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Symbole de la nouvelle vague du design tchèque, le duo de designers LLEV évolue dans un univers singulier. Leurs créations multiples s’inscrivent avec exigence dans une temporalité en phase avec la nature.
« Mother Nature » résonne comme un cri du cœur… C’est le titre de la dernière présentation, de Eva Mochalová et Marcel Mochal, à la Design Block 2021, qui a eu lieu dans le bâtiment historique du Musée des Arts décoratifs de Prague, dans une scénographie très remarquée. Panneaux décoratifs de papiers peints aux feuillages sombres, banc et table en bois au design rigoureux, verrerie et céramiques sophistiquées… Au fil des collections, les objets s’additionnent sans vraiment de lien apparent, sans se contredire pour autant… Un fil rouge qui leur appartient, les unit sous le nom de LLEV, en référence au lion l’emblème du pays (« lev », c’est le lion en tchèque).« Notre travail est influencé par nos rêves et notre vie, ainsi que par les matériaux… Il résulte de nos recherches liées à l’artisanat traditionnel et aux savoir-faire de notre région, qui aboutissent à des produits sur commande et éditions limitées, pour les galeries ou les marques telles que Ton, Jika, Bomma. Notre premier objectif est de développer un design basé sur la forme et la fonction, mais aussi le message… »
Parcours en duo
Ces créateurs confirmés se sont rencontrés sur les bancs de l’Académie des arts et d’architecture (UPRUM) à Prague, étudiant les arts de la porcelaine et de la céramique pour Eva, l’art du verre pour Marcel. Après des parcours personnels en Europe, ils fondent leur studio en 2004, un laboratoire expérimental, situé à Turnov dans la région de Paradise Bohème, la plus ancienne zone paysagère protégée de la République tchèque, inclue dans les géo-parcs de l’UNESCO. Source d’inspiration intarissable, les paysages constituent les lieux les plus inspirants pour ces designers ouverts et curieux. Dans les méandres des sentiers pédestres ou des châteaux de rocailles, ils ancrent leur univers au coeur de collines verdoyantes, dignes de contes de fées, peuplés de braves chevaliers et de voleurs barbus, sans naïveté aucune… « Nous travaillons beaucoup à l’intuition, avec des méthodes modernes et dans le respect des exigences de nos clients. Nous sommes à la fois artistes, designers et rêveurs.
En 2009, ils découvrent en Indonésie les techniques artisanales traditionnelles de l’art textile du batik et la fabrication d’objets en bois. De ce voyage d’études en découle la table Oldman, le mobilier de jardin Laba-Laba en vieux bois de teck, pour le constructeur de maisons écologiques tchèque Manumade. Poursuivant la quête des savoir-faire, notamment celui du verre, un incontournable de la Tchéquie, ils participent au Symposium International du Verre (IGS) à Novy bor en 2012, et à chaque session de la Design Block à Prague où leur travail largement reconnu a été plusieurs fois primé (meilleur produit en 2016 pour la table Moon).
Expérimentation
La recherche est au centre de la mécanique bien rôdée de leur travail; l’idée germe de la typologie même du produit aussi bien que du matériau. Il s’agit toujours d’une histoire particulière à raconter. Si le bois, le verre, le papier leur sont familiers, le tandem indissociable passe d’un matériau à l’autre, avec une facilité déconcertante. Les imprimés originaux sont issus des motifs de végétaux collectés au cours de balades dans le paysage bucolique de Bohème, tandis que la conception des planches à découper de cuisine (Kvaadr), a été élaborée avec le Richlite, composite compact, fabriqué à partir de papier kraft recyclé et de résine. Avec une attirance pour le verre lié à la densité des cristalleries dans la région, Eva et Marcel explorent de nouveaux procédés, parfois stupéfiants. En témoignent les petites séries, Smooth et Innatura réalisées en verre soufflé dans des moules en mycéllium. Ce phénomène naturel a été déjà expérimenté depuis dix ans par de nombreux designers ; mais la façon dont LLEV s’en empare, a abouti à des objets innovants et sensibles. 100 % recyclable, composé de mycéllium (champignon choisi localement), le moule façonne différentes empreintes à chaque fois en se consumant par la chaleur de la pâte de verre soufflé, soulignant le caractère d’unicité de chaque pièce de la production.
La magie de Dame Nature opère, par le feu et la croissance naturelle du champignon, jouant ainsi avec le temps et le hasard ! Engagés tous deux, dans la préservation des ressources naturelles, Eva et Marcel tentent de limiter leur impact lors de la production d’objets, vers un design durable, de ne pas dépendre d’un système industriel, d’être autosuffisant afin de vivre en symbiose avec la planète. Autre expérience, cette fois issue de savoir-faire, l’utilisation de l’ancienne « technique de l’iris » de l’Art nouveau. La collection de vases à facettes polygonales Nueevo est directement influencée par cette période faste de production des Arts décoratifs. Comme dans chaque projet, propre à leur démarche, la technique y est détournée, jusqu’à l’obtention des effets souhaités de coloration par pulvérisation d’une émulsion spéciale appliquée sur du verre chaud. Mais LLEV ne livre pas tous ses secrets de fabrication…
Savoir-faire et transmission
Depuis 18 ans, LLEV conçoit des produits entre artisanat traditionnel et techniques modernes, et en filigrane tend vers la transmission des savoirs. « Nos outils les plus précieux sont l’intuition, le courage, un marker noir et du papier… » A travers l’enseignement, qu’il exerce depuis 2008 dans les écoles d’arts appliquées en Tchéquie,-un don, selon sa femme Eva, admirative-, Marcel est convaincu que les étudiants se doivent de connaitre l’artisanat, d’apprendre à manier aussi bien le crayon que les logiciels informatiques. Grâce à ses qualités d’écoute et de conseil, il les encourage à poursuivre leurs rêves, tout en restant eux-mêmes. Afin de prolonger et de préserver leurs projets, de marquer une période leur vie professionnelle, LLEV a conçu un journal visuel, Showcase, rassemblant leur production mais aussi, un patchwork de documents, photos, graphismes et interviews. « Depuis nos débuts, notre philosophie n’a pas beaucoup changé, nous avons besoin d’une discipline de travail, tous les jours pour créer. »
Adam Štěch, théoricien du design et de l’architecture, éditeur de l’ouvrage, les définit ainsi : « Ils sont tous deux le reflet de la renaissance du design tchèque, dans une approche différente, tout puisant leur inspiration dans la nature avec humilité et intégrité. »
À l’occasion de la prochaine édition de Maison&Objet du 8 au 12 septembre, l’organisation lance un nouveau tremplin intitulé « Future on stage », dédié aux jeunes entreprises du design, de l’art et de la création. Les candidatures sont ouvertes jusqu’au 31 mai.
Dans l’optique de faire profiter de l’écosystème qui stimule les échanges et de provoque des rencontres tout au long de l’année, Maison&Objet souhaite aller plus loin en valorisant également la force d’innovation et participer à la croissance de jeunes entreprises qui changent la société et font avancer le secteur du design, de la décoration et de l’art de vivre. Ils lancent ainsi pour sa prochaine édition de Maison&Objet « Future on stage ».
Les conditions de participation
- Être une jeune marque de moins de 3 ans
- Proposer un ou plusieurs produits qui entrent dans l’univers de la décoration, du design et de l’art de vivre
- Être une entreprise avec une identité de marque déjà existante (charte graphique, univers visuel, storytelling)
- Avoir déjà testé et/ou vendu ses produits et être prêt à accélerer la production avec une ouverture sur le marché international
- Ne pas avoir été exposé sur le salon Maison&Objet auparavant
Les dossiers sont à envoyer en ligne avant le 31 mai. Les résultats de pré-sélection seront communiqués par mail le 13 juin prochain.
Une visibilité durant toute la durée du salon
Pour le lancement du tremplin, 3 lauréats seront sélectionnés et mis en avant pendant le salon de septembre. Ils seront sélectionnés par un jury d’experts du secteur et bénéficieront d’un programme d’accompagnement sur-mesure dans l’optique de leur offrir une expérience la plus optimisée possible, à savoir :
- Une exposition scénographiée au cœur du salon Maison&Objet, permettant une visibilité sur les médias et canaux de communication du salon ainsi que sur la presse française et internationale
- Des rencontres organisées avec les visiteurs du salon, les partenaires, des retailers, prescripteurs et distributeurs internationaux
- L’accès à un marché international avec la possibilité de vendre à de grands acheteurs
- Une valorisation de leur marque à travers des contenus publiés sur les réseaux sociaux et le magazine de Maison&Objet
- Une présence sur la plateforme digitale Maison&Objet & More (MOM)
Informations et inscriptions sur : https://www.maison-objet.com/paris/future-on-stage-appel-a-candidature
Le musée des dentelles et broderies de Caudry valorise la modernité de son patrimoine vivant et des ateliers de son territoire via des expositions temporaires de jeunes couturier. Avec six maisons dentellières encore en activité, Caudry est aujourd’hui le pôle mondial pour la fabrication de la dentelle destinée à la haute couture et au prêt-à-porter de luxe. Le musée, situé dans un ancien atelier de 1898, évoque aussi les autres arts textiles du Caudrésis. Tissage, tulle, guipure et broderie font partie de la tradition textile de Caudry. Il se projette surtout dans l’avenir avec des expositions temporaires régulières qui mettent en avant le travail de couturiers actuellement en vogue. En ce moment, et jusqu’au 24 décembre 2022, le collectif On Aura Tout Vu, dévoile sa passion pour le détournement des belles dentelles.
Roger ne s’y attendait pas. Des gens venus des quatre coins de France et d’ailleurs l’écoutent parler religieusement. Scrutent ses moindres faits et gestes. Dissèquent chacun de ses mouvements et admirent sa dextérité, suivent des yeux le fil de son histoire (et de son ouvrage)… ou du moins ils essaient. « Il y a quelque chose de magique quand on voit tous ces fils se croiser, se nouer, s’entrelacer et devenir s’enthousiasment devant ce crochet fabriqué de ses mains à l’aide d’un hameçon de pêche et d’une douille de cartouche ramassée dans les bois. » Puis quand le silence revient, après le ballet des 1096 chariots qui viennent capturer un fil de trame que la navette de la chaîne vient de soulever, les questions fusent. « Que se passe-t-il si un fil casse ? » « Combien de temps faut-il pour faire un centimètre de dentelle sur ce métier Leavers de 1891 ? » « Etes-vous artisan d’art ou artiste ? « Quelles sont les qualités à avoir pour pratiquer ce métier d’art ? » « Combien êtes-vous en France et dans le monde à savoir faire cela ? »
À la cinquantaine passée, le tulliste a vu sa carrière professionnelle prendre un tournant absolument inattendu. C’est pourtant une évidence. Le caudrésien est le meilleur des guides conférenciers qu’un musée puisse rêver avoir. Pendant plus de 23 ans, il a fabriqué de la dentelle sur des métiers centenaires de Sophie Hallette, l’une des six dernières entreprises mondiales capables de produire cette dentelle exceptionnelle, aujourd’hui rassemblées sous le label Solstiss. Ou plutôt il a réglé les machines qui ont permis de fabriquer la plus belle, la plus fine et la délicate des dentelles : la Leavers.
Un peu de mécanique
Contrairement à la plupart des autres dentelles, la dentelle Leavers n’est pas tricotée. Les plus courantes, celles que l’on achète dans le commerce, en grande diffusion, qui court partout sur les bretelles de soutiens gorge jusque dans les dos, qui subliment les manches, cols ou poignets de nos chemisiers, voire sur le corps tout entier, sont réalisées comme des pulls. Il s’agit de mailles dont les boucles s’enchevêtrent les unes dans les autres. Un seul fil est crocheté pour constituer l’étoffe.
Leavers ou Textroniques
À l’inverse, la dentelle Leavers est réalisée sur un métier spécifique, baptisé métier Leavers du nom de son inventeur britannique John Leavers. Apparu en 1813 et après avoir fait la fortune des tisserands caudrésiens qui ont su exploiter toutes les capacités de ces métiers, il n’en reste aujourd’hui que très peu et leur fabrication s’est arrêtée à la moitié du siècle dernier. Les seuls encore en activité le sont en France, exclusivement dans le Nord. À Calais, les métiers plus étroits pourvoient la dentelle Leavers de la lingerie et de la corsetterie haut de gamme.
À une cinquantaine de kilomètres de là, Caudry, qui n’a pas perdu son outil de production durant la première guerre mondiale, a pu offrir de larges métrages de la plus fine et de la plus délicate des dentelles. C’est sur des métiers Leavers de Caudry que les dentelles des robes de haute couture sont imaginées, conçues et produites. Les couturiers estiment d’ailleurs que la Leavers est la « vraie » dentelle. Les autres, « textroniques » ou « Rachel », n’en seraient que des très pâles imitations. John Leavers peut en outre se flatter d’être le père du seul tissu né en Europe et d’avoir a mis au point un métier à tisser (qui reprend le principe du tissu) auquel une étape de nouage supplémentaire rend l’étoffe beaucoup plus aérée.
Orgues de Barbarie
En effet, les rangées horizontales de fils qui sont traversées alternativement et selon un ordre très précis, de l’ordre de la partition de musique, justement programmé sur des cartons qui rappellent ceux des orgues de Barbarie, peuvent s’arrêter à tout moment … puis reprendre plus loin. La Leavers ressemble à réseau tentaculaire et arachnéen de petits nœuds dont la finesse et la légèreté sont sans pareil. Ils forment des dessins, des graphismes et des perspectives qui font toujours aujourd’hui le bonheur des stylistes de mode. Au-delà des motifs floraux et végétaux, dont les programmes jacquards s’entassent à perte de vue dans les réserves du musée, la tendance s’oriente très clairement vers des esthétiques beaucoup plus géométriques, voire cubistes ou pointillistes.
On a pas encore tout vu
C’est une évidence lorsque l’on poursuit le parcours de la visite du musée. Comme de tradition, le premier étage de l’ancien atelier de dentelle en brique rouge et à large baie vitrée qui abrite le musée, consacre son espace à une exposition temporaire contemporaine. En ce moment Caudry met à l’honneur le collectif de haute couture On aura Tout Vu. Composé de Livia Stoïanova et de Yassen Samouilov, On Aura Tout Vu est une maison anticoformiste, qui a fait défiler des drones, sculpté de la céramique, bakélite ou composite pour habiller des corps féminins, et fait voler dans les plumes pas mal d’idées reçues sur cette activité typiquement française à cheval entre l’artisanat et l’art. Elle est extrêmement fidèle à la dentelle Leavers et n’a jamais travaillé qu’avec de « vrais denteliers » – ceux de Caudry. L’exposition (Re)Belles dentelles braque les projecteurs sur leur extrême créativité mais aussi sur l’immense potentiel de la dentelle Leavers. Elle apparaît ici sous un jour très moderne, presque futuriste.
Florent Coirier travaille seul dans son studio de 65 m2, rue d’Aubervilliers, entre le Centquatre, espace culturel et artistique installé sur le site du service municipal des pompes funèbres de Paris et face aux zones d’expédition de la Gare du Nord. Entre son four, ses écrans et son imprimante 3D, il ne s’ennuie pas, travaille pour Emu, Serralunga à grande échelle ou moule et cuit ses propres pots en terre pour bonzaïs japonais.
Une famille de « castors »
Au collège, il apprend en 4e qu’il existe dans l’Éducation Nationale, une section Arts appliqués grâce à son professeur d’Arts plastiques, Monsieur Tenot, professeur génial, artiste à ses heures à côté de l’enseignement, passionné d’architecture et de chaises, qui leur apprend la perspective, trace des bâtiments et leur donne envie de dessiner des objets ou des meubles pour les équiper. Ses perspectives à la Blade Runner, ses dessins de chaises à l’échelle 1/5e, en 4e, en 3e, sont toujours dans le grenier de la maison de ses parents. Au Lycée à Nantes, il passe un Bac Arts appliqués, anciennement F12 et intègre l’ENSAMAA, Olivier de Serres à Paris pour un BTS.
« Dans ma famille, une famille de ‘castors’, tous mes oncles savaient monter une maison ». Avec Olivier de Serres, il profite d’un échange de deux ans et demi en Angleterre où il passe une licence encore « à la campagne », à Birmingham où il apprend l’autonomie dans le travail. Son projet, il devait le suivre seul, se débrouiller seul, « indirectement, c’est formateur » et son travail au Midlands Art Centre de Birmingham ne servait qu’à compléter sa Bourse de Mérite anglaise.
De retour en France, il travaille directement en agence sur de la PLV mais avant de se lancer seul, fait trois ans « de classes » chez Christophe Pillet pour apprendre le B.A. BA du design : combien coûte une prestation, comment la facturer et à quel taux s’élèvent les royalties. Réputé pour ses collaborations avec de grands architectes, Christophe Pillet le met d’emblée à travailler sur des projets de meubles. Il participe aux concours Ligne Roset ou Cinna… mais son premier projet qui sort et qu’il signe, c’est avec la marque belge Modular, spécialiste du spot ultra technique, destiné aux espaces de ventes, musées ou galeries d’art en tout genre. La lampe à poser Polka sort chez Habitat et y est toujours en vente. Il quitte alors le studio de Christophe Pillet et se met à son compte profitant de la mise à disposition d’espaces par les Ateliers de Paris, rue Faidherbe (aujourd’hui BDMMA, Bureaux du Design, de la Mode et des Métiers d’Art de la ville de Paris).
Démarcher les plus grands
Florent Coirier se met alors à démarcher les plus grands pour une diffusion plus large et sa chaise Lyze pour Emu a été éditée aujourd’hui à plus de 6000 exemplaires. Chez Emu, la chaise Mom, est éditée à plus de 10000 exemplaires par an. Elle est devenue leur deuxième best-seller. Ils sont passés d’une production manuelle à un assemblage robotisé. La Lyze aux USA est tout en acier inoxydable. Coût supérieur pour des normes plus exigeantes ? « Il faut poser la question à Emu. Mais sa présence dans les Starbucks suffit à valider son humanité.»
Il entretient une bonne relation avec Modular qui chaque année le fait travailler sur un brief, qui prend suite très souvent comme avec la ligne de spots Qbini, développés en plusieurs tailles et formes.
Avec David Design, le suédois d’Helsingborg, il a développé une série de canapés Goliath. Il a croisé le « boss » sur son stand lors du salon du meuble de Milan en 2018. L’entreprise lui a plu pour son côté familial. Il s’est déplacé jusque là-bas, passant par Copenhague, Helsingborg puis en voiture avec le ‘boss’ jusqu’à l’usine à Ulricehamn, pour seulement deux heures de réunion mais un contact avec l’équipe qui ne pourrait exister par Zoom ou par Skype. Un an après il dessine un daybed Planar particulièrement efficace à l’heure du Covid où tout le monde a dû affronter les règles du confinement, de la distanciation et du travail à domicile. Le fauteuil de bureau est en étude pour une sortie à Stockholm en février 2023.
L’aventure Serralunga
Contacté il y a un an par Marco Serralunga pour une chaise de bistrot à lattes en plastique, en tecno polymère ou plastique injecté et recyclé, Florent Coirier a tenté l’aventure de repenser sa chaise. « C’est la première fois que je reçois un mail d’entreprise qui me demande de dessiner une chaise ». Car « comment dessiner une nouvelle chaise quand on en a déjà dessiné une ? » lui demande souvent ses amis. Réaliser un moule à 250000 euros demande une certaine confiance de la part du fabricant.
Il a donc passé un mois à travailler son projet et a envoyé une dizaine de dessins différents en espérant que Marco Serralunga choisirait le bon, son préféré. Bingo, cette chaise dédiée à la collectivité avec ses lattes plates a tapé dans l’œil de Marco, classique de l’inconscient populaire et le fabricant s’est fait plaisir dans les connexions de matière et l’a rendu possible, toute en plastique injecté. Son premier prototype, il l’a vu par photo, avec un prix estimé à 138 euros.
Pour communiquer, il utilise Instagram, n’ayant pas les moyens de s’offrir des pages de publicité dans les magazines. Pourtant une autre presse s’intéresse à lui, une presse spécialisée non pas dans les fleurs mais dans les bonsaï. Tout comme son ami Adrien de Melo, designer au sein de RDAI, le Japon le fascine et il n’a pas hésité à s’offrir un mois de formation auprès d’un maître bonsaï, Kunio Kobayashi, propriétaire du Shunkaen Bonzaïs Museum de Tokyo Edogawa.
Avec lui, il apprend la vie du bonzaï et la fusion entre l’arbre et la céramique. D’abord en balayant simplement l’atelier puis progressivement en prenant la main sur l’art de la taille. A Paris, sur son tour et dans son four, il fait des essais de couleurs et de matières, allant du charbon le plus noir à l’ocre le plus rouge en passant par le sable le plus doré et le blanc le plus crayeux.
Ses pots déclinés en plusieurs dimensions font le bonheur des amateurs de bonzaïs qui rêvent de cultiver un chêne, un bouleau ou un ficus à l’échelle de la miniature. Mais dans son studio, il suffit d’ouvrir la porte coulissante de sa mini-serre pour comprendre que Florent Coirier est capable de résister à tous les climats, humide ou froid, ensoleillé ou brumeux, flatteur ou critique.
La seconde édition d’Homo Faber, intitulée « Leaving Treasures of Europe and Japan » (Trésors vivants d’Europe et du Japon en français) s’est tenue du 10 avril au 1er mai à Venise. Un rendez-vous d’artisanat qui regroupait 850 pièces de 400 designers, réparties en 15 expositions. L’occasion d’en découvrir plus sur les métiers d’art et sensibiliser les jeunes générations. Une question qui a été au coeur de la conférence organisée par la maison Cartier et animée par le directeur de la fondation MichelAngelo et organisateur d’Homo Faber, Alberto Cavalli. Des échanges qui ont été enrichis par les expériences de quatre invités : Anne Midavaine, Pierre Rainero, Philippe Nicolas et Sebastian Herkner.
« Les artisans ont la capacité de transformer quelque chose de beau en quelque chose qui a du sens. » Cette phrase d’Alberto Cavalli prononcée en début de conférence, pose le cadre. Persuadé de la nécessité de nourrir les âmes autant qu’il faut nourrir les corps, c’est avec cette volonté de faire valoir le beau qu’Homo Faber est née. Si la première édition de 2018 avait été remarquée, l’organisation de la seconde, retardée par la crise sanitaire, a enfin pu avoir lieu, avec l’envie toujours plus grandissante de faire découvrir les savoir-faire artisanaux, aussi précieux soient-ils.
L’artisanat d’art, un travail d’équipe
Anne Midavaine, directrice de l’atelier Midavaine, travaille pour Cartier depuis 2013 : elle imagine et crée les panneaux laqués exposés dans les boutiques du monde entier. Un travail de dur labeur qui est le résultat d’une collaboration entre toutes les personnes qui participent aux projets. « C’est tout l’atelier dans son ensemble qui est le maître d’art. Toutes les personnes qui y travaillent sont importantes et apportent une touche qui fait la différence. L’atelier agit comme un interprète, il n’est pas simplement un exécuteur. » témoigne t-elle. Anne Midavaine collabore ainsi avec des décorateurs tels que Laura Gonzalez, mais travaille également de manière étroite avec les équipes Cartier, notamment avec Pierre Rainero, directeur du patrimoine, de l’image et du style de la maison de haute-joaillerie. Pour lui, ce partenariat était l’opportunité d’un élargissement de la créativité chez Cartier. « Nous avons commencé à travailler avec l’atelier Midavaine dans l’optique d’exprimer les valeurs que nous chérissons, mais d’une nouvelle façon. Cartier ne fait pas de laque dans ses ateliers, c’est donc quelque chose que nous admirons, et nous sommes ainsi très ouverts en terme de propositions artistiques. »
Le temps, coeur du savoir-faire artisanal
Le savoir-faire artisanal s’apprend et se cultive dans le temps, et réussir à sensibiliser le plus grand nombre reste un défi de taille. « Pour arriver à avoir quelque chose de beau, il est important de laisser le temps aux artisans de créer, d’imaginer et surtout il faut prendre le temps d’investir dans une nouvelle génération d’artisans. » commente Alberto Cavalli. Dans cette optique, l’organisation d’Homo Faber avait engagé sur place une centaine d’ambassadeurs pour parler des oeuvres exposées aux visiteurs. Originaires de toute l’Europe, ces derniers sont tous ancrés dans le milieu de l’artisanat d’art. Une initiative qui respecte la volonté d’Homo Faber de sensibiliser la jeunesse, et qui passe par la découverte et l’ouverture au monde de l’art, en témoigne Anne Midavaine : « J’ai envie de dire à tous ces jeunes : laissez l’art venir à vous, ne soyez plus simplement des spectateurs, soyez créateurs ! » Une idée que rejoint Philippe Nicolas, maître glypticien chez Cartier. « La formation passe aussi par la reconnaissance. Si on ne fait que former des gens à une tâche, on les enferme dans une optique précise de création. Mais en leur donnant la possibilité d’exprimer leur vision, ils peuvent ainsi affirmer leur créativité et apporter de nouvelles idées. » ajoute t-il.
Un devoir de transmission
Au-delà de cet investissement humain, mobiliser les jeunes générations passe aussi par la transmission de savoirs qui permettront à ces nouveaux artisans d’évoluer. Et qui de mieux qu’un maître d’art pour en parler ? Philippe Nicolas, maître d’art glypticien chez Cartier depuis une douzaine d’années, voit dans sa profession une responsabilité importante de transmission du savoir. Il explique : « J’ai un peu le rôle d’un passeur, c’est-à-dire que j’essaye de transmettre à ma manière l’expérience que j’ai en confrontation avec la matière. Ce que je tente d’enseigner à mes élèves, c’est de réussir à dévoiler ce qu’on ne voit pas, ce qui est un peu la définition de l’art quelques fois. »
Et si cette responsabilité de transmettre un savoir-faire artisanal est primordiale entre êtres humains, il est également important qu’ils évoluent. Les nouvelles technologies participent ainsi au développement des savoir-faire, sans les dénaturer. Pour autant, certains d’entre eux peuvent être mis en danger s’ils ne sont pas conservés correctement. C’est l’idée exprimée par le designer et curateur d’exposition, Sebastien Herkner. Parti de son expérience personnelle, il raconte : « La ville où j’ai étudié en Allemagne était très réputée dans le domaine du cuir. Avec les nouvelles technologies, toutes les usines spécialisées ont disparu, ce qui a fait perdre à la ville son identité selon moi. En tant que designer, je pense qu’il est important d’utiliser les savoir-faire artisanaux, mais qu’il est intéressant de se servir des nouvelles technologies pour produire de nouvelles pièces. Tout est question d’équilibre entre les deux. »
Plus que de créer, il faut s’imprégner des histoires qui se cachent derrière les produits. Artisan pour Cartier, designer, ambassadeur, curateur ou simple spectateur, les savoir-faire artisanaux constituent un trésor pour les générations futures, et le plus important est de continuer à les faire perdurer. « En visitant Homo Faber ne soyez pas indifférents, soyez différents. » conclut Alberto Cavalli.
Le salon Workspace Expo, en tenue conjointe avec le Salon de l’Environnement de Travail et des Achats, revient du 30 mai au 1er juin au sein du Pavillon 7.2 de la Porte de Versailles. Une opportunité unique pour rencontrer les donneurs d’ordre et les prescripteurs, soit la globalité du marché.
La crise sanitaire a indéniablement modifié le regard porté par les collaborateurs et par les directions générales sur les espaces de travail. Les enjeux sont nombreux : flex office et télétravail, outils connectés et solutions technologiques, bien-être des collaborateurs et marque employeur. Face à ces défis, Workspace Expo, salon annuel leader en Europe pour le design, le mobilier et l’aménagement des espaces de travail, est le lieu incontournable pour présenter les innovations et les réponses les plus pertinentes.
Workspace 2022 : se réinventer pour faire encore mieux
En 2021, le salon Workspace Expo avait pu compter sur la participation de 300 marques présentes sur place, dont 130 internationales. Venus à leurs rencontres, ce sont presque 18 000 visiteurs qui avaient parcouru les allées du salon pour les découvrir. Une édition 2021 qui a été celle des retrouvailles après deux années perturbées par la crise sanitaire, mais dont les résultats avaient été très encourageants, tel que l’avait affirmé le directeur du salon, Laurent Botton.
Pour cette nouvelle édition, le salon sera toujours plus étoffé, plus intéressant et surtout toujours plus vivant. Avec une nouveauté cette année, un nouvel espace intitulé « Technologies et Innovations », pour encore mieux appréhender les solutions connectées.
Après quatre ans de fermeture, le Pullman Paris Montparnasse a réouvert ses portes, plus en beauté que jamais. Une rénovation menée par le cabinet CUT Architecture, dans le cadre du projet « Les Ateliers Gaité » géré par le groupe Unibail-Rodamco-Westfield. Un nouvel hôtel aux multi-tâches, offrant à la fois des espaces où dormir, manger, travailler, faire du shopping ou même faire la fête.
Inauguré en décembre 2021, le nouveau Pullman Paris Montparnasse, fraichement rénové après quatre ans de travaux, offre son lot de surprises. Haut de 32 étages, l’hôtel abrite en effet 957 chambres, mais pas que. En effet, le Pullman Montparnasse c’est aussi : 1200m2 de bureaux exploitables dont une salle de réception de 742m2, deux restaurants, un centre commercial de 70 boutiques, une crèche ainsi qu’un tout nouveau Skybar perché à 115 mètres de hauteur. Un nouvel espace tout-en-un en adéquation avec la volonté de rendre le quartier de la Gaité-Montparnasse de plus en plus attractif. « Le Pullman Montparnasse fait partie des quatre gros porteurs parisiens qui avaient été construits dans les années 70. En fermant l’hôtel pendant si longtemps, on a fait en sorte de le repenser pour les 50 prochaines années. » témoigne le directeur général de l’hôtel, Jérome Cherpin.
Le cabinet CUT Architectures en charge du projet
Pour la rénovation de l’hôtel, le groupe Accor a fait confiance au cabinet d’architecture CUT. Pour cette agence pluridisciplinaire composée alors de 7 personnes au moment de l’acquisition du projet (ils sont aujourd’hui 12), il s’agissait d’un vrai défi à relever. « Le cabinet n’avait jamais travaillé sur un projet d’hôtellerie auparavant, c’était tout nouveau pour nous. Et finalement, l’hôtel combine plusieurs programmes : on y retrouve de la restauration, de l’aménagement d’espaces de travail, de chambres et d’espaces communs. » explique Benjamin Clarens, l’un des co-fondateurs de CUT.
En effet, le groupe Accor avait lancé un concours fin 2015 pour définir quel serait le cabinet en charge des rénovations. De la conception des chambres aux nouveaux restaurants en passant par l’impressionnante salle de réception, la ball room, ce projet a été l’occasion pour la cabinet d’évoluer de manière significative.
Parti avec peu de contraintes, si ce n’était d’avoir plus d’espaces dotés de lumière naturelle et respecter les contraintes matérielles liées à la condition d’IGH (Immeuble à grande hauteur) de l’hôtel, le cabinet est très satisfait du résultat. « À notre grande surprise, nous avions eu peu de contraintes dès le début du projet. Et au vu du résultat, nous sommes vraiment contents et fiers d’avoir tenu notre projet jusqu’au bout » confie l’autre co-fondateur de CUT, Yann Martin.
Le Skybar Paris, plus haut rooftop de la capitale, inauguré au Pullman Montparnasse
Perché à 115 mètres de hauteur au 32e étage, le Skybar Paris est la premier à ouvrir en Europe et va pour sûr devenir l’un des nouveaux espaces branchés de la capitale. Le plus : la terrasse qui offre une vue à 180° sur la Tour Eiffel, le Panthéon ou le quartier de la Défense. Un lien pensé pour vivre une expérience unique, et dont la gestion a été confiée à Guillaume Gerbois, habitué des hôtels renommés. Entre cocktails signatures et plats raffinés, le ton est donné.
Modèle iconique de Vitra, la chaise Panton sort une nouvelle édition en quantité limitée. Bicolore, elle est vendue exclusivement chez The Conran Shop, en France et en Angleterre, entre le 2 mai et le 30 juin.
Sa forme incurvée a fait d’elle une icône du 20e siècle. Conçue en 1959 par l’architecte et designer danois Verner Panton, la chaise Panton a été développée en collaboration avec Vitra à partir de 1967, faisant de celle-ci la première chaise tout en plastique à être fabriquée en une seule pièce.
Panton duo : 2 couleurs pour 100 exemplaires
En exclusivité pour The Conran Shop, la chaise Panton fait son grand retour avec une édition limitée de 100 exemplaires. Rebaptisée Panton Chair Duo, en raison de son aspect bicolore, ce nouveau modèle a été imaginé en étroite collaboration avec la famille Panton. Avec sa coque en polyuréthane avec une finition laquée brillant, la chaise Panton Duo sera disponible en cinq combinaisons de couleurs différentes : gris et bleu, bleu et violet, rose et violet, rouge et rose, rouge et jaune. Chaque chaise sera vendue au prix de 1883€.
Un nouveau modèle exclusif à venir découvrir 117 rue du Bac, 75007 Paris ou sur : www.conranshop.fr du 2 mai au 30 juin.
Les Grands prix de la Création de la ville de Paris récompensent les talents de l’univers de la mode, du design et des métiers d’art. Une nouveauté cette année : l’attribution d’un septième prix dédié aux accessoires de mode. Plus que deux semaines pour déposer un dossier ; les candidatures étant ouvertes jusqu’au 15 mai.
Créés en 2003, les Grands Prix de la Création de la ville de Paris ont pour vocation de récompenser des professionnels issus du secteur de la mode, du design et des métiers d’art. Dans chaque catégorie – mode, métiers d’arts, design – deux prix sont attribués :
- Le Grand Prix, qui récompense un professionnel pour la qualité de son projet et de son parcours, sa stratégie de développement et pour son engagement dans la transmission des savoir-faire et innovations. Ce prix est spécifiquement adressé aux professionnels expérimentés et aux marques avec un développement avancé.
- Le Prix Talent émergent, qui, contrairement au premier, récompense un professionnel sans expérience notable, mais dont le projet est prometteur.
Pour cette nouvelle édition, la ville de Paris attribuera un 7e prix, le Prix Accessoire de mode, qui distinguera un projet d’accessoires émergents ou confirmés (maroquinerie, chaussures, gants, ceinture etc.). Un prix attribué en partenariat avec ADC – Au-delà du Cuir.
Pour cette nouvelle édition la présidence des Grands Prix a été confiée à François Azambourg pour le design, à Christine Phung pour la mode et à Ludovic Avenal pour les métiers d’art.
Les conditions de participation aux Grands Prix de la Création
Pour participer, le candidat doit remplir plusieurs conditions :
- Etre un créateur évoluant dans les secteurs du design, de la mode et des métiers d’art, depuis au moins un an à sa date d’inscription au concours
- Etre âgé de plus de 18 ans
- Il n’est possible de s’inscrire que dans une seule des trois disciplines en lice
- Un lauréat d’une des éditions précédentes, ou lors d’un autre concours dans l’année qui a précédée ne peut pas se présenter. De la même manière, les projets présentés par les candidats ne doivent pas avoir été récompensés lors d’un autre concours, français ou international.
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Quelles récompenses ?
Chaque lauréat se verra attribuer une dotation de 18 000 euros. 8 000 euros proviennent de la Ville de Paris tandis que le reste de la somme est enrichie via le Fonds pour les Ateliers de Paris par des partenaires privés (la Fédération Française du Prêt à Porter Féminin, ADC, le Groupe Galeries Lafayette, la Fondation Rémy Cointreau, ESMOD, Roger Pradier, Victoire, et le Groupe Galia).
Outre cette récompense financière, les lauréats bénéficient d’une visibilité offerte par les partenaires médias et associés.
En résumé :
Jusqu’au 15 Mai : limite de dépot de candidatures sur : www.bdmma.paris
28 et 29 Juin : dates de délibération avec comme présidents du jury cette année Christine Phung pour la mode, Ludovic Avenel pour les métiers d’art et François Azambourg pour le design
13 Septembre : remise des prix à l’Hotel de Ville de Paris
Designer papier et textile, Lucie Touré travaille le premier avec les techniques du second, dans une démarche artisanale qui a su séduire le secteur du luxe par sa singularité esthétique, et par la préciosité et la délicatesse qu’elle confère à ses matières, propice à la réalisation de présentoirs, éléments d’ornementation et autres panneaux décoratifs raffinés.
C’est en plaçant le travail artisanal au cœur de sa pratique artistique que la designer Lucie Touré a eu l’idée de travailler le papier en le rapprochant en tant que matière des techniques du textile, mais aussi de la bijouterie. En le sublimant par la découpe, le tissage ou la broderie, elle le transporte dans un univers inédit qu’elle destine en priorité au secteur du luxe. « J’ai découvert la technique de l’origami lorsque j’étais enfant et, par la suite, le papier est un médium qui est très souvent revenu dans mes travaux d’écoles, puis dans ma pratique personnelle », explique-t-elle. « J’ai fait des études de broderie à l’école Duperré et de Design textile aux Arts décoratifs de Paris. Et quand j’ai créé mon atelier en 2018 à la suite de mes premières expériences professionnelles, j’ai eu à cœur de conserver une pratique artisanale textile tout en essayant de proposer une offre nouvelle au secteur du luxe. L’idée d’associer travail du papier et savoir-faire textile a alors germé dans mon esprit et les premières pièces ont vu le jour. »
Parmi celles-ci, on trouve de nombreux set design, présentoirs et autres éléments d’ornementation pour flacons de parfums, bouteilles de champagne et autres bijoux. Les parures florales d’une grande délicatesse qu’elle a conçu pour les millésimes Cherry Blossom et Muguet 2021 de Guerlain s’avèrent particulièrement remarquables. Elles traduisent la constante forte des fleurs dans son esthétique, mais aussi certaines sensibilités comme cette attirance pour le Japon et la culture du « hanami » (qui se réfère au spectacle visuel très prisé au Japon de l’éclosion des cerisiers en fleurs). « La Maison Guerlain est la première à m’avoir fait confiance sur un projet d’une telle envergure », poursuit-elle. « J’ai eu carte blanche sur la réalisation de deux parures qui ornent Muguet et Cherry Blossom, deux parfums millésimes qui sont produits chaque année en édition limitée. Ces deux fragrances célèbrent le printemps et dans les deux cas je voulais créer une parure légère et fraîche en utilisant des savoir-faire différents. Cherry Blossom a été imaginée comme un bijou, alors que Muguet est réalisée à l’aide de techniques de broderie à l’aiguille. »
L’ensemble du secteur du luxe dans le viseur
Au sein de son atelier parisien, Lucie Touré travaille avec son équipe à la réalisation de ses projets, entièrement fait main. Et si elle est particulièrement fière de la prouesse technique qui a permis d’y créer les 4 500 parures produites pour Muguet et les 2 500 pour Cherry Blossom, elle y dévoile aussi d’autres supports de son expression créative, avec notamment ses panneaux décoratifs pour l’architecture d’intérieur, comme les modèles Triptyque et Odyssée. « En créant mon atelier, j’avais envie de collaborer avec l’ensemble des acteurs du secteur du Luxe : architecture d’intérieur, décor de vitrine, packaging, mode, en proposant une offre entièrement sur-mesure, qui réponde aux besoins spécifiques de chacun », se félicite-t-elle. « C’est très enrichissant. Chaque projet par sa singularité vient nourrir ma pratique personnelle et me permet d’explorer de nouveaux champs d’application. »
La singularité de son travail a permis à Lucie Touré de recevoir plusieurs récompenses comme le prix de « Talent émergent », qui lui a été récemment décerné par les Grands Prix de la Création de la ville de Paris. Une grande satisfaction pour une créatrice qui a été associée aux Ateliers de Paris dès la naissance de son atelier. « Ma résidence aux Ateliers de Paris de 2018 à 2020 a été un formidable tremplin dans le développement de mon entreprise », reconnaît-elle. « Je suis très heureuse et honorée d’avoir reçu ce prix de la part d’un jury si prestigieux, avec à sa tête Laura Gonzalez dont j’admire énormément le travail et le parcours. C’est un vrai encouragement, tant sur le plan financier que par la visibilité ».
En 2019, elle avait d’ailleurs remporté le prix design Tour Eiffel, avec son projet Fragments : la création d’un motif pour application sur objets (carnets, pochettes, sacs) à l’occasion des 130 ans du monument qui démontre que son savoir-faire laisse ouvert bien d’autres perspectives. « Ce projet n’était pas si éloigné de ma pratique puisque j’ai appris durant mes études à concevoir des motifs textiles », tempère-t-elle. « Bien que la dimension artisanale n’était pas présente, j’ai suivi les mêmes étapes de création et de conception qu’habituellement. Tous mes projets commencent par un travail de composition, d’association de couleurs et de matières. »
Et si Ulysse, dans son parcours, avait échoué à Porquerolles ? Dans son exposition « Le Songe d’Ulysse », la Fondation Carmignac propose une adaptation du mythe, en proposant au visiteur un parcours libre et sensoriel, dans une magnifique sélection orchestrée par le commissaire Francesco Stocchi. Une invitation au voyage sur l’île de Porquerolles à ne pas manquer, du 30 avril au 16 novembre.
On ne le rappellera jamais assez : ce que propose la Fondation Carmignac au public, plus qu’une visite, est une expérience. Dès l’entrée, l’immersion commence par une infusion proposée, qui provient du recueil de la rosée du matin. Tout un symbole poétique, qui invite à prendre le temps. Puis, les visiteurs sont invités à se déchausser pour profiter, pieds nus, de la fraicheur des dalles des salles d’exposition construite sous la bâtisse-mère de ce parc classé : une bénédiction pour qui visite en pleine chaleur, et un rituel qui ajoute à la déconnexion proposée.
Cette année, après le succès de la « Mer imaginaire », c’est au cœur du « Songe d’Ulysse » que l’immersion artistique est proposée. Ici, on prend son temps, et l’exposition sous le commissariat de Francesco Stocchi conjugue habilement quelques pièces permanentes, des éléments de la collection de la fondation, et des œuvres qui viennent compléter la ligne artistique.
Un temps d’immersion
Ici, tout est une question de tempo. La scénographie propose une immersion progressive, avec une salle de préambule où l’on retrouve une tapisserie à l’esprit très labyrinthique. Puis un temps de pause, entre contemplation et méditation, est proposée avec le sas bienfaisant de Bruce Nauman et d’Olafür Oliasson : entre fontaine sculpturale et des poissons-volants, le visiteur est invité à un lâcher-prise tout en douceur, à s’imprègner progressivement du lieu, au cœur d’installations sonores et visuelles. Il s’ensuivra un deuxième sas, avec une œuvre monumentale de Martial Raysse, récemment acquise et pour la première fois dévoilée au public : in assemblage de regards, avec cette fascinante beauté plastique propre à la signature de l’artiste, qui cette fois, ajoute à ses esquisses de visages, des éléments en relief. Initialement, le tableau était modulable, il atteint ici sa phase finale et change même de nom pour devenir « faire et défaire Pénélope ».
Puis le visiteur, en confiance, est invité à se perdre, sous le miroir d’eau. Une installation créée in situ de Jorge Peris vient renverser les valeurs : ici, un navire échoué devient un repère central. À la croisée des chemins, il renvoie sans cesse le visiteur à une autre perception, tout en jouant de l’ombre et de la lumière, entre protection et perdition…
Le plaisir de se perdre
À chacun de se laisser porter pour déterminer son parcours, au cœur d’un dédale improvisé ; au hasard d’œuvres entraperçues au loin, sur lequel le regard se pose, d’engagements, de trompe-l’œil. Certaines installations se dévoilent à la croisée des chemins, d’autres se répondent. Et c’est toute la spécificité et l’intérêt de ce jeu de déambulation. Loin des contraintes des parcours fléchés, chacun ressent une liberté d’aller et venir. Les impatients repèrent au détour de croisements, dans les jeux de perspectives ou les effets de miroirs, les œuvres à venir, d’autres choisiront de se laisser porter, pas à pas, comme un tâtonnement labyrinthique. Sont alternées dans les parcours des installations, des œuvres plastiques et photographiques. On retiendra par exemple le superbe Richter, comme le Warhol étonnamment blanc ; le choix est vaste dans ces quelques 70 œuvres exposées.
Un rêve éveillé
Du voyage tourmenté, voire anxiogène – à l’image de l’installation de Sossalino – à une véritable introspection, le songe se vit comme une dérive trop longue d’Ulysse, entre impression blanche onirique comme un décalage spatio-temporelle, entre l’immersion dans une nouvelle dimension, et un jeu mémoriel. Identité, spiritualité, sciences… chacun construit son odyssée, à son rythme, et ses propres rituels. Car la force de cette scénographique, au-delà de livrer l’espace entier au visiteur, comme un paradoxe, c’est de retrouver ce navire échoué. On repasse, on repart, on contourne… et à chaque fois, c’est une nouvelle approche de l’œuvre, une nouvelle vision, appropriation.
Alors, comme un signe de douceur dans ce dédale, la fraîcheur des dalles sous les pieds nus rappelle aux visiteurs la sensation du sable ferme, lorsqu’il est humide, et le garde arrimé au rivage, prêt à partir, la tête dans les embruns du voyage.
Les artistes (liste non définitive) : Micol Assaël, John Baldessari, Miquel Barceló, Jean-Michel Basquiat, Marinus Boezem, Louise Bourgeois, Mark Bradford, Francesco Clemente, Adger Cowans, Willem de Kooning, Niki de Saint Phalle, Olafur Eliasson, Haris Epaminonda, Leandro Erlich, Urs Fischer, Cyprien Gaillard, Douglas Gordon, Duane Hanson, Keith Haring, Jacob Hashimoto, Camille Henrot, Jenny Holzer, Thomas Houseago, Rashid Johnson, William Kentridge, Yves Klein, Oliver Laric, Roy Lichtenstein, Tony Matelli, Adam McEwen, Janaina Mello Landini, Bruce Nauman, Marilène Oliver, Jorge Peris, Alessandro Piangiamore, Benoît Pype, Carol Rama, Ann Ray, Man Ray, Martial Raysse, Odilon Redon, Gerhard Richter, James Rosenquist, Miguel Rothschild, Arcangelo Sassolino, Egon Schiele, Cindy Sherman, Günther Uecker, Willem Adriaan van Konijenburg, Adrián Villar Rojas, Andy Warhol …
En collaboration avec Eurosit, le studio Fritsch+Durisotti présente Inyo, une nouvelle gamme de sièges aux multiples combinaisons. Dotés d’une structure identique pour chaque déclinaison, les sièges Inyo se distinguent ainsi par leur modularité mais également par leur éco-socio conception.
Le studio a été fondé en 1993 par le designer Antoine Fritsch qui sera ensuite rejoint en 2006 par Vivien Durisotti. Un peu plus tard en 2013, le duo accueille Thierry Coste, ingénieur de formation, qui prendra la tête de la direction du développement du studio. (cf portrait Intramuros 208). Aujourd’hui, le studio basé à Conflans-Sainte-Honorine dans les Yvelines compte 7 personnes mobilisées à plein temps sur les projets. De Tribord à Thuasne en passant par RocheBobois, les projets et collaborations du studio sont multiples et surtout très variés. Une diversité qui intrigue et intéresse les marques avec lesquelles ils collaborent, en témoigne Vivien Durisotti « On remarque que de plus en plus de marques viennent à nous car nous avons des projets très diversifiés les uns des autres. »
Une assise unique pour une multitude de possibilités
Que ce soit au bureau ou à la maison, avec coque rembourrée, sur roulettes ou avec un piètement en bois, la gamme Inyo d’Eurosit imaginée par le studio Fritsch+Durisotti se veut multi-usage. Inyo, terme japonais qui évoque le mythique Ying et Yang, a été choisi en rapport avec cette notion de mouvement qui existe entre toutes les pièces de la gamme.
En partant d’une structure unique et basé sur un concept d’éco-conception et de modularité, Inyo c’est : 13 piétements différents, 78 configurations pour 390 solutions possibles, rien que ça. « Le brief de départ donné par Eurosit était de proposer un produit qui pourrait se décliner tout en engageant une pratique éco-responsable qu’il est difficile de ne plus prendre en compte aujourd’hui » témoigne Antoine Fritsch. Ainsi, tous les sièges sont conçus avec des matériaux recyclés de 30 % à 100 % et la coque est recyclable à 95 %.
Mobilier, luminaires, cuisine, salle de bain, textiles, sièges, revêtements muraux et de sols, tapis, accessoires, matériaux… WantedDesign Manhattan et l’ICFF, plus importants salons de design d’Amérique du Nord, sont de retour du 15 au 17 mai au Jacob K. Javits Convention Center de New York. Au programme : des talks, des remises de prix, près de 300 marques attendues et plus d’une vingtaine de pays représentés.
Après deux années perturbées par la crise sanitaire, WantedDesign Manhattan et ICFF reviennent en personne à New York, à leur dates printanières habituelles. « C’est une bonne chose que le salon puisse se tenir aux dates traditionnelles de printemps. Pour beaucoup de marques internationales, ce sera leur premier salon en Amérique du Nord depuis 2019. » a déclaré le directement de l’ICFF, Phil Robinson.
Considéré comme un lieu de rencontre international majeur en matière de design, cette nouvelle édition de WantedDesign Manhattan et ICFF sera l’occasion de présenter les nouveautés 2022. Pour la scénographie d’espaces clés tels que Wanted Interiors et la scène de Talks, l’organisation pourra compter sur l’expertise du designer Rodolfo Agrella. « WantedDesign Manhattan est le rendez-vous pour n’importe quel curieux désireux de découvrir de nouveaux talents, de nouvelles idées et solutions en terme de design » déclarent les co-fondatrices de WantedDesign, Odile Hainaut et Claire Pijoulat.
ICFF+WantedDesign Manhattan 2022, le programme
ICFF Studio : cet espace permettra de présenter la nouvelle génération de talents du milieu du design avec notamment le concours ICFF Studio, organisé en partenariat avec Bernhardt Design. Parmi les exposants : neuf gagnants sélectionnés en 2020 auxquels s’ajoutent six lauréats 2022.
ICFF Editors Awards : un prix qui sera décerné dans 12 catégories : Ensemble du travail, Nouveau Designer, Mobilier, Sièges, Tapis et Sol, Éclairage, Mobilier outdoor, Matériaux, Revêtement mural, Accessoires, Cuisine et Salle de bain ainsi que le meilleur stand. Le concours est ouvert à tous le participants au salon. La remise des prix aura lieue le 16 mai sur la scène réservée aux talks.
Oasis, par Float Studio : un lieu entre calme et sérénité dans lequel les visiteurs auront la possibilité d’assister à des discussions focalisées sur le design durable, le bien-être et sur des projets avec un impact social notable. Cet espace est sponsorisé par Gabriel North America, Mohawk Group et Normann COPENHAGEN.
ICFF + WantedDesign Manhattan Talks : sponsorisé par Mercato Place et American Standard, avec une scénographie imaginée par Rodolfo Agrella avec le soutien de Turf Design Midgard Licht et Be Orginal Americas, ces talks se dérouleront selon un programme alimenté par des tables rondes, des présentations et des conversations. L’idée étant de permettre de développer un contexte critique concernant l’évolution du design résidentiel et commercial. On peut compter parmi les participants à ces conversations : Paola Antonelli, Yabu Pushelberg, le duo Höweler + Yoon, le studio Friends & Founders ainsi qu’un panel de designers émergents du WantedDesign Manhattan.
Launch Pad : En partenariat avec America Standard et le média Design Milk, le Launch Pad est une plateforme mise en place pour les designers émergents désireux de présenter nouveaux concepts et prototypes de mobilier, accessoires de décoration et luminaires. Un jury de designers et de fabricants sera par ailleurs mobilisé pour sélectionner le meilleur d’entre eux parmi 46 participants.
Look Book : un programme dédié spécialement à la promotion du design nord-américain. Plus de 30 designers sont attendus, notamment Mary Ratcliffe, Brave Matter, Ian Love Design, Sten Studio et Anony, ainsi que de nouveaux exposants comme Malcolm Majer, Vulpe Works, Studio Ocho Cuartos, Cofield et Hamilton Holmes Woodworking and Design.
Wanted Interiors : au sein de cet espace, sponsorisé par Ultrafabrics, des marques telles que que Turf, Mohawk Group, 3M, Ressource + Rezina, Precious Woods et Visual Magnetics seront invitées à présenter leur matériaux à travers des présentations immersives et interactives afin de démontrer l’importance des innovations dans l’aménagement d’espaces. En parallèle, le mouvement multidisciplinaire ECO Solidarity, fortement axé sur l’écologie, le changement climatique, le design équitable et durable, en profitera pour y présenter neuf studio européens. The Lounge reviendra également avec un concept indoor-outdoor inédit. Parmi les partenaires on peut citer Ligne Roset, Bend Goods, Havwood, 3M et wakaNINE.
Nouveauté 2022 : les écoles s’exposent !
Afin d’accompagner au mieux la nouvelle génération de designers, WantedDesign Manhattan ouvrira cette année un nouvel espace spécifiquement dédié à la présentation de projets étudiants, venus d’écoles de design du monde entier. Une opportunité qui permettra l’émergence de discussions, de propositions de partenariats éventuels et de retours critiques de la part de professionnels du design. Design Milk et Alessi, sponsors de l’évènement, seront en charge de choisir sélectionner les étudiants qu’ils considèrent comme étant les plus prometteurs.
Les informations à retenir
Dates : du 15 au 17 mai 2022
Horaires : 10h-18H (15-16 mai) et 10h-16h (17 mai)
Lieu : Jacob K.Javits Convention Center, New York (Etats-Unis)
À noter que le salon ouvrira ses portes au grand public le mardi 17 mai.
Plus d’informations sur : https://icff.com
Artiste américano-cubaine, Gabriela Noelle créer des objets allant du tabouret coloré à des sculptures exposées dans les parcs. Comme vues à travers les yeuxx d’un enfant, toutes les pièces qu’elle produit s’inspirent largement de l’univers de l’enfance. Une invitation à la couleur et à l’imagination.
Le projet « The Toadstool Project » de l’artiste Gabriela Noelle (à retrouver dans la sélection shopping d’Intramuros 211), est une série de tabourets tout en couleur à collectionner largement inspiré de peintres tels que Kenneth Noland ou Frank Stella. Composée de pièces qui sont toutes uniques, chaque petit « champignon » présente un dégradé de couleur bien distinct, qui est crée numériquement. L’objectif : explorer les différentes relations entre les couleurs à travers la création d’effets d’optiques intéressants.
Des créations en faveur du respect l’environnement
L’avènement de « The Toadstool Project » se base sur un récit centré sur notre environnement futur et la création rendue possible grâce au partage et au respect mutuel entre tous les humains. Sensible aux questions liées à la durabilité, de la réduction de son empreinte carbone et sa production de déchets, Gabriela Noelle a donc assez naturellement fait le choix de produire une série limitée à 36 exemplaires.
Pour sa collection outdoor 2022, la marque EGO Paris propose des pièces colorées spécial déjeuner à l’extérieur, qui donnent un avant-goût d’été.
Née à Belleville près de Mâcon, la marque EGO Paris est le fruit du travail des Sommereux, trois frères qui décident en 2004 de fonder leur marque de mobilier haut de gamme. Pour cette année 2022, ils se sont notamment accompagnés du studio 5.5 et de Thomas Sauvage pour designer certaines de leurs nouvelles pièces. La sélection outdoor se compose ainsi de quatre sous collections. Toutes les pièces sont personnalisables grâce aux nombreux tissus, matières et couleurs proposées par la marque.
Quatre collections, trois designers
La table de repas Extrados, designée par l’équipe de designers d’EGO Paris, est disponible uniquement en édition limitée.
La collection Marumi, qui se compose d’une table de repas sur-mesure, d’une chaise Batyline et d’une chaise, est designée par Thomas Sauvage. Le designer a également imaginée la collection Tandem, qui se compose cette fois-ci d’une table de repas et d’une chaise uniquement.
La dernière collection, prénommée Sutra, est la plus important de cette nouvelle sélection oudoor spécial déjeuner en extérieur. Elle se compose en effet de quatre pièces : un mange-debout, un tabouret haut, une table de repas et un fauteuil. Une collection designée par le studio 5.5.
Dans le cadre de Valence capitale mondiale du design 2022, les fondateurs de la maison d’édition de luminaires LZF, évoquent l’évolution de la scène créative locale, qui a su embrasser les secteurs du design dans les années 90 pour en faire un axe fort du territoire aujourd’hui.
Marivì Calvo et Sandro Tothill se rencontrent fin 1992 à Valence. Elle, artiste-peintre, a vécu à New-York, Madrid et Paris avant de revenir dans sa ville natale. Lui, australien, musicien, y enseigne l’anglais. Pour les deux artistes, l’aventure débute de manière fortuite, alors qu’ils manipulent des placages de bois sur une table lumineuse et créent un luminaire idéal à usage privé. Ils lancent leur entreprise avec une commande de 600 pièces pour un hôtel de Majorque, passée au Salon du cadeau de Madrid où le couple a été invité. L’invitation faisait suite au succès d’un happening initié par le couple, où une quarantaine d’artistes étaient conviés à s’exprimer avec lumières et feuilles de bois. Nom de l’exposition : Luzifer. LZF né en 1994. Aujourd’hui, Marivì Calvo et Sandro Tothill collaborent avec des designers, des architectes, en majorité de Valence. Ils éditent une gamme de lampes graphiques et poétiques dont le dénominateur commun demeure l’emploi de fins placages de toutes essences et de toutes couleurs pour en diffuser la lumière, ainsi que la volonté d’une fabrication artisanale et locale.
Dans quel contexte fondez-vous LZF à Valence au début des années 90 ?
Sandro Tothill : La vieille ville était délabrée et regorgeait de squatters, de punks, de gitans, de junkies, de travestis. Il y avait également une scène artistique très forte, avec de nombreux peintres, sculpteurs, écrivains, poètes vivant dans ce centre-ville aux loyers abordables. Je pense que quelque part, le noyau d’illustrateurs, de graphistes, de dessinateurs de bandes dessinées et de publicistes qui gravitait autour a donné l’élan pour un mouvement de design. Avec les architectes, ils ont constitué les nouveaux designers valenciens, dont beaucoup ont d’ailleurs ensuite enseigné le design ici.
Marivì Calvo : En effet, beaucoup de graphistes ont élargi leurs créations à la conception de meubles et d’objets pour des entreprises, dont la plupart n’étaient pas locales, mais installées au Pays basque ou en Catalogne. Valence a une longue tradition de fabrication de mobilier classique. Lorsque la crise a frappé, certaines entreprises ont vu l’opportunité de se reconvertir dans le design, et de travailler avec des designers. Martinez Medina, Punt mobles, Do+ce, Andreu World et Capdell ont été les pionniers.
Ces années venaient après la Movida, une période intense de révolution culturelle ?
S T : Il y avait une sorte de nostalgie dans l’air pour cette époque et un sentiment de changement vers quelque chose d’inconnu dont on ne savait pas si ce serait mieux ou pire. Cependant, je dirais que les conservateurs ont encouragé la création d’entreprises qui se sont ensuite tournées vers les talents du design pour créer des produits plus compétitifs au niveau européen.
Comment définiriez-vous l’essence du design valencien aujourd’hui ?
S T : Au cours des vingt dernières années, le design a prospéré à Valence, avec de merveilleux jeunes designers. Il y a cette combinaison d’un esprit scandinave, épuré, authentique et d’un style joyeux et coloré. Je suppose que c’est dû à la lumière que nous avons à Valence, et ce souffle méditerranéen qui influence une conception locale, une certaine qualité de vie et le plaisir des choses simples.
M.C : En Espagne, et à Valence aussi, il y a une longue histoire de l’artisanat (soieries, céramiques, marqueterie, ébénisterie …) longtemps fragilisée par la force d’un marché qui exigeait des produits peu chers, enfermant ces artisanats dans le folklore et les faisant disparaître. Aujourd’hui, le design contemporain renoue fortement avec cet héritage.
Qu’attendez-vous de Valence capitale mondiale du design ?
MC : C’est l’occasion de faire connaître l’extraordinaire richesse de la culture et du design qui existe ici depuis des temps anciens avec les arts décoratifs. Un plan de la ville répertoriant les designers, artisans et entreprises qui oeuvrent pour l’excellence et l’innovation est en cours d’élaboration. Il s’agit d’un outil important pour établir des synergies entre tous les acteurs du secteur, les rendre visibles et les promouvoir.
Quelle est l’implication de LZF au sein de Valence Capitale mondiale du design ?
MC et ST : À partir de septembre, une exposition permanente se tiendra dans nos locaux. Nous exposerons et participerons à des conférences au Centre culturel del Carmen. Au Pavillon de l’Hôtel de Ville, Mayice Studio pour LZF va concevoir l’espace « La Maison du Futur ». Nous allons intervenir au Musée des beaux-arts San Pio V, et certaines performances collectives restent à concevoir autour de l’artisanat contemporain.