Portraits
En croisant considérations esthétiques, fonctionnelles, mais aussi logiques industrielles et commerciales, le travail du designer industriel Stéphane Pietroiusti pour la marque Qilive entend prendre de la hauteur sur la conception d’un produit, où l’expérience utilisateur au cœur du process demeure prioritaire.
Tout récemment récompensé du Red Dot Design Award 2021, dans la catégorie électro-ménager, pour le modèle connecté de la gamme de ventilateur qu’il vient de concevoir chez Qilive – la marque de produits du groupe Auchan Retail -, Stéphane Pietroiusti est un designer industriel qui considère l’utilisateur au centre du développement produit. Pour autant, ce développement doit aussi tenir compte de la faisabilité industrielle, de la logique commerciale ainsi que de l’ADN de la marque : un subtil jeu d’équilibre de conception et de production qui fait justement tout le sel du design industriel.
Diplômé en 2014 de l’ISD (International School of Design) de Valenciennes, Stéphane Pietroiusti le sait d’autant plus qu’il a commencé sa carrière de designer en agence de design global en développant une vision holistique sur son métier. Au cours des dernières années, il a travaillé et accumulé de l’expérience dans des agences de design en Allemagne, en Autriche et en France, ainsi que pour des clients à l’international en tant que freelance. En rejoignant le groupe Auchan Retail International comme designer industriel dans le secteur de la Grande Distribution, sa perception du design s’est élargie, lui permettant de prendre en considération les facteurs économiques liés aux contraintes de la Grande Distribution ainsi que la difficulté à en démocratiser l’approche. « Le design est trop souvent réduit à quelque chose d’esthétique, beau. Or, le design est un réel outil stratégique pour répondre aux nouvelles exigences des consommateurs », explique-t-il.
Amélioration des usages, optimisation des coûts et sens du détail
Au sein de la cellule de design Qilive, Stéphane Pietroiusti travaille avec une équipe commerciale à la création de nouveaux produits destinés au grand public, en prenant connaissance des coûts et en décortiquant les principes de fabrication pour appliquer des notions de « design to cost » et « faire mieux, avec moins ». Derrière la ligne minimaliste et épurée des casques audios et des écouteurs de la marque, se cache ainsi un travail très poussé d’amélioration de toutes les contraintes utilisateurs pour ce type de produits. « Pour les écouteurs, nous avons constaté que la tenue des tours de cou était mauvaise, des produits trop rigides ou trop souples et surtout trop fragiles. On a donc réfléchi à une amélioration pratique et ergonomique à l’aide d’un arceau pliable à mémoire de forme en textile. En parallèle, nous avons aussi rendu son utilisation plus intuitive en intégrant une mollette très ergonomique, permettant un contrôle plus intuitif et d’accéder immédiatement à l’assistant vocal ou à ses appels téléphoniques ».
Pour les ventilateurs, c’est toute la gamme de la marque qui a été repensée en s’inspirant notamment de l’univers de la maison. « La gamme de ventilateur s’inscrit dans une approche durable et accessible à tous. Nous avons repensé le design en améliorant l’usage et l’esthétique. Elle se distingue du marché par son design épuré et inspiré de l’univers de la maison, le montage/démontage des produits et les interfaces ont été simplifiées au maximum pour améliorer l’expérience utilisateur. Les produits sont plus robustes et bénéficient d’une garantie de trois ans ».
La passion d’un métier, une chance
Elle a fait la couverture du n° 12 d’Intramuros, juste avant Philippe Boisselier, son professeur et même Philippe Starck, son héros. À 26 ans, diplômée de l’EcoleCamondo, elle revenait d’une année à Tokyo avec des projets plein les poches. 2020 n’aura pas été une année morte pour elle. Elle sort de nouvelles collections pour Cinna, Ligne Roset, le musée du Louvre avec la RMN, Zeus…Tout en parlant de son actualité, Marie Christine Dorner revient sur ce qui a façonné son parcours avec pudeur… et bonheur !
Marie-Christine Dorner a dessiné des meubles pour Idée au Japon, créé des intérieurs dans le monde entier, mais c’est en France qu’elle excelle depuis les années 2000 avec des collaborations pointues, dans tous les domaines, mobilier, architecture d’intérieur, graphisme, scénographies. C’est elle qui a dessiné la tribune officielle du 14 juillet, et qui chaque année depuis 1990, valide son implantation, dos à l’obélisque sur la place de la Concorde avec vue imprenable sur l’avenue des Champs-Elysées pour admirer les exploits des armées françaises. Cinq présidents la plébiscitent et le 32e montage est prévu cet été 2021. François Mitterrand avait choisi ce projet parmi d’autres et Frédéric Mitterrand l’a décorée elle, de la médaille des Arts et Lettres. Et même si Paris s’est vidé de ses habitants, beaucoup attendent le « Bastille Day » pour faire rayonner l’image de la France de par le monde entier.
160 ans la tête dans les chapeaux
Une lignée de médecins côté paternel, et de fabricants de chapeaux côté maternel : « Les chapeaux CHAPUIS à Mâcon – “Quand il fait beau Chapuis chapeau, et sous la pluie chapeau Chapuis !”–, et FLECHET à Chazelles-sur-Lyon “Chapeaux Fléchet, chapeaux parfaits !”
On nous racontait que des trains entiers de magnifiques poils d’Angora arrivaient à Chazelles pour faire des cloches, puis des chapeaux… ». À cette époque plus de 700 ouvriers étaient employés dans l’usine. La marque exportait partout dans le monde. « Mon grand-père George et mon oncle Jean y étaient commerciaux, auprès du PDG René Fléchet, mon grand-oncle. Même ma mère, adolescente, s’amusait à créer des chapeaux pour sa mère. Je n’ai jamais vu mes grands-parents sortir sans un galurin ! L’usine Fléchet est maintenant devenue un très beau musée du chapeau, et la marque a été rachetée. J’aurais dû le faire peut-être, avec mon oncle Robert, couturier, un temps chez Dior. J’adore cette histoire, ce savoir-faire, les boîtes à chapeaux… »
Parcours
« Il s’est créé une sorte d’image figée de l’époque où je suis revenue du Japon, où j’ai dessiné l’hôtel la Villa à St Germain-des-Près et où ces réalisations faisaient le tour du monde des magazines. Puis 1996-2008 : mes années London. Un milieu protégé, d’expatriés qui faisaient fortune ; j’ai aimé cette île britannique, raide et très excentrique à la fois. Après le Japon, j’ai trouvé curieusement de nombreuses similitudes entre ces deux insularités. Depuis, je travaille avec ces deux cultures en tête. »
Architecture—process—style
« Ma mère était psychiatre, analyste, dans l’écoute permanente. Sans doute grâce à elle, j’aime être à l’écoute de mes clients en architecture intérieure. Aujourd’hui plus que jamais, chacun a besoin de faire de son lieu de vie une bulle à son image, mélange de confort, d’objets personnels, de matières complices, de volumes justes. J’arrive dans un lieu, je regarde comment la lumière naturelle y pénètre et tourne, de quels volumes nous disposons, et j’écoute, regarde ce que les propriétaires ont envie de conserver, la matière dont je dispose et avec laquelle je peux jouer et créer. Quand Lacaton et Vassal (qui viennent de remporter le Pritzker Prize, l’équivalent du Prix Nobel en architecture) parlent de l’habitat, j’ai le sentiment qu’à une autre échelle, mon intention est la même. Respecter, garder des choses, accompagner et faire des heureux ; plus important qu’un style reconnaissable entre tous. D’ailleurs je suis assez éclectique dans mes goûts, sans doute grâce et à cause de mes voyages. »
Design d’édition
« Ma première collection a été un ensemble de 16 meubles pour Idée élaborée au Japon en 1985. Puis le mobilier de l’hôtel La Villa, des créations pour Artelano, Baccarat, Saint Louis, Montis, Zeus, et maintenant l’aventure Ligne Roset et Cinna depuis 2015. C’est magnifique de collaborer sur une longue période avec un éditeur exceptionnel, Michel Roset, une marque dont on intègre l’ADN au fil des années, et pour couronner le tout une fabrication française. Pour 2021/22, nous venons de présenter chez Cinna un programme d’assises, appelée Grand Angle, dont l’objectif est d’abord et encore le confort ! Une typologie qui manquait à la collection Cinna, et qui permet de s’asseoir mais aussi de s’avachir, lire, travailler, en relevant les dossiers à sa guise, et même très haut pour les plus grands : un canapé non pas pour paraître mais pour être. Le designer a une vraie responsabilité sur cette planète, malgré la futilité apparente de son activité. Tout d’abord dessiner des objets pérennes, retrouver l’esprit de transmission. Et s’engager avec des fabricants de qualité, responsables.»
L’Appartement by Ligne Roset
« J’ai réalisé à Lyon, dans le quartier ancien de la rue Auguste Comte, suivant l’idée lancée par Antoine et Olivier Roset, un nouveau type de showroom, L’Appartement by Ligne Roset. C’est un petit lieu de 120 m2 dans lequel nous avons souhaité montrer la marque à la fois dans sa version luxe, et comme un lieu expérimental. On peut y voir des finitions différentes, un mélange d’objets vintage, piochés parfois dans la maison de famille Roset. Les pièces d’un appartement se succèdent : salons, bureau, salle à manger, jardin d’hiver, chambre.
J’ai traité la couleur en 3D, en alcôves, avec une gamme de demi-tons souvent foncés, partenariat avec l’éditeur de peintures Mériguet-Carrère. »
« Le Réverbère, galerie de photos contemporaines bien connue à Lyonet dont je suis fan depuis longtemps, a été un partenaire formidable avec des photographies splendides qui créent des voisinages intéressants : ainsi William Klein et le canapé de Philippe Nigro, Serge Clément et les meubles d’Eric Jourdan, Beatrix von Conta et les Bouroullec, Philippe Pètremant et Pierre Paulin, Jacques Damez et Inga Sempé, etc… Ce lieu évolue au fil des nouvelles collections. »
Le nom des choses
« Je termine une collection d’objets cadeaux pour le musée du Louvre avec la Réunion des Musées Nationaux, appelée “ Les Ailes du Louvre ”. Ce thème est si emblématique du musée, à travers ses collections de sculptures et dessins du 15e au 19e siècle, avec sa pléiade d’Amours, d’Eros ailés, et d’anges, sans oublier la victoire de Samothrace, qu’il y avait une matière magnifique à explorer. Les vases ont donné lieu à une belle collaboration avec le faïencier Erwan de Rengervé, il y a des textiles, des bijoux. Un besoin de légèreté en ces temps si durs.
Autre matière : le bronze avec la création d’une petite table aux piètements apparemment fragiles. J’ai souhaité l’appeler Bambi mais Disney ayant acheté les droits sur le monde entier, cela n’a pas été possible. C’est « MC2 », jeu entre mon prénom et la relation énergie /masse d’Einstein. Autre produit tout neuf : une suspension Ruflette, appelée ainsi en raison de l’élément qui permet de créer ses plis. Une envie de couture, d’effet graphique contemporain et en même temps légèrement désuet. Je peux dire aujourd’hui que mon travail m’a toujours porté chance. Et encourager les jeunes designers à provoquer la chance. »
Ligne Roset, suspension Ruflette, 2021 ©Ligne Roset
Repéré par le Habitat Design Lab qui déniche les talents émergents, cet artisan-designer est mis au-devant de la scène jusqu’au 30 avril, avec cette série d’objets du quotidien en bois, sculptés à la main.
« Ces objets sont pensés comme des séries limitées en quantité pour le moment. De petites pièces de mobilier viendront ensuite les compléter selon le bois que je récupère… ».
Connecté aux réseaux sociaux pour y découvrir de nouveaux créateurs, Habitat Design Lab renouvelle l’expérience avec Benjamin Fély, afin de promouvoir d’autres formes de création, hors des circuits industriels. Adepte de la démarche du slow design, ce designer basé à Nantes, récupère les chutes de bois, les vieux meubles usagés pour y sculpter, cuillères en bois, soliflores, centres de table, plateaux. Surfant sur la tendance qui fait la part belle au bois naturel ou calciné, ils séduisent par leur simplicité brute, entre utilitaires et décoratifs. La teinte noircie, quant à elle, est obtenue grâce à une recette à l’ancienne, – vinaigre blanc et de paille de fer macéré. C’est un parcours atypique de 10 ans qui a mené Benjamin Fély à se réconcilier avec le bois. Après un CAP d’ébéniste et des études à l’Ecole des Arts Décoratifs de Limoges, il se forge une solide expérience polyvalente au CNEAI (Centre National Edition Art Image), tour à tour régisseur, directeur artistique, designer d’espaces. Puis, sa rencontre avec la céramiste Ambre Hervo, qui partage sa vie, est déterminante. Tous deux fondent l’atelier POK en 2017, qui offre une meilleure visibilité à leurs créations abouties de luminaires en bois et porcelaine. Si les techniques artisanales de l’ébénisterie sont les vecteurs des créations de Benjamin Fély, il les affine au cours de ses voyages en Chine, en Suède à la rencontre d’autres artisans expérimentés. Manipulant la gouge, (ciseau concave) ou le ciseau droit, avec dextérité, il privilégie les essences des fruitiers, « parce qu’ils sont plus tendres et malléables, et l’on peut y laisser les traces des outils gravés s’exprimer, » détaille-t-il. Après un dessin au préalable, il taille, sculpte, se laissant guider ensuite par les nœuds et les aspérités de la matière.
Le Ministère de la Culture vient d’annoncer le renouvellement du mandat d’Hervé Lemoine à la direction du Mobilier national et des manufactures des Gobelins, de Beauvais, de la Savonnerie et des ateliers nationaux de dentelle. Rencontre avec un directeur engagé, qui nous fait part des objectifs des prochaines années.
2018-2021 : Un premier mandat tourné vers la valorisation des savoir-faire et de la création contemporaine
En prenant la direction du Mobilier national en 2018, Hervé Lemoine constate que l’institution est surtout connue pour ses collections importantes et sa mission d’ameublement des lieux officiels de la République, mais insuffisamment pour son patrimoine immatériel « pourtant considérable dans les savoir-faire des métiers d’art, avec des compétences rares. » Et cet aspect lui semble aussi important que le patrimoine matériel proprement dit. Au long de ces trois premières années, il cherche donc à les valoriser. Par ailleurs, il lui semble aussi important de montrer combien cette institution est tournée vers la création contemporaine, et ce depuis sa création : « Nous avons toujours créé avec les artistes contemporains de chaque époque, et aujourd’hui, nous travaillons aussi bien avec Françoise Pétrovitch qu’avec India Mahdavi. Cette dimension de la création dans le domaine du textile ou du design n’est pas forcément connue ou reconnue du grand public, c’est pourtant ce qui donne une grande modernité à l’institution, et sa grande singularité. »
Ce sera ainsi l’un des grands axes de communication, qui verra la participation de l’institution à de grands événements comme la FIAC, la Paris Design Week et la création de prix récompensant la jeune création. Car l’écosystème dans lequel intervient le Mobilier national se veut avant tout transgénérationnel, que ce soit pour la formation ou le soutien à la création.
Durant ce premier mandat, Hervé Lemoine s’est également attaché à rendre visible l’implication de l’institution sur tout le territoire français : «Quand on parle de Mobilier national, on se figure avant tout une institution parisienne alors que nous avons des manufactures partout en France : à Beauvais, Aubusson, Alençon… Nous travaillons avec tout un écosystème de partenaires, de maîtres d’art, de meilleurs ouvriers de France, d’entreprises du patrimoine vivant, que nous sollicitons partout sur le territoire en complément des compétences que nous avons en interne. À l’image des jeunes designers qui n’ont pas forcément les moyens d’être installés au cœur de Paris ou en région parisienne, les maîtres d’art sont partout en France. Et une institution comme la nôtre peut être un soutien et un levier pour tout un écosystème dans tous les territoires. »
Un soutien à l’écosystème de la création
Pour Hervé Lemoine, l’importance est de penser une action en écosystème : « L’existence d’une institution telle que le Mobilier national, au XXIe siècle ne va pas de soi. Il n’est pas évident de considérer que l’Etat a encore des manufactures et des ateliers dans son giron, sauf s’ils contribuent à des recherches, à des créations, dans leurs domaines de compétences. » La mission de soutien à la création est fortement liée à la mission historique d’aménagement des lieux officiels de la République : « La finalité réelle est de montrer dans ces lieux de prestige l’excellence des savoir-faire et des métiers d’art, de l’art de vivre, des arts décoratifs et du design français. Et pour qu’on puisse l’accomplir, encore faut-il qu’il y ait des créateurs, des maîtres d’art… C’est donc aussi notre mission de les soutenir. »
La preuve par les faits : dès avril 2020, en pleine pandémie, le Mobilier national active un plan de soutien économique sur tout le territoire ( cf « Le Mobilier national est le mobilier de la Nation » 14/5/2020). Ce plan va-t-il être renouvelé, voire renforcé pour ce second mandat ? Hervé Lemoine est confiant : « Après ce que nous avons mis en place de façon expérimentale et dans l’urgence, à la fois pour les métiers d’art et la jeune création, nous allons rééditer ces plans par une mobilisation de crédits supérieure, avec un nouveau plan de restauration des collections et de commandes publiques. » Ainsi, l’institution devrait mobiliser environ un million d’euros en 2021 (soit le double de 2020), pour donner du travail à ces métiers et entreprises menacées par la disparition de la clientèle. « Notre rôle majeur est d’être un soutien à cet écosystème des métiers d’art, d’être un tremplin à cette jeune génération de créateurs, de faire émerger les Andrée Putman et les Pierre Paulin de demain. »
Le directeur de l’institution est très attaché à cette fonction sociale, notamment pour la jeune création design qui n’a pas actuellement les vitrines et les relais que sont les salons, foires et lieux de rendez-vous professionnels pour se faire connaître. « Nous allons donc rééditer un plan d’acquisition pour nos collections nationales de pièces de ces jeunes créateurs qui n’ont pas de visibilité publique pour faire face à la situation actuelle. Nous essayons aussi de travailler à la valorisation de ces pièces en utilisant l’ameublement de lieux officiels pour montrer la vivacité de cette jeune création. Nous réfléchissons à les déposer dans des ambassades à l’étranger, comme des pièces iconiques de la jeune création française. Il faut continuer de les aider pour passer cette période particulière qui freine leur insertion professionnelle.»
Un deuxième mandat ouvert à la recherche
Au cours de ce deuxième mandat, l’Atelier de recherche et de création du mobilier national devrait être renforcé pour accompagner davantage de projets, dans une volonté de développer le bureau d’études, notamment pour aider les jeunes créateurs dans les phases de prototypage.
Mais l’ambition est plus grande pour la mission du bureau d’études. « Je souhaite aussi nous réinvestir dans le champ social. À la création de l’ARC, cet atelier a très rapidement travaillé sur des grands projets, tels le mobilier pour équiper les Maisons des jeunes et de la culture, des programmes de recherche sur le mobilier de prison ou l’aménagement d’hôpitaux. Nous menions des chantiers de réflexion dans une conception « du design pour tous » : nous avons contribué à répondre à des besoins fonctionnels avec une réflexion esthétique ou formelle touchant un public très large. Cette fonction-là a été un peu mise de côté. Nous nous sommes concentrés sur la création de pièces uniques et de séries limitées qui, bien sûr, marquent l’histoire de la création et de la réflexion dans le design. Mais la crise actuelle incite à repenser certains services publics. Il est intéressant de profiter des plans de relance gouvernementaux pour participer à la réorganisation de certains services, certains espaces, pour les penser différemment. Nous pouvons apporter notre contribution à la recherche de solutions. »
Ce peut être une participation à des groupes de recherche pluridisciplinaires sur des questions telles que l’organisation de services de proximité dans un contexte de distanciation sociale, ou les réflexions sur l’organisation des EHPAD : « Après le Ségur de la Santé, des milliards d’euros sont sur la table pour repenser leur fonctionnement. Il nous semble que les designers doivent être mis à contribution pour répondre à ces questions. »
Un changement de statut à l’étude
Parmi les chantiers à venir, les équipes planchent sur un changement de statut. Le Mobilier national est actuellement un service à compétence nationale, à l’image du fonctionnement d’une DRAC. « Nous faisons beaucoup d’opérationnel, et ce statut crée de grandes difficultés pour mener à bien tous ces projets. Un changement viserait surtout à trouver un outil juridique adapté à nos objectifs. » Est cité en exemple un passage en établissement public administratif, à l’image des grands musées de France ou des écoles d’architecture. Cela donnerait à l’institution une autonomie juridique qui faciliterait la mise en place d’accords avec de nombreux partenaires, notamment privés.
Fondateur du groupe Artemide, Ernesto Gismondi est décédé le 31 décembre dernier, à 89 ans. S’il a su s’entourer de designers majeurs – à commencer par sa femme Carlotta de Belavicqua– tels Gio Ponti, Gae Aulenti, Ettore Sottsass, Michele de Lucchi, il restera le symbole d’une tête chercheuse qui a parfaitement conjugué entrepreneuriat avec innovation, depuis les prémices de l’éclairage à variateur jusqu’à la récente solution de lumière assainissante.
Avant de se lancer dans le design, Ernesto Gismmoni a démarré par une double formation d’ingénieur : il sort diplômé en 1957 en aéronautique à l’école polytechnique de Milan puis obtient deux ans plus tard à Rome un diplôme d’ingénieur en missile. Cependant, dès le début des années 60, il se consacre à la planification et à la production d’équipements d’éclairage, en fondant avec le designer Sergio Mazza le Studio Artemide, à partir duquel le groupe va se développer. Très impliqué dans le mouvement avant-gardiste « Memphis », Ernesto Gismondi s’est imposé aussi à l’international.
Au fil des années, sous sa direction, le groupe Artemide voit s’accroître son rayonnement mondial et devient l’un des principaux acteurs du secteur de l’éclairage design. ).
Un entrepreneur à la pointe
De 1964 à 1984, Ernesto Gismondi a été professeur associé en moteurs de fusée pour missiles à l’école polytechnique de Milan. Il a été vice-président de l’ADI – Association du design industriel – et a occupé plusieurs postes au sein de l’Association industrielle de Lombardie, de Federmeccanica, de Confindustria, de l’Agence autonome des foires de Milan et au ministère des Universités et de la recherche. Il est également membre du Comité pédagogique et scientifique de l’ISIA. (Institut supérieur des industries artistiques/design industriel) de Florence, du Conseil d’arbitrage du COSMIT (Comité d’organisation du Salon du meuble de Milan), et du CNEL. Il a présidé et participé à plusieurs ateliers, en Italie et à l’étranger, sur le design et ses développements et sur les économies d’énergie appliquées à l’éclairage.
Parmi les dernières innovations du groupe, la solution Integralis est une typologie d’éclairage innovante, interactive, qui désinfecte les espaces (contre les virus, bactéries, champignons, moisissures et autres agents pathogènes mortels), grâce notamment à une méthode de stérilisation qui utilise le rayonnement ultraviolet (l’irradiation germicide ultraviolette (UVGI), tout en respectant des longueurs d'ondes en adéquation avec la préservation de la santé des individus.
Une carrière honorée
Le parcours d’Ernesto Gismondi est jalonné de nombreuses récompenses, notamment le prix européen du design (1997).
En 2008, il a reçu le prix Ernst & Young « Entrepreneur de l’année » dans la catégorie Innovation, et Giorgio Napolitano, le Président de la République italienne, l’a nommé « Cavaliere del Lavoro ». En 2009, il a reçu le prix Ernst & Young « Entrepreneur de l’année » pour la catégorie Communication.
En 2018, il a remporté le Compasso D’Oro pour l’ensemble de sa carrière avec la mention suivante du jury : « Ingénieur aérospatial, professeur d’université et entrepreneur, en bref : un homme aux multiples talents. Fondateur d’Artemide, il utilise immédiatement les processus de conception comme un facteur distinctif et, dans ce long processus, il encourage et renforce les collaborations avec le monde de la conception nationale et internationale. Exemple cohérent de la manière dont le design peut être un levier stratégique concret pour la croissance culturelle et économique, il a toujours travaillé pour que le design italien puisse être un exemple vertueux au niveau international. »
Récompensée par le Compasso d’oro 2018, la collection Discovery d’Artemide (design Ernesto Gismondi) décline aujourd’hui des versions circulaires horizontales et verticales, mais aussi , plus récentes, rectangulaires et carrées. le principe de la construction reste le même que dans les versions précédentes. Un profilé ultra léger en aluminium sert de support à un ruban LED qui projette la lumière sur une surface de PMMA transparent avec un dessin de micro-découpes réparties pour obtenir une efficacité et une uniformité maximales. Discovery peut être réglé avec l’appli Artemide, et compatible avec la technologie d’éclairage assainissant Integralis.
Pour ses prix Intelligence de la main 2020, dans la catégorie Parcours, le jury réuni par la fondation Bettencourt a récompensé Nicolas et Christine Bard, fondateurs du réseau Make ici. Plus que de fablabs ou de « makerspace », ils préfèrent parler le terme de manufactures pour identifier leurs différents lieux en France, qui rassemblent artisans d’art, designers, architectes et professionnels de la fabrication numériques.
Réseau de manufactures collaboratives et solidaires, la force de Make ICI, aujourd’hui, est d’avoir réussi à créer dans plusieurs régions de France, des lieux qui sont de vrais écosystèmes de l’industrie créative. Les résidents ont pour points communs d’être entrepreneurs, de placer le design au cœur de leurs activités – soit en étant designers ou en travaillant avec des designers – , et de mutualiser leurs compétences pour se développer. Car ces espaces comportent différents dispositifs d’accompagnement à l’entreprenariat, souvent absentes des formations initiales. Et c’est ce pari sur l’intelligence collective qu’a voulu récompenser la Fondation Bettencourt, en distinguant le couple fondateur dans la catégorie Parcours.
Comment définissez-vous vos manufactures ?
Christine et Nicolas Bard : Le terme le plus courant pour désigner ce concept est makerspace mais nous avions envie d’un mot français. Nos lieux sont des manufactures sociales et solidaires à but lucratif, dont les bénéfices générés sont intégralement réinvestis. Notre ambition est d’aider une génération d’artisans d’art à vivre correctement de son savoir-faire. Pour cela, nous avons réuni un ensemble de dispositifs qui constitue, à nos yeux, les éléments clés de la réussite : l’accès commun à des équipements traditionnels et numériques; un compagnonnage avec d’autres artisans qui permet de rompre l’isolement; une proximité avec d’autres disciplines alors qu’en France, les savoirs sont trop séparés. Enfin, une solidarité à tous les stades de l’activité -de la conception à l’accès au marché. La philosophie de MAKE ICI ? Tous indépendants, tous interdépendants. Il est aussi important d’être autonome que de pouvoir se faire aider lorsque cela s’avère nécessaire. A MAKE ICI, les entrepreneurs en difficulté ont toujours quelqu’un à proximité pour leur donner un coup de main.
Que signifie le prix Intelligence de la main/ Parcours pour vous ?
ChB&NB. Nous sommes très fiers d’avoir été distingués, d’autant que nous connaissons l’exigence de la Fondation en termes d’excellence et d’innovation. Cette reconnaissance est très importante pour nous car elle vient valider notre façon de penser l’artisanat d’art. Notre initiative est souvent observée avec intérêt mais on nous reproche de n’être pas assez puriste. Nous pensons, au contraire, que les artisans ne peuvent rester dans l’entre-soi. Ils doivent travailler avec des designers, des industriels... Un ferronnier d’art peut créer un prototype pour Airbus; une maroquinière, formée par Hermès, fabriquer la ceinture qui servira de récompense pour le concours de danse hip-hop créé par la marque Redbull, comme cela fut le cas pour deux de nos résidents. L’artisanat d’art doit s’ancrer dans le XXIe siècle ; conjuguer les savoir-faire ancestraux avec les techniques, et les désirs, de demain.
Quels projets allez-vous développer grâce à cette récompense ?
ChB&NB. Il va nous donner l’opportunité d’inaugurer de nouvelles manufactures, quatre sont déjà prévues, avec un ancrage dans les savoir-faire spécifiques des régions où nous allons nous implanter. Celle de la rue Ordener, à Paris s’organisera autour du travail sur le bois, le métal, le cuir et le textile. À Wasquehal, entre Lille et Roubaix, nous allons investir les anciennes imprimeries des catalogues Trois Suisses et allons naturellement promouvoir les savoir-faire textiles. A Tours, nous avons noué un partenariat avec le Théâtre National pour travailler autour des métiers du spectacle avec notamment des ateliers de costumes. Chaque lieu abritera environ 30% de savoir- faire locaux. Une façon de dynamiser le tissu industriel français, et redonner aux régions toute leur vitalité.
« Histoires d’ICI » est une websérie qui présente différents résidents du réseau. Découvrez ci-dessous le parcours de l’Atelier Noue.
À 88 ans, Enzo Mari est décédé le 19 octobre. En 1997, il déclarait à Intramuros « ]’essaie, d’être à la hauteur d’un travail intellectuel et je lutte contre les projets médiocres ». Le design perd un de ses activistes du design, intransigeant et ingénieux, qui aura travaillé aussi bien pour Artemide, Danese, Daum, Driade… pour des pièces de nombreuses fois rééditées. Retrouvez son ton incisif dans le portrait écrit en 1997 par Cristina Morozzi dans le numéro 73 d’Intramuros.
Piémontais de naissance, Enzo Mari, s’est formé à l’Accademia di Brera de Milan. Dès les années 1960, il collabore avec les plus grands éditeurs italiens et étrangers. En 1974, il s’affiche comme un ardent défenseur du do it yourself avec le projet “Autoprogettazione” qui rend accessible à tous la réalisation de mobilier, et où, contre une enveloppe timbrée, il offrait le splans de des ses dessins de cette collection à réaliser soi-même. Entre utopie et militantisme, Enzo Mari est précurseur d’une pratique de Fablab et d’ateliers de co-working. Dans les années 1980, sa collaboration avec la marque Driade développe des collections exemplaires et durables.
« “Quoi qu’on dise, je ne suis pas calviniste.“ C’est par ces mots qu’Enzo Mari conclut l’entretien dans son agence de Milan où les principales références de son parcours professionnel sont présentes. La bibliothèque en modulable ABS, dessinée en 1966 pour Gavina, remplie de revues d’architecture et de design ; les lithographies avec la faucille et le marteau de 1973 ; les couverts Piuma, produits par Zani & Zani en 1992 ; la chaise Box conçue en 1971 pour Castelli et éditée en 1995 par Aleph/Driade, et quelques pièces historiques nées de sa relation complice avec Jacqueline Vodoz et Brunon Danese dès 1958.
C’est la vérité, Mari n’est pas calviniste, même si au premier abord il paraît un peu « ours » et qu’il agresse d’un ton polémique, prêchant la bonne parole avec énergie. En s’approchant de plus près, on découvre un autre personnage. Une gentillesse perce timidement sous le regard sévère et révèle une disposition à s’émouvoir de la beauté des choses et de leur message intime.
Si le ton est souvent agressif, les œuvres de Mari montrent toujours une grande délicatesse, comme cette nappe brodée de fleurs créée pour Zani & Zani (Macef, septembre 97). Il dit l’avoir dessinée pour céder aux instances de son éditeur, mais je le soupçonne de prendre un certain plaisir à créer des pièces où les qualités féminines dominent. PAs d’austérité radicale en lui c’est un homme passionné, tant sur le plan humain que politique, convaincu avant tout de pouvoir changer le monde, même s’il n’a guère d’illusions sur la réussite d’un tel dessein.
« Dans le processus du design, dit-il, il y a des positions contradictoires : la position humaine et la position post-moderne, qui ne s’associent que pour mieux vous berner. Il manque une position lucide intermédiaire. C’est celle que j’aimerais occuper ».
Non, Enzo Mari n’est pas calviniste parce qu’il ne se lasse pas de répéter : « dans mon travail, je cherche à donner des réponses à des pulsions primaires comme le sexe et la faim, pour moi les hommes sont des animaux qui ont évolué en construisant des prothèses ».
Il est sévère envers les autres, envers les concepteurs « zombis » qui n’ont jamais lu un livre de poésie, envers les personnes qui croient être à l’avant-garde parce qu’elles font quelque chose de différent. Il est surtout sévère envers lui-même et se remet continuellement en question, même si « aujourd’hui on ne conteste plus rien ».
« ]’essaie, affirme-t-il d’être à la hauteur d’un travail intellectuel et je lutte contre les projets médiocres ». Enzo Mari recherche la cohérence, s’engage dans des batailles épuisantes, « avec les producteurs qui ne se remettent pas en question, ne s’intéressent qu’au superficiel, à la différence pour la différence, à la redondance ». « Concevoir, répète-t-il inlassablement, suppose une négation ». Cela signifie élaguer, enlever pour trouver l’essence même du projet et la justesse des objets archétypes, comme le peigne et la faucille par exemple, que personne d’identifié n’a conçus. « La décoration n’est que répétition. C ‘est comme le rosaire, dit-il, une litanie que l’on répète machinalement ».
Artiste, dessinateur, auteur de quelques pièces emblématiques du design des 30 dernières années, Enzo Mari n’est jamais satisfait et toujours mécontent. Quasi monomaniaque dans la poursuite d’une idée, il est « viscéralement attaché à l’utopie » affirme-t-il, « même si à la fin, on ne peut en lire qu’une toute petite partie », et il s’investit entièrement comme un jeune débutant. Il reste artiste même quand il n’est pas designer, parce qu’il est sûr que « tout ce que l’on fait est politique », il est convaincu « qu’un bon projet implique toujours du gas-pillage, de la folie et du courage », parce qu’il veut travailler pour la société et non pour lui, parce qu’il est constamment impliqué dans les batailles qu’il livre.
Comme tous ceux qui s’affrontent aux utopies, il a été un précurseur génial : avec Metamobile, par exemple, une collection de meubles pauvres et basiques en kit, conçue pour Gavina en 1974; ou avec Ecolo, un manuel d’instructions pour fabriquer des vases de fleurs en découpant des bouteilles d’eau minérale en plastique, réalisé pour Alessi en 1995. Ecolo peut être considéré comme un manifeste de la principale prérogative d’un bon projet pousser l’utilisateur à concevoir lui-même. « Tout le monde doit concevoir des projets, prétend Mari, au fond, c’est le meilleur moyen d’en garder le contrôle ».
En 1999 il recevra le prix du design à Barce- 1 one, après Ettore Sottsass et Achille Castiglioni. Au même moment « Le Printemps du design » accueillera une rétrospective au Centre Culturel Santa Monica. Une récompense qu’il annonce avec un certain orgueil, comme si le « système » qui l’a toujours mis en marge à cause de son attitude polémique envers les méthodes de production se rendait enfin compte que sa bataille était une bataille pour la qualité. Une qualité accessible à tous, claire et intelligible, une qualité intrinsèque et durable, qui incite au respect de l’objet.
« Mes plus beaux objets sont ceux qui ont été réalisés par des producteurs avec lesquels j’ai bien travaillé, car la forme finale d’un ouvrage dépend toujours de la qualité des rapports de production qui l’ont généré ».
Comme pour lui un projet consiste à épurer, il est souvent considéré comme un « minimaliste », pourtant, si l’on regarde son oeuvre de près, on s’aperçoit qu’elle est très différente de l’approche minimaliste du moment, celle de Jasper Morrison, ou celle de Paolo Rizzatto pour Luce Plan. Dans chacun de ses objets, on peut lire cette passion primaire qui donne l’impulsion au projet et cette utopie qu’il ne cesse de poursuivre. Ce sont ces tensions qui rendent les prpduits intéressants.
Aujourd’hui, on parle beaucoup des objets relationnels capables d’établir avec l’utilisateur des rapports de complicité. On arrondit les lignes, dans l’illusion que la sinuosité communiquera le caractère amical. Depuis ses débuts, Mari a toujours cherché à établir des rapports avec l’utilisateur de son projet, non par des artifices formels, mais en essayant d’offrir vraiment une idée, quelque chose qui vaille la peine d’être dessiné; on pense à la carafe en verre soufflé pour Danese, réédité aujourd’hui par Alessi, où chaque pli du goulot fait alternativement fonction d’anse et de bec verseur. Et cette idée, même si elle est filtrée par les fondements logiques de l’action artistique (surtout dans le courant de l’art programmé) – qui est un état de recherche permanent – cette idée est toujours clairement perçue. Les produits d’Enzo Mari sont permanents, non parce qu’ils reformulent les archétypes, mais parce qu’ils sont l’aboutissement difficile de cette recherche, de cette nécessité de toujours trouver un sens.
« Je m’ennuie, dit Mari, si je fais, un projet qui n’est qu’une simple répétition ou un truc de marketing. Je veux que mon travail soit un jeu, le travail comme jeu c’est une déclaration de liberté ». Pour les enfants, le jeu est en effet une recherche d’identité et d’expressivité, qui leur permet de se démarquer du monde des adultes. Par son travail de concepteur, Mari prouve son autonomie vis-à-vis des lois absurdes du marketing, des systèmes de production de masse, des besoins artificiels qui conduisent à la multiplication des objets inutiles. Son travail est un jeu dans la mesure où il se veut libre. De cette liberté, aujourd’hui de plus en plus rare, naissent des produits qui traversent le temps, comme la coupe à fruits Adal en PVC moulé sous vide en 1968 pour Danese, rééditée par Alessi en 1997. Ou encore la chaise Box en polypropylène injecté édité en 1971 par Castelli, rééditée par Aleph (Driade) en 1995 sa première chaise, proposée à l’époque comme une négation des « formes plastiques », faite de courbes et de raccords organiques et témoignant de l’enthousiasme frénétique pour le « tout en plastique ». Il s’agit d’une chaise solide, avec quatre pieds bien placés, qui correspond parfaitement à l’idée originelle de chaise. Aujourd’hui, alors que les matières plastiques trouvent une expressivité nouvelle, la chaise « Box » semble plus contemporaine que beaucoup d’autres qui essaient désespérément d’être nouvelles. Cette chais en kit, est une invitation explicite à construire, cette invitation que Mari lance depuis toujours à l’utilisateur, et qu’il considère comme une partie active du projet.
Non, Mari n’est pas calviniste, c’est un rêveur. Et c’est sans doute cette attitude si rare, assez déconcertante, qui lui donne l’apparence d’un ours. C’est un rêveur qui aimerait vivre « dans un pays où il y aurait trois designers, où je me contenterais d’être le troisième ». Des designers qui seraient en quelque sorte les dépositaires d’une culture. »
C’est le studio Collidanielarchitetto qui a imaginé la nouvelle adresse de VyTA , piazza Farnese, à Rome, dans l’ancien Caffè Farnese. Une décoration qui se joue des codes de la Renaissance et du modernisme, et qui fait la part belle aux contrastes chaleureux et chic de matériaux.
Une belle adresse à deux pas du Campo de ‘Fiori : le nouveau VyTA Farnese met l’accent sur un contexte historique, sans pour autant oublier le présent. Ce changement d’époque, Daniela Colli l’a traduit par un choix de matériaux raffinés (cuir, marbre polychrome, surfaces laquées, miroirs, velours… ) associé à des associations de couleurs assumées. Du vert émeraude au rose, tous les éléments semblent vibrer dans ce lieu où s’est installée cette chaîne de cafés et traiteurs haut de gamme.
Entre les tabourets hauts, des comptoirs aux accents Art Déco, des canapés en cuir rose associés à des fauteuils au velours plus foncé, les suspensions en cuivre apportent une note décalée joyeuse. L’architecte s’amuse des symétries, des jeux de miroirs, et apporte de la douceur chaleureuses dans une utilisation subtile de la courbe, et anime ainsi un lieu convivial et chic.
Le studio de design et de recherche natacha&sacha interroge les modes de fonctionnement et de production des objets, ainsi que leur utilisation. Pour les deux fondateurs, Natacha Poutoux et Sacha Hourcade, il s’agit notamment de repenser les objets électroménagers selon les codes du design, encore trop peu présents, afin d’assurer leur durabilité. Le duo prendra part à la Paris Design Week Factory (du 3 au 8 septembre), à l’Espace Commines (Paris 3e).
Depuis 2018, le studio natacha&sacha ne cesse de séduire. Lauréat des Grands Prix de la Ville de Paris 2019, nommé aux Rising Talent Awards de Maison&Objet 2020, le duo formé par Natacha Poutoux et Sacha Hourcade définit tranquillement sa place sur la scène française du design.
Après quelques années chez les frères Bouroullec pour l’une, et aux côtés d’India Mahdavi pour l’autre, les deux diplômés de l’ENSCI-Les Ateliers fondent leur studio. Un moyen de “s’éloigner du design d’auteur”, et ainsi “ne pas s’enfermer dans une problématique et pouvoir rebondir sur plusieurs sujets”, confie Natacha Poutoux.
Leur démarche consiste à “apporter une réponse là où il y a un manque”, explique la jeune femme. À cette fin, les deux designers échangent avec les gens, observent leurs comportements, leurs interactions avec les espaces et les objets.
Fortes de cette approche “anthropologique”, leurs recherches s’orientent notamment vers les objets électroménagers, le “parent pauvre du design”, considère Sacha Hourcade. “Cela fait longtemps que des designers ne s’étaient pas intéressés à ce domaine”, enchaîne-t-il, “ces objets viennent principalement de l’industrie.” Ils sont dessinés par des ingénieurs, “possèdent les codes d’objets techniques, mais sont en décalage avec l’habitation et le domestique que l’on a pu observer”.
De cette initiative est née Tracés, un tapis inspiré des tables japonaises kotatsu, qui “chauffe près du corps, tandis que le reste de l’espace est froid”, explique Natacha. Récompensé aux Grands Prix de la Ville de Paris 2019, cet objet composé de graphène, un textile chauffant, consomme 16 fois moins d’électricité pour 2 mètres carrés qu’un radiateur électrique, permettant une économie d’énergie substantielle.
“Comment repenser les objets électroménagers pour qu’ils soient plus durables ?”
Natacha et Sacha sont convaincus qu’il faut poser “un regard de designer de mobilier sur ces objets, les dessiner au même titre qu’une chaise ou un canapé”. De cette façon “on les rend désirables. Et si on les désire, on les utilise plus longtemps”, assure le jeune designer, “on donne envie de conserver ces objets, au même titre qu’une armoire de grand-mère, que l’on transmet de génération en génération.” De cette réflexion est née leur bouilloire électrique Métis 03, fonctionnant à induction. Vouée à remplacer les modèles en plastique, qui favorisent la formation de tartre, très énergivore, cette bouilloire en porcelaine peut être lavée au lave-vaisselle. La partie réservoir d’eau est utilisable de façon indépendante, comme une simple carafe.
Actuellement en recherche d’édition, le duo possède une dizaine de projets confidentiels qu’il a initiés et qu’il présente “ensuite à des marques qui nous semble pertinente en fonction chaque projet“, explique-t-il. Ainsi, un industriel teste le textile à base de graphène afin de fabriquer des coussins chauffant pour les usagers des bars et cafés en hiver, puisque des villes comme Bruxelles ou Rennes interdisent désormais de chauffer les terrasses pour des raisons écologiques.
natacha&sacha c’est aussi de la collaboration avec des éditeurs ou des entreprises : “plusieurs collaborations sont en cours avec notamment Lexon, Designerbox, Cider et une entreprise de cosmétique japonaise Isehan Honten. Les produits que nous développons pour ces marques sont encore confidentiels, mais ils seront dévoilés d’ici la fin de l’année ou début 2021“.
D’ici là, Natacha Poutoux et Sacha Hourcade continueront d’occuper la scène. Du 3 au 8 septembre, ils prendront part à la Paris Design Week , à l’Espaces Commines (Paris 3e), dans le cadre de la Paris Design Week Factory (nouveau lieu dédié à la jeune création) avant de présenter un système de mobilier et d’aménagement pour les hall d’hôtels lors du Salon Equipe Hotel en novembre.
Cette lampe murale utilise le mur comme support de suspension et réflecteur. Le câble d’alimentation est détourné comme élément graphique et esthétique. La lampe à câble pivote sur un axe de 360 degrés.
© natacha&sacha
L’humidificateur d’air Métis 02 mesure et régule le pourcentage d’humidité à l’intérieur d’une pièce. Il contribue à favoriser une bonne respiration chez les personnes souffrant d’asthme par exemple.
Le serveur Métis 01 peut facilement stocker et sécuriser les données de votre domicile. L’objet est en céramique, un matériau à inertie thermique. Le choix du matériau et de la forme favorise la convection naturelle de la chaleur et empêche la surchauffe de l’objet.
À Nice, Bleu Gris Agence signe la décoration du restaurant Fine Gueule. La convivialité, la confidentialité et l’intimité qui s’en dégagent donnent à ce restaurant de cuisine française un air de table d’hôte.
Dans la vieille-ville niçoise, France Bittel et Olivier Chanard habillent Fine Gueule, un restaurant de cuisine française, au décor résolument méditerranéen.
Le restaurant s’ouvre sur un premier espace, articulé autour d’une cuisine centrale et ouverte sur la salle. Il est délimité par son comptoir en marbre, et ses tabourets hauts Fest Amsterdam en tissu gris.
Le sol en terre mêlée et le carrelage terracotta résonnent avec le plafond en chaux blanche. Sur le côté, la banquette Nobilis en velours jaune moutarde invite les clients à s’installer confortablement , et guide le regard vers la deuxième salle.
Cet espace, qui s’adresse aux groupes, joue la carte de la confidentialité. La table sur-mesure, aux pieds en travertin et au plateau en noyer, est associée aux chaises minimalistes Fest Amsterdam en velours côtelé.
Un troisième espace, creusé au milieu d’une bibliothèque, se dévoile de l’autre côté de la cuisine. Cet écrin secret, en carrelage terracotta et en laque couleur inox invite à partager un moment intimiste sur les banquettes en velours.
Restaurant Fine Gueule
2 Rue de l’Hôtel de ville, 06300 Nice
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L’exposition “Home Stories : 100 ans, 20 intérieurs visionnaires” est prolongée jusqu’au 28 février 2021 au Vitra Design Museum. Fermée temporairement lors de la crise de coronavirus, elle illustre les évolutions sociales, sociétales et politiques de l’intérieur moderne.
Un intérieur est le reflet d’un style de vie, d’un quotidien et d’une époque. Avec “Home Stories : 100 ans, 20 intérieurs visionnaires”, le fabricant suisse de mobilier Vitra présente l’évolution de l’intérieur moderne et invite à réfléchir sur les perspectives d’avenir – qui revêtent une dimension d’actualité nouvelle avec la crise de coronavirus. Les dessins d’architectes comme Adolf Loos, d’architectes d’intérieur comme Elsie de Wolfe ou d’artistes comme Andy Warhol illustrent les bouleversements historiques qu’a connu l’intérieur depuis le début du XXe siècle – les plans d’étage ouverts dans les années 1920, l’apparition de l’électroménager moderne dans les années 1950 et la découverte du loft dans les années 1970.
Espace, Economie et Atmosphère : 2000 – Aujourd’hui
Les premiers intérieurs de l’exposition reflètent la radicalité des changements actuels observés dans les intérieurs privés. En effet, la hausse des prix de l’immobilier et la pénurie d’espace de vie abordable qui en résulte favorise la conception de micrologements et leurs meubles convertibles. On peut le voir notamment à travers « Yojigen Poketto » (qui se traduit par « poche 4D »), un appartement conçu par le studio d’architecture Elii à Madrid (2017).
Dans le même temps, les projets de reconversion, comme « Antivilla » d’Arno Brandlhuber près de Berlin (2014) – qui utilise du textile comme des cloisons mobiles – offrent des stratégies pour optimiser efficacement l’espace et présentent une nouvelle définition du confort et du luxe, basée sur la simplicité et le langage des matériaux.
La pertinence de l’économie du partage, qui se reflète dans la décoration intérieure, est elle illustrée par le projet « Granby Four Streets Community Housing » à Liverpool (2013 – 17), initié par le collectif multidisciplinaire Assemble. En étroite collaboration avec les habitants potentiels, Assemble a sauvé une terrasse d’une maison victorienne de la déchéance urbaine, a redessiné les intérieurs pour les besoins contemporains, et a aidé à mettre en place un atelier qui réutilise des matériaux de construction pour créer l’ameublement des nouveaux espaces.
Aujourd’hui, les plateformes Internet comme Airbnb, Instragram et Pinterest alimentent la perception d’un intérieur comme marchandise, qui peut être affichée et capitalisée à tout moment. Toutefois, l’imagerie et les stratégies d’affichage dans de nombreux intérieurs privés remontent à la période prémoderne ou même des traditions d’habitation vernaculaires. On peut le voir dans un diaporama de Jasper Morrison exclusivement commandée pour l’exposition, qui explore comment l’agencement des objets affecte fondamentalement le caractère et l’atmosphère d’un espace privé.
Repenser l’intérieur : 1960 – 1980
La deuxième partie de l’exposition se penche sur les changements radicaux de la décoration intérieure des années 1960 à 1980. Avec la diffusion du postmodernisme, les concepteurs, et particulièrement le groupe de design Memphis, commencent à réfléchir à la signification symbolique de l’ameublement, des motifs et des décorations.
Collectionneur passionné des créations de Memphis, le créateur de mode Karl Lagerfeld fait de son appartement à Monte-Carlo une salle d’exposition postmoderne au début des années 1980.
Au cours des deux décennies précédentes, les bouleversements sociaux se sont répercutés sur l’intérieur des maisons. En collaboration avec le philosophe Paul Virilio, l’architecte Claude Parent introduit le concept de « l’oblique » pour contrer les espaces neutres et cubiques qui prévalent à l’époque. Parent meuble son propre appartement à Neuilly-sur-Seine avec des plans inclinés qui peuvent servir indifféremment de siège, de salle à manger ou de lieu de travail, ou encore de lit de jour.
La New York Silver Factory d’Andy Warhol (1964-1967) est un exemple parfait des premiers loft, devenant un symbole presque mythique de l’atelier de l’artiste en tant que combinaison de l’espace de vie et de travail.
Au même moment, le fabricant de meubles et l’entreprise de vente au détail IKEA est sur le point de révolutionner l’industrie avec son programme visant à fournir des meubles modernes aux masses. L’ascension d’IKEA au rang de plus grand fabricant et détaillant de meubles au monde a contribué au changement perception des meubles – d’un objet qui se transmet de génération en génération, il devient un produit de consommation éphémère, jetable et rapidement dépassé.
Les années 1960 et 1970 présentent des idées radicales de décoration intérieure. Le “Paysage de fantaisie » de Verner Panton (1970) était composé d’éléments rembourrés de différentes couleurs qui formaient un tunnel en forme de grotte. Cette installation est reconstituée, le temps de l’exposition, dans la caserne de pompier de Zaha Hadid attenant au musée. Devant le musée, la micromaison “Hexacube” de George Candilis (1971) montre comment la préfabrication, la modularité et la mobilité ont façonné les notions de domesticité.
Nature et technologie : 1940 – 1960
Une autre époque décisive dans la formation de l’intérieur moderne a été celle de l’après-guerre. Cette période est marquée par l’entrée du style moderne, développée avant la Seconde Guerre mondiale, dans les intérieurs du monde occidental. Pendant la guerre froide, la concurrence politique entre l’Est et l’Ouest se cristallise autour de la question du niveau de vie, avec pour point culminant le fameux « débat sur la cuisine » entre Richard Nixon et Nikita Khrouchtchev qui a eu lieu dans une maison préfabriquée américaine exposée à Moscou en 1959.
Avant cela, le milieu du XXe siècle a vu le langage de l’intérieur moderne se raffiner. La « Maison du futur » conçue par Peter et Alison Smithson pour l’exposition Ideal Home à Londres en 1956 embrasse les méthodes de préfabrication et l’automatisation des ménages, y compris les derniers appareils de cuisine et le bain autonettoyant. Beaucoup plus sceptique à l’égard des progrès technologiques et du design fonctionnaliste, Jacques Tati, dans son film « Mon Oncle » (1958), met en scène la Villa Arpel comme une maison aseptisée avec un esprit propre, dominant ses habitants.
En combinant des formes et des matériaux modernes avec un sentiment de « chez soi », les intérieurs scandinaves deviennent de plus en plus influents, comme en témoigne la résidence privée de l’architecte Finn Juhl (1942). Il a utilisé sa propre maison, à Ordrup au Danemark, comme intérieur test : les meubles sont conçus pour explorer la façon dont ils peuvent s’intégrer dans un intérieur.
De plus, « vivre avec la nature » et les « frontières fluides » entre l’intérieur et l’extérieur deviennent des sujets clés pour les architectes comme Lina Bo Bardi et sa Casa de Vidro à São Paolo, au Brésil (1950/51). Bernard Rudofsky, un autre architecte qui envisage la relation entre l’habitation privée et son environnement naturel, s’inspire des traditions de construction vernaculaires pour promouvoir les maisons avec des pièces extérieures. Avec l’artiste Costantino Nivola, il crée un espace de vie extérieur appelé « Nivola House Garden » à Long Island, New York (1950).
La naissance de l’intérieur moderne : 1920 – 1940
Les années 1920 et 1930 voient l’émergence de plusieurs concepts clés d’espace et de décoration d’intérieur qui prédominent encore aujourd’hui. Dans ces premières années de la conception moderne, pourtant si différent de celui d’aujourd’hui, l’intérieur privé est au centre du débat architectural. C’est illustré à très grande échelle par le programme de logements sociaux « Das Neue Frankfurt » (1925-30). Dirigé par l’architecte Ernst May, il comprend la cuisine de Francfort de Margarete Schütte Lihotzky (1926), mais aussi des meubles abordables conçus par Ferdinand Kramer et Adolf Schuster.
Alors que May poursuit un programme social fort, d’autres architectes réinventent la répartition et la polyvalence de l’espace domestique. Dans sa villa Tugendhat à Brno, en République tchèque (1928-30), Ludwig Mies van der Rohe crée l’une des premières maisons basées sur un concept d’espace ouvert, avec des espaces fluides dans lesquels des meubles et des textiles soigneusement placés créent des îlots pour différents usages.
Adolf Loos défend plutôt le « Raumplan », un concept d’aménagement du territoire qui ne pouvait être compris en deux dimensions en raison de sa complexité tridimensionnelle. Sa villa Müller à Prague (1929-30) présente une séquence soigneusement chorégraphiée d’espaces à différents niveaux et de différentes hauteurs, qui dépassent la notion standard de plancher à un seul plan. Son compatriote autrichien, architecte et designer Josef Frank introduit le concept d’ »accident », selon lequel les intérieurs se développent organiquement au fil du temps et semblent composés par hasard.
Contrairement à ces positions modernistes, certains de leurs contemporains adoptent l’ornementation comme moyens d’expression. Elsie de Wolfe, qui a publié son livre « The House in Good Taste » en 1913, est souvent considérée comme l’une des premières décoratrices d’intérieur professionnelles. De Wolfe préconise l’aménagement intérieur comme une représentation de l’identité de la personne qui y vit. Cela est également vrai pour les intérieurs créés par le photographe et architecte d’intérieur Cecil Beaton qui utilise son cadre domestique comme un moyen de l’expression de soi. Pour sa « Maison Ashcombe » (1930 – 45), il s’est inspiré des arts, du théâtre, et même le cirque.
Tout au long du XXe siècle, le débat sur l’aménagement intérieur a évolué entre les concepts opposés de la normalisation, du fonctionnalisme et de la réduction formelle d’une part, et de l’individualisation et de l’ornementation d’autre part, qui continuent tous deux à façonner nos foyers en ce sens jour. L’exposition « Home Stories » revisite certains des moments décisifs de cette évolution et pose la question pour aujourd’hui : comment voulons-nous vivre ?
« Home Stories : 100 ans, 20 intérieurs visionnaires »
8 février 2020 – 28 février 2021
Vitra Design Museum
Charles-Eames-Str. 2
79576 Weil am Rhein
Allemagne
Avec sa maison Magic Circus Éditions, Marie-Lise Féry réinterprète les formes historiques du quotidien de façon à connecter le passé et le présent. Passionnée de cirque, de cabaret et de music hall, elle s’inspire de la fête foraine pour sa dernière collection Balloon.
“À travers mes réalisations, je réinterprète les objets du XXe siècle pour les connecter au présent.” Cette vision de la création, Marie-Lise Féry la doit à son passage par New-York au début des années 2000, où elle effectue un stage chez un antiquaire local. Elle tombe alors sous le charme de l’architecture de la ville qui ne dort jamais. À son retour en France, elle crée sa galerie d’antiquités « Un château en Espagne ».
La Parisienne, alors installée à Lyon, se lance dans la création de luminaires en 2015. Avec Magic Circus Éditions, elle réalise des collections XXL imprégnées de l’univers des éclairages urbains d’antan, des fantasmes de l’Extrême-Orient et du glossy des années 1970. Pour sa quatrième collection Balloon, dévoilée en janvier à l’occasion du salon Maison&Objet 2020, elle puise son inspiration dans l’univers de la fête foraine.
Une collection artisanale, festive et gourmande
La créatrice fait de nouveau appel à des artisans européens “qui confectionnent sur-mesure et de manière artisanale.” Cette fois-ci, elle travaille en tandem avec la maison italienne Venini, qui “possède un savoir-faire ancestral du travail du verre de Murano teinté dans la masse.” Cette collaboration donne naissance à des lampes aériennes et féériques, à mi-chemin entre le diamant et le berlingot. “Je contrebalance le lourd et le léger”, grâce notamment à la tige cannelée en laiton taillée sur-mesure : métaphore de l’attache du ballon, elle permet à ce bonbon truffé de reflets de volutes colorés de près de 6 kilos de “planer au plafond”.
Confinée mais pas arrêtée
La maison Magic Circus Éditions a vécu la crise sanitaire différemment. Les premières semaines ont été un ascenseur émotionnel pour Marie-Lise Féry, qui confesse avoir été “paniquée” puis “soulagée” lorsqu’elle a vu que les commandes ont repris “normalement”. En effet, son atelier de lustrerie se trouvant au Portugal, près de Porto, la production n’a été arrêtée que brièvement.
“Pendant deux semaines ça a tourné au ralenti. Une période pendant laquelle j’ai réfléchi à l’ouverture de la maison au marché international.” Forte de la volonté de la maison de luxe Cartier d’habiller certains de ses points de vente horlogers à l’international avec les lampadaire 01 et lampadaire China 07, la créatrice souhaite aujourd’hui s’ouvrir au marché américain. Pour cela, elle a tiré profit du confinement pour obtenir la certification UL pour ses collections 01, 02 et Pop Up.
Chanel Kapitanj fonde son studio éponyme de design et de ferronnerie en 2017, avec pour mot d’ordre le minimalisme. Une approche de travail qu’elle se réjouissait de présenter au SaloneSatellite – Salone del Mobile Milano 2020, finalement annulé en raison de la crise sanitaire du Covid-19.
Chanel Kapitanj est aujourd’hui métallier soudeur, un métier dont elle est “tombée amoureuse”. Après un master en design industriel, la jeune Belge se lance dans une formation à l’IEPSCF Blegny-Visé de Liège. Elle touche à tous les procédés de la soudure, dont le TIG qui permet “un résultat fin et esthétique”.
La designeuse fonde son studio en 2017 avec la volonté de travailler les matériaux froids et le métal uniquement, car “il permet des combinaisons de possibilités infinies”. Elle concède aussi être attirée par cette matière depuis son enfance. Fille d’un ouvrier fraiseur, elle passait son temps dans l’atelier de celui qui est aujourd’hui son conseiller technique.
La résistance du métal plaît à la jeune femme : “cela me permet d’imaginer des projets fins et moins massifs qu’avec un autre matériau.” Comme en témoigne son étagère Moon qui associe des plateaux de 2 mm d’épaisseur et des montants en tubes de 20 mm de diamètre, “ce qui reste très fin pour une étagère avec une finition zingué bichromaté.”
Les projets de la jeune femme ont un point commun : le minimalisme. Partisane du “less is more”, Chanel Kapitanj s’attache à mettre en évidence les matières métalliques sans surcharger les structures de ses projets. C’est cette vision de l’économie de matière qu’elle souhaitait montrer au SaloneSatellite – Salone del Mobile Milano 2020. Malheureusement elle n’en aura pas l’opportunité. La 11e édition de cet évènement consacré aux designers de moins de 35 ans a dû être annulée à cause de la crise sanitaire qui touche en ce moment l’Europe.
La designer belge comptait présenter trois projets lors du salon milanais. L’étagère Blow joue sur le contraste des matières : la structure est en acier inoxydable soufflé et réfléchissant tandis que les étagères sont en acier inoxydable brut. L’étagère Doll est constituée de deux formes simple en laiton, un cercle et un cône, qui donnent l’illusion de flottement une fois accrochée au mur. Le dernier projet est la Coiffeuse. Définition même du minimalisme elle associe un plateau et un cylindre percé pour y ranger ses accessoires beauté.
Cette opportunité manquée n’arrête pas Chanel Kapitanj, qui travaille actuellement sur son mobilier Pierre d’acier. La gravure confèrera à l’acier de la structure un rendu proche de celui de la pierre.
Début mars, dans le cadre d’Intramuros Lab, Isabelle Daëron présentait ses expérimentations en cours autour du rafraîchissement des villes .Retrouvez la vidéo de son intervention.
Formée à l’ESAD de Reims, puis à l’Ensci-Les Ateliers, Isabelle Daëron développe depuis une dizaine d’années une réflexion autour de multiples champs du design avec son Studio Idaë : design produit, scénographie. Engagé, inscrit dans les défis écologiques actuels, son travail se distingue par une exploration des ressources naturelles, une optimisation des flux d’un environnement donné. Elle a reçu de nombreux prix, dont le prix Lille Design en 2012, Le Grand Prix de la ville de Paris en 2013, le prix Audi Talent Award en 2015, finaliste du prix COAL -Art et Environnement en 2017, lauréate du FAIRE DESIGN en 2018…
Isabelle Daëron a exposé en France dans des événements majeurs comme la Biennale de Saint-Etienne, mais aussi à l’étranger (Taipei, Helsinki, Japon…). Récemment, outre une scénographie pour l’exposition « Champs libres » pour le Maif Social Club, elle a dessiné des luminaires pour Leroy Merlon tout en menant une expérimentation au long cours sur le design urbain. Lors d’une conférence dans les locaux d’Intramuros, elle présentait ce dernier pan de son travail.
Anne Asensio est nommée au conseil d’administration de la World Design Organization (WDO). La designer française rejoint les 10 autres membres du bureau pour la période 2019-2021. La liste des membres du conseil d’administration a été dévoilé lors de la 31e édition de la World Design Assembly™ qui se tenait à Hyderabad, en Inde, les 11 et 12 octobre dernier.
Placer l’humain au coeur du processus de designnu
Depuis 1957, la WDO, anciennement International Council of Societies of Industrial Design (Icsid), promeut le design industriel comme vecteur de croissance économique, sociale, culturelle et environnementale. Composée à l’origine de 12 associations, la WDO, dont le siège se trouve à Montréal (Canada), regroupe aujourd’hui 140 organisations réparties dans 40 pays qui ont une vision commune : placer l’humain au centre du design.
Parmi les outils de promotion du design industriel, la WDO dispose du programme World Design Capital (WDC). Tous les 2 ans, l’organisation internationale récompense les villes pour leur utilisation du design dans une démarche de développement économique, social, culturel et environnemental. La ville française de Lille a été désignée capitale mondiale du design pour 2020. Pendant 1 an, la ville du Nord mettra en avant les politiques urbaines et les innovations durables qui améliorent la qualité de vie.
Intégrer le design dans les usages de demain
Toute sa carrière, Anne Asensio s’est ingéniée à aller là où on ne l’attendait pas, avec toujours un coup d’avance : chez Renault, elle participe à l’invention de la voiture à vivre ; recrutée par General Motors, elle crée un brand center et redonne du sens aux marques en travaillant les leviers émotionnels du rétro-design. Vice-présidente Design Experience de Dassault Systèmes, elle accompagne la transformation technologique et numérique des industriels en les plaçant au coeur des usages et des besoins de demain, dans une démarche de design thinking empathique et systémique. Aujourd’hui, avec la même énergie communicative, elle définit des expériences comme elle dessinait hier des objets. Son parcours fait partie de ceux que l’on cite volontiers en exemple, avec ce penchant bien français de souligner l’exception qui vient confirmer la règle : après les Beaux-Arts, puis l’Ensaama, elle intègre dans les années 1980 le groupe Renault et réussit, en 1997, à être nommée Femme de l’année de l’industrie automobile. En 2000, General Motors vient chercher l’experte pour prendre la tête du département design et redynamiser ses marques. Et c’est la visionnaire que Dassault Systèmes recrute en 2008 pour conforter le design au coeur d’enjeux stratégiques. Rencontre avec une femme d’expériences.
Qu’est-ce qui a motivé ce virage du design industriel au design d’expérience ?
A. A. : C’est un vrai choix, lié à une rencontre. J’étais designer automobile, j’ai dessiné des voitures pourdifférentes marques dans divers pays. Avec le recul, je trouve que c’était un travail fin, magnifique, focalisé sur la forme extérieure, l’expérience intérieure, les couleurs, les matières : l’objectif était d’offrir quelque chose de beau dans lequel on allait avoir du plaisir. Puis les années 2000 ont vu l’arrivée du numérique de manière exponentielle, il y a eu la bulle et, surtout, une accessibilité et une démultiplication qui ont, pour certains, transformé leur vision du monde, et j’en faisais partie…
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Eugénie Crétinon répare les céramiques brisées selon les codes du Kintsugi. Cette technique japonaise qui vise à redonner vie aux objets brisés, met l’accent sur les cassures de l’objet en céramique à l’aide de poudre d’or. La céramiste française présente son travail dans le design lab du magasin Habitat République, jusqu’au 31 décembre prochain.
La créatrice a le Japon dans la peau. Inspirée par son folklore comme en témoigne son tatouage de Totoro, la créature du film d’animation japonais éponyme, la céramiste lance son atelier Tsukumogami en 2017. Dans un premier temps, elle se forme au Kitsungi en autodidacte. Les vidéos et tutoriels disponibles sur internet lui apprennent les rudiments du métier. Puis elle suit un stage d’un mois auprès d’une maître Kitsungi venue de Kyoto, avec l’ambition de maîtriser toutes les facettes de cet art.
La technique de réparation japonaise reste la même, que la création soit d’Eugénie Crétinon ou que l’objet qu’elle répare provient d’un particulier. Les morceaux sont recollés les uns aux autres à l’aide de laque, qui est ensuite saupoudrée d’or.
Au-delà de la céramique, le Kitsungi peut aussi s’appliquer au bois. La céramiste française travaille aujourd’hui sur la restauration de poupées traditionnelles japonaises.
Eugénie Crétinon transmet aussi ses compétences à ceux qui désirent apprendre. Dans les locaux de son atelier de Montreuil, les apprentis découvrent, au-delà de l’artistique, une forme de résilience qui leur permet de dompter leur passé en recollant les morceaux brisés ou de transmettre une histoire personnelle à travers un objet.
Le travail de Kitsungi d’Eugénie Crétinon côtoie ses collections céramiques traditionnelles, en grès moucheté modelé et/ou tourné puis émaillé à la main, au sein de la boutique Habitat République jusqu’au 31 décembre 2019.
Habitat République – 10 place de la République, 75011 Paris
Boutique en ligne – https://www.etsy.com/shop/tsukumogami/
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