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Contrairement à ce que l’on pourrait penser, l’histoire de Søstrene Grene n’est pas celle de deux sœurs, mais celle d’un couple formé par Inger Grene et Knud Cresten Vaupell Olse. En effet, l’aventure Søstrene Grene a été imaginée dans l’optique de proposer un concept inédit. Après un passage dans l’industrie de la mode et alors qu’ils sont propriétaires d’une industrie qui concevait des cousins à destination des églises danoise, le couple ouvre le premier magasin historique de la marque en 1973 dans le centre-ville d’Aarhus, la deuxième plus grande ville du Danemark. 

Un magasin historique pour un concept mondial 

D’abord intitulée Søstrene Grene’s Økonomimarked - « le marché économique des sœurs Grene » en danois - et installée au premier étage, le concept de la marque était de proposer des objets de toutes sortes, dispersés un peu partout, avec un parcours spécifique pensé de sorte à ce que chaque visiteur ne rate aucun produit. Plus globalement, les magasins Søstrene Grene ont tous la même organisation, à mi-chemin entre un théâtre et un marché en libre-service. Pour l’anecdote, Knud Cresten Vaupell Olsen était un ancien professeur de ballet et voulait proposer un magasin qui ressemblerait à une salle de représentation, avec de la musique classique diffusée dans les haut-parleurs, des murs sombres comme ceux d’un théâtre et une lumière tamisée pour mettre en avant les produits présentés.

Une idée perpétuée depuis 51 ans, qui fait la force de la marque, si l’on en croit les mots de Mikkel Grene : « On essaye de créer des expériences différentes et uniques de retail. 80 % de nos magasins sont identiques, ce qui va changer ce sont les produits proposés. » Aujourd’hui, l’entreprise compte plus de 200 magasins à travers le monde, dont une quarantaine en France. 

Deux sœurs, vraiment ? 

Si la marque a été baptisée Søstrene Grene - « les sœurs Grene » en danois - il n’en est rien. En effet, malgré les nombreuses histoires et communications faites autour d’Anna et Clara, les supposées sœurs Grene, celles-ci n’ont en réalité jamais existé… Pour autant, ces dernières ont été inspirées de deux sœurs de la famille, arborant les mêmes traits de caractère, l’une étant organisée et l’autre plus créative. Aujourd’hui, ce parallèle pourrait être retranscrit sur les frères Grene qui dirigent l'entreprise depuis 20 ans, puisque Mikkel est PDG tandis que Cresten est directeur créatif et responsable concept. 

Transmettre un mode de vie à travers les produits

« Les Danois passent beaucoup de temps dans leur intérieur, c’est donc important pour eux de s’y sentir bien et c’est ce que l’on essaye de transmettre dans nos produits » continue Mikkel Grene. Un style de vie bien particulier, propre aux pays scandinaves, souvent basé sur le concept du « Hyyge », un état d'esprit positif procuré par un moment jugé réconfortant, agréable et convivial.

Un mode de vie bien spécifique mais caractéristique, qui se transmet également par le design. « Nous avons une tradition forte avec le design, mais on s’est rendu compte que pour être uniques il fallait que l’on ait le nôtre » explique Cresten Grene. Ils ont donc décidé d’ouvrir un département interne dédié au design il y a 11 ans, au sein du siège basé à Aarhus, pour y imaginer tous les nouveaux produits de la marque. Pour les inspirations, elles sont multiples, comme en témoignait Cresten Grene : « Nous essayons d’être les plus ouverts possible sur ce qu’il se passe autour de nous et dans le monde. Il y a énormément de moyens de créer, ça peut être suite à une visite au salon de Milan, à partir d’un souvenir ou d’une simple balade en forêt. » 

Des collections à plusieurs échelles 

Pour imaginer leurs nouvelles collections, les équipes de Søstrene Grene les rangent dans des catégories : les collections principales, les collections saisonnières et les sorties spécifiques. « Nous sortons de nouveaux produits toutes les semaines afin de proposer une nouvelle expérience en continue, continue Mikkel Grene. Cela permet de créer une sorte de rendez-vous avec les clients qui prennent ainsi l’habitude de venir régulièrement pour découvrir les nouveautés. »

Pour la collection printemps 2024, intitulée Moments et dévoilée le 1er février, de nombreuses nouveautés étaient présentées, notamment la chaise Pillow, inspirée du duvet retrouvés sur la plupart des lits danois. En termes d’accessoires, les couleurs et le chrome sont de mise, avec un grand nombre de pièces du bougeoir à la carafe en passant par l’étagère. 

Aux yeux de Christian Dior, la mode est avant tout une histoire d'exploration. Ce terrain de jeu exprimé au travers de formes et des couleurs, mais aussi sur les transparences et les jeux d'ombres, a depuis longtemps franchi les frontières de la mode. Questionnées et réinterprétées, ces notions résonnent avec celles de l'architecte français, Christian de Portzamparc. Une concordance qui a valu à l'architecte de réaliser la nouvelle boutique de la marque. Situé en plein cœur de la rue du Rhône, épicentre du luxe helvétique, ce nouvel écrin a ouvert ses portes le 27 février.

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Une architecture singulière

Pour sa seconde collaboration avec Dior, l'architecte a fait la part belle à la sobriété. Avec un jeu délicat de courbe et l'utilisation du blanc, Christian de Portzamparc signe un édifice de six étages où s'entremêlent complexité et raffinement. Faite d'un bloc central en verre habillé de six pétales en résine élancés vers le ciel, la construction joue avec la lumière et la transparence. Dans une alliance de courbe et de linéarité, ce nouvel établissement s'illustre – à la manière du flagship de la marque Dior construit à Séoul il y a une dizaine d'années - comme un hommage à l'art de l'habillement.

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Un espace où se côtoient les Arts

Au-delà de cette esthétique contemporaine, sculpture le jour, lanterne la nuit, le bâtiment est une curiosité qui se mut en véritable musée passé la porte. Véritable amateur d'art, l'empreinte du couturier se retrouve sur chaque mur. Outre ses croquis laissés en guise d'héritage, la boutique de la rue du Rhône revêt de nombreuses œuvres. Parmi les artistes, se trouvent Pamela Rosenkranz, Ugo Rondinone, William Coggin ou encore la photographe Brigitte Niedermair. Des œuvres en deux dimensions auxquelles font écho les diverses collections de la maison, qualifiées de « royaume des rêves » selon les mots de son fondateur.

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Une relation privilégiée avec la Suisse

Pour Christian Dior, la nation transalpine avait une saveur particulière. Voyageur fréquent, il y trouvait une certaine inspiration pour ses collections dont il adapta les formes et les matières aux températures plus fraîches du pays. Ainsi en 1954, huit ans après avoir fondé sa marque, il proposait un premier modèle baptisé Genève. S'en suivront d'autres créations aux noms évocateurs comme Montreux, Suisse, ou encore Week-end à Genève par Marc Bohan en 1962. C'est d'ailleurs un an plus tard que Dior ouvrait sa première boutique de souliers à Bâle, bientôt renforcée par d'autres adresses à Genève, Lausanne et Gstaad.

C’est au sein de l’appartement Archiproducts, Via Tortona, que Parla posera ses valises pendant la Design Week de Milan du 15 au 21 avril prochain pour y présenter Loop, sa nouvelle collection imaginée par Hines Fischer et Matthew Goodrich du studio Goodrich. Une seconde collaboration pour le studio qui avait présenté en janvier une première collection de meubles rembourrés baptisée Hew, lors de l’IMM de Cologne. 

Une collection technique et affective 

Grâce à leur connaissance du secteur de l’hôtellerie pour lequel le studio a beaucoup œuvré, l’idée de Loop était de repenser les espaces communs des hôtels en proposant une collection aux formes enveloppantes et affectives. Un rapprochement avec un design plus émotionnel et « comme à la maison », de plus en plus recherché par les clients au sein des hôtels. La collection, composée d’un fauteuil et d’un canapé, propose un large choix de revêtement en cuir ou en tissu, mettant en valeur les lignes arrondies et volumineuses des produits. 

Pour arriver à ce rendu et atteindre ce confort, le studio de design a dû penser un cadre en bois incurvé qui serait à la fois souple et confortable et permettrait d’optimiser le confort. Un défi technique et design qui a demandé de combiner les savoir-faire de Parla pour atteindre le résultat escompté. Ainsi, Loop est une collection qui incite à investir davantage les lieux collectifs, pour favoriser les liens sociaux et apporter une nouvelle dynamique à ces espaces, souvent délaissés. 

Depuis le mois de janvier, l'Institut français s'est installé dans une ancienne imprimerie située rue de la Folie-Regnault. Le bâtiment de 2900 m² qui a subi une large rénovation par l'agence d'architecture Renaissance, a été aménagé par le studio parisien REV. Un lieu à l'identité forte qui permet à l'établissement en charge des relations culturelles extérieures de la France, de s'ancrer fixement dans la capitale après une longue recherche de site.

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« Travailler comme habiter »

Fidèles à leur identité qui consiste à ne pas avoir de ligne directrice en amont des projets, les deux architectes à l'origine du studio REV et anciens collaborateurs de Jean Nouvel, Sophie Thuillier et Cristiano Benzoni, ont pensé le projet selon deux axes. « Nous ne voulions pas parachuter une conception type. Nous avons donc commencé par demander aux salariés comment ils voulaient travailler. Parallèlement, nous avons réfléchi aux valeurs de l'Institut français à savoir le dialogue, la transversalité et les synergies culturelles. » explique Cristiano Benzoni. Des notions que le duo a dû intégrer dans une architecture biscornue en redessinant les espaces pour favoriser la lumière et la communication. Une décision dont le fruit est en « opposition avec les anciens locaux qui étaient très cloisonnés et fermés » remarque la présidente de l'Institut français, Eva Nguyen Binh. Cette reconception globale qualifiée par REV de « perméable et accueillante, mais qui ne se comprend pas tout de suite » répond ainsi au slogan du projet : « travailler comme habiter ».

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Un aménagement qui distingue pour mieux réunir

Conçus autour de l'intention architecturale de la transition, les plans valorisent une circulation simple des usagers et des visiteurs de l'institution. À ce titre, les deux architectes ont dessiné un projet au sein duquel trois typologies d'espaces se distinguent. Au rez-de-chaussée, un vaste plateau où se trouve un bar dissimulé dans un bloc central en bois, est théâtralisé par une lumière orientée qui accueille les visiteurs. Au sous-sol, une vaste salle de réunion divisible offre la possibilité de recevoir de grandes conférences. Quant aux bureaux qui permettent d'accueillir 160 salariés en simultané, ils prennent place sur les 5 niveaux supérieurs ponctués de multiples terrasses.

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Sobre mais chaleureux, le mobilier des espaces de travail s'articule autour de modules simples faits de casiers en bois et de bureaux dessinés par l'agence. « Nous avons réalisé des aménagements qui soient à la fois assez similaires pour créer une unité entre les salles, mais qui se distinguent malgré tout par des touches de couleurs pour différencier les différents départements » souligne Sophie Thuillier. Des pôles distincts donc, mais entre lesquels les employés sont invités à circuler et à s'y installer. Un enjeu de circularité humaine mais aussi matérielle qui souhaite à terme favoriser la mutualisation des informations et des ressources.

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En complément, l'Institut français a bénéficié de deux fonds de choix en matière de décoration : le Mobilier national et le Centre national des arts plastiques (Cnap). Des institutions dans lesquelles REV a pu piocher plusieurs références parmi lesquelles la chaise La pliée de Marie-Aurore Stiker-Metral, la table Modèle Edge de Pol Quadens ou encore une tapisserie de l'artiste Zao Wou-ki. « Des incursions de mobilier patrimonial […] qui étalent la dimension historique de l'Institut français, au-delà de l'époque immédiate » estiment les architectes. Et pour renforcer son lien avec l'art, la façade de l'Institut français accueillera d'ici la fin de l'année Hedera, une œuvre colorée de l'artiste Clara Rivault, symbolisant l'arborescence des disciplines culturelles.

Les journées qui s'allongent et le besoin de passer des instants entourés et marquants ont été les fils rouges de cette collection qui célébrer l'art de vivre au grand air. Fusions d'esthétiques variées, les trois gammes outdoor nommées AMALFI, FLORENTINO et BEXLEY, s'imposent comme des extensions paisibles et ensoleillées de la maison.

‍Une collection, trois gammes

Avec pour volonté initiale d'accorder au design une place centrale dans nos vies, et comme désir d'inscrire cette collection en résonance avec des extérieurs propices au bon temps, The Reunion est scindée en trois gammes. Un triptyque de mobiliers aux géométries bien différentes, mais pose à leurs manières, les bases d'instants conviviaux.

Parmi elles, BEXLEY est celle des trois qui évoque le plus directement la nature grâce à sa structure en bois. Laissé visuellement brut et doté d'une visserie apparente, le matériau à connotation durable vient soutenir un jeu de sangles de part et d'autre de l'assise. Il résulte de cet assemblage une composition aux intonations brutalistes mais contemporaines.

Plus éloignée, la gamme FLORENTINO joue de son côté une approche plus douce en misant sur des courbes qui donnent aux dossiers une impression d'enveloppe et aux assises un design accueillant. La finesse des pieds alliés au tressage de cordage, confère à l'ensemble une âme plus bourgeoise, mais qui demeure sobre de par l'utilisation d'une teinte grège passe-partout. Associées aux tables d'appoint en fibre de verre, les assises constituent un rappel délicat quant à la matérialité et à la diversité de l'environnement.

En opposition radicale aux deux gammes précédentes, AMALFI tire son épingle du jeu grâce à une esthétique beaucoup plus filaire et métallique qui lui confère un charme plus froid. Avec son design rétro, l'armature semble être le résultat d'un mélange des époques, du classique au moderne, mais composé avec une touche de soleil.

Retrouvez la collection The Reunion sur le site NV Gallery.

Depuis le numéro 100 d’Intramuros, il semblerait que Tokujin Yoshioka n’ait pas trop dérogé à ses règles de vie. Toujours svelte et agile, il parcourt la boutique à la recherche du détail qui mettrait en péril un cahier des charges suivi à la lettre. Selon les derniers souhaits de monsieur Miyake - décédé le 8 août 2022 à Tokyo -, et doté d’un optimisme forcené, il fallait introduire la couleur dans cet espace blanc et vide sans empiéter sur la mise en valeur de la dernière collection. Le choix est radical : un mur orange en aluminium anodisé fait la part belle à cet espace du Triangle d’Or où se pressent les belles parisiennes et les belles étrangères. A l’occasion de la Fashion Week de Paris en février, c’était un passage obligé.

Le lieu offre une esthétique pure et lumineuse, moderne, loin des standards de la décoration mais transversale comme peut l’être le design. Tokujin Yoshioka joue avec tous ses matériaux favoris : le verre, l’aluminium, la couleur, tous sujets à des transformations expérimentales pour atteindre un niveau de transparence sans égal tout en respectant les règles de sécurité, draconiennes en France. La teinte orange est faite sur mesure, « aussi chaude et éclatante que la lumière du soleil », donnant naissance à un espace futuriste à l’énergie débordante, digne du film 2001, L’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick (réalisé en 1968). Savoir-faire et avenir s’y conjugue. « L’Architecture traditionnelle du 19^ème siècle français fusionne avec perfection avec l’orange du soleil » explique Tokujin Yoshioka.

Des mentors hors pair

Né en 1967, ses mentors sont d’emblée Shiro Kuramata et Issey Miyake, chez qui il fait ses classes et qui l’encouragent à créer dès l’an 2000 son propre studio Tokujin Yoshioka INC. Avec sept collaborateurs, il y exprime son talent, passant du design à l’architecture intérieure, à l’art et à l’expérimentation. Il a été choisi parmi cent candidats pour dessiner la torche olympique Sakura des Jeux Olympiques à Tokyo en 2020. « On a pris l’aluminium, on l’a plié et équipé - c’est un projet très technique avec d’énormes contraintes de sécurité et de durabilité et on a déposé le brevet de fabrication, très complexe pour ce genre d’objet qui doit courir parmi la foule, sans aucun danger pour les spectateurs. ».

Son banc en verre massif et transparent Water Block propose depuis 2002, une pause aux visiteurs du Musée d’Orsay dans la galerie des Impressionnistes. Sa chaise en cristal naturelle Venus (2008) a intégré les collections des plus grands musées. Le magazine Newsweek l’a sélectionné comme l’un des japonais les plus influents au monde mais également l’un des plus secret sur ses chantiers en cours.

Émerveillé par le monde

Entre ses mains la matière devient émotion. Et la technologie sert ici un sentiment qui échappe aux schémas culturels ou générationnels. Ses scénographies ont le bon goût de se laisser oublier. « Leur puissance est dans leur légèreté, expliquait-il en mai 2002. J’ai toujours préféré un design que l’on peut expliquer au téléphone. Mon interlocuteur devra pouvoir comprendre en quelques mots, sans même vraiment encore savoir de quoi il s’agit ». Le résultat en appelle aux sens plus qu’à de tortueuses connections synaptiques puisqu’il joue avant tout de phénomènes physiques échappant aux codes. Il cherche à produire une émotion accessible à tous y compris aux enfants qui ne se lassent jamais d’être émerveillés par le monde. Et ses multiples scénographies de stand ont la discrétion du spectaculaire.

Le projet qui émerge

Comme un héros de Mishima, il parle d’intérêt et de courage, au sens d’idéal pour l’intérêt et au sens de réalisation pour le courage. Car, même avec les pires obstacles, et la période du Covid fut riche en obstacles, tout finit par arriver. Même si certains disent le projet impossible, il finira par aboutir. Alors il ne reste qu’à prendre son mal en patience et attendre que le projet émerge, apparaisse, engloutissant d’émotion le spectateur dans une surprise fertile, exempte d’aridité et toujours dans une dimension de séduction, loin du minimalisme cliché que l’on attribue trop facilement au design japonais. Sa démarche commence toujours par une idée qu’il a envie d’expérimenter, l’envie d’exploiter de nouveaux matériaux ou procédés. Sa particularité tient dans l’envie de s’approprier les techniques et de dialoguer avec les ingénieurs sur les possibles destinations de la matière et non pas de leur simple exploitation. Les matériaux sont présents mais cohabitent en harmonie, laissant l’esprit du visiteur vagabonder dans l’espace sans interruption de droite à gauche et de haut en bas. La liberté, l’imagination ne doivent pas être oppressées par la matière.

Son premier fauteuil Honey Pop en papier nid d’abeille, qui plié ne faisait pas plus d’un centimètre d’épaisseur, a fait la démonstration de la force de ses recherches. Une matière rare, le papier, qui pouvait devenir fauteuil grâce à un pliage savant qui éliminait la structure en bois du fauteuil traditionnel. Ce n’était pas de simple origami dont il s’agissait là, mais du nid d’abeille de l’industrie aéronautique, développée ici dans une version cellulose, une fabrication plus longue et plus complexe. 

Chronologie d’un déménagement

Dès 2019, la Maison Issey Miyake envisageait de changer d’espace et les équipes étaient à la recherche d’un beau volume et de lumière. En 2021, elles trouvent l’espace de la rue François 1^er et invite Tokujin à le visiter. Il est tout de suite séduit. En amateur de l’histoire de France et de son architecture, il voulait « quelque chose qui renforce le patrimoine français tout en restant futuriste. Toutes les façades ont été conservées et derrière, tout a été restructuré. J’avais vu par vidéo et en 3D sur les espaces et je me suis rendu sur place pour voir de mes propres yeux. Car les contraintes de construction sont beaucoup plus fortes qu’au Japon. Le retour de marche doit être plus foncé en France, pas au Japon, sur la première et la dernière marche de l’escalier. » 

Au sol, un Terrazzo en un seul tenant, a été coulé sur place. L’escalier aussi a été coulé sur place, pour une sensation de fluidité sans brisure. Les techniques d’antan ont apporté un résultat hyper moderne. Le mur en aluminium orange a été fait sur mesure également. « J’utilise beaucoup le verre parce que c’est transparent et cela donne l’impression que tout flotte. » Les portants sont en acier inoxydable et les cintres restent suspendus à 90° sans bouger. Un détail, comme seul Tokujin Yoshioka, sait soigner. « Les cintres bougent mais ils restent perpendiculaires pour mieux mettre en valeur les créations de monsieur Miyake et ses multiples marques - Homme Plissé Issey Miyake, Pleats Please Issey Miyake, 132 5. Issey Miyake, A-Poc Able Issey Miyake, Bao Bao Issey Miyake, ainsi que les parfums et les montres. Le portant ne bouge pas. » Tokujin Yoshioka n’intervient jamais sur les créations du maître. Une seule fois, il a fait les chapeaux en plexiglas transparents pour un défilé, mais il ne touche pas les vêtements. 

Dans son studio, il y a plein d’idées en projet mais il ne sait pas celle qui va déboucher. Un lancement doit avoir lieu en avril, encore sous embargo. La Maison Issey Miyake sera présente pendant le Salon du meuble de Milan avec une installation dans la boutique de la Via Bagutta mais sans Tokujin. Pour 2025, il prépare une scénographie au 21_21 Design Sight à Tokyo dont le sujet reste secret. À suivre.

Avec ses looks de femmes puissantes bien avant l’heure, roulant des épaules et des mécaniques, Claude Montana a marqué la mode. Figure des années 80 et inventeur de la panoplie incontournable de cette décennie flamboyante, le créateur star de ces années fric et frime a tiré sa révérence. Après plus de vingt ans à modeler les contours des guerrières de night-club, mais aussi des working girls augmentées de paillettes, de couleurs flashy et de fulguropoings, il s’était retiré de la scène et des podiums pour laisser la place à d’autres jeunes amoureux des femmes fortes et sensuelles, sexy en diable. Numéro Un de la Cote des créateurs du Journal du Textile, l’hebdomadaire des professionnels de la mode, qui l’ont élu, chaque saison, durant toute cette période, couturier le plus inventif du moment, il a précédé un autre architecte de la silhouette powerful des femmes, Jean-Paul Gaultier.  Souvent comparé à Thierry Mugler, qui a été d’ailleurs son colocataire avant de devenir son rival, Claude Montana a imposé des canons de beauté à rebours des codes bourgeois et sophistiqués de l’époque. Pour eux deux, les courbures du corps de la femme épousent une ligne de sablier, taille très fine, hanches arrondies et surtout épaules XXL et sublimées de décors, d’ornements et de maxi épaulettes, sur une gorge généreuse et déployée à l’envi.

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Apparat et costumes

Né à Paris le 29 juin 1947, Claude Montana s’est découvert très tôt une passion pour l’apparat et les costumes. Le Dictionnaire de la Mode au xxe siècle - dont l’auteur n’est autre que Didier Grumbach, fondateur de « Créateurs et Industriels » et cheville ouvrière du déploiement du concept de « créateurs de mode » (avant on parlait de stylistes ou de couturiers) presque inventé pour Claude Montana - , le rappelle très bien. « Ses parents, bourgeois parisiens, ne voulaient pas entendre parler des aspirations de leur enfant. Alors, avec sa petite sœur, Jacqueline, il s’échappe en douce de l’appartement familial pour aller fureter à l’Opéra Garnier, humer l’odeur des costumes, découvrir l’art des drapés et des étoffes. A 16 ans, il devient ainsi figurant dans Don Carlos, de Verdi, sur les planches de l’Opéra de Paris, à l’insu de ses parents. » 

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Son idée de la mode et de la femme sera néanmoins influencé par un tout autre milieu. C’est après un séjour du côté du Swinging London que commence à se dessiner dans sa tête les contours de sa femme idéale : son Amazone sera enveloppée de cuir. Claude Montana a en effet commencé dans la mode auprès de Mac Douglas, une enseigne spécialisée dans cette matière. Elle restera donc sa préférée tout au long de sa carrière. Mais Claude Montana l’a traitée comme de la soie ou n’importe quelle étoffe noble, moulée directement sur des corps nus pour des fourreaux étirés à l’extrême, miroitant et vernis, juste élargies aux épaules. Le cuir sera surtout la matière de ses tailleurs. Mais pas les tailleurs des dactylo ! Claude Montana va proposer aux femmes de pouvoir leur uniforme fétiche, doublement paddé aux épaules, croisé sur le plexus et bouclé à double tour sur une taille exagérément fine.

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Bombe

C’est avec cette signature stylistique qu’il impressionne, dès son premier défilé en 1975. Un peu après, en 1979, il lance sa propre marque et ses bombes pétaradantes de couleurs et de brillances jaune, mauve, rouge éclatent dans le ciel de la mode parisienne alors plutôt Jolie Madame. Montana est vraiment un Ovni dans le paysage bourgeois de la mode française portée par l’élégance d’un Yves Saint Laurent, ou les inspirations multiculturelles de Kenzo Takada ou d’Issey Miyake.

Son autre signature, ce sont les défilés spectacle. Véritables productions hollywoodiennes, ses shows étaient les rendez-vous les plus courus de la fashion sphere. Il fallait y être vu, naturellement revêtu de la cuirasse sexy Montana, et il fallait ne pas rater une miette des propositions de styles, parfaitement dans l’air du temps … et parfaitement adaptées pour le cœur du marché. 

Même après son retrait et la faillite, en 1997, de son entreprise, ses créations ont continué à marquer l’imaginaire collectif. Le style Montana est et restera une source d’inspiration pour de nombreux créateurs des années 1990 et 2000. Et dès que les soubresauts de la tendance remettent l’accent sur les épaules, sur la ligne en sablier ou sur les tailleurs powerful, l’allure Montana ressuscite.

Plus qu'un simple battant, la porte est la première étape à franchir pour entrer dans un espace. À ce titre, elle est donc un élément symbolique et architectural à part entière. Conscient de cela, CETIH (Compagnie des Équipements Techniques et Industriels dans l'Habitat) développe sur quatre sites spécialisés - dans le bois et mixte, l'aluminium, le PVC et l'acier -, près de 600 modèles de portes déclinables à l'infini. Vitrage, formes, matériaux, dimensions, couleurs... avec son savoir-faire, l'entreprise s'adresse aujourd'hui à tous les acteurs du bâtiment, du promoteur à l'habitant, par le biais de trois marques distinctes : Bel'M, Zilten et Swao.

Une vision au-delà du pas-de-porte

Pour CETIH, les portes « ont toujours occupé une place prépondérante de son marché et représentent 190 millions du chiffre d'affaires annuel » note Eric Chalançon, directeur commercial de la marque. Au début, propre à l'habitat individuel, la société a peu à peu ouvert son offre à d'autres marchés. En 2011 - au moment du lancement des premières fenêtres -, l'habitat collectif a fait son entrée suivi d'une ouverture au domaine tertiaire quelques années plus tard. Des étapes porteuses de nouvelles exigences, auxquelles CETIH a fait face en intégrant à son groupe de petites entreprises aux savoir-faire particuliers. Parmi elles, Bignon, fabricant de fenêtres bois racheté en 2022, et aujourd'hui réfèrent dans ce domaine au sein du groupe. Des partenaires qui permettent à l'entreprise de se diversifier mais également « de répondre aux trois piliers principaux à savoir, remettre l'humain au cœur des projets grâce à une qualité acoustique, thermique et de sûreté, s'inscrire harmonieusement avec l'environnement et l'architecture, sans oublier de s'améliorer écologiquement » comme l'explique Caroline Barbin-Siraudin, directrice marketing.

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Une société, trois marques, trois identités

Parce qu'une porte est un élément sensoriel, CETIH fait cohabiter trois marques aux identités différentes. Qualifiée d'intemporelle par Anthony Durand, responsable du design, Bel'M est le navire amiral du groupe. Lancée en 1986 avec des portes bois, elle s'est vite diversifiée tout en conservant une esthétique assez historique et identitaire. Entre toutes, Athena est encore, 22 ans après sa sortie, l'exemple type. Véritable succès, son design « a été basé sur l'étude d'anciennes portes cochères » raconte le designer pour qui cette création est surtout le résultat d'un modèle « où tous les curseurs à succès ont été poussés à fond ».

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En opposition à la tradition, l’entreprise Zilten a été rachetée par le groupe en 2007, deux ans après sa création. Désignée comme agitatrice, la marque insuffle un élan plus singulier voire audacieux. Avec ses matériaux « alternatifs », comme la céramique ou le bois brûlé, et ses lignes tirées, elle s'oppose en tout point à sa grande sœur, beaucoup plus classique et courbe. Avec un catalogue riche de 190 modèles et d’une grande diversité de matériaux, cette gamme propose le plus vaste choix.

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À mi-chemin entre ses deux concurrentes, SWAO, dite l'optimiste, fait le pont entre tradition et technicité. Fondée en 2013 des suites de l'acquisition de deux entreprises, MTN et PAB spécialisée dans les fenêtres en aluminium et PVC, elle se distingue par sa capacité à concevoir des menuiseries à l'ancienne notamment dans le cadre de rénovations. Seule des trois marques à être présente sur l'ensemble des marchés – garages, volets, fenêtres, portes... - elle est de fait la plus polyvalente et la plus modulable.

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Le bois, matériau de prédilection

Parmi les différents matériaux travaillés par l'entreprise, le bois occupe une place importante aux yeux de l'entreprise. Pourtant, en France, les portes d'entrée bois ne représentent qu'une part de marché de 10 %, en légère progression, avec une prédominance des produits sur mesure, représentant 90 % du volume. Que ce soit pour des portes entièrement dans cette matière, ou des conceptions mixtes alliant un second matériau, le bois reste le plus intéressant du point de vue environnemental, mais également la matière la plus personnalisable. Bien moins contraignant que l'aluminium, il permet de réaliser du sur-mesure quasiment sans contraintes. Pourtant, le bois a connu un fort déclin dans les années 90 et jusqu'au milieu des années 2000 pour des raisons d'entretien et de préoccupations sur son origine géographique. Pour pallier ces inquiétudes, la marque a développé la certification Nabocco qui assure à la porte une tenue d'au moins dix ans sans retouche. Pour Eric Chalançon, il s'agit d'un « gage de qualité supplémentaire afin d'inviter les clients à reprendre confiance dans le bois, plutôt que de les amener vers les matières alternatives comme le PVC. » Côté provenance, la marque s'approvisionne aujourd'hui sur trois continents auprès de forêts certifiées : l'Europe pour le chêne et le douglas, l'Afrique pour le Movingui, et l'Amérique du Nord  - précisément le Canada - pour le Red cedar. Des matières brutes auxquelles s'ajoute l'Acoya, un bois transformé, mais non traité.

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Une démarche environnementale

Pour garantir au bois une survie optimale face aux parasites, aux champignons, à l'humidité et aux UV, tout en conservant les vertus environnementales et esthétiques de la matière, CETIH a repensé plusieurs étapes de sa ligne de fabrication. « Bien que nos bois soient issus de forêts certifiées, nous accordons également une importance à leurs valeurs culturelles. Nous avons ainsi cessé l'importation d'un bois africain il y a quelque temps, car il était précieux aux yeux de la population et peu renouvelé dans le pays. » explique François Chappuy, directeur de l'usine bois. Par ailleurs, les produits de traitement ont aussi évolué. « Le saturateur, les teintes et les lasures utilisés sur les portes bois sont aujourd'hui à base d'eau et quasiment sans solvant. » Une avancée en faveur de l'environnement que l'on retrouve aussi dans l'isolation phonique en fibre de bois  et qui devrait à terme s'étendre à l'isolation thermique encore pétrochimique . Du confort lié à l'intérieur de la porte, au visuel travaillé avec des alternatives naturelles comme le traitement au vinaigre ou le bois brûlé, CETIH ouvre de nouvelles perspectives pour faire cohabiter design du quotidien et innovations.

« Illustrer la nouvelle ambition de la Cité du design », c’est toute l’ambition de l’établissement, qui sous la direction de son nouveau président Eric Jourdan, présentait ses nouvelles expositions pour la première moitié de l’année 2024. « Ce qui m’intéresse c’est montrer du design. Je cherche à remettre le designer et le design au cœur de ce qu’on présente » expliquait-il. Une volonté de réaffirmer la place de la cité du design à travers des cycles et une présence régulières d’expositions, pour la faire devenir un lieu de rencontres et un rendez-vous de design en dehors de la traditionnelle Biennale, pour le public mais également pour les designers. C’est dans cette optique que les deux nouvelles expositions de ce début d’année ont été présentées. 

« Etre là », seconde exposition du cycle Présent >< Futur 

‍Après Laurelinne Galliot en septembre, c’est au tour du designer Guillaume Bloget de se prêter à l’exercice. Lancé par la directrice du pôle diffusion du design Laurence Salmon, le cycle Présent >< Futur a pour objectif de mettre en avant le travail d’un designer en faisant le constat d’un travail - Présent - afin de pouvoir se projeter pour la suite - Futur -. « Il existe une génération actuelle de designers qui méritent de se faire connaître et qui ont déjà une pratique bien identifiée mais qui n’ont jamais eu l’occasion d’avoir une exposition. L’objectif de Présent >< Futur est de leur proposer assez d’espace pour voir la globalité d’un travail et le faire comprendre au plus grand nombre » expliquait notamment Laurent Salmon. Ainsi, Guillaume Bloget expose au sein des 200m² mis à sa disposition, un panel de réalisations effectuées depuis sa sortie de l’ENSCI en 2016. La scénographie, elle aussi menée par le designer qui avait carte blanche, est à l’image de son design, épurée et d’une simplicité formelle. 

Par son travail, Guillaume Bloget cherche à s’ancrer dans les objets dits « ordinaires », tout en mêlant des recherches sur leurs formes et leurs évolutions possibles. Ce sont ainsi des travaux très éclectiques qui sont présentés à l’instar du kayak Sharp en aluminium et liège (2023), de la théière Thé et Café (2020) ou la lampe M (2012). En plus de ses travaux personnels aboutis, le designer a réalisé dans le cadre de l’exposition, une expérimentation avec la verrerie de Saint-Just (Loire) et ainsi découvrir plus en détails ce savoir-faire exceptionnel et proposer une œuvre découlant de ces recherches.

L’exposition « Réels » dédiée aux projets des diplômés 2023 

Sous la curation de Didier Courbot, co-fondateur de la galerie A1043 (cf portrait Intramuros 213), l’exposition « Réels » présente les 30 projets de diplôme de la promotion 2023 de l’Esadse. Et la direction par une personne extérieure est loin d’être hasard, puisqu’elle permet une nouvelle lecture des projets, tout en transparence et avec une parfaite égalité de leur mise en exposition. Une démonstration qui présente ainsi des projets tous singuliers, réalisés en fonction de leur option ou mention spécifique qui sont au nombre de cinq ici, à savoir l’option Art, l’option art & design, l’option design mention objet, la mention objet et la mention Public(s). 

Parfois oubliés ou négligés lors de la construction d'un bâtiment, les panneaux acoustiques peuvent sauver une architecture mal pensée. Consciente de leur place prépondérante, la société Laudescher travaille sur le sujet depuis près de 60 ans. Après avoir développé des habillages muraux, des cloisons séparatives et des plafonds suspendus, l'entreprise normande commercialise désormais des îlots suspendus. Cette gamme nommée Canopea, propose six modèles, dont deux dessinés par Patrick Jouin : Nest et Little Nest.

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Le design

Certainement inspiré par la forme naturelle et plutôt ronde du nid – dont il reprend l'appellation anglaise -, le designer a cependant décidé de prendre le contre-pied en choisissant le partipris de l'orthogonalité. Conçus comme des enchevêtrements de tasseaux de bois massif entre lesquels se trouvent les briques phoniques, Patrick Jouin s'éloigne d'une esthétique organique pour une composition plus artificielle, presque numérique. Deux conceptions dont la linéarité rappelle les autres modèles de Laudescher, mais qui se différencient par son apport de volumes. En effet, si la marque normande se limite jusqu'à maintenant à de légers jeux de niveaux - notamment sur les modèles Leaf ou Wind qui apportent un dynamisme discret -, le designer joue avec les trois dimensions et particulièrement celle de la hauteur. En gardant l'esthétique chaleureuse et naturelle de Laudescher, Patrick Jouin propose une alternative plus sculpturale. Une manière de compléter la gamme Canopea en proposant d'une part des panneaux qui viennent combler de grandes hauteurs sous plafond tout en laissant passer le regard, mais aussi de rendre plus visible l'isolant phonique jusqu'alors assez dissimulé.

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‍Des nids à l'infini

Pensés pour être utilisés dans divers lieux, de la cantine au hall d'un grand bâtiment, les deux îlots sont adaptables. Grâce à un système d'entailles situées dans les contre-lattes, les modules peuvent s'imbriquer les uns aux autres, que ce soit sur le même plan ou à des hauteurs différentes. Pour le créateur, la force de Nest tient notamment à « cette modularité illimitée permettant la superposition de multiples îlots, qui forment une composition aléatoire capable de s’intégrer aux espaces restreints comme aux architectures de grands volumes ». À cette particularité, s'ajoute aussi celle d'intégrer un éclairage sous forme de barres, à l'image des tasseaux.

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De l'algue au-dessus de nos têtes

Sensible à l'environnement, Laudescher accorde une attention particulière aux matériaux bio-sourcés. Pour cette raison, elle propose d'équiper la gamme Canopea avec des isolants acoustiques en algues - ou en laine pour le modèle Wind dont la forme nécessite une matière plus flexible -. Brevetés par une société danoise, les panneaux à base de matière première maritime, sont de véritables alternatives. Aussi efficaces phoniquement que les matières dites « classiques » comme le PET ou la laine de roche encore proposés sauf sur les structures Nest, ils permettent à certains modèles d'atteindre jusqu'à 85 αw (Alpha Sabine). Un engagement environnemental auquel s'ajoute le choix d'un bois certifié FSC et PEFC, qui a valu à l'une des gammes de la marque la certification Cradle to Cradle.

Récente sur le marché, la marque bordelaise Sollen s'est rapidement fait connaître en proposant notamment la collection Nuage l'an dernier. Face à l’engouement suscité, l'entreprise a décidé de poursuivre cette aventure en déclinant ses produits dans une version destinée à l'extérieur. Un marché porteur dans lequel la marque 100% made in France, vient distiller une esthétique haut de gamme et pleine de rondeurs.

Dessinée pour se laisser porter

Conçue par Didier et Arthur Garrigos du studio Garrigos Design, la collection est une subtile alliance entre finesse métallique et volumes « moutonneux » accueillants. Pensée autour de l'allure du fauteuil Nuage, réinterprété ici dans une version en métal, la collection comporte trois autres produits : un bain de soleil, un banc et une table latérale d'appoint. Element identitaire de cet ensemble, l'esthétique capitonnée se retrouve dans toutes les assises. Réalisées dans une mousse Quickdry Foam à séchage rapide, toutes sont revêtues d'un tissu doux et résistant, disponible en sept coloris et développé par Sunbrella. Les armatures sont quant à elles en aluminium thermolaqué et déclinables en trente teintes. Outre le visuel, ce traitement assure à la gamme une résistance aux aléas climatiques et lui confère également toute sa place dans un intérieur.

Une fabrication ancrée dans un territoire

Sensible à la qualité des matériaux et aux savoir-faire locaux, Sollen réalise l'entièreté de ses collections en France. Inscrite dans le tissu de l'artisanat Aquitain, la marque travaille majoritairement avec des partenaires labellisés Entreprise du Patrimoine Vivant (EVP), à l'image de la Tannerie Rémy Carriat située à Espelette. Pour Jean-Vincent Vallette, cofondateur et Directeur Artistique de Sollen, « C'est une fierté d’avoir pu nous entourer de partenaires locaux pour la fabrication de cette nouvelle gamme : la structure aluminium est fabriquée dans les ateliers de l’AARC (Atelier Aquitain de Réalisations Chaudronnées) et les matelas sont confectionnés chez Bastiat, labellisé EVP ». Un gage de qualité et une reconnaissance de l'artisanat.

Pour la deuxième année consécutive, Range Rover ouvre la Range Rover House pendant deux semaines. Après s'être installé sur la côte d'Azur en 2023, changement de décor et de température puisque c'est à Megève que l'édition 2024 se déroule du 15 au 29 février. Entre activités gastronomiques en compagnie du chef Emmanuel Renaut et Quentin Lechât, masterclass horlogère en présence d’un maître horloger Bucherer ou encore personnalisation de chapeau avec Borsalino, les locataires de la villa seront invités à découvrir et essayer les derniers modèles Range Rover. Parmi eux, le Range Rover SV One of One, nouveau SUV électrique très haut de gamme présenté en exclusivité lors du séjour.

Un lieu symbole de luxe

Afin d'exprimer la sophistication et le raffinement de Range Rover, la marque a choisi de déployer son expérience en plein cœur des alpages et des forêts de sapins. Au travers de deux chalets de 1500 mètres carrés faisant face au Mont-Blanc, les clients sont immergés pendant 24 heures dans un écrin chaleureux ou le bois se mêle aux tons beiges et dorés de l'ameublement. Les infrastructures et matériaux haut de gamme combinés au raffinement du décor, sont ici le reflet de la marque. Outre la reprise des codes stylistiques, celle-ci a pour l'occasion personnalisée les 6 suites misent à disposition. En portant chacune le nom d'un modèle de véhicule, elle incarne architecturalement le design moderniste tel que perçu et développé par Range Rover à travers le monde.

Pièce maîtresse du soutien de la capitale aux métiers de la création, Les Ateliers de Paris constituent un véritable bouillonnement artistique. Créé en 2006, cet incubateur accueille chaque année une sélection de créateurs afin de les accompagner dans leurs projets. Un espace prolifique donc, qu'il est possible d'intégrer en candidatant jusqu'au 9 avril.

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La porte ouverte aux opportunités

Afin de promouvoir les différents champs de l'innovation, la mairie de Paris propose aux entrepreneurs un atelier et l'accès à des salles de réunions. Convaincu par la place centrale de l'humain dans ces projets, l'incubateur accompagne chaque créateur dans sa démarche par le biais de rendez-vous avec des experts en développement et des rencontres avec des professionnels de l'artisanat. Et pour accroître le rayonnement de chacun, Les Ateliers de Paris promeuvent également leurs locataires sur des événements d'ampleur tels que la Paris Design Week ou encore la biennale Révélations.

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Une vitrine et un vivier pour la capitale

Le besoin de repenser la ville et ses usages en construisant un futur viable tant sur le plan écologique que social et aujourd'hui au centre des préoccupations de nombreuses grandes agglomérations. Mais ces perspectives se trouvent depuis plusieurs années déjà, au cœur des intentions des designers, artisans ou stylistes. Que ce soit par l'utilisation de matériaux plus vertueux, l'application de savoir-faire ancestraux, la relocalisation d'actions ou l'hybridation des produits, les inventions de demain sont autant de leviers essentiels à la transformation des villes. C'est notamment dans cette optique que la mairie a créé en 2006 Les Ateliers de Paris.

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Et pour candidater, c'est par ici !

Fruit d'une collaboration entre les deux grandes marques de design italien que sont Lancia et Cassina, la nouvelle Ypsilon allie astucieusement l'élégance d'un design sobre et le raffinement digne des grandes maisons. Avec sa motorisation électrique permettant 403 kilomètres d'autonomie et ses dimensions légèrement plus imposantes que les précédents modèles, ce véhicule s'inscrit dans les tendances actuelles. Dévoilée le 16 février et commercialisée en Italie à partir du mois de mai, elle fera son apparition en France dans le courant de l'année pour 39 500€.

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‍Lancia réinvente son essence visuelle

Habituée aux formes arrondies, la marque propose cette fois-ci un modèle bleu et noir aux lignes plus tendues. La calandre, élément identitaire de la marque a été enlevée et remplacée par trois fines lignes led qui structure l'allure frontale de la voiture. Autre changement, l'écusson Lancia disparaît lui aussi au profit d'un lettrage argenté, perforé sur l'avant du capot. En opposition à l'avant relativement plat, l'arrière du véhicule est quant à lui marqué par une superposition de volumes anguleux au sein desquels se logent deux feux ronds repris au modèle sportif Stratos. Bâtie sur une plateforme Stellantis (utilisée également pour L'Opel Corsa ou la Peugeot 208), Ypsilon entre dans la lignée des compacts « premium ».

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‍Un petit habitacle connecté et haut de gamme

Conçu pour accueillir quatre passagers et de petits bagages (le coffre oscille entre 310 et 340 litres.), l'intérieur est surtout le résultat d'une conception main dans la main avec Cassina. Ultra-connectée, elle cumule les allusions à l'histoire et à l'identité du constructeur. Hommage aux savoir-faire italiens, Yspilon est le premier modèle de la marque à proposer une petite « table » intérieure. Ce « tavolino » en cuir bleu cousu à la main, prend place à l'avant de l'habitacle et intègre notamment une base de recharge par induction. Également réalisés par Cassina, les sièges en velours bleu ont été réalisés dans une trame « cannelloni ». Une référence au tissu utilisé par Lancia sur ses premiers véhicules. Pour Luca Napolitano, PDG de la marque Lancia, « LANCIA YPSILON EDIZIONE LIMITATA CASSINA représente l’expression ultime du confort et du design à bord [...]. Ce résultat a également été possible grâce à la collaboration de Cassina qui, avec notre Centro Stile de Turin, a conçu une véritable pièce à vivre, inspirée de l’esprit accueillant des maisons italiennes ».

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Pensée comme complémentaire à l'esthétisme des matériaux, les technologies sont également omniprésentes dans l'habitacle. Outre le large écran de contrôle, Yspilon est équipé de l'Apple CarPlay et l'Android Auto, mais également d'un assistant vocal. Un outil qui permet à l'utilisateur d'optimiser l'espace par le biais du système S.A.L.A, acronyme de Sound, Air, Light and Augmentation, également réglable par l'écran. Une conception à la fois technologique et esthétique qui rend hommage aux routes déjà tracées par le design automobile italien.

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Attentif aux changements sociétaux, le Groupe Roset (qui inclut les marques Ligne Roset et Cinna), se tourne désormais vers Internet pour poursuivre sa démarche d'économie circulaire. Une branche que l'entreprise implantée en Auvergne-Rhône-Alpes depuis plus de 160 ans, développe main dans la main avec la plateforme de revente de mobilier Izidore. En 2021, Ligne Roset avait amorcé la philosophie de la circularité avec un système de récupération et de revalorisation de ses célèbres modèles Togo. C'est désormais l'ensemble des produits de la marque qui sont concernés par la revente sur le site de seconde main.

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Un modèle gagnant pour tous

« Les meubles de ces deux marques prestigieuses sont conçus pour durer et s'intégrer parfaitement dans n'importe quel intérieur. Cependant, la vie évolue, les besoins changent, et c'est là que le partenariat entre Ligne Roset, Cinna et Izidore prend tout son sens. » détaillait Céline Taillard, fondatrice et directrice d'exploitation d'Izidore. Une belle promotion pour la plateforme qui débute un partenariat avec deux célèbres marques du design français, et un gage de sécurité pour les clients qui achèteront des produits authentifiés par la maison d'édition. Mais cette association est aussi un retour sur investissement pour le Groupe Roset qui, en plus de vanter un système plus circulaire, pourrait retrouver d'anciens clients. En effet, pour chaque objet vendu, les vendeurs pourront bénéficier d'une prime de 30 % sur les recettes de la vente, à dépenser sous forme de bon d'achat dans l'un des magasins de la marque concernée. Une économie circulaire et de possibles retours sur investissements pour le Groupe Roset.

En proposant une gamme de tissus texturés faisant la part belle à la matière, Kvadrat vient rehausser, sans dénaturer, l'esthétique simple et précise d'Alki. Avec cet apport de matérialité en radicale opposition avec les lignes directes des modèles en chêne, la marque danoise joue avec le regard et fait du relief un élément graphique. Une manière d'intégrer une autre sorte de fantaisie dans tous les espaces, du café au bureau.

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L'alliance de la technologie et de l'artisanat

Spécialiste du textile dans l'architecture et connue pour ses produits décoratifs (tapis, rideaux...) ou ses solutions acoustiques, Kvadrat propose son expertise dans un domaine qui lui est complémentaire. Particulièrement attachée à l'esthétique scandinave, l'entreprise fondée en 1968 intègre ses connaissances techniques et technologiques à une marque française dont les lignes contemporaines ne sont pas si lointaines de celles du Nord. Une collaboration entre deux pays, mais également entre deux savoir-faire, rassemblés par un goût commun pour les formes et les volumes.