui viennent combler de grandes hauteurs sous plafond tout en laissant passer le regard, mais aussi de rendre plus visible l'isolant phonique jusqu'alors assez dissimulé.
Des nids à l'infini
Pensés pour être utilisés dans divers lieux, de la cantine au hall d'un grand bâtiment, les deux îlots sont adaptables. Grâce à un système d'entailles situées dans les contre-lattes, les modules peuvent s'imbriquer les uns aux autres, que ce soit sur le même plan ou à des hauteurs différentes. Pour le créateur, la force de Nest tient notamment à « cette modularité illimitée permettant la superposition de multiples îlots, qui forment une composition aléatoire capable de s’intégrer aux espaces restreints comme aux architectures de grands volumes ». À cette particularité, s'ajoute aussi celle d'intégrer un éclairage sous forme de barres, à l'image des tasseaux.
De l'algue au-dessus de nos têtes
Sensible à l'environnement, Laudescher accorde une attention particulière aux matériaux bio-sourcés. Pour cette raison, elle propose d'équiper la gamme Canopea avec des isolants acoustiques en algues - ou en laine pour le modèle Wind dont la forme nécessite une matière plus flexible -. Brevetés par une société danoise, les panneaux à base de matière première maritime, sont de véritables alternatives. Aussi efficaces phoniquement que les matières dites « classiques » comme le PET ou la laine de roche encore proposés sauf sur les structures Nest, ils permettent à certains modèles d'atteindre jusqu'à 85 αw (Alpha Sabine). Un engagement environnemental auquel s'ajoute le choix d'un bois certifié FSC et PEFC, qui a valu à l'une des gammes de la marque la certification Cradle to Cradle.
En écho à sa collection Nuage sortie en 2023, Sollen dévoilait sa version outdoor à l'occasion du salon Maison & Objet.
Récente sur le marché, la marque bordelaise Sollen s'est rapidement fait connaître en proposant notamment la collection Nuage l'an dernier. Face à l’engouement suscité, l'entreprise a décidé de poursuivre cette aventure en déclinant ses produits dans une version destinée à l'extérieur. Un marché porteur dans lequel la marque 100% made in France, vient distiller une esthétique haut de gamme et pleine de rondeurs.
Dessinée pour se laisser porter
Conçue par Didier et Arthur Garrigos du studio Garrigos Design, la collection est une subtile alliance entre finesse métallique et volumes « moutonneux » accueillants. Pensée autour de l'allure du fauteuil Nuage, réinterprété ici dans une version en métal, la collection comporte trois autres produits : un bain de soleil, un banc et une table latérale d'appoint. Element identitaire de cet ensemble, l'esthétique capitonnée se retrouve dans toutes les assises. Réalisées dans une mousse Quickdry Foam à séchage rapide, toutes sont revêtues d'un tissu doux et résistant, disponible en sept coloris et développé par Sunbrella. Les armatures sont quant à elles en aluminium thermolaqué et déclinables en trente teintes. Outre le visuel, ce traitement assure à la gamme une résistance aux aléas climatiques et lui confère également toute sa place dans un intérieur.
Une fabrication ancrée dans un territoire
Sensible à la qualité des matériaux et aux savoir-faire locaux, Sollen réalise l'entièreté de ses collections en France. Inscrite dans le tissu de l'artisanat Aquitain, la marque travaille majoritairement avec des partenaires labellisés Entreprise du Patrimoine Vivant (EVP), à l'image de la Tannerie Rémy Carriat située à Espelette. Pour Jean-Vincent Vallette, cofondateur et Directeur Artistique de Sollen, « C'est une fierté d’avoir pu nous entourer de partenaires locaux pour la fabrication de cette nouvelle gamme : la structure aluminium est fabriquée dans les ateliers de l’AARC (Atelier Aquitain de Réalisations Chaudronnées) et les matelas sont confectionnés chez Bastiat, labellisé EVP ». Un gage de qualité et une reconnaissance de l'artisanat.
Jusqu'au 29 février, la Range Rover House ouvre ses portes à Megève. L'occasion pour certains clients de s'immerger dans l'univers luxueux de la marque.
Pour la deuxième année consécutive, Range Rover ouvre la Range Rover House pendant deux semaines. Après s'être installé sur la côte d'Azur en 2023, changement de décor et de température puisque c'est à Megève que l'édition 2024 se déroule du 15 au 29 février. Entre activités gastronomiques en compagnie du chef Emmanuel Renaut et Quentin Lechât, masterclass horlogère en présence d’un maître horloger Bucherer ou encore personnalisation de chapeau avec Borsalino, les locataires de la villa seront invités à découvrir et essayer les derniers modèles Range Rover. Parmi eux, le Range Rover SV One of One, nouveau SUV électrique très haut de gamme présenté en exclusivité lors du séjour.
Un lieu symbole de luxe
Afin d'exprimer la sophistication et le raffinement de Range Rover, la marque a choisi de déployer son expérience en plein cœur des alpages et des forêts de sapins. Au travers de deux chalets de 1500 mètres carrés faisant face au Mont-Blanc, les clients sont immergés pendant 24 heures dans un écrin chaleureux ou le bois se mêle aux tons beiges et dorés de l'ameublement. Les infrastructures et matériaux haut de gamme combinés au raffinement du décor, sont ici le reflet de la marque. Outre la reprise des codes stylistiques, celle-ci a pour l'occasion personnalisée les 6 suites misent à disposition. En portant chacune le nom d'un modèle de véhicule, elle incarne architecturalement le design moderniste tel que perçu et développé par Range Rover à travers le monde.
Les Ateliers de Paris, l'incubateur de la ville de Paris dédié au développement des entreprises de création, ouvre ses candidatures jusqu'au 9 avril.
Pièce maîtresse du soutien de la capitale aux métiers de la création, Les Ateliers de Paris constituent un véritable bouillonnement artistique. Créé en 2006, cet incubateur accueille chaque année une sélection de créateurs afin de les accompagner dans leurs projets. Un espace prolifique donc, qu'il est possible d'intégrer en candidatant jusqu'au 9 avril.
La porte ouverte aux opportunités
Afin de promouvoir les différents champs de l'innovation, la mairie de Paris propose aux entrepreneurs un atelier et l'accès à des salles de réunions. Convaincu par la place centrale de l'humain dans ces projets, l'incubateur accompagne chaque créateur dans sa démarche par le biais de rendez-vous avec des experts en développement et des rencontres avec des professionnels de l'artisanat. Et pour accroître le rayonnement de chacun, Les Ateliers de Paris promeuvent également leurs locataires sur des événements d'ampleur tels que la Paris Design Week ou encore la biennale Révélations.
Une vitrine et un vivier pour la capitale
Le besoin de repenser la ville et ses usages en construisant un futur viable tant sur le plan écologique que social et aujourd'hui au centre des préoccupations de nombreuses grandes agglomérations. Mais ces perspectives se trouvent depuis plusieurs années déjà, au cœur des intentions des designers, artisans ou stylistes. Que ce soit par l'utilisation de matériaux plus vertueux, l'application de savoir-faire ancestraux, la relocalisation d'actions ou l'hybridation des produits, les inventions de demain sont autant de leviers essentiels à la transformation des villes. C'est notamment dans cette optique que la mairie a créé en 2006 Les Ateliers de Paris.
Et pour candidater, c'est par ici !
Le nouveau modèle Ypsilon de la marque Lancia a été dévoilé le 16 février à Milan. Réalisé en partenariat avec Cassina, l'intérieur du véhicule est un hommage raffiné à la marque automobile.
Fruit d'une collaboration entre les deux grandes marques de design italien que sont Lancia et Cassina, la nouvelle Ypsilon allie astucieusement l'élégance d'un design sobre et le raffinement digne des grandes maisons. Avec sa motorisation électrique permettant 403 kilomètres d'autonomie et ses dimensions légèrement plus imposantes que les précédents modèles, ce véhicule s'inscrit dans les tendances actuelles. Dévoilée le 16 février et commercialisée en Italie à partir du mois de mai, elle fera son apparition en France dans le courant de l'année pour 39 500€.
Lancia réinvente son essence visuelle
Habituée aux formes arrondies, la marque propose cette fois-ci un modèle bleu et noir aux lignes plus tendues. La calandre, élément identitaire de la marque a été enlevée et remplacée par trois fines lignes led qui structure l'allure frontale de la voiture. Autre changement, l'écusson Lancia disparaît lui aussi au profit d'un lettrage argenté, perforé sur l'avant du capot. En opposition à l'avant relativement plat, l'arrière du véhicule est quant à lui marqué par une superposition de volumes anguleux au sein desquels se logent deux feux ronds repris au modèle sportif Stratos. Bâtie sur une plateforme Stellantis (utilisée également pour L'Opel Corsa ou la Peugeot 208), Ypsilon entre dans la lignée des compacts « premium ».
Un petit habitacle connecté et haut de gamme
Conçu pour accueillir quatre passagers et de petits bagages (le coffre oscille entre 310 et 340 litres.), l'intérieur est surtout le résultat d'une conception main dans la main avec Cassina. Ultra-connectée, elle cumule les allusions à l'histoire et à l'identité du constructeur. Hommage aux savoir-faire italiens, Yspilon est le premier modèle de la marque à proposer une petite « table » intérieure. Ce « tavolino » en cuir bleu cousu à la main, prend place à l'avant de l'habitacle et intègre notamment une base de recharge par induction. Également réalisés par Cassina, les sièges en velours bleu ont été réalisés dans une trame « cannelloni ». Une référence au tissu utilisé par Lancia sur ses premiers véhicules. Pour Luca Napolitano, PDG de la marque Lancia, « LANCIA YPSILON EDIZIONE LIMITATA CASSINA représente l’expression ultime du confort et du design à bord [...]. Ce résultat a également été possible grâce à la collaboration de Cassina qui, avec notre Centro Stile de Turin, a conçu une véritable pièce à vivre, inspirée de l’esprit accueillant des maisons italiennes ».
Pensée comme complémentaire à l'esthétisme des matériaux, les technologies sont également omniprésentes dans l'habitacle. Outre le large écran de contrôle, Yspilon est équipé de l'Apple CarPlay et l'Android Auto, mais également d'un assistant vocal. Un outil qui permet à l'utilisateur d'optimiser l'espace par le biais du système S.A.L.A, acronyme de Sound, Air, Light and Augmentation, également réglable par l'écran. Une conception à la fois technologique et esthétique qui rend hommage aux routes déjà tracées par le design automobile italien.
Le Groupe Roset s'associe au site de mobilier de seconde main, Izidore, pour favoriser la revente de son mobilier dans une démarche d'économie circulaire.
Attentif aux changements sociétaux, le Groupe Roset (qui inclut les marques Ligne Roset et Cinna), se tourne désormais vers Internet pour poursuivre sa démarche d'économie circulaire. Une branche que l'entreprise implantée en Auvergne-Rhône-Alpes depuis plus de 160 ans, développe main dans la main avec la plateforme de revente de mobilier Izidore. En 2021, Ligne Roset avait amorcé la philosophie de la circularité avec un système de récupération et de revalorisation de ses célèbres modèles Togo. C'est désormais l'ensemble des produits de la marque qui sont concernés par la revente sur le site de seconde main.
Un modèle gagnant pour tous
« Les meubles de ces deux marques prestigieuses sont conçus pour durer et s'intégrer parfaitement dans n'importe quel intérieur. Cependant, la vie évolue, les besoins changent, et c'est là que le partenariat entre Ligne Roset, Cinna et Izidore prend tout son sens. » détaillait Céline Taillard, fondatrice et directrice d'exploitation d'Izidore. Une belle promotion pour la plateforme qui débute un partenariat avec deux célèbres marques du design français, et un gage de sécurité pour les clients qui achèteront des produits authentifiés par la maison d'édition. Mais cette association est aussi un retour sur investissement pour le Groupe Roset qui, en plus de vanter un système plus circulaire, pourrait retrouver d'anciens clients. En effet, pour chaque objet vendu, les vendeurs pourront bénéficier d'une prime de 30 % sur les recettes de la vente, à dépenser sous forme de bon d'achat dans l'un des magasins de la marque concernée. Une économie circulaire et de possibles retours sur investissements pour le Groupe Roset.
En ce début d’année 2024, la marque de mobilier basque Alki s'associe au danois Kvadrat à travers une nouvelle gamme de tissus dédiée à ses assises.
En proposant une gamme de tissus texturés faisant la part belle à la matière, Kvadrat vient rehausser, sans dénaturer, l'esthétique simple et précise d'Alki. Avec cet apport de matérialité en radicale opposition avec les lignes directes des modèles en chêne, la marque danoise joue avec le regard et fait du relief un élément graphique. Une manière d'intégrer une autre sorte de fantaisie dans tous les espaces, du café au bureau.
L'alliance de la technologie et de l'artisanat
Spécialiste du textile dans l'architecture et connue pour ses produits décoratifs (tapis, rideaux...) ou ses solutions acoustiques, Kvadrat propose son expertise dans un domaine qui lui est complémentaire. Particulièrement attachée à l'esthétique scandinave, l'entreprise fondée en 1968 intègre ses connaissances techniques et technologiques à une marque française dont les lignes contemporaines ne sont pas si lointaines de celles du Nord. Une collaboration entre deux pays, mais également entre deux savoir-faire, rassemblés par un goût commun pour les formes et les volumes.
Grâce à ses créations pour la collection Poliform, Emmanuel Gallina prend ses quartiers chez Silvera. Le designer est à l'honneur de l'installation où cohabitent anciens éléments et nouveautés.
Dans le cadre de Maison & Objet In The City, Poliform et Silvera ont une nouvelle fois exposé leur solide lien collaboratif. Au long des 450m² d'exposition du 44 rue du Bac, la marque a renouvelé sa scénographie pour allier nouvelles collections et best-sellers. Parmi les quelques noms mis à l'honneur, siège Emmanuel Gallina.
Une omniprésence signée Emmanuel Gallina
Entre espaces de restauration, espaces nuit ou lounge, Silvera distille les pièces dessinées du designer. De la fameuse table Concorde désormais âgée de 15 ans, en passant par la chaise Curve sortie en 2022, Emmanuel Gallina continue d'affirmer son style en présentant Monolith. La table sculpturale fait écho à ses créations précédentes dont les lignes fines des piètements conduisent aux courbes visuellement délicates des plateaux ou confortables des assises. Un ensemble contemporain et teinté d'une esthétique bourgeoise que la marque fait harmonieusement coexister avec les créations de Jean-Marie Massaud.
Né d'une collaboration entre l'architecte Denis Valode et la peintre Fabienne Verdier, l'atelier de cette dernière lui a permis de repenser son art. Un questionnement et des recherches dont découlent la série Rainbows, exposée jusqu'au 9 mars à l'agence Valode & Pistre.
Quelque part, à mi-chemin entre univers cosmique et des prises de vues microscopiques, la dernière série de Fabienne Verdier, Rainbows, explore de nouveaux territoires. Inspirée par le Retable d’Issenheim peint par Matthias Grünewald en 1516, elle a réalisé, entre 2020 et 2022, une série de 76 grands tableaux. Éloignée de ses créations précédentes - inspirées de ses dix années passées en Chine - cette série est le fruit d'un parti-pris fort : peindre à la verticale.
Une série abstraite et onirique
Par la transformation de son outil premier, le pinceau, l'artiste a réinventé sa manière de peindre. En s'acquittant des normes dimensionnelles et techniques classiques, elle a modifié son rapport au pinceau. « Celui que j'utilise fait la taille d'un corps humain. Il est muni d'un guidon de vélo pour pouvoir le manier dans l'espace et d'une réserve de peinture. » Une particularité qui permet à Fabienne Verdier de baser son art sur la rhéologie : la science des écoulements. « Lorsque l'on sait que toutes les petites formes qui naissent sur terre sont façonnées par les lois de la gravité, une peinture qui naît avec ces mêmes principes me semblait intéressante à explorer. »
L'Art au centre du dialogue créatif
Pour Fabienne Verdier, Rainbows est grandement dû à l'architecture. « C'est grâce au bâtiment que j'ai pu faire mes recherches » explique-t-elle. Mi-fabrique, mi-chapelle selon ses propres mots, son atelier situé à Hédouville (95), a été conçu en 2006 par son ami Denis Valode, architecte de l'agence Valode & Pistre. Véritable fosse à peindre de six mètres de côté, le bâtiment a été construit autour de l'axe gravitationnel du pinceau. Inondée d'une lumière zénithale à l'image des abbayes cisterciennes chères à l'artiste, l'architecture permet de conserver une stabilité d'éclairage tout au long de la journée. Mais pour la peintre, il s'agissait avant tout d'un besoin de coupure avec l'extérieur pour travailler l'introspection et peindre à l'instinct. « Cet édifice permet de faire coïncider l'énergie de mon corps et celle du pinceau sur l'œuvre. C'est une conception qui offre une rencontre entre l'art pictural et architectural. »
Valode & Pistre
Fondée en 1980 par Denis Valode et Jean Pistre, l'agence s'est imposée à travers le monde en proposant des projets architecturaux souvent vecteurs d'art contemporain. Pour Denis Valode « un lien existe clairement entre le premier et le troisième art (l'architecture et l'art pictural). Et l'une des volontés de l'agence est justement de sortir l'Art des musées et des galeries pour l'intégrer à la ville comme à l'espace public ». Ponctués d'œuvres, les locaux de Valode et Pistre s'inscrivent dans cette même dynamique, et proposent régulièrement des expositions. C'est le cas de Fabienne Verdier dont une quinzaine de toiles dialoguent en ce moment, et jusqu'au 29 mars, avec les maquettes de l'agence.
Exposition « Rainbows » de Fabienne Verdier jusqu'au 9 mars 2024
115 rue du Bac
75007 Paris
Présentée lors du salon Host Milano en octobre 2023, la collection d'accessoires The Wine of the Champions met à l'honneur la collaboration de Fabio Cordella avec le designer Massimo Della Marta. Une collection d'œuvres en édition limitée, qui mêle l'amour du bon vin à celui du ballon rond.
C'est en collaboration avec deux références du made in Italy que la collection en édition limitée The Wine of the Champions est née. Le fondateur de la série de vins "The Wine of the Champions" Fabio Cordella et directeurs des caves éponymes s'est associé au designer Massimo Della Marta pour proposer une sélection d'oeuvres en éditions limitées et séries ouvertes, à l'intention des collecteurs amateurs de vin et de sport.
Une collection aux influences sportives
The Wine of the Champions se compose de cadres qui se présentent comme des créations signées par 20 grands noms du football, dont chaque pièce est numérotée et accompagnée d'un certificat d'authenticité et de garantie. Les huit premiers d'entre eux, qui ont donné le coup d'envoi du projet, sont signés ont été signés par Ronaldinho, Wesley Sneijder, Roberto Carlos, Diego Lugano, Marek Jankulovski, Màrcio Amoroso, Marcos Cafu et Amauri. La collection est complétée par les deux portes carafes Ball, toutes deux en forme de ballon de football en hommage aux joueurs participants.
Une collection complétée par la ligne de caves à vin Expo Professional, alliant fonction et esthétisme, choisies par les grands sommeliers et chefs cuisiniers dans le monde entier. Devenue référence pour la marque du designer, avec notamment le dépôt de brevets mondiaux qui ont confirmé son savoir-faire dans le domaine du design et de la technologie thermodynamique de conservation du vin, la collection est ainsi complétée par plusieurs innovations : Teca, une vitrine qui permet de différencier les températures à son intérieur, conservant ainsi simultanément les vins blancs et les vins rouges. Quadro Vino , présenté comme étant le premier tableau réfrigéré ainsi que le système de réfrigération central, une véritable révolution dans le domaine de la thermodynamique appliquée.
Plus d'informations sur : https://www.dellamarta.it/en
Dans une démarche de soutien à la création française et à l'innovation dans le domaine du design, le Mobilier National a annoncé l'entrée de 54 pièces contemporaines réalisées par 40 designers dans ses collections pour l'année 2024.
Depuis 2020, le Mobilier National s'est engagé dans une campagne proactive d'acquisition pour soutenir l'écosystème des métiers d'art et du design en France. Par cet appel inédit, l'institution cherche à acquérir des œuvres exceptionnelles, contribuant ainsi à la valorisation du travail des designers et des galeries, tant au niveau national qu'international. Les pièces sélectionnées, comprenant des assises, des luminaires, des bureaux et bien plus, reflètent les enjeux contemporains du design, à travers l'utilisation de matériaux innovants et de techniques avant-gardistes.
Les créations intégrées au Mobilier National ne se contentent pas d'enrichir une collection prestigieuse, elles sont également destinées à orner les édifices publics en France et à l'étranger. Ce rayonnement offre ainsi aux designers et aux galeries une opportunité inégalée de mettre en avant leur expertise et leur créativité. Des lieux emblématiques tels que le palais de l'Élysée accueillent déjà certaines de ces œuvres, témoignant de leur importance et de leur valeur symbolique.
Ouverture de la campagne d'acquisition 2025
La campagne d'acquisition 2024 s'inscrit dans la continuité de l'engagement du Mobilier National pour l'excellence et l'originalité dans le design. Ainsi, dans la foulée de la présentation des œuvres de la collection 2024 est lancée la campagne l’appel à candidature pour la campagne 2025, ouvert jusqu’au 11 mai. Celui-ci s’adresse à tous les artistes-designers, qu'ils opèrent en auto-édition ou via une galerie et/ou un éditeur. Le processus de sélection, mené par une commission exceptionnelle, met l'accent sur l'originalité du processus créatif, du design et des savoir-faire.
Les œuvres sont ensuite sélectionnées par un jury composé de professionnels reconnus du secteur du design avant d’être acquises par le Mobilier National. Elles enrichiront ainsi les espaces officiels de la République Française, soulignant l'engagement de l'institution à promouvoir l'innovation et l'excellence dans le domaine du design.
Pour plus d’informations sur les conditions de participations, rendez-vous sur le site du Mobilier National : https://www.mobiliernational.culture.gouv.fr/fr/expositions-et-evenements/campagne-dacquisition-2025
Les architectes de l’Atelier du Pont ont intégré (enfin) leurs nouveaux bureaux et signent la scénographie de l’exposition nuancier Nomade et du mobilier estampillé Le French Design 100. Portait d’une agence qui porte une vision domestique et durable de l’architecture.
Niché dans le 11e arrondissement parisien, le bâtiment tant attendu a été conçu sur une friche, dont l’intérieur en open space affiche clairement une ambiance chaleureuse aussi novatrice pour du tertiaire que la structure extérieure tout en bois avec patio et terrasses. L’un des espaces communs (dont le coworking) est une vaste à pièce à vivre traversante, aménagée avec de grandes tables en bois, des banquettes confortables et une cuisine équipée. Engagés dans des valeurs liées à la construction durable, ils ont fait le choix de bannir toute climatisation, moquette, faux plafond ou faux plancher, au profit de volumes aérés et de généreuses ouvertures… « L’agence est un peu le laboratoire des solutions que nous proposons en low tech. » Depuis Woody (2019), siège social de Santé publique France réalisé en bois, l’approche durable détermine chaque projet, idem pour Bienvenue, une réhabilitation des locaux de RATP Habitat (2021).
Les espaces sont ouverts, les structures et ossatures bois apparentes, tandis que les plafonds de trois mètres, plutôt bas pour des bureaux parisiens, suffisent à créer une sensation rassurante. « Dans l’agence nous avons une façon de fonctionner qui favorise le partage, la communication, sans télétravail ! » Les réunions du lundi mettent commun les échanges et toutes les trois semaines le « dis-moi tout » est un moment privilégié où les actualités s’échangent entre collaborateurs qui ne savent pas forcément ce que font les uns et les autres.
Une démarche durable de design global
Tous deux architectes de formation, Philippe Croisier et Anne-Cécile Comar ont fondé Atelier du Pont en 1997 et travaillent de concert en complémentarité. Depuis quelques années le design global est la signature de leurs projets, de la construction jusqu’au mobilier, pour ne pas laisser une coque vide ! Les raisons de ce changement se sont précisées quand le dogme de l’architecture et l’époque des « archi-stars » ont été révolus. De plus l’intérêt du public devenu grandissant par la diffusion de publications, de vidéos, l’architecture intérieur est donc valorisée, imitant la démarche des pays scandinaves, où les deux disciplines sont considérées à part égal. Atelier du Pont a été très tôt sensibilisé à l’environnement à cause de l’évolution constante de la règlementation en matière d’architecture. « On a changé notre manière de construire mieux en privilégiant l’assemblage en bois ou en pierre. » Le glissement au profit de missions complètes englobant les aménagements intérieurs est devenu une évidence dans le sillage des maitres d’ouvrage, des lieux publics devenus plus désirables.
Objectif sourcing
Après la rénovation de la première finca à Es Bec d’Aguila, le second projet à Minorque Son Blanc, un domaine de 130 hectares avec un hôtel de treize chambres, affirme clairement son autosuffisance en eau, en énergie et agriculture. Le bâti existant a été remanié avec les pierres locales et techniques traditionnelles de l’île. Les artisans et matériaux ont été sourcés en Espagne ainsi qu’en France pour certaines pièces sur mesure. D’autre part, l’agence renforce son engagement dans l’écoconception pour d’aller vers le réemploi.
En témoigne la transformation de la boutique Maison Rouvenat qui a remis au goût du jour l’histoire de ce bijoutier du XIXème siècle. Les stèles en plâtre présentant les pièces iconiques y compris les pierres précieuses de seconde main, sont impressionnantes de beauté imitant le marbre, pourtant réalisées en plâtre, tandis que les vitrines récupérées ont été rénovées avec soin par des artisans. Le duo affectionne particulièrement la diversité des échelles des projets, du Palais de Justice de Meaux à l’extension créée pour l’Académie Fratellini, École supérieure des arts du cirque. S’ils rêvent d’un projet à venir parmi tant d’autres, la conception d’un musée arrive en tête, une manière de rester en éveil et de découvrir d’autres univers qui les animent…
Intitulé Flar, le luminaire développé par Patrick Norguet est le fruit de la seconde collaboration du designer avec LODES, qui mêle artisanat et procédé industriel, pour un résultat tout en finesse.
Fondée en 1950 près de Venise, LODES est une marque italienne de luminaire, connue pour son savoir-faire du soufflage de verre et un certain attrait pour l’innovation. En 2021, la marque s’allie pour la première fois avec Patrick Norguet sur la collection Jim, un système de suspension inspiré des ateliers d’artistes du XXe siècle. Une première collaboration réussie, en partie en raison de la communication fluide entre les deux parties « Quand on collabore avec des personnes que l’on comprend, généralement le résultat final est là. En tant que designer, on a des idées, on sait dessiner mais tout le défi quand on travaille avec une marque est de réussir à travailler ensemble » expliquait Patrick Norguet. Trois ans plus tard, il dévoile les nouvelles lampes à poser Flar.
Artisanat et technologie industrielle
Disponibles en deux coloris de verre, de structures et en deux tailles différentes, Flar est un condensé de savoir-faire, propre à LODES. En effet, avec un travail sur le verre soufflé mais également sur le métal, la marque et le designer offrent une réalisation à la fois technique et complexe. Inspirée des lanternes tempêtes traditionnelles, le nom Flar fait référence à un flamboiement, représentée par une ampoule à filament LED qui laisse penser à une flamme. « Il y a un côté assez symbolique de cette flamme, presque religieux » confie le designer.
Et cette collaboration pourrait évoluer dans le temps, puisque le designer pense déjà à des déclinaisons possibles : « J’aime me dire qu’un produit peut continuer d’évoluer dans le temps et qu’il n’est pas à sa version finale. » Affaire à suivre ?
Depuis le salon Intérieur de Courtrai, le studio Cluzel/Pluchon se fait remarquer discrètement mais certainement. Anciennement SCMP Design Office, l’agence codirigée par Sébastien Cluzel et Morgane Pluchon a été rebaptisée depuis la dernière édition de Maison&Objet, où elle exposait sur les Rising Talents.
Cluzel/Pluchon officialise sa création en 2015 en faisant ses premiers pas sur la scène internationale du design au SaloneSatellite de Milan. Trois ans plus tard, c’est avec un projet d’éclairage industriel, le Dorval, réalisé pour l’éditeur québécois Lambert & Fils, que le binôme remporte haut la main le prix Objets aux Intérieur Awards à la Biennale de Courtrai. Diplômés en 2011 de l’ESADSE de Saint-Étienne, où ils se rencontrent, puis de l’ECAL pour Sébastien, pendant que Morgane travaille à l’international, notamment pour Luca Nichetto, ils partagent des mécanismes créatifs, tout en étant complémentaires. Sébastien explique : « Nous avons naturellement défini le rôle de chacun selon son appétence. Morgane est chargée de la direction artistique et des choix des couleurs, et je m’occupe de la partie design industriel. Notre processus de création passe avant tout par le dialogue, celui des images de référence de Morgane et de mes dessins avant de passer à la 3D et aux maquettes. »
Une réflexion engagée
Si l’accessibilité est au cœur de leurs recherches, leurs réalisations doivent avant tout être au service de l’être humain. Convaincu que les beaux objets aident au bien-être quotidiennement, le studio met en avant un design « lisse », dans lequel l’économie de matière est fondamentale. Le duo collabore avec des éditeurs qui partagent la même philosophie, notamment en produisant localement. Pour mieux maîtriser leurs propositions esthétiques, ils s’imprègnent avant tout des outils de fabrication propres à chaque industriel. Cette compréhension des techniques et du savoir-faire leur permet ainsi de travailler avec les matériaux les mieux adaptés à la réalisation.
Pour eux, l’engagement écologique est un travail de fond qui passe en premier lieu par celui des designers et des industriels. Pour exemple, leur chaise Galta, dessinée pour Kann Design, est produite au Liban avec des techniques traditionnelles reconnues. Dans le même esprit, ils dessinent des foutas pour Marlo & Isaure avec des rebuts de fils du fabricant turc pour leur ligne Dar Foutas.
Une signature intemporelle
Le binôme aime le design de tous les jours qui rend la vie plus facile, et cela se voit. Loin d’être minimaliste, il défend des formes usuelles, familières, réfléchies et pérennes. Les créateurs collaborent avec Kann Design, Kimoto Glass, Marlo & Isaure, Ikea, Corbery Editions et Theoreme Editions.
Leur contribution la plus emblématique reste celle pour Lambert & Fils avec la collection Dorval. Initialement réalisé pour la galerie stéphanoise Surface, le projet a été développé par la suite au Québec. Composée de quatre têtes en aluminium éclairées par des panneaux LED pivotants, la suspension est étudiée pour pouvoir répartir la lumière selon les besoins. Ambitieux, l’éclairage est un condensé des inspirations esthétiques et techniques du studio de création.
Cluzel/Pluchon a le vent en poupe et ce n’est pas pour nous déplaire. Les designers développent actuellement différents projets, dont une large collection de vaisselle et des luminaires en devenir que l’on se réjouit de découvrir !
L’architecte et designer indien Bijoy Jain, fondateur du Studio Mumbai, déploie sa vision poétique de l’architecture, dans le bâtiment iconique de Jean Nouvel. Aux confins des disciplines, celle-ci associe matériaux naturels et savoir-faire traditionnels, en harmonie avec l’esprit du lieu.
Au rez-de-chaussée, un paysage de sculptures, mobilier, maquettes et autres artéfacts, aux formes épurées, matériaux élémentaires et tonalités douces, révèle l’approche singulière de l’art de Bijoy Jain. Cette promenade à laquelle le public est convié, illustre à dessein sa pensée valorisant l’économie de moyens, les ressources locales, naturelles, limitées, et le respect des techniques et coutumes ancestrales. Ici, le sol d’un pavillon, en bambou et fils de coton, a été créé à partir de bouses de vaches d’une ferme près de Rambouillet, certains socles proviennent des pierres du jardin de l’institution… Au sous-sol, dans une ambiance feutrée, silencieuse et contemplative, les dessins minimalistes de l’artiste chinoise Hu Liu, et les délicates céramiques de la Danoise Alev Ebüzziya Siesbye, toutes deux invitées par l’architecte, conversent avec ses créations, autour de la matière et du geste fondateur.
Loin d’une présentation rétrospective des réalisations du Studio Mumbai, l’exposition s’appréhende comme une carte blanche au sein du bâti, un « projet à l’écoute du paysage », selon la commissaire Juliette Lecorne, où l’architecte met en exergue sa pratique interdisciplinaire, attentive à la terre, l’eau, la lumière, les sons et le temps long. Elle décloisonne aussi les genres en floutant la frontière entre art, design et architecture, comme elle éclaire sur sa méthode collaborative. Deci-delà, sur les murs dénués de cartels, des cloisons de maisons réalisées par le Studio sont présentées comme des tapisseries ou des toiles, sur le sol, des échantillons de matière, comme des sculptures. Entre autres exemples, un banc, perforé mais fonctionnel, parle de la manière dont les artisans travaillent le granit, et l’énergie humaine qu’il faut pour soulever les plaques, dans les carrières.
Esthétique, sensoriel, invitant à la quiétude, l’évènement à rebours des expositions traditionnelles sur l’architecture, incite à réfléchir sur la métaphysique profonde de cette discipline, soucieuse de l’avenir des relations entre l’homme et la nature.