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Dévoilée lors du salon Maison & Objet, la nouvelle enceinte PR Link de la Boite concept est un concentré de technologie, qui ravira autant les amateurs de musique que de design.
Dans la lignée du PR/01 qui a rencontré un succès international, la Boite concept a voulu aller encore plus loin avec la PR Link. Un modèle à la fois minimaliste et innovant, développé grâce à sa technologie unique brevetée : l’Active Pression Reflex® (APR®). Une expérience de son inimitable, qui en fait un appareil indispensable.
Un design minimaliste, made in Europe
En accord avec l’ADN de la marque, la PR Link est un modèle au design simple mais épuré, composé de matériaux nobles, tels que le noyer massif, l’aluminium ou la Bakélite, lui offrant un gage de qualité supérieur. L’enceinte est fabriquée en Europe, auprès de fournisseurs soigneusement sélectionnés, puis assemblée au sein des ateliers de la Boite concept.
Simple d’utilisation, la PR Link est dotée de commandes intuitives, pour permettre à tous de l’utiliser en tout simplicité. Un pied est également disponible en option, dans une finition en acier thermolaqué noir mat associé à une lame en bois naturel, et permet de rehausser l’enceinte. Evidemment connectée, la PR Link s’adapte à tous les appareils, et offre un large choix d’options de connexion : Bluetooth, câble HDMI, prise Jack, câble optique et lecteur RCA pour les amateurs de CD et vinyles. Il est également possible de recharger ses appareils directement sur l’enceinte, grâce aux ports USB-A et USB-C intégrés.
DCW Éditions, l'éditeur de luminaires renommé pour sa fusion d'histoire et d'innovation, redonne vie au lampadaire Mezzaluna. Dessiné en 1975 par le designer industriel italien Bruno Gecchelin, Mezzaluna, avec sa silhouette emblématique en demi-lune, s'est imposé comme un symbole incontournable des années 80. Toutefois, son éclairage halogène, autrefois avant-gardiste, est tombé en désuétude face aux progrès technologiques. Aujourd'hui, DCW Éditions le réinvente, le propulsant dans l'ère moderne grâce à la technologie LED.
Depuis sa création en 2008, DCW Éditions s'est démarqué par sa capacité à allier tradition et modernité. Que ce soit à travers des rééditions de classiques tels que La Lampe Gras ou via des créations contemporaines audacieuses, chaque pièce témoigne d'un profond respect pour le passé tout en embrassant pleinement le présent et l'avenir. Ces luminaires sont bien plus que de simples objets ; ils sont des compagnons de vie, des héritages transmis de génération en génération, incarnant l'essence même de l'élégance intemporelle et de la qualité durable.
Mezzaluna : une renaissance lumineuse
Mezzaluna, née de l'imagination de Bruno Gecchelin, a marqué les années 70 et 80 par son esthétique révolutionnaire et sa fonctionnalité. Ce lampadaire demi-lune, produit à l'origine par la firme italienne Skipper, a connu un succès retentissant, devenant un pilier du design transalpin. Cependant, avec l'évolution des technologies d'éclairage, Mezzaluna a été éclipsée par des solutions plus écoénergétiques.
La vision de Bruno Gecchelin
Bruno Gecchelin, diplômé de l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs en 1949 et formé auprès de Marcel Gascoin, a laissé une empreinte indélébile dans le monde du design. Collaborateur de longue date d'Ettore Sottsass chez Olivetti, il a fondé son propre studio de création à Milan dans les années 1970, travaillant avec des marques prestigieuses telles que Arteluce, Venini, et Poltrona Frau. Ses créations, dont le fameux lampadaire Mezzaluna, lui ont valu de multiples récompenses, dont deux Compasso d'Oro, les oscars du design italien.
Aujourd'hui, sous l'impulsion de Frédéric Winkler, directeur de DCW Éditions, et en collaboration avec Bruno Gecchelin et son fils Lorenzo, également designer, Mezzaluna renaît sous une nouvelle forme. Cette réédition adapte le design original à la technologie LED, préservant l'esthétique laconique et éloquente de Mezzaluna tout en lui conférant une efficacité énergétique et une durabilité accrues.
Un design personnalisable et des finitions variées
La nouvelle Mezzaluna offre un éclairage modulable grâce à un choix de filtres permettant de créer différentes ambiances. Disponible dans les coloris originaux, blanc et noir, elle se réinvente également en rouge, jaune et bleu marine, s'inspirant de l'iconique Lampe Gras. Cette réédition est une célébration de la vision de Bruno Gecchelin, adaptée aux besoins et aux goûts contemporains.
Pour ses collections 2024, Sifas dévoile des nouveautés 2024 toutes en couleurset à l’aube de ses 60 ans, la marque spécialiste du mobilier outdoor Sifas propose des réalisations inédites, qui mêlent couleurs et matériaux innovants.
C’est au sein de son showroom parisien boulevard Malesherbes, que la marque cannoise fondée en 1964 présentait mi-décembre ses nouveautés 2024, en amont du salon Maison & Objet où elles étaient présentés dans le hall 6. Parmi les changements notables au sein de la marque, la reprise il y a quelques mois de la direction artistique par le studio Otto - formé par Cristina Pettenuzzo et Domenico Diego -, qui intervient notamment sur la scénographie des stands et des showrooms ainsi que sur l’intégration de nouveaux tissus au sein des collections. « J’aime combiner les couleurs avec les pièces pour les adapter à l’atmosphère où elles se trouvent » expliquait notamment Cristina Pettenuzzo.
Un nouveau catalogue mix and match
C’est sous l’impulsion de Julien Armaroli, petit-fils du fondateur et fils de Jérome Armaroli, actuel co-dirigeant de la marque, que Sifas propose son nouveau catalogue 2024, quelque peu différent de ceux présentés les années précédentes. « On n’accordait pas autant d’importance à l’outdoor auparavant. Il y a côté très culturel à cela » confiait Julien Armaroli. Une idée partagée par Cristina Pettenuzzo « Il y a aujourd’hui le même confort en outdoor qu’en indoor, ce qui n’était pas le cas il y a 10 ans. »
De fait, les collections sont dorénavant présentées au sein de différentes "ambiances", mettant à l’honneur la Riviera dont est originaire la marque. Les collections Yakimour, Fringe, Oxford, Konic et Komfy dévoilent ainsi un nouveau luminaire, des assises, une table basse et de repas ainsi qu’un tout nouveau daybed, tous vêtus de tissus sélectionnés avec soin par le studio Otto.
Des collaborations notables
Depuis 2020, Sifas fait confiance à des designers afin de mettre le design au cœur l’ADN de la marque. On peut notamment citer des collaborations avec Döppel Studio et Samuel Accoceberry, respectivement sur les collections Big Roll et Outline. Deux collections qui allient savoir-faire et technicité pour un résultat associant le confort à l’élégance. Plus récemment, Sifas a fait appel au designer Christophe Pillet pour penser la collection Oxford, qui fait par ailleurs partie des nouveautés 2024 puisqu’elle est présentée dans de nouveaux tissus et coloris.
Repéré pour leurs décors audacieux hauts en couleur, Arnaud Dollinger et Eve Ducrocq ont fondé leur société, ODA (Objets d’affection). Leur première galerie confirme leur talent créatif, teinté d’une modernité décalée et vintage. Rencontre avec deux passionnés.
Quel est votre métier : décorateur, brocanteur, expert en mobilier ?
Nous sommes ensemblier-décorateurs. C’est un choix assumé que nous avons exercé au marché Paul-Bert, à Saint-Ouen ; en changeant de décor chaque mois, nous racontions une histoire différente. Pièce par pièce, nous avons reconstitué l’atmosphère d’un appartement, avec Mériguet-Carrère pour les peintures et papiers peints des décors. Notre conviction ? Les assemblages de couleurs détonantes, les associations ou oppositions de meubles et d’objets, parfois insolites, interrogent, suscitent des envies chez les clients. Beaucoup de personnalités de la mode sont venues nous voir afin de créer des intérieurs plus personnels. Mais nous souhaitons aujourd’hui nous éloigner de l’étiquette du « marchand », trop prégnante.
Comment qualifier votre style ?
Rassembler des objets d’époques différentes et imaginer des ambiances chics et décontractées, c’est notre coeur de métier ! Nous aimons mixer les motifs géométriques forts, les imprimés textiles, les coloris des tapis bariolés, le contraste des matériaux froids ou chauds, les formes sculpturales incroyables des Trente Glorieuses… Nous chinons en Hollande, Italie, Belgique… D’autres territoires sont à découvrir ; on pourrait imaginer, l’équivalent des pièces de Roche Bobois en Australie ou au Japon… Nous composons des décors chargés, même si ce n’est plus tellement novateur aujourd’hui ! Avec un penchant pour le design italien, nous nous sentons proches des univers fantasques de Dimorestudio, et, en référence aux années 1960 et 1970, de l’élégance et du glamour du couple Betty et François Catroux, du sens des couleurs et des motifs du décorateur anglais David Hicks… On aime, comme eux, s’affranchir des codes de la déco.
Le vintage, est-ce une tendance (in) ou (dé)finissable ?
Depuis quelques années, le marché de la production industrielle de mobilier haut de gamme est en berne et la pandémie a accentué ce phénomène. Les grands éditeurs et fabricants italiens s’orientent désormais vers la production de rééditions en se plongeant dans les archives (ndlr : Maxalto et Cassina étant engagés dans cette voie-là depuis longtemps déjà). De ce fait, ils consacrent moins d’investissement aux projets des jeunes créateurs et à leur développement. Et le vintage est une définition un peu fourre-tout ! La cote élevée en salles de ventes de certains designers a donné une image haut de gamme du vintage ; avec les prix hallucinants des oeuvres, ce marché se rapproche de celui du marché de l’art en général. À une époque où personne ne s’intéressait au design de ces années-là, des galeries historiques telles qu’Yves Gastou ou Jacques Lacoste ont fait un travail formidable, très documenté. Elles ont apporté un beau témoignage, pour le grand public et les professionnels. Le succès des expositions (par exemple, Charlotte Perriand à la Fondation Louis Vuitton en 2019/2020) rend aussi le design vintage plus désirable. Mais avec les réseaux sociaux et certains marchands en ligne sortis de l’ombre, il est devenu un terrain de jeux qui rend parfois confuse la valeur des objets. Aujourd’hui, nous voulons réinsuffler de l’authenticité au vintage par le biais d’intérieurs singuliers.
Comment allez-vous évoluer au sein de votre nouvelle galerie ?
Notre activité principale sera axée sur la déco, en proposant du mobilier vintage, de l’édition de grandes marques (sans tomber dans la présentation monomarque) et des créations de jeunes artistes émergents. Leur exposition est l’une de nos priorités, et particulièrement au féminin ! Camille Menard, fondatrice d’Agnst Design, travaille sur une conception du design décalée. Nous avons exposé son « Pull Down Mirror », un objet hybride très drôle, dont la hauteur se règle par la traction et l’effort d’une station de musculation ! D’autre part, Villa Arev, marque portée par Gabrielle Thomassian, céramiste, crée des pièces utilitaires très colorées, inspirées par le groupe Memphis, que l’on adore !
Article extrait du numéro 211 d'Intramuros.
Avec pour ambition d’insuffler un nouvel élan à la popularité du designer Pierre Guariche, Cinna réédite 20 pièces emblématiques du créateur. L'occasion de découvrir ou redécouvrir un mobilier novateur et intelligent.
À l'aube des années 50, alors que la France est en pleine reconstruction, et durant une quarantaine d'années, le créateur français Pierre Guariche s'est illustré comme l'un des grands designers du XXème siècle. Faisant face aux défis de son époque, il crée de manière prolifique des pièces qui, 70 ans plus tard, demeurent attractives et fonctionnelles. Disparu en 1995, il est aujourd'hui remis sur le devant de la scène avec la réédition par Cinna de plusieurs de ses luminaires et assises originellement conçus entre 1952 et 1966.
Pierre Guariche et Cinna, des lignes parallèles
« Pierre Guariche chez Cinna, c’est une histoire de famille. Car ceux qui voient la forme que prendront les choses avec une génération d’avance ont des gènes communs » explique Michel Roset, directeur de Cinna. Valorisant le design d'avant-garde, il semblait naturel pour la maison d'édition d'inscrire le travail visionnaire du créateur dans sa gamme de mobilier. Du fait d'un contexte d'après-guerre rude à tous les égards, les conceptions plutôt économes mais élégantes et fonctionnelles du créateur, résonnent désormais avec les aspirations nécessaires de la société. Une perception en résonance avec la philosophie de Cinna : « Meubler pour durer, intelligemment, respectueusement, en restant beau ! »
Bien que la pluridisciplinarité de Pierre Guariche ait été un atout majeur de sa notoriété au milieu du siècle dernier, celle-ci connaît à l'aube du XXIème siècle un léger déclin. « Il est un peu tombé dans l’oubli, à tort » reconnaît Jean-Marc Villiers, président des éditions Pierre Guariche. « Il me tenait à cœur qu’on le (re)découvre dans une qualité de facture en ligne avec sa vision et son amour du détail. » Un projet que les deux institutions ont relevé ensemble. « Nous travaillons sur ce projet depuis plusieurs années pour que la réédition de ces pièces s’intègre véritablement et durablement dans les collections. » précise Michel Roset. Un projet qui s’inscrit dans la durée, puisque d’autres créations devraient être rééditées dans les prochaines années.
Le modernisme sous toutes ses formes
Ingénieur, designer, architecte d'intérieur, Pierre Guariche fut tout cela à la fois. Depuis son diplôme obtenu en 1949 à l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs jusqu'à ses projets à l'étranger, le créateur touche-à-tout s'est illustré dans divers domaines. Après s'être formé chez Marcel Gascoin, il ouvre sa propre agence en 1951 au sein de laquelle il dessine du mobilier et des luminaires. C’est ainsi que naquît la chaise Papyrus, qui ouvrit elle-même la voie au modèle Tonneau en 1953 puis, 10 ans plus tard, à une autre création remarquée : la chaise longue Vallée Blanche). À ces conceptions matérielles s'ajoutent rapidement les premiers projets d'architecture intérieure parmi lesquels la maison de la culture construite par Le Corbusier.
Mais ce sont les années 60 qui marquent un tournant avec l'usage de nouveaux matériaux. Ainsi, en 1966, il réalise le fauteuil Jupiter, petite révolution en polyuréthane expansé qu'il qualifie alors de « fauteuil de luxe par excellence ». En 1974, c'est le domaine tertiaire et public qui lui ouvre les bras avec des projets d'envergure tels que l’Athena-Port à Bandol avec l’architecte Jean Dubuisson et le tribunal de grande instance de Créteil. De là suivront des projets multiples et notamment dans le domaine de l'hôtellerie par-delà les frontières.
Une collection à retrouver dès aujourd’hui sur cinna.fr
Conçue pour le projet 7 Stars, la lampe Louise, dessinée par Jean-Marie Massaud, vient d'être dévoilée. En plus de sa lumière tamisée, cet objet à l'allure volontairement romantique, diffuse quelques mélodies connues. Une conception au design polyvalent.
Pensée comme une veilleuse à l'allure précieuse, Louise est l'invitée chic qui éclairera les moments de partages et d'échanges. "Dans sa petite robe plissée qui protège le vacillement délicat de la flamme, elle apporte une lumière chaleureuse sur votre chevet ou sur une table pour un dîner romantique en tête-à-tête" décrit son créateur, le designer Jean-Marie Massaud. Troisième lampe née de la série 7 STARS initiée par l'italien Alessandro Mendini, elle constitue l'une des étoiles de la collection qui tire son nom de la constellation grande ours. Dévoilés au fur et à mesure, les autres modèles seront révélés prochainement.
Le design déclare sa flamme en musique
Doté d'un mode bougie et d'un variateur d'intensité, la lampe propose une lumière vacillante pour renforcer l'intimité de certains moments ou évoquer les lueurs dansantes d'un feu. Mais à la lumière se mêle également la possibilité d'une ambiance musicale. Intégrée à son socle, une enceinte propose dix airs classiques, de Bizet à Chopin, ainsi que des mélodies plus festives comme « Happy Birthday » ou encore « Silent night ». Véritable boîte à musique, c'est une expérience polyvalente que la lampe Louise offre en diverses circonstances. En témoigne son socle sur lequel il est gravé : « La vie est une aventure faite de rencontres comme autant de lumières. ».
Une lampe qui prend soin de ses utilisateurs
Particulièrement attentive au bien-être de l'utilisateur, la marque RAMUN diffuse une lumière pensée pour préserver la santé des yeux. Classée ainsi au plus haut niveau de sécurité photobiologique, elle est également certifiée RoHs, une norme qui vise à limiter la présence de substances chimiques présentes dans les équipements électroniques. Des résultats significatifs de l'attention brillante portée tant au design qu'aux consommateurs.
Pour la collection printemps-été 2024, Roche Bobois s'est tourné vers le designer Christophe Delcourt, un habitué de la maison. De cette collaboration est née Palatine, un ensemble de créations à l'inspiration italienne où la matérialité et le confort s'inscrivent au cœur des éléments.
Des courbes élégantes et des matériaux particulièrement tactiles sont au centre des nouvelles créations conçues par le designer Christophe Delcourt. Pour cette collection, seules quatre pièces ont été dessinées ; d'un côté une table à manger et un buffet, et de l'autre un canapé et un fauteuil. Imaginés en même temps, les deux meubles et les deux assises sont visuellement très différents. Une volonté du designer qui souhaitait au travers de cette collection, offrir un univers accueillant et raffiné, teinté d'Italie. Une manière, selon Nicolas Roche, directeur des collections « de sortir de l'image très française véhiculée par Roche Bobois ». Focus sur la collection Palatine, un hommage non dissimulé à la capitale transalpine.
L'Italie, des plateaux jusqu'aux pieds
Traduction de l'attrait du designer pour l'Italie, la table et le buffet constituent l'alliance entre design international et matériaux locaux. Puisant son inspiration dans les richesses naturelles de ce pays, Christophe Delcourt a dessiné ces deux éléments à partir de matériaux propres à la région : le travertin et le noyer, tous deux travaillés sur place, à Urbino. « Pour designer la table, il nous est tout de suite apparu important que les matériaux ne soient pas simplement assemblés, mais qu'ils interagissent ensemble » détaille Nicolas Roche. Une volonté que le designer a exécutée par un savant jeu d'encastrement en courbes au niveau du piètement. « Dans cette zone, le bois se fond dans la pierre tandis que sur le plateau, la pierre se fond dans le bois » explique-t-il. Avec ses deux pieds centraux et massifs « évoquant une colonne fendue dont les contre-courbes rappellent l'allure des colonnes doriques », la table répond au buffet. Tandis que le fin plateau de bois de la première repose sur une solide assise en pierre, le fin plateau de pierre du deuxième repose quant à lui sur un élégant parallélépipède de bois. Une savante inversion renforcée par le dialogue entre minéralité et matière organique. Cette complémentarité visuelle et tactile met également en valeur les aspérités brutes de cette pierre claire, en opposition au plaquage chaleureux du bois teinté. Un contraste qui apporte force et caractère au meuble.
Des formes accueillantes, ni plates ni statiques
Strictement opposé à l'académisme des matériaux et à la finesse des assemblages, les assises de la collection Palatine, résonnent pourtant avec leurs homologues sur la question des aspérités. « Je ne voulais pas que le canapé et le fauteuil soient lisses, très stéréotypés. J'ai donc opté pour un tissu en volume formant des bouclettes » détaille Christophe Delcourt en comparant les aspérités du tissu ocre au travertin crème du buffet. Mais avant de choisir la matière, le designer a d'abord réfléchi à l'aspect formel des assises. « Dans l'ADN de la marque, il y a toujours eu le besoin de faire du mobilier accueillant, avec de la rondeur, du volume... ce que nous appelons le confort visuel dans notre jargon » s'amuse-t-il. « Et à mes yeux, ce qui symbolisait très directement le confort, c'est le coussin. L'idée était donc de reprendre cette forme et d'en assembler plusieurs. » Doté de trois places, les blocs aux allures de coussins géants provoquent une impression visuelle monobloc. Pourtant, chacun des éléments n'est rattaché à l'autre qu'à sa base grâce à un passepoil cerclant l'ensemble. Une faculté permise par une armature bois invisible et un système de sangles élastiques interne à la structure. Cette constitution faite de pièces détachées n'est pas sans rappeler le fameux Mah Jong. Une pièce vieille de plus d'un demi-siècle mais qui prédisait déjà un changement radical dans le positionnement des assises de salons. « Aujourd'hui, les canapés et les fauteuils ne sont plus contre des murs mais au milieu de la pièce » explique Christophe Delcourt, « il était donc important de penser le volume au dos du canapé. » C'est pourquoi le designer a appuyé la courbure arrière des assises pour conserver l'évocation de l'oreiller. Et pour dynamiser cet ensemble invitant à la détente, les accoudoirs ont été légèrement ouverts vers l'extérieur. Une manière de laisser la lumière pénétrer l'objet et le redécouper visuellement. « François Roche, le fondateur de la marque qui m'avait recruté à l'époque, disait qu'un meuble est semblable à une partition, il faut que ça bouge. C'est pourquoi, jouer sur la texture, la lumière, les volumes... sont des choses importantes dans chaque collection. »
Du 18 au 22 janvier, le salon Maison&Objet se tiendra de nouveau à Villepinte pour une édition particulière, puisqu’il s’agit de celle de ses 30 ans. Alors, à quoi faut-il s’attendre lors de cet anniversaire ? Voici les grandes lignes du programme.
Pour fêter ses 30 ans, Maison&Objet met les petits plats dans les grands. Le thème « Tech Eden », choisi pour cet anniversaire, sera célébré tout au long de l’année, au sein du salon, bien sûr, mais également sur le site MOM ainsi que dans les showrooms parisiens. Un sujet décliné sur trois terrains d’expression : l’architecture d’intérieur, l’hospitalité et le retail, autour d’espaces spécialement conçus.
Designer de l’année : Mathieu Lehanneur
Pour succéder au duo belge Muller Van Severen, c’est le designer français Mathieu Lehanneur, dessinateur de la torche olympique et paralympique des Jeux de Paris 2024, qui a été retenu pour être mis à l’honneur. Le temps du salon, il aura carte blanche dans un espace dédié, nommé Outonomy et orienté outdoor, qu’il décrit comme un « écosystème de vie, à la fois minimal et optimal ».
Nouvel espace : Hospitality Lab
Pour allier les besoins de naturalité et de nouvelles technologies, les questions d’hybridation des lieux sont de plus en plus présentes au moment de l’élaboration de projets, aussi divers soient-ils. En effet, les frontières s’effacent pour laisser place à des espaces qui proposent une véritable « expérience ». Quels sont les enjeux inédits liés à cette hybridation ? Comment subvenir à ces nouveaux besoins ? Pour tenter d’y répondre, l’Hopitality Lab, à retrouver dans le hall 6, s’empare de cette question en dévoilant des mises en scène inspirantes, à l’instar du Forum des tendances de Peclers Paris et de la carte blanche donnée au studio REV.
Future on Stage : les trois lauréats dévoilés
Lancé en septembre 2022, le tremplin Future on Stage propose de mettre en avant trois jeunes entreprises du secteur du design, de l’art et de la création. L’occasion pour ces dernières de promouvoir leur produit tout en profitant de l’écosystème de Maison & Objet. Pour cette 4e édition, ce sont les marques Anga, Bluecycle et Tosco Studio qui seront exposés.
Un format inédit des Rising Talents
Qui dit 30 ans dit forcément quelques formats anniversaire. Les traditionnels Rising Talents se focalisent pour cette édition non pas sur un pays mais sur une thématique : Tech & Savoir-faire. Sept talents se sont ainsi distingués, sélectionné par un jury qualifié : Jean de Loisy, Li Edelkoort, Lionel Jadot, Joseph Grima, Athime de Crécy et Ramy Fischler. Dans la catégorie Tech se sont distingués Audrey Large, WINT Design Lab et Index Office tandis que du côté savoir-faire, c’est le travail d’Aurélie Hoegy, Jenna Kaës, Emma Cogné et du duo Line & Raphaël qui a su plaire au jury.
Maison&Objet In the City, 3e édition
Jamais deux sans trois ! Pour cette nouvelle édition off parisienne, Maison&Objet In the City revient du 17 au 22 janvier. Fort de son positionnement, le salon souhaite continuer de développer cette initiative dévolue aux professionnels à travers la promotion d’une centaine de showrooms dans la capitale. L’occasion de faire vivre l’âme de Maison&Objet hors de ses murs.
Pour sa première exposition au format galerie, Charles Zana a dessiné une série de lampes inspirées de la Grèce. Retour sur ce projet hors de ses sentiers battus.
Débutée en octobre, Lux Exhibition est le fruit d'un processus de création inhabituel pour Charles Zana. L'architecte d'intérieur et designer, a toujours réalisé des projets s'inscrivant dans les souhaits d'une clientèle et l'histoire d'un lieu. Or, pour cette exposition, il a fallut faire l'inverse : ne pas créer pour un projet ou une collection, mais de créer à partir d'une image mentale.
La Grèce comme idée de départ
Constituée de 12 pièces, la collection Lux Exhibition est largement inspirée de la Grèce. Un pays où le studio du designer réalise plusieurs chantiers, mais également une région chère à l'architecte dont les voyages constituent la principale source d'inspiration. Dotées de noms évocateurs -Naxos, Milos, Kos, Symi…-, les lampes ont été pensées comme une constellation d'îles. Réalisées dans des matériaux méditerranéens tels que le marbre, l'osier, l'onyx, le cèdre, mais également des métaux, chacune possède son univers. Rappelant tantôt une falaise, tantôt une colline verdoyante ou l'océan, elles sont la retranscription matérielle des paysages. Mais c'est également une sorte de retour à la beauté antique par des volumes généreux, des formes élancées et des détails soignés.
Des lampes au-delà de leur fonction première
Pensées comme de véritables sculptures, ces lampes, pouvant atteindre 80 centimètres de haut et une trentaine de kilos, se suffisent à elles-mêmes. Dessinées puis modélisées en 3D, chacune d'entre elles est le fruit d'une collaboration entre plusieurs artisans français avec lesquels l'agence travaille depuis parfois trente ans. Un gage de qualité pour le créateur dont l'imagination a été foisonnante. Conçues en 10 exemplaires ou en séries limitées, chaque lampe est démontable ,à l’exception du modèle Tilos qui a nécessité de visser le haut du socle directement dans le verre.
Des objets de lumière souvent éteinte
Pour l'agence, la présentation de neuf lampes n'a pas été une évidence. Habituée à présenter des éclairages sur des éléments de mobiliers dans le cadre d'une collection, il était cette fois-ci question de s'inscrire dans le modèle d'une galerie d'art contemporain. Un changement de paradigme global puisqu'il s'agissait de la toute première présentation des créations de Charles Zana sur des présentoirs uniquement destinés à cet usage. Quant à la lumière, le fait de les allumer ou non a également été une source de questionnement dans la mesure où ces objets restent la plupart du temps éteint. Mais l'importance des jeux d'ombres mis en place par le tressage de l'osier ou les traitements de surface des bois, ont poussé le créateur à allumer de l'intérieur ces sculptures de lumières.
Sous la direction de Fabien Roque, directeur de l’agence Roque Intérieurs, le Burdigala s’est permis une remise en beauté. Désormais 5 étoiles, l’hôtel bordelais propose une large panoplie d’offres et de services, le transformant en un lieu hybride et incontournable.
Niché au sein du quartier des affaires Mériadeck à Bordeaux, le nouveau Burdigala, membre du groupe Inwood Hotels, n’aura gardé d’origine que sa structure. Composé de 83 chambres, - dont 7 duplex et 8 suites - réparties sur 5 étages, l’hôtel offre son lot d’expériences. Sous l’impulsion de l’architecte d’intérieur Fabien Roque, qui remporte le concours pour sa rénovation en 2021, le Burdigala est un exemple parfait de l’hybridation du secteur de l’hôtellerie. Ce dernier n’est en effet pas uniquement un lieu où l’on vient dormir, mais un espace de vie en soi. « En passant sur du 5 étoiles, on voulait surtout adopter un vrai positionnement lifestyle où chaque espace commun devient un lieu de vie pour les Bordelais » expliquait notamment Fabien Roque.
Une multitude de services
Pour cette nouvelle version, le Burdigala passe donc d’une formule 4 à 5 étoiles, ce qui nécessite de proposer de nouvelles expériences et options. Au rez-de-chaussée, l’Atriome est décrit par Fabien Roque comme étant « le cœur de l’hôtel ». Reliant les différents espaces entre eux, son utilisation évolue au cours de la journée. Dans des tons chauds et chaleureux, ce dernier se compose de plusieurs espaces en un. En effet, des frontières et bulles se dessinent par les ambiances proposées. Le Bar, ouvert toute la journée, est l’élément central de la matinée puisque c’est sur ce dernier qu’est servi le petit-déjeuner. Plus tard, les tables deviennent des lieux de rendez-vous ou des espaces de coworking, tandis que la Game Room séparée par des rideaux, est un espace qui peut devenir plus intime et privatif. « L’idée était qu’il y ait plein d’objets dont les gens peuvent se servir librement. On souhaitait que le client soit le plus à l’aise possible et se sente un peu comme à la maison » justifiait Fabien Roque.
Autre grande nouveauté : l’inauguration d’une salle de cinéma de 22 places. Accessible gratuitement pendant 2h à tous les clients ayant réservé une suite, l’idée est surtout de proposer des projections à l’ensemble des clients. L’objectif : amener plus de familles dans l’hôtel et répondre à tous les besoins. « Chaque service apporte à l’autre » ajoutait notamment Emilie Depierrois, directrice d’exploitation de l’hôtel. Une salle de finesse et un SPA sont également en cours de finalisation et installés au sous-sol, à la place de l’ancien parking.
Une attention particulière apportée aux détails
Et cette offre multiple ne concerne pas uniquement les services de l’hôtel, mais passe également par son aménagement global. Avec un agencement totalement sur mesure, dont quelques pièces de mobilier telles que les banquettes et les luminaires présents dans les chambres, la volonté était de créer un espace qui soit chaleureux et accueillant pour tous. L’escalier central, l’une des pièces maîtresses du projet, donne sur une verrière qui laisse croire à un puits de lumière naturelle. À l’arrivée du printemps, une terrasse sera inaugurée et deviendra à coup sûr, un immanquable de l’hôtel.
L’inauguration d’un nouvel espace dédié aux professionnels
Cette rénovation a également été l’occasion pour le Burdigala d’étendre son offre dédiée aux professionnels puisqu’un nouveau bâtiment a ouvert juste en face de l’hôtel. Nommé l'Atelier du Burdigala, ce dernier est réservé aux séminaires et événements professionnels puisque celui-ci dispose de 5 salles de réunions modulables. Aussi, et pour tous les clients, le Billy Bar, installé au 1er étage de l’Atelier, propose un large choix de cocktails signatures, n’attend plus que les beaux jours pour devenir un lieu incontournable de la ville.
Un restaurant : Madame B
Dirigé par le chef Grégory Vindalassalon, le Madame B est aussi délicieux à regarder qu’à déguster. Logé dans une ancienne salle de séminaire, le restaurant a la particularité d’être ouvert à tous. En effet, celui-ci dispose de deux accès, dont un donne directement sur la rue, indépendamment de l’entrée principale. Doté de grandes baies vitrées pour profiter de la lumière naturelle, la force de cette salle réside probablement dans son ilot central, qui sert de desserte pour les serveurs qui sont ainsi placés au centre du service et visibles par tous. Pour les rendez-vous plus intimes, une salle privée est accessible, séparée du reste du restaurant par un rideau. Avec une carte raffinée, proposant plusieurs formules de « petits plats », le Madame B en a pour toutes les papilles.
La Lin wall lamp lancée en 1992 par la marque Prandina, est rééditée. Son style épuré et contemporain en fait une alliée fonctionnelle pour apporter du caractère à nos intérieurs.
« Simple dosen't mean easy ». Par cette phrase, la marque italienne Prandina spécialisée dans les luminaires traduit l'âme de la Lin wall lamp. Cette création, pièce intégrante de la collection Lin lancée il y a 32 ans, est aujourd'hui l'un des best-sellers de la marque.
Un design en trois parties
Dotée d'une ampoule tubulaire led de type linestra montée par deux anneaux métalliques sur un support en cristal pressée, son design minimaliste fait d'elle une source de lumière intemporelle. Raffinée de par son étroitesse et le mélange délicat de ses matériaux, elle s'inscrit comme un élément sculptural élégant même lorsqu'elle est éteinte.
Une simplicité passe-partout
Sa forme dépouillée permet de l'appliquer verticalement ou horizontalement dans n'importe quel intérieur, tant pour éclairer l'espace, que pour venir souligner l'architecture. Conçue sans abat-jour, l'applique offre une lumière diffuse à 360°. Son allure contemporaine et passe-partout modifie immédiatement les intérieurs en les nourrissant d'un éclairage agréable et généreux.
À l'occasion de Paris Déco Home du 17 au 21 janvier, l'Ameublement français propose quatre espaces mettant en avant neuf marques. Par le biais de savoir-faire reconnus, les visiteurs seront invités à découvrir des univers parallèles haut de gamme.
Neuf manufactures prestigieuses réparties dans quatre lieux parisiens. Voici le programme mis en place par l'Ameublement français à l'occasion de Paris Déco Home 2024. L’organisation qui rassemble 380 entreprises françaises spécialisées dans l'aménagement et l'ameublement, propose un voyage immersif intitulé « Matières et merveilles » au travers de quatre thèmes : « Quatre-saisons », « Matière Vivante », « Constellation » et « Jardin Imaginaire ». Le visiteur découvrira des créations haut de gamme mises en scène par le designer Mauricio Clavero Kozlowski. Un petit périple durant lequel l'onirisme, la poésie et le raffinement s'élèveront en compagnons de voyage. Laissez-vous promener...
Quatre-saisons
Avec son nom évocateur, cet espace situé au 22 bis passage Dauphine, dans la galerie Pouenat, est le plus naturel de tous. Alternant entre ruptures et continuité, l'aménagement est semblable aux quatre périodes qui ponctuent nos années. Au travers d'un délicat jeu chromatique et de matières évocatrices, le visiteur traverse le temps. Les teintes sombres reflétées par les miroirs de l'Atelier Midavaine s'opposent aux tentures florales et printanières de la Manufacture Robert Four. Rapidement, le décor change, le temps avance et les chauffeuses signées Maison Pouenat s'offrent aux curieux alanguis. Mais déjà, un automne minéral pointe le bout de son nez entre deux coupes de pierres créées par Objets de Curiosité.
Matière vivante
Penser la lumière pour sublimer ce qu'elle touche. Au 55 quai des Grands-Augustins, dans la galerie Alain Ellouz faisant la part belle à ses éclairages en albâtre, c'est logiquement une scénographie tournée vers la lumière qui a été pensée. Mauricio Clavero Kozlowski a conçu une exposition dans laquelle elle souligne la finesse des autres savoir-faire. Les luminaires translucides en pierre, viennent sublimer la finesse des guéridons fabriqués par la Maison Taillardat, tandis qu'elle révèle simultanément la profondeur des panneaux laqués de l'Atelier Midavaine. Créant ainsi un dialogue fait d'ombres et de reflets, l'espace rend hommage à la noblesse des conceptions.
Constellation
Repousser l'horizon, lever les yeux et méditer. C'est à peu de choses près l'idée développée dans le showroom Duvivier, au sein duquel le visiteur est invité à s'asseoir sur un divan signé de la marque, pour se muer en spectateur. Dans un espace baigné d'intensités diverses émanant des luminaires de la Maison Tisserant Art & Style, l'heure est à la contemplation. L'univers en rupture avec l'extérieur fait la part belle à la poésie. De ci et de là, de précieux œufs d'autruche signés de la même marque, soignent un ensemble singulier et onirique. Un contexte qui fait du 27 rue Mazarine, une main tendue vers l'évasion.
Jardin imaginaire
Pensé comme un espace de vie où foisonnent la faune et la flore, il s'agit de l'espace le plus luxuriant. Évoquant un jardin merveilleux où fleurit la quintessence de l'Art, cet écrin s'ouvre au promeneur sur un air de flûte. Dans cet univers parallèle, les lignes Art nouveau et Art déco s'entremêlent au travers de compositions bariolées. Prenant possession de la galerie Volevatch, les insectes des panneaux ornés d’Objet de Curiosité, semblent sur le point de s'envoler en direction de l'imposant luminaire Tisserant Art & Style. Au milieu de cette folle composition, les fauteuils de la Maison Taillardat invitent à regarder, scruter les êtres cachés jusque sur les robinets en forme de paons dessinés par Volvatch. Une ode à la diversité.
Difficile d’attraper l’agile Nicolas Verschaeve, designer belge qui navigue entre plusieurs territoires et récemment installé à Bruxelles, dans un atelier qui lui offre toutes les possibilités d’éprouver ses projets grandeur nature. Depuis son diplôme à l’Ensad de Paris, en 2017, il se pose dans le croisement des cultures et dans la diversité des manières de voir.
Né en Belgique, il a très jeune vécu le syndrome du « Belge en France », même s’il en a totalement perdu l’accent. Il a grandi au soleil de l’Hérault, résistant à l’accent occitan, dans une région viticole à côté de Saint-Chinian, avant de rejoindre Paris en 2012 pour intégrer l’École nationale supérieure des arts décoratifs de la rue d’Ulm. Il en sort en même temps qu’une designeuse textile, Juliette Le Goff, avec qui il réfléchit pour son diplôme au rôle que pourrait avoir une pensée textile dans une architecture dont on hérite de la rigidité. « L’architecture demande aujourd’hui une certaine souplesse et exige que l’on repense l’articulation d’élémentaires : le sol, la paroi et le plafond. » Leurs propositions s’attachent à habiller l’espace de voiles, entre la paroi et le mur, pour recréer des espaces d’intimité.
Un bureau de design mobile
En parallèle, il ouvre un bureau de design mobile frugal où s’équilibrent autonomie et dépendance volontaire au monde. L’outil est mobile pour aller au plus près de là où la matière se transforme. Une intuition le submerge en même temps que le besoin de se confronter à une réalité économique. « Dessiner une lampe sans contrainte donne un cas où tout est permis », et, en réaction à cette liberté, il propose un design situé et des objets non prémédités, avant de rencontrer… les manufactures. La vie de l’atelier mobile, dans l’atelier de production, se confronte au réel pour en palper la spécificité, révéler la nature des lieux et la richesse du monde, d’un monde où l’on vit.
Aujourd’hui, à 28 ans, il explore le croisement des cultures. Dans une diversité des manières de voir. Avec un père viticulteur et une mère infirmière, il s’est probablement rendu sensible à l’autre et aux questions de terroir mais sans jamais tomber dans le folklore. Il affirme que « certains modèles agricoles sont en avance sur les questions de notre époque, sur l’origine des choses, les circuits courts… ». Une vie à la campagne qui l’a nourri, fait prendre position pour exprimer l’identité des lieux où sont faites les choses, des espaces que l’on habite et qui nous modèlent. « C’est ce que l’architecture moderne a dérobé, une architecture normalisée et parachutée qui ne raconte rien sur les lieux où l’on se trouve, tout en produisant des objets trop bavards. »
Le temps long de l’atelier
En 2015, une semaine au Ciav (Centre international d’art verrier) de Meisenthal, dans le nord des Vosges, avec Pierre Favresse, lui fait mettre les pieds pour la première fois dans une manufacture. Ce sera une mise au point sur le temps long de l’atelier, où il découvre que les formes et les choses émergent davantage de la matière qu’à partir du dessin. Il retournera à Meisenthal en 2020 pour faire escale dans ces Vosges où une bourse du Cnap (Centre national des arts plastiques) lui permet de faire aboutir un questionnement autour du moule et de l’interdépendance historique de l’activité verrière et du milieu forestier. Il détourne le moule-objet conçu pour la duplication afin de l’envisager comme un moule-système, outil modulaire d’exploration de formes. Produit à partir du « déjà-là » et des planches sorties quotidiennement de la scierie voisine, ce moule impose au designer une présence dans l’atelier et un dialogue avec les artisans. Nicolas Verschaeve en sortira un répertoire d’une cinquantaine de formes, duquel sont identifiés sept objets à éditer en série limitée et dont trois entrent dans le catalogue permanent du Ciav.
En parallèle de ces productions, il tient à révéler « ce que les objets ne disent pas » : sa recherche de terrain prend la forme d’un livre édité par le Ciav et d’une exposition. Celle-ci sera déployée en janvier 2024 lors du Off du salon Maison&Objet, dans l’espace Made in Situ, récemment inauguré par Noé Duchaufour-Lawrance.
Pour la conception de la boule de Noël 2022, il fait référence à la bouteille en verre et identifie dans l’industrie des formes et des décors populaires à réemployer dans un objet usuel. Pour ce best-seller du Ciav, 40 000 exemplaires ont été soufflés à la main, à raison de 600 par jour.
Préserver et raisonner
Dans ses projets de résidence en Bourgogne, au château de Sainte-Colombe, il rencontre la manchisterie Jacquenet-Malin, qui œuvre à partir de l’arbre pour le transformer en manche d’outils. À la façon d’un ready-made, il réemploie des modèles de manches existants, des rebuts, pour les déplacer vers une collection de porte-manteaux et de patères. Il développe aussi un système d’étagères, dont l’assemblage par butée évoque l’évidente simplicité de fabrication des outils paysans. La figure de l’artisan l’interpelle. La manufacture permet un lien de la ressource à la distribution et ouvre une place au designer, qui peut poser des questions au matériau et à celles et ceux qui les mettent en œuvre. Académie des savoir-faire de la Fondation Hermès, résidence au Cirva, à Marseille, exposition à la Manufacture royale de Saint-Louis dans le pays de Bitche, formation chez Normal Studio, collaboration avec FormaFantasma : Nicolas Verschaeve apprend le respect des milieux et de l’homme et met en lien artisans, ingénieurs et spécialistes des process.
Au printemps 2024 devrait émerger avec le Cnap une exposition à Maubeuge sur l’histoire du verre à vitres. À Nontron, en Dordogne, il a pris la direction pédagogique du post-master design des mondes ruraux, un programme hors-les-murs de l’Ensad qui interroge la place du design en milieu rural. Questionnements qui animent également le réseau Campagne Première dont il partage l’initiative avec Emmanuel Tibloux (Ensad), David Cascaro et Grégory Jérôme (Hear). Et il se réjouit de la micro-architecture qui servira désormais de billetterie au Ciav de Meisenthal. Son moto : fouiller l’ancrage de l’histoire culturelle pour assurer une production raisonnée.
Réputé pour ses multiples savoir-faire traditionnels, le Portugal met du cœur à l’ouvrage pour implanter ses marques « Made In Portugal » sur la scène design et ainsi développer son économie globale.
Avec un chiffre d’affaires de 3,9 milliards d’euros enregistré en 2021 d’après les données communiquées par l’agence publique Aicep Portugal Global, le Portugal confirme sa place en tant qu’acteur grimpant de la scène design. À l’export, les recettes engendrées par le secteur de la maison étaient de 2,9 milliards toujours d’après l’Aicep, avec un marché dominant en France, en Espagne et aux Etats-Unis. Un développement confirmé par la présence régulière de marques portugaises présentes sur les grands événements tels que Maison & Objet, le Salone Del Mobile ou encore l’ICFF. Les collaborations avec les designers se développent tandis que certains, d’origine portugaise, se sont aussi frayé à l'international, à l’instar de Toni Grillo ou Marco Sousa Santos, pour ne citer qu’eux. Un développement économique important dont le succès est notamment dû à la richesse des savoir-faire de nombreuses marques références, qui n’ont rien à envier à leurs voisins européens.
Un savoir-faire, une région
Art de la table, mobilier, linge de maison… Au Portugal, les savoir-faire sont nombreux et la majorité des usines de production se trouvent dans le nord du pays, avec une spécialité réputée dans chaque région. En effet, tout au nord, dans la région de Guimarães, sont produits les couverts et le linge de maison tandis qu’à Parades et Paços de Ferreira est produit le mobilier. La région d’Aveiro regroupe les usines de porcelaine et de céramique tandis que celles dédiées à la décoration, arts de la table et luminaires sont principalement regroupées à Leiria. Des savoir-faire traditionnels, pour la plupart représentés par des marques phares, à l’instar du groupe Matceramica, plus grand producteur de faïence de la péninsule ibérique et l’un des plus importants d’Europe ou encore de Cup & Saucer, plus grand producteur européen de gobelets (source : Aicep Portugal Global).
Multiplication des évènements dédiés
En plus de leur présence sur les événements internationaux, le Portugal a également ses propres rendez-vous annuels. La Portugal Home Week notamment, organisée en juin à Porto, est un bon exemple de cette volonté. Créé en 2019, ce rendez-vous B2B présente la crème du design portugais en gardant toujours un focus sur le savoir-faire et les technologies propres à l’industrie portugaise. À Lisbonne, le design est aussi au rendez-vous puisque la première Lisbon Design Week s’est tenue en mai 2023, en collaboration avec le salon Lisbon by Design, lancé en 2021. Une première édition réussie, puisque que le rendez-vous pour la prochaine édition est déjà donné, du 22 au 26 mai 2024.
La marque Steelcase, leader dans la conception d'espaces tertiaires, propose aujourd'hui un grand nombre d'aménagements hybrides. Une spécificité mise en place au sein du siège parisien de la marque pour répondre à la modification des habitudes engendrées par la crise sanitaire.
Ces dernières années, les employés de bureaux sont nombreux à avoir déserté les open space au profit de leurs salons. Un phénomène accentué par la pandémie, mais qui s’est depuis ancré dans les habitudes. En cause, un certain confort, mais avec comme conséquence une perte de dynamisme ou de cohésion au sein des entreprises. Convaincu que les exigences et les besoins ont radicalement évolué, l'entreprise française Steelcase propose désormais du mobilier hybride, à mi-chemin entre celui de l'habitat et du bureau. Une spécialisation de plus en plus attrayante pour les entreprises qui cherchent à faire revenir les collaborateurs en présentiel. Au Worklife Paris, siège de 1400m² de Steelcase France, la société a misé sur ce modèle d'agencement hybride. Grâce à des équipements technologiques, techniques ou design, les 80 personnes travaillant sur le site se réapproprient quotidiennement un espace adapté à leurs besoins.
Une restructuration gage de performances
Pour concevoir de tels équipements, Steelcase s'est basé sur les besoins évoqués par les entreprises et des études menées entre début 2020 et fin 2021 auprès de 57 000 personnes. Malgré les exigences divergentes entre chaque société (renforcement de la cohésion d'équipe, réaménagement dans des locaux plus petits...) l'étude a démontré que 62% des salariés français préféreraient disposer d'un bureau attitré dans l'entreprise. Pourtant, la majorité des employés de bureaux semblent vouloir rester chez eux. Un paradoxe social que l'enquête à analysé par 5 facteurs principaux : un environnement sûr, confortable, inspirant, performant et une possibilité de choisir l'emplacement de travail. Des exigences auxquelles les conceptions actuelles ne répondent pas, contrairement aux habitats personnels, puisque ces derniers combinent ergonomie et esthétique. : Or, la tendance valorisée par l'idée d'hybridation est justement d'allier ces deux univers. Une vision que l'on retrouve dans le mobilier, mais aussi dans une conception spatiale plus générale chez Steelcase. Les espaces d'accueil deviennent centraux à l'image des places de villages. L'échange y est favorisé par une restauration en accès libre, associé à un pôle informationnel. La communication informelle est ainsi favorisée, renforçant la cohésion et assurant un gain de temps pour le fonctionnement de l'entreprise.
Des espaces adaptés au travail seul ou en groupe
Aux yeux de Steelcase, renforcer les échanges et la communication ne se résume pas à la mise en commun des espaces de travail. À ce titre, Steelcase propose des lieux de partage divers et complémentaires. Le bureau, jusqu'alors point central de communication, évolue dans une version adaptable permettant à chacun de travailler dans une posture adéquate, en proposant des tables de travail ajustables en hauteur.
Dernièrement, c'est toute la gamme Flex qui a évolué autour d'un objectif : la mobilité. Tous les éléments sont montés sur des roulettes et offrent la possibilité de cloisonner de vastes plateaux en fonction des besoins. Regroupant de simples cloisons, des tableaux ou des écrans comme le Microsoft Surface Hub (un grand écran tactile et fonctionnant sur batterie), ces espaces s'adaptent parfaitement aux nécessités du moment. En parallèle, la marque a conçu une batterie externe, la flex mobil power, dédiée au travail en entreprise. Permettant à plusieurs appareils de fonctionner une journée durant, elle devient un gage de liberté et vient ainsi répondre à un nouveau besoin au sein des locaux professionnels.
À côté de cette gamme mobile, Steelcase propose une variété de structures fixes mais ergonomiques. Des salles de conférences aux cabines insonorisées plus personnelles en passant par des canapés convertibles ou des alcôves, la marque souhaite pouvoir apporter des solutions en adéquation avec les envies de chaque employé. Dernièrement, l'entreprise a même développé la PodTent, une micro-architecture conçue par Chris Pottinger qui a fait des tentes sa spécialité. Avec son armature facilement démontable et son allure légère et agréable, elle offre un espace intimiste et protecteur propice à la concentration.
Un ensemble d'alternatives aux bureaux stéréotypés, qui s'inscrit dans une inversion de nos besoins spatiaux : des lieux plus fermés pour le travail individuel et des lieux plus ouverts pour le travail collaboratif.
Des objets pensés pour le bien-être et l’efficacité
Si les pays latins ont toujours été moins enclins à considérer le bien-être au travail que les pays scandinaves, nombreuses sont les entreprises qui prennent désormais en compte ce phénomène indissociable du retour des employés sur site. Dans cette démarche, Steelcase a récemment sorti sa série de sièges Karman.Composée de 12 pièces assemblées sans vis ni colle dans un souci de recyclabilité, la particularité de cette assise tient principalement dans son dossier en résille. Cette matière très technologique a été pensée pour s'adapter à tous. Une conception qui illustre le questionnement de l'entreprise : répondre à l'usage par une adaptation du mobilier. Imaginée cette année, la lampe Eclipse en est le meilleur exemple. Au-delà de son rôle d’éclairage au sein de l'espace de travail, cet élément est un outil dessiné pour les visioconférences. Dotée d'un miroir, d'un variateur d'intensité et d'une surface antidérapante pour poser le téléphone, elle est l'incarnation même de l'évolution de nos habitudes. Par ces objets empruntant au domestique et au professionnel, Steelcase témoigne de la flexibilité du mobilier, en phase avec les évolutions sociétales.
C’est dans la Zone d’Activité Pelen Borda à Larressore, petite commune du Pays Basque français connue pour ses makhilas, que la manufacture Alki a décidé de construire son nouvel atelier Lantokia, (le lieu où l’on travaille) qui doit être livré au second trimestre 2024.
La Zone d’Activité va trouver un nouvel élan avec les artisans et designers de cette entreprise-coopérative militante, fondée en 1981 par Peio Uhalde et un groupe d’autochtones conscients de l’intérêt de renouveler le style basque. Lignes claires et simples, bois locaux et français sont les atouts de l’entreprise qui a su s’adapter au marché du contract en allant chercher ses clients au-delà des frontières régionales.
Sur la colline, l’agence LeibarSeigneurin Architectes, lauréate du concours, a choisi de construire sur une parcelle de 16382 m2, un bâtiment de 8260 m2 (contre les 4000m2 du bâtiment du village d’Itxassou) et de l’envelopper d’une peau d’aluminium écaillée dans laquelle se reflète le ciel bleu du Pays, sans avoir soulevé la moindre résistance des riverains, plus habitués au style labourdin.
Un nouvel élan culturel et artisanal
Actrice culturelle et économique engagée, la coopérative veille sous la direction de son nouveau PDG, Eñaut Jolimont de Haraneder, à construire des relations humaines fortes, à utiliser des pratiques de bon sens et à respecter son écosystème. Associant à la fois les techniques de l’artisanat et de l’industrie, elle a su garder un savoir-faire unique dans le travail du bois massif. La construction de ce nouvel atelier est un moyen d’accompagner sa croissance et de se projeter vers le futur tout en restant soucieux de l’impact environnemental de l’entreprise et du respect du territoire. Un projet architectural qui doit renforcer la jonction entre l’artisanat et la technologie de pointe, le savoir-faire des compagnons au service des clients internationaux. Nombreux sont les designers qui y ont trouvé leur bonheur : Jean-Louis Iratzoki, Patrick Norguet, Samuel Accoceberry, Form Us with Love, Ànder Lizaso, et dernièrement Patrick Jouin avec la chaise Orria qui meuble la salle ovale de la BnF Richelieu à Paris… La convivialité et l’élégance des meubles Alki se retrouve aussi bien au restaurant Promulins en Suisse, qu’à Hong Kong à la Cobo House du chef Janice Wong ou au restaurant Franck de la Fondation Louis Vuitton. Une vingtaine de collections offrent une lecture contemporaine de la convivialité. En chêne français, en hêtre ou en Bioplastique comme la Kuskoa Bi, première chaise au monde en bioplastique, les produits Alki équipent CHR et bureaux avec chaleur, bienveillance et discrétion.
Mieux produire
Ce projet en réflexion depuis 2015, a l’ambition de transformer l’atelier vieux de 40 ans pour le faire évoluer en termes de production et en termes d’environnement de travail. Efficacité, fonctionnalité, confort d’usage pour les ouvriers-artisans et 3000 m2 de boutique pour les visiteurs qui profiteront d’un showroom avec vue, irrigué par une lumière solaire et ventilé par une façade écaillée en aluminium, comme une peau de poisson qui réfléchira la lumière sur le paysage. L’efficience énergétique du bâtiment est à son optimum avec une STD, simulation thermique dynamique. La toiture à 3% est idéale pour les panneaux photovoltaïques, ce qui en fait une usine 0 énergie, une dentelle métallique sur un sol en béton et en pierre capable de produire 10000 assises et 3000 tables par an. La dynamique basque.