Design

Chafik Gasmi est le designer invité du dernier numéro d’Intramuros : en complément de l’interview vidéo ci-dessous, retrouvez ses interventions tout au long du magazine #208 et découvrez sa cabane écologique en réalité augmentée.

‍

‍

La ligne SLX fait partie de l’univers Pure, l’une des propositions les plus haut de gamme et luxueuses de SieMatic, et c’est aussi l’un de ses derniers programmes complets : c’est réellement cette catégorie de produits qui monte en puissance et commence à prendre le pas à l’international en termes de volume de commandes de l’entreprise allemande. L’une des raisons de ce succès réside sans aucun doute dans ses nombreuses possibilités de planification, qui ont défini aussi sa philosophie de conception. Qu’il s’agisse de design scandinave décliné dans des tons blancs minimalistes, ou d’un jeu expressif et contrasté de tons de bois chauds et d’acier inoxydable froid, avec ses lignes épurées et sa large palette de variantes de matériaux et de couleurs, la gamme SLX maîtrise tous les défis architecturaux et assume parfaitement son rôle de cœur des espaces de vie.

‍

‍

Une impression de lévitation due à une prouesse technique

‍

En 1960, SieMatic a été le créateur de la cuisine sans poignée : depuis, la mission de la société est toujours aussi tournée vers l’innovation, dans l’apport dans le design et la fonctionnalité des cuisines, la proposition d’ensembles et d’aménagements sophistiqués et minimalistes. C’est particulièrement l’idée fondatrice de cette ligne SLX, qui a entre autres redessiné une gorge particulièrement sophistiquée – un creux horizontal ou vertical en fonction des volumes – finement structurée, dotée d’un éclairage discrètement intégré et contrôlable individuellement dans le creux de cette gorge.

‍

D’une part, cette lumière indirecte qui file dans les gorges horizontales d’un îlot fait visuellement flotter le plan de travail, qui semble alors presque en lévitation. Une prouesse technique rendue possible par la capacité de SieMatic à proposer des plans de travail qui ne font que 5 mm d’épaisseur visible, dans divers matériaux possibles, et surtout grâce à une technique brevetée par la marque : il y a une armature sous la fine épaisseur de matériau, qui va le rigidifier. Celle-ci va être complètement cachée, enchâssée dans le corps du meuble, derrière la gorge : reste seulement visible la tranche de la matière, ce qui accentue cette impression de légèreté, et entre parfaitement en correspondance avec le design des biais des façades, dans un équilibre architectural très pointu. Le détail, la finesse de la recherche, est ainsi l’essence même de cette collection haut de gamme.
D’autre part, loin d’être une sorte d’«éclairage intérieur » du tiroir, le bandeau lumineux permet de personnaliser l’atmosphère par le choix de sa température de couleur, via une application compatibles à tous les ensembles domotiques.

‍

‍

L’importance des finitions

‍

Parallèlement aux défis techniques, l’équipe de design intégrée a recherché aussi des effets de sophistications dans la structure, avec un souci du détail pour garantir une ligne minimaliste : l’équilibre des proportions, le détail de la finition, le choix des charnières (invisibles), ainsi que les matériaux. Ainsi, les vitrines en verre assorties font écho aux fines proportions de la SLX, reprenant ses surfaces métalliques, ses placages et ses laques, et ajoutant une touche de légèreté – avec des tiroirs en apparence suspendus, ainsi que des portes et des côtés transparents.

‍

Côté matériaux, la SieMatic Pure SLX innove avec des façades en finition céramique, qui vient compléter ce que faisait déjà la marque, avec 7 déclinaisons différentes, qui vont des plus unies à des veinages affirmés, qui permettent cependant dans les compositions de garder une continuité et de garantir une esthétique de « monolithe architectural » sublime. Le métal étant l’une des tendances fortes actuelles, SieMatic propose également une nouvelle finition Stratifié métallisée, déclinée en 4 teintes différentes. Ce sont des propositions qui séduiront notamment des projets de cuisines ouvertes dans le salon, totalement intégrées dans l’espace dans une approche de structuration d’une pièce à vivre. Dans ses finitions, ses proportions, la SieMatic Pure SLX, tout en gardant ses propriétés fonctionnelles, prend totalement sa place dans des études d’architecture d’intérieur, dans les tendances d’aujourd’hui. Tout en gardant un soupçon d’intemporalité, compte tenu de l’investissement lié au produit, SieMatic travaille une esthétique contemporaine et minimaliste.

‍

Un positionnement avant-gardiste de SieMatic

‍

Ce que propose SieMatic va plus loin que la cuisine elle-même, en proposant un concept d’architecture d’intérieur. Comme les frontières se sont effacées dans l’intérieur, dans la conception de ses différentes gammes, SieMatic dépasse les limites techniques d’une cuisine utilitaire pour avancer progressivement plus largement vers l’aménagement d’espaces à vivre, avec cette notion forte d’expérience, de ressenti, de connexion émotionnelle, en valorisant aussi la personnalisation, en fonction des modes de vie du client. Les études le montrent, cette année de confinement a accentué cette demande d’améliorer son intérieur, de pouvoir se ressourcer en améliorant les ambiances. Il ne s’agit donc plus de seulement rechercher l’excellence dans la technique et les matières mais aussi de challenger cette notion d’expérience et de sérénité.

‍

C’est pourquoi le langage de design SieMatic est riche et vivant. En étant attentif à la façon dont on vit aujourd’hui, aux besoins exprimés, aux tendances révélées, il conjugue les expressions les plus diverses, les formulations les plus sophistiquées et cependant, il est toujours clairement reconnaissable – grâce à sa spécificité : l’élégance intemporelle. On la retrouve dans toutes les formes de design, des petits éléments de style aux concepts d’espace conçus de manière globale. Le terme « holistique » est un mot-clé particulièrement important pour le langage de design. SieMatic accorde autant de valeur à l’intérieur qu’à l’extérieur. Et la forme est toujours en harmonie avec la fonctionnalité.

‍

Site internet SieMatic

S’abonner à la Newsletter SieMatic France.

Télécharger les brochures SieMatic

Blog SieMatic

‍

‍

Avant d’être sollicité pour la charte graphique d’Intramuros, quelle était votre perception du titre ?

Pour moi, c’était vraiment un magazine dédié au design qui parlait à la fois aux professionnels et amateurs éclairés. J’ai d’ailleurs été lecteur moi-même puisqu’une de mes premières volontés, quand j’étais en école d’art, était d’être designer de mobilier. Je m’intéresse beaucoup à ce type de sujets et j’ai pu compulser les différentes parutions du titre.

‍

Comment avez-vous construit votre réflexion sur la création de la nouvelle identité du magazine Intramuros ?

Pour concevoir cette identité, je me suis basé sur les grandes tendances et je me suis surtout replongé dans l’univers du magazine. Je travaille toujours en essayant de me mettre dans la peau du lecteur, et je me suis amusé à chercher à savoir, avant toute chose, comment j’aurais voulu qu’il soit. L’important, c’est évidemment de parler à son public, mais c’est aussi de le projeter quelque part. En tant que créatif, je cherche toujours des espaces vides ou des espaces d’expansion, des territoires à conquérir.

‍

Quels ont été vos partis-pris ?

Je l’ai exprimé comme un lecteur de 2021. Je ne voulais pas que ce soit monolithique, uniquement destiné à des spécialistes. J’ai essayé de faire une proposition composite, ce qui à mon avis reflète bien l’esprit de l’époque, avec un aspect très tranché autour de de la typographie.
Je ne voulais pas que ce soit très classique, même si ça aurait pu l’être car Intramuros est resté pour moi “classique”, un “incontournable” dans ce domaine.

‍

Fort de ce constat, qu’avez-vous voulu exprimer à travers ce nouveau logotype, à la fois dans ses intentions et dans son traitement ?

Il fallait mettre en avant la puissance du titre, ne pas être timide, mais plus ouvert, plus osé, plus explorateur. J’ai l’impression qu’il y a eu une grande vague de design et de décoration intérieure dans les années 2000 et que la communication autour de ces sujets est restée comme “coincée” à cette époque.

Les années 2010 constituent une période beaucoup plus éclatée. Je l’ai retranscrit par cette typo bâton légèrement customisée, légèrement personnalisée, très affirmative et résoluement moderne. Et qui peut être extrêmement versatile.

‍

‍

Parallèlement à votre métier de directeur artistique, vous vous êtes depuis peu lancé dans une activité d’artiste.

Oui, je me suis remis à la création plastique très récemment, et actuellement mes peintures sont très inspirées par l’architecture brutaliste : le béton brut, l’art suprématiste du 20e siècle avec un retour aux formes essentielles telles que le rond, le triangle, le carré, le parallélépipède et les couleurs primaires. Ce sont de beaux univers avec des images très absolutistes : on fait table rase d’une forme qui, parfois, peut être considérée comme agressive pour recréer quelque chose de nouveau. On est pleine déconstruction, révolution, reconstruction en ce moment, et c’est pour ça que la sémantique révolutionnaire m’intéresse. Sachant que “révolution” comme disait un philosophe contemporain, c’est aussi un retour à la case départ.

‍

Pourquoi ce “retour aux sources” ?

J’ai fait les Arts Déco de Paris. Ensuite, j’ai vécu ma vie de créatif “mercenaire” (rire) en agence et j’ai créé pour les autres : je me suis mis au service des marques, de la publicité.
Aujourd’hui, à l’aube de mes 50 ans, j’ai envie de créer pour moi-même. Ce retour à la case départ, cette forme de révolution dans ma démarche, est en cohérence avec ce que j’ai pu faire avec Intramuros, c’est-à-dire revenir à la base avec un vocabulaire volontairement très restreint : du noir, du monochrome, mais du figuratif quand même pour que cela ait un sens immédiat.

‍

Ce retour aux sources, c’est SHDW BXNG (ndlr : Shadow Boxing), votre série inspirée par l’univers de la boxe. Comment l’avez-vous appréhendée ?

J’ai commencé par une série d’une vingtaine de pièces sous forme de peintures, de dessins, ou en intervenant sur des objets existants, comme des sacs de boxe ou des gants de boxe.
La plupart des pièces sont en noir sur noir. Les objets en cuir, quant à eux, sont directement gravés au scalpel. Ainsi, ce sont uniquement les lumières qui donnent la profondeur. J’ai par conséquent involontairement créé une collection 100% analogique, qui ne se regarde qu’“en vrai”. Comme à la boxe, c’est une confrontation physique que je sentais nécessaire. J’avais besoin de revenir à de la matière, aux matériaux, au toucher. Même si ça ne se fait pas, j’incite les gens à s’approcher et à toucher les œuvres.
Cette approche est d’ailleurs conservée sur la 2e série sur laquelle je suis en train de travailler, pour une présentation à la rentrée.

‍

‍

Car vous prévoyez une nouvelle expo ?

C’est ça. J’ai eu la chance que la galerie David Cha s’intéresse à moi et me signe en sortie de confinement pour une première exposition. J’ai également eu la chance de ne pas faire d’exposition collective, de ne pas exposer dans les endroits qui selon moi dégradent l’artiste plus qu’ils ne le valorisent. Mon but est vraiment d’avoir un corpus de travail beaucoup plus conséquent. J’ai actuellement une vingtaine de pièces, mais il m’en faudrait 50, 70 voire 100 assez rapidement si je veux devenir intéressant pour le marché. Parce que malgré tout, arrivé à maturité professionnelle, je n’ai plus le luxe de faire le naïf et de croire que tout le monde m’attend.

‍

Lancé en 2017 par le Ministère des Affaires étrangères italien en collaboration et avec le soutien du ministère des Biens et Activités culturels, Italian Design Day est un événement thématique annuel qui promeut le design italien partout dans le monde.

‍

Pour cette édition 2021 en France, c’est un cadre unique, la Maison Ozenfant à Paris, que L’Ambassade d’Italie en France et le Consulat Général d’Italie à Paris en collaboration avec ICE – Agence Italienne pour le commerce extérieur ont choisi pour organiser un événement le 7 juillet prochain.

‍

‍

‍

Un débat accueilli au siège parisien de Tecno

‍

Ce privilège a été rendu possible par une société leader du design italien, Tecno, qui a inauguré en 2017, dans cette maison-atelier, le bureau parisien désormais ouvert à son réseau, exportant le projet TClub déjà actif à Milan, capitale du design, qui redémarre avec le Salon du Meuble du 5 au 10 septembre 2021, avec un nouveau format, ouvert et dynamique, conçu par l’architecte Stefano Boeri.

‍

Tecno ouvre donc ses portes parisiennes  pour héberger une discussion autour du thème Projet et matière : nouveaux défis pour le redémarrage durable du Made in Italy.

‍

Ce débat au format intimiste réunira des intervenants d’exception. L’Ambassadrice d’Italie en France, Teresa Castaldo, accueillera l’architecte français Jean-Michel Wilmotte, l’architecte italien Cino Zucchi et le représentant de la société Tecno M. Florent Leonet. La modération sera animée par Cléa Daridan, historienne de l’art, de l’architecture et du design, contributrice d’Intramuros.

‍

Un lieu d’exception

‍

La Maison Ozenfant est la maison-atelier conçue par Le Corbusier en 1922 pour l’artiste et ami Amédée Ozenfant. Premier projet résidentiel de Le Corbusier, la maison exprime une convergence d’intentions et d’idéaux entre l’architecte et l’artiste, devenant ainsi le « banc d’essai » des concepts qui allaient jeter les bases de la philosophie de conception de Le Corbusier.

‍

Une architecture au caractère puriste, pleine de lumière : un lieu de choix donc non seulement pour la créativité mais aussi pour la réflexion. Un encadrement parfait pour discuter la relance du Design Italien en 2021.

‍

Suivez le débat en ligne le 7 juillet à 17h30 en cliquant ici.

‍

‍

Jusqu’au 26 septembre 2021, les deux sites historiques de Poissy dans les Yvelines ouvrent leurs portes pour exposer les créations de l’ARC, l’atelier de recherche et de création du Mobilier national.

‍

La Villa Savoye, monument emblématique de Le Corbusier qui fête ses 90 ans, expose les pièces originales ou rééditées qui font la démonstration de ses recherches sur le métal tubulaire depuis les assises basses des années 1960 jusqu’aux fauteuils en fibre de lin ou fibre de carbone créées dans les années 2010. Commandée par Pierre et Eugénie Savoye en 1928 afin d’en faire une maison de week-end, elle rassemble les cinq points de l’architecture nouvelle formulée en 1927: pilotis, toit-jardin, plan libre, façade libre et fenêtre en bandeau. Cette « machine à habiter » continue à avoir une influence considérable dans l’Histoire de l’architecture.

‍

‍

‍

La Maison de Fer quant à elle accueille une dizaine de pièces de Pierre Paulin, Olivier Védrine, Jean Nouvel, Martin Szekely, Roger Legrand, Ronan Bouroullec, Salomé de Fontanieu ou Frédéric Ruyant qui font écho à la structure en métal de ce bâtiment. Structures et tôles embouties brevetées par l’ingénieur belge Joseph Danly témoignent de l’époque industrielle de la fin du 19e siècle et du début du 20e siècle où ces constructions étaient synonymes d’innovation, de modernité et de confort. Elles font partie du parcours de la Paris Design Week 2021.

‍

‍

Fauteuil LC1 Villa Church (2013), canapé deux places modèle LC2
(1985), fauteuil modèle LC2 (1982), table basse LC10 (2013),
fauteuil LC7 (1988) © Le Corbusier, Charlotte Perriand, Pierre
Jeanneret © Mobilier national - ARC – Grand salon de la villa Savoye
© FLC (Fondation Le Corbusier) – ADAGP © Thibault Chapotot

‍

« Sièges modernes. Le Mobilier national invité à la villa Savoye. »
Jusqu’au 26 septembre 2021 – 82 rue de Villiers – Poissy

‍

« Le design de métal. Le Mobilier national invité à la Maison de Fer »
Jusqu’au 26 septembre 2021 – 2 ter allée des Glaïeuls – Poissy

‍

La cuisine était au cœur de la thématique 2021 du concours New Living Wood : les étudiants étaient en effet invités à proposer des solutions d’aménagement autour de « l’espace repas de demain » en utilisant les propriétés du bois dans leurs projets, par exemple ses propriétés mécaniques, isolantes, ou acoustiques.  Comme le précise Jean-Paul Bath, directeur du  FRENCH DESIGN by VIA, « la nouvelle génération est aujourd’hui en mesure d’apporter de nouvelles réponses, et de soulever de nouveaux enjeux dans le vivre bois, l’aménagement d’espaces de vie originaux, adaptables et humains. Le concours New living wood présente des projets prospectifs et reflète les tendances de demain dans nos aménagements d’intérieurs ».

‍

1er prix Cuisinivrac, par Théo Descantes (LISAA, Paris)

‍

Son projet ? Utiliser les propriétés du bois pour imaginer un système de stockage des aliments en vrac, qui respecte bien sûr les normes sanitaires.

‍

‍

‍

2e prix Greffectoire (Lou Fleurigeon et Judith Poillot, École La Martinière, Lyon)

‍

Ce projet s’intéresse à l’aménagement des cuisines communes : l’idée est un module qui puisse transporter les affaires personnelles depuis une chambre jusqu’à la pièce commune, et également s’encastrer à un plan de travail, le temps de la préparation du repas, voire fournir une petite table d’appoint.

‍

‍

‍

3^e Prix  Process’Local (Rébecca Rival, LISAA Paris).

‍

Ce projet propose une réflexion autour d’un système de cuisine  nomade, imaginé à l’échelle d’un village, pensé comme un espace de partage.

‍

‍

‍

‍

Carte blanche confiée au designer Boris Berlin, Modernism Crystallized (Family Affair) propose des œuvres réalisées par le créateur d’origine russe, mais aussi avec son fils, l’architecte danois Daniel Berlin (de l’agence Snøhetta) et le designer letton Germans Ermičs. Surfant entre design, art et architecture, ces pièces par leurs effets lumineux, chromatiques, ou encore de trompe-l’œil altérant les formes, prennent toute leur dimension à travers le regard du spectateur. Pour exemple, Black Mirror de Boris Berlin et Germans Ermičs est une élégante table illusionniste qui peine à atteindre le sol, s’évanouissant dans son propre reflet. Comme souvent chez Maria Wettergren, cette exposition associe la beauté du design et des matériaux à de profonds questionnements, ici sur la mémoire, comme sur notre perception corps.

‍

‍

Modernism Crystallized (Family Affair) Galerie Maria Wettergren, 121 Rue Vieille-du-Temple, 75003 Paris.

www.mariawettergren.com – Jusqu’au 11 septembre 2021.

‍

« Le tapis est pour moi un travail artistique qui apporte de l’âme à un lieu » : voilà plus de vingt ans que l’artiste Deirdre Dyson dessine des tapis tissés ou noués main. À l’époque, il lui est difficile de mettre la main sur le tapis qui lui convenait. En le cherchant, la créatrice tombe à pieds joints dans ce monde qu’elle ne connaît pas, celui du tapis. Un tapissier lui propose alors d’en réaliser un d’après une de ses œuvres, et de fil en aiguille, les collections s’enchaînent. Depuis, elle a repris le flambeau de cette fabrique dans laquelle elle travaille sur les collections avec son équipe.

‍

‍

‍

Aujourd’hui, c’est entourée de plus de 5000 pompons de laine et de soie qui composent sa palette de couleur que Deirdre Dyson choisit les tonalités de ses créations : « Je n’ai pas besoin de les mixer comme en peinture, j’essaie de choisir les couleurs avec des contrastes et des intensités différentes pour créer des reliefs et du mouvement. »

‍

C’est à la commande que la composition d’un tapis est définie, soit en laine pure tibétaine, en soie de Chine ou en associant les deux. Tous tissés ou tuftés à la main (certifiés Goodweave) au Népal par des tisserands d’exception, les dessins de ces tapis sont généralement suggérés par la nature laquelle est déjà source d’inspiration des peintures de Deirdre Dyson. On y retrouve toujours beaucoup d’harmonie et de subtilité dans le choix des coloris.

‍

‍

Chaque tapis est une pièce unique puisque créé à la demande et choisi en fonction des couleurs, des matières ou encore des dimensions.

‍

Certains des sept tapis de Paper & Stone font écho au trompe-l’œil avec les jeux d’ombre du papier plié dont la forme est reprise dans la découpe du tapis même, ou à la feuille de papier déchirée sur un tapis rectangulaire. Ces tapis peuvent être posés au sol, mais parfois suspendus. Ainsi, la tenture murale Dry Stone donne cette impression d’un mur en pierre.

‍

Après avoir exposé sur le salon Maison & Objet, Deirdre Dyson a pris conscience que son travail était non seulement reconnu mais aimé du public français. C’est pour cette raison qu’elle a ouvert en 2020 une galerie parisienne, à Saint-Germain-des-Prés, où il fait bon admirer son travail à sensations, celles du regard et du toucher.

‍

‍

Lady Dyson dessine chaque année une nouvelle collection avec beaucoup d’enthousiasme : « Selon moi, le plus important et ce qui me tient le plus à cœur est de créer des choses qui sont en cohérence avec mes expériences et mes valeurs. » On attend celle de 2022 avec impatience !

‍

Galerie Deirdre Dyson, 12, rue des Saints-Pères, 75007 Paris

www.deirdredyson.com

‍

Des showrooms uniques, à Paris et ailleurs

‍

Situés à Saint-Germain des Prés, Kléber, au Faubourg Saint-Honoré ou encore à Bastille, les showrooms Silvera sont avant tout des lieux d’exposition où se regroupent les marques incontournables en matière de design. Le distributeur continue de développer son réseau, dans la capitale mais pas seulement puisqu’il est également installé à Marseille, Lyon et Londres. On compte aujourd’hui une dizaine de showrooms parisiens, avec une nouvelle adresse prestigieuse qui a ouvert ses portes rue du Bac, en septembre 2016.

‍

Le lieu, géré par Brigitte Silvera et Erwann Renaut a été entièrement rénové, il accueille sur trois niveaux l’excellence du design.

‍

Le parti pris adopté est de donner une impression de grandeur avec la suppression de cloisons intérieures et le choix de matériaux contemporains comme le verre et le béton, transparence et luminosité sont les éléments principaux qui caractérisent ce nouveau showroom, offrant un magnifique écrin plus vaste aux collections. On y trouve une sélection de marques haut de gamme, raffinées et modernes qui touchent tous les univers de la maison, telles que Baxter, Classicon, Coedition, De Padova, Fritz Hansen, Living Divani, MDF Italia, Minotti, Porro, ou encore Knoll… Et aussi un grand choix d’objets décoratifs et de luminaires comme Editions, Flos, Hay, Moooi, Seletti ou encore Vitra.

‍

Chaque showroom SILVERA est unique, tant dans la singularité de sa scénographie que dans le choix des collections.

‍

‍

SILVERA Saint-Germain : un univers à part

‍

Ce nouvel espace de 55m2 a été imaginé différemment d’un showroom SILVERA traditionnel. L’exploitation de ce lieu atypique a fait l’objet d’une réflexion ciblée, menée en collaboration avec l’architecte Frédéric Turpin, de l’agence Facto : « La visibilité depuis le boulevard Saint-Germain imposait à ce lieu d’être plus qu’un showroom, celui-ci devait être une vitrine événementielle, un signal, un appel, une communication permanente en volume ».

‍

‍

Imaginée comme une réelle vitrine évènementielle, ce showroom se veut être un véritable lieu de réception. Il fait l’objet d’une programmation, ce qui permettra aux marques partenaires de mettre en avant leurs univers en plein cœur du quartier Saint-Germain. 3 à 4 expositions seront mises en lumière chaque année afin d’imprégner au fil des saisons et des expositions une nouvelle ambiance toujours plus surprenante.  La marque italienne Gallotti&Radice a eu la chance d’inaugurer ce tout nouveau concept pour laisser place en ce moment à l’exposition Living-Divani, mise à l’honneur jusque juillet 2021.

‍

‍

Pour retrouver l’exposition, cliquez ici

‍

SILVERA voit (plus) grand avec le Showroom du Faubourg Saint-Honoré

‍

Idéalement situé entre la place des Ternes et la Salle Pleyel, ce nouvel écrin propose une offre plus large dans un espace de 1.000m², réparti sur 3 niveaux.

Ce nouveau showroom met en place un parcours d’ambiances scénographiées autour des plus belles maisons d’édition : Flexform,Cassina,B&B Italia,Vitra,Fritz Hansen,Hay,MDF Italia,Moroso,Porro,Zanotta et bien d’autres.

Chaque étage propose des scénographies et des sélections de produits différentes qui permettent de se projeter plus facilement dans les différentes pièces de la maison. Fort de son concept global, SILVERA Faubourg Saint-Honoré offre un espace projet, une sélection d’objets, ainsi qu’un lieu de rencontre convivial où peuvent s’échanger idées et projets autour d’un café.

Retrouvez une sélection de produits exposés dans le showroom SILVERA St-Honoré sur SILVERA/eshop ainsi que la collection flexform exposée en ce moment au showroom.

‍

SILVERA Bastille : Les incontournables du design

‍

Réaménagé par l’architecte Christophe Pillet en 2005, SILVERA Bastille s’étend sur un espace de 800m2 répartis sur quatre niveaux, par sa superficie le showroom propose un large choix de pièces emblématiques accompagnées également des classiques du design. SILVERA exprime les lignes fortes du concept : le choix d’un design pointu et innovant.

A l’occasion de l’ouverture de la Bourse de Commerce, le showroom de Bastille a tenu à rendre hommage aux designers français Ronan et Erwan Bouroullec, ainsi qu’à leurs créations en collaboration avec les éditeurs de mobilier Artek et Vitra.

« La nouvelle Bourse de Commerce est un jeu de contrastes, de sauts entre les époques ou entre les éléments les plus établis. Il était essentiel de ne pas décorer ces espaces, ni de perturber cette union de contrastes, mais seulement de les accompagner. »

‍

‍

Ce lieu devenu stratégique, en ce qu’il incarne l’un des nouveaux musées phares de la capitale, tend à devenir le lieu de rendez-vous culturel incontournable.

Ainsi, pendant 10 semaines, SILVERA expose des modèles tels que la Rope Chair, la table Kaari et les crochets muraux Tuplas édités par Artek, mais également, les vases Découpages imaginés l’année passée, par les frères designers, pour Vitra.

‍

‍

Une question de curiosité

‍

« Je dis souvent que je suis arrivée à ce métier par tâtonnements. Je n’ai pas tout de suite su que je deviendrai designeuse. C’est un cheminement progressif. J’avais des activités artistiques, je faisais du piano, de la peinture… C’est à mon arrivée à l’Ecole Boulle, après mon diplôme des métiers d’art, que je me suis intéressée à la création et au métier de designer. Je viens d’une famille paysanne puisque mon père est agriculteur, mes grands-parents paternels et maternels l’étaient aussi. Au moment de mon orientation, je savais que je voulais faire quelque chose dans le domaine des arts, au départ plus les Beaux-Arts que l’Ecole Boulle, mais lors des portes-ouvertes des écoles parisiennes, j’ai trouvé que cet aspect créatif était pour moi.

Ce qui m’a attiré dans le design, c’est son domaine pluridisciplinaire, qu’il puisse intervenir dans plein de champs. Je m’ennuie à faire toujours la même chose et le design, c’est ce qui m’a permis de satisfaire ma curiosité. »

‍

‍

Il y a 20 ans…

‍

« Il y a 20 ans quand j’étais à l’école, j’avais une démarche assez expérimentale, puisque je venais des métiers d’art. Je ne faisais pas que dessiner, je touchais beaucoup plus la matière et cette démarche était plus développée dans les pays nordiques et dans les écoles comme celle d’Eindhoven. Je suis d’une génération qui regardait Hella Jongerius, son rapport à la couleur, la façon dont elle gérait l’imperfection des objets qu’on essaie de gommer d’habitude. J’étais assez admirative de cette démarche très différente de celle de la France où on avait plus l’habitude d’un objet très lisse, très fini, très parfait. J’avais à cette époque, il y a 20 ans des références comme Droog design, des références scandinaves et Achille Castiglioni pour ce trait d’humour qu’il apportait toujours dans ses produits. »

‍

‍

Un mentor ?

‍

«J’ai fait mon stage de fin d’études chez Andrée Putman, et c’était une vraie rencontre. Quand on vient d’un village de 250 habitants, qu’on fait une école parisienne et son premier stage chez Andrée Putman, on se dit qu’on a fait un certain chemin. Je suis arrivée chez elle avec un regard assez naïf, c’est son directeur Elliott Barnes qui m’a recrutée. C’est un Américain et il est bien plus transversal que pourraient l’être les Français. Venant de l’Ecole Boulle et des métiers d’art, une école davantage perçue comme traditionnelle que dans l’innovation, j’avais devant moi quand je me confrontais aux agences de design, des gens qui voyaient en moi plutôt un artisan qu’un designer. La première fois qu’il m’a rencontrée, il a regardé mon book et il m’a dit : « ça va mettre du temps mais la démarche que tu as est hyper intéressante, on va revenir à tout ce qui est savoir-faire… ne perds pas de vue ce qui fait ta différence. » J’étais assez bluffée, c’était la première fois que quelqu’un me disait ça et c’est comme ça que ça a commencé, on ne s’est jamais perdu de vue et on se côtoie encore aujourd’hui. »

‍

‍

Femme designer

‍

« Pour une femme, la problématique ce n’est pas d’exister, c’est d’avoir des projets qui ont du sens et qui ont le mérite d’exister ; après, la reconnaissance suit ou pas. Les contraintes sont sur des appels d’offres :  à capacité égale, un homme sera plus pris parce qu’il aura moins de contraintes d’enfants, comme dans beaucoup d’autres domaines. C’est une question de confiance en soi. Je suis plus dans le questionnement que dans la réponse. Est-ce que c’est lié au fait d’être une femme ou à des problématiques personnelles ? L’important, c’est l’équilibre d’un espace mental. Le design est quelque chose qui nous habite, et c’est difficile de dire “à 18 heures, j’arrête“. C’est cornélien. Pour débuter, il faut s’accrocher et avoir de l’endurance, être peut-être meilleure en endurance qu’en sprint. Et ne jamais travailler gratuitement. Faire respecter ses idées. »

‍

‍

La Cornue a fait appel à Elise Fouin pour imaginer la collection Puissance 3 pour l’aménagement de la cuisine. La designeuse a travaillé les façades de telle façon que chaque trame capte la lumière et donne de la profondeur à l’ensemble des éléments.

‍

Femme et entrepreneur

‍

« Le design, c’est une combinaison entre l’esthétique, l’ergonomie et l’usage. Le design a une certaine économie de moyens, un équilibre entre l’esthétique de la matière et le sens qu’il véhicule. J’aime les objets qui nous font sourire, les objets clin d’œil. J’ai travaillé pour des entreprises qui font des arts de la table, du meuble, des luminaires, l’univers de la cuisine, la scénographie d’exposition… À chaque fois, ce sont des domaines différents, et c’est ce qui m’intéresse même si j’ai fait des luminaires et beaucoup travaillé la lumière. J’aime le travail de designers japonais comme Tokujin Yoshioka. Charlotte Perriand, avec toute sa démarche et son approche sociologique du design, avec la photographie des objets de paysans en Savoie… Cela résonne par rapport à mes origines. Parce que je suis dans cette recherche de moins de matière : comment ça peut être plus simple à fabriquer, puis expédier sans prendre trop d’espace… toute ces notions d’économie de moyen et de respect de l’environnement. »

‍

Des projets dans le monde

‍

« En ce moment, le monde est assez retourné, mais j’ai travaillé dernièrement pour un fabricant de couteau de cuisine japonais. Car si les Japonais mangent avec des baguettes, ils réservent le couteau à la cuisine et pour se développer sur le marché européen, ils avaient besoin d’un couteau de table. Donc j’ai travaillé pour un artisan qui est à Tokyo (Ubukeya). »

‍

‍

Une designeuse lumineuse

‍

« Pour mon diplôme, j’ai imaginé des bobines de papiers qui se déploient, et c’est grâce à ce travail que je me suis fait connaître auprès de Forestier, qui au moment de leur rachat et de leur relance dans le contemporain m’ont contacté avec une douzaine d’autres designers. J’ai eu la chance de créer un premier produit Circus qui a eu un succès d’estime plus que commercial. Mais ayant visité la fabrique d’abat-jour à côté de Bordeaux, j’ai fait la suspension Papillon qui a eu un succès d’estime et commercial. Cette dernière vient de rentrer dans les collections permanentes du musée des Arts Décoratifs, et ça fait le lien. C’est grâce à mon travail sur la lumière que j’ai pu partir au Japon travailler avec un maître de hyogu et travailler sur le papier washi contrecollé sur du tissu qui est une technique japonaise.»

‍

‍

Le projet, du début à la fin

‍

« J’ai une pensée en arborescence, donc j’ai besoin de comprendre le projet du début à la fin, pour savoir où je vais me situer pour le faire aboutir. J’ai besoin de visiter l’entreprise pour voir quelle est la personne derrière telle machine, pour que les gens de l’entreprise soient capables de porter le projet. Pour la Halle aux grains, les assiettes de la série Sillon portent le souvenir de la roue crantée qui sert à fendre la terre avant que les graines y soient déposées. L’empreinte du travail de la main comme savent la faire les artisans de Jars Céramiste était essentielle. Et Michel et Sébastien Bras s’y sont retrouvés.»

‍

‍

‍

C’est un partenariat inédit : le Mobilier national collabore avec la BNF pour la conception d’une assise, accompagné par Patrick Jouin pour le design du produit. Défi de taille, puisque cette chaise de lecture a vocation à devenir emblématique de la salle Ovale du Quadrilatère Richelieu, « berceau historique de la BNF ».
En effet, le Quadrilatère Richelieu fait l’objet d’un projet de rénovation global depuis juin 2011. Ce dernier, piloté par l’agence Gaudin Architectes, vise notamment à « créer un campus d’histoire de l’art ouvert sur la ville avec la BnF, l’INHA et l’École nationale des Chartes ».

‍

Pour la réalisation de cette assise, Patrick Jouin travaille de concert avec l’Atelier de recherche et de création du Mobilier national, qui a été fondé par l’ancien ministre André Malraux en 1964, afin de « promouvoir la création et le design contemporain en France ». L’ARC  a pour vocation de soutenir la création contemporaine de mobilier, dans le cadre de commandes publiques. Cet atelier composé de douze techniciens conçoit en collaboration avec de grandes figures du design des assises, meubles et luminaires destinés à l’aménagement des institutions publiques, ministères ou ambassades. Il a réalisé plus de six cent pièces, faisant appel à des techniques traditionnelles ou à de nouveaux procédés de fabrication, intégrant l’usage de machines à commandes numériques.
Et les premiers prototypes qu’a pu voir il y a quelques temps la rédaction d’Intramuros montre encore une fois un travail incroyable d’ébénisterie, notamment pour assurer une finesse des jonctions, tout en répondant aux contraintes d’une assise destinée à un usage intensif.

‍

À noter, dans le cadre du partenariat BNF et Mobilier national, un appel d’offres est lancé pour trouver un éditeur « qui sera chargé d’une part, de fabriquer les exemplaires de la chaise pour la salle et d’autre part, de commercialiser la chaise à destination du public ».

‍

‍

Fondé en 2015 par Renato Richard et son épouse Lydia Belghitar, le studio LeR associe deux savoir-faire : la taille de pierre pour Renato et le design pour Lydia, qui a travaillé aux côtés de grands noms comme Mathieu Lehanneur, Pierre Favresse ou Jean-Paul Marzais.

‍

‍

Un contexte porteur qui va notamment leur permettre d’appréhender une technique ancestrale très particulière, celle de l’émaillage de la lave. Une pratique méconnue, mais dont le studio aujourd’hui recomposé autour de Lydia et Jessica – la sœur de Renato, décédé en 2018 – a fait sa spécialité.

‍

« L’émaillage de la lave est un savoir-faire qui tombe en désuétude alors qu’il offre un champ d’applications sans limite », explique Lydia en avançant le chiffre d’à peine une centaine d’émailleurs sur lave en France aujourd’hui. Un crève-cœur quand on connaît les qualités de ce matériau. « Dans notre métier, c’est souvent le qualificatif ʺinaltérableʺ qui est utilisé pour la lave émaillée. C’est un matériau extrêmement résistant aux températures extrêmes, aux rayures, aux acides. »

‍

‍

Néanmoins, ce sont avant tout ses qualités décoratives qui font sensation. Des qualités auxquelles le studio LeR apporte sa marque de fabrique en travaillant ses formats géométriques si singuliers. « Ce qui nous passionne à l’atelier, c’est de faire dialoguer les motifs émaillés avec la pierre brute ! »

‍

Crédences de cuisine et mobiliers raffinés

‍

Même si le matériau reste le même, avec cette pierre de lave d’Auvergne, de Volvic, du Mont Dore ou de Chambois, le studio LeR – lui-même situé en Bretagne – parvient grâce à sa double casquette d’artisan d’art et de designer à travailler sur des projets très variés. Et s’il façonne des carreaux pour les sols ou les crédences de cuisines, il conçoit également des mobiliers très raffinés pour la décoration d’intérieur, des pièces uniques produites sur commandes avec des motifs et des couleurs adaptés.  

‍

Son plateau OKE est l’une des pièces phares de ses collections, où l’on trouve également des plateaux de table (comme ceux réalisés pour l’architecte d’intérieur Tristan Auer), son fameux tabouret TATO ou le luminaire ICA, créé sur mesure il y a à peine quelques semaines pour la galerie Amélie Maison d’Art.

‍

‍

Pour preuve de sa recherche permanente, le studio n’hésite d’ailleurs pas à accorder la pierre de lave émaillée avec d’autres supports, matières…et artisans. « La lave s’associe très volontiers avec le bois par exemple », poursuit Lydia. « Nous travaillons en local avec l’atelier d’ébénisterie Koad Bras, qui ne travaille que le bois massif issu de forêts éco-gérées.»

‍

Cette collaboration se retrouve dans notre mobilier comme dans nos luminaires ICA par exemple. Pour l’une des dernières tables basses que nous avons réalisées, la table LIV, nous avons travaillé avec un ferronnier d’art pour le piètement, l’atelier L’Enclumier. »

‍

‍

Anachronisme technologique

‍

De fait, le travail du studio LeR est un habile mélange de tradition et de technologie, parfois très moderne. Celle-ci transparaît par exemple dans la production d’images 3D de leur petit bureau d’étude. « Quand nous travaillons sur du mobilier ou de l’espace, la modélisation 3D est un outil de communication incontournable pour assurer la bonne compréhension de la direction artistique du projet par le client et par les artisans avec lesquels nous collaborons », confirme Lydia.

‍

« Nous utilisons aussi des outils numériques au cours de l’émaillage lui-même, en réalisant par exemple des pochoirs et masques de sablage à l’aide d’un plotter de découpe. Cet anachronisme entre les outils numériques que nous utilisons et le savoir-faire de l’émaillage sur lave contribue au côté à la fois contemporain et intemporel de nos projets. »

‍

Fondée en 1960, la société italienne Mara produit des meubles (tables, tables réglables, chaises, tabourets, rangements et accessoires), pour le bureau mais aussi la vie de tous les jours, dont la grande spécificité est le haut degré d’innovation technologique intégré. Outre l’utilisation de matières première de qualité et le grand respect de l’environnement de ses produits, Mara a fait de la recherche de solutions intelligentes, flexibles et fonctionnelles, sa marque de fabrique.

‍

Ses collections se caractérisent par des systèmes très fonctionnels et ergonomiques, offrant une grand souplesse et adaptabilité dans leur usage au quotidien.

‍

‍

La collection Follow permet ainsi un ajustement en hauteur de ses tables grâce à un système de réglage mécanique original par contrepoids. Le système de rabattement du plateau par une commande simple, de la série Follow Tilting par exemple, permet à une seule personne de manipuler et déplacer une table.

‍

Le système de fermeture breveté Libro, que l’on retrouve notamment dans la série Argo Libro, permet quant à lui un pliage de tables idéal pour le rangement (sur 40 cm de surface !) et un encombrement minimal.

‍

Esthétique et polyvalence

‍

Le design et l’esthétique ne sont pas en reste, en combinant épure et essentialité des formes, comme dans la collection de chaises et tabourets de style « industriel » Simple, dont la finesse des lignes s’accorde à la polyvalence d’utilisation. Pas étonnant donc que nombre d’entreprises retiennent les produits Mara. Golden Goose a ainsi choisi les chaises Simple pour les grands espaces de réunion de son nouveau siège à Milan. Le centre de congrès Eur de Rome a récemment opté pour les chaises de la collection Gate. Un choix stratégique puisque ces locaux accueillent le plus grand centre de vaccination contre le COVID en Italie. Côté tables, les collections Follow ont investi le siège de l’organisation internationale Hivos à La Haye ou les nouveaux bureaux de Cushman & Wakefield à Varsovie.

‍

Visitables en ligne sur le site de l’entreprise, toutes les collections bénéficient également d’un espace de présentation optimisé, à la fois scénographique et coloré, au sein du tout nouveau showroom Moving Colours. Propice au jeu visuel des configurations et des associations sans cesse repensées, ce nouveau lieu a été inauguré lors du soixantième anniversaire de Mara l’an passé, au cœur même du siège historique de Brescia. De quoi apprécier en même temps la qualité des matériaux et des finitions, et la façon harmonieuse de rythmer les environnements que ces collections habillent.

‍

www.marasrl.it/

Zeus, Helios, Dionysos, Narcisse, les pièces de la designer Émilie Lemardeley, qu’il s’agisse de mobiliers (sofa, fauteuil, banc), de miroirs ou encore de luminaires (sur pied, en applique ou en suspension), tirent leur nom d’une attirance pour la mythologie grecque induisant autant son regard sur la forme que sur le monde. « J’aime la mythologie grecque pour l’avoir longtemps étudiée », avance-t-elle. « Elle m’a ouvert à un autre monde, qui n’est pas le monde rationnel dans lequel nous vivons aujourd’hui. À travers ses pièces, Émilie Lemardeley cherche surtout à ouvrir la porte sur son monde. Un monde tourné sur le singulier, la courbe et l’intuition, qui semble bien coller avec son parcours atypique, l’ayant vu aller de Sciences-Po à l’Ecole du Louvre, passer de l’Ecole Sotheby’s de Londres au département Mobilier du 20ème siècle de Christie’s, avant qu’elle n’achève sa formation à l’Ensaama olivier de Serres, puis ouvre son propre studio en 2012.

‍

‍

La clef de ses créations se situe pour beaucoup dans sa grande recherche d’équilibre et de précision. « Le défi du lustre ruban Parques a été de trouver un bon équilibre des points de suspension afin que le ruban se développe avec la forme souhaitée, sans multiplier les points d’accroche », admet-elle ainsi.

‍

« Idem pour les lustres Dionysos. On peut décliner les formes à l’infini tant que l’on fait attention au poids des verreries et à la longueur des ʺbranchesʺ en métal. »

‍

‍

Son choix des matériaux est aussi essentiel, et son travail révèle notamment son goût pour le verre, que l’on retrouve dans ses miroirs et luminaires. « J’utilise le verre car il est vecteur et récepteur de lumière, ce qui est à la base de mon travail. La dimension philosophique de la lumière me permet d’ouvrir sur la ʺréflexionʺ, qui est à la fois la réverbération d’ondes lumineuses sur une surface, le reflet, mais aussi l’activité cérébrale. Le verre qui permet de jouer avec les ʺréflexions lumineusesʺ est donc mon matériau de prédilection. » De fait, Émilie Lemardeley commence toujours par détailler la lumière du lieu lorsqu’elle réalise des installations lumineuses. « Cela me permet de savoir si le verre sera mieux transparent ou opalescent, coloré ou sablé blanc. Le verre est un matériau captivant qui peut se travailler de différentes façons (soufflé, coulé, moulé, taillé). Il devient presque matière vivante, quand on y ajoute la lumière. »

‍

Outre la lumière, son travail du verre fait aussi la part belle à la couleur. Elle y décline ainsi son attirance pour la « chaleur » que doit dégager un objet. « Selon moi, un intérieur minimaliste, trop épuré en couleurs, manque de souffle », souligne-t-elle. « Il faut que les couleurs se mêlent et se répondent, que les objets s’appellent et s’interpellent pour donner du sens, donner du cœur à l’espace.  Un objet n’est pas seulement une fonction, c’est un petit réceptacle d’âme. »

‍

Savoir-faire français et projets d’ampleur sur mesure

‍

Pour perfectionner les formes de ses créations, Émilie Lemardeley aime travailler avec des artisans, souffleurs de verre ou ferronniers d’art. Cela a notamment été le cas pour l’une de ses plus récentes créations, le grand sofa Zeus.

‍

‍

« Le grand sofa Zeus est une aile d’oiseau qui nous a demandé beaucoup de prototypes et de minutie entre les différentes couches de mousse afin d’allier dessin et confort d’assise », explique-t-elle.

‍

« Il y a des défis techniques dans chaque objet et pour les réussir, il faut que je puisse être proche des ateliers. C’est pourquoi tout est fabriqué en France. Les artisans français ont un savoir-faire et une maîtrise de leur art très aboutie. »

‍

Pour la majeure partie de son travail contenant du métal, elle collabore avec le même atelier depuis neuf ans. Ce dernier l’a beaucoup aidé pour la réalisation de sa sculpture Proue, créée pour le nouveau quartier du Panorama dans la ville de Clamart. « C’était un vrai challenge par son ampleur (huit mètres de long par six mètres de haut) et par son poids, six tonnes », se félicite-t-elle. « En plus, je voulais que la pièce soit suspendue au-dessus d’un bassin d’eau. Je me suis donc entourée d’un bureau d’études techniques pour la réalisation. Les 1500 pièces ont été dessinées au millimètre avant d’être assemblées sur une matrice géante. »

‍

Représentée en France par la galerie Avant-Scène, et par les galeries Gardeshop à Los Angeles et Cuturi Galerie à Singapour, Émilie Lemardeley dessine et réalise beaucoup de pièces pour l’étranger, en particulier pour des décorateurs et architectes. Des décorateurs d’intérieurs et architectes qui sont en général ses premiers clients, venant la voir pour réaliser un objet unique pour leur projet. « On peut aussi partir d’un objet de mes collections qu’ils ont apprécié pour l’adapter à leur projet. Mais c’est toujours une création unique, adaptée pour le lieu où elle prend place », précise-t-elle.

‍

« Je travaille avec une quarantaine de couleurs de verre, et au sein de ces couleurs, on peut également jouer sur la densité et donc créer à nouveau des nuances pour faire des camaïeux. De même pour le métal, j’aime jouer avec les patines ou les feuilles d’or dont il existe une vingtaine de teintes différentes. Cette vaste palette me permet de réaliser des installations lumineuses sur mesure pour de grands espaces, comme des salles de restaurant, des halls d’entrée d’hôtels, des cages d’escaliers. Ma dernière réalisation pour le groupe Eiffage Immobilier habillait un hall d’immeuble et atteignait huit mètres de hauteur. »

‍

À l’issue d’échanges particulièrement denses en débats, les prix Design & Innovation et Golden Parachute ont été remis hier à l’ESADSE, devant une partie des étudiants de la dernière promotion 2020,  tandis que les autres suivaient en visioconférence.

‍

Des ex-æquo pour le Prix Golden Parachute

C’est ainsi que Chloé Pechoultres a appris par  écran interposé sa nomination ex aequo avec son compère Antoine Salle, pour le Prix Golden Parachute. Si la Covid-19 a fortement perturbé le déroulement de cette dernière année, en impactant directement la formalisation du diplôme ( finalement passé à l’automne), les sujets des projets présentés s’en sont fait souvent l’écho, même indirectement. Pour la section Art, les sampurus (réplique des plats exposés dans les vitrines des restaurants au Japon) revisités du jeune peintre  Antoine Salle ont  pris une connotation particulière dans cette période qui a figé un pan important de la restauration, quand les associations de photos et de sculptures de Chloé Pechoultres interrogent le temps, dans l’instant figé dans la mémoire, les strates du souvenir, la pérennité, à travers une fascination des « multiples visages de la pierre ». Les lauréats reçoivent une bourse d’aide à la création de 3000 euros et bénéficieront d’une exposition en mars 2022 au lieu de diffusion « L’Assaut de la menuiserie » à Saint-Étienne.

‍

Poésie et urbanité au cœur du Prix Design et Innovation

Départager les candidats en design objet, design espace et  médias s’est également révélé extrêmement complexe, par la qualité des recherches dans lesquelles s’inscrivaient les diplômes. À l’issue de discussions nourries, le jury – dont faisait partie Intramuros— a choisi de récompenser Charlotte Gofette pour sa réflexion menée autour du vent «  seul élément en continuité physique avec notre corps » dans une perspective de rendre tangible son expression dans l’espace urbain. La lauréate reçoit une bourse d’aide à la création de la Fondation  Crédit Agricole Loire-Haute Loire d’un montant de 3000 euros. Elle bénéficiera également d’une exposition à la Galerie Surface de Saint-Etienne, qui valorise le travail de designers dans le cadre d’événements et d’expositions.

‍

Des projets de diplômes variés et pointus

Le jury a également souhaité décerner un « coup de cœur » au travail de  Charlotte Marx  baptisé « Apparitions », qui s’intéresse à ces espaces d’attente et de contemplations tels que «  la salle d’attente, lieu des  manifestations  des apparitions lumineuses, le hall d’entrée de l’hôtel, où les ombres semblent sortir du rêve, le cabanon du pêcheur, propice aux reflets, le sentier de montagne où le paysage s’encadre, la cabine de train, point de vue de la lumière en mouvement.» En effet, extrêmement variés, les projets de diplômes de cette promotion  dévoilaient une volonté d’interroger par la démarche design  le champ social (interrogation d’un processus participatif, retranscription d’objets conçus en milieu carcéral, rituels du deuil, militantisme…). Ils portaient aussi bien sur un décryptage/décodage des  fake news, l’invention d’un langage associant une pierre à un mot, pour littéralement composer des poèmes sculpturaux.

‍

D’autres proposaient en lien avec des urbanistes  la détermination de pièces de mobilier urbain pour revaloriser certaines promenades oubliées de la ville, en prenant garde de bien s’inscrire dans le cadre végétal et de préserver ces îlots de quiétude, ou réinterroger les processus de végétalisation de la ville. La promotion interrogeait aussi les conditions de la prise de parole en public dans les milieux scolaires et universitaires, cherchaient une réponse  au fidgeting, ces mouvements instinctifs que l’on fait pour nous concentrer.

‍

L’exposition « Round 5 » présente l’ensemble des projets de diplômes de la promotion 2020, jusqu’au 29 août, à la Cité du design de Saint-Etienne.  Le site de l’école rassemble aussi ces travaux ici.

Le Mobilier national a lancé en 2020 une campagne d’acquisition qui a visé en priorité les jeunes créateurs.  L’opération est renouvelée pour 2021 dans le cadre du plan de relance avec le Ministère de la culture.

‍

L’appel à propositions s’adresse aux artistes-designers en auto-édition ou par l’intermédiaire de leur galerie et/ou éditeur. Ces pièces doivent être des œuvres originales, limitées à 8 exemplaires, émanant de la main du designer ou réalisées selon ses instructions et sous son contrôle, de telle sorte que, dans son exécution même, ce support matériel de l’œuvre porte la marque de la personnalité de son créateur et qu’il se distingue par là d’une simple reproduction.

‍

Date limite de dépôt des dossiers : 20 juin 2021

Retrouvez toutes les informations ici.

‍

Retrouvez ci-dessous quelques acquisitions de 2020 :

‍