Céramique

Créer des objets lumineux à partir d’objets d’atmosphère, d’était un peu l’idée directrice de « Néophore ». Un projet carte blanche mené par Lionel Dinis Salazar et Jonathan Omar qui forment Döppel Studio depuis 2016. « On a fait beaucoup de collaborations avec des marques et on voulait repasser sur de la pièce unique avec une galerie. On a très vite pensé à Tools pour son esprit avant-gardiste et les prises de risques qu’elle avait pu prendre sur certaines collections. Nous avons rencontré le directeur Loïc Bigot il y a un an et demi avec qui il y a eu un réel échange d’idées tout au long du projet » raconte le duo.

Un symbole : l’amphore

L’idée de partir de la symbolique de l’amphore, ce vase antique le plus souvent utilisé comme contenant, est venu assez instinctivement. Le duo avait en effet eu l’occasion de travailler sur le thème de l’amphore lors de sa participation au concours de la Villa Noailles en 2016. Pour cette exposition, l’objectif de cette collection était cette fois-ci de lui faire prendre une toute autre fonction. « On a voulu retravailler la valeur d’usage de l’amphore en lui retirant cette faculté de contenant pour apporter de l’immatériel avec la lumière. On a confronté l’artefact de ce vase avec un objet plus technique, qui est ici le néon flex. » Pour réaliser les pièces, le duo s’est accompagné de la céramiste tourneuse Aliénor Martineau de l’atelier Alma Mater, situé à la Rochelle. Une première pour le duo, qui a dû sortir de l’aspect industriel pour se tourner vers l’artisanat et accepter l’aléatoire. Toutes les pièces sont par ailleurs recouvertes d’un émail avec nucléation, dont la composition permet d'obtenir des effets complexes qui laissent une part d’imprévu et rendent ainsi chaque pièce unique.

3 dessins, 12 possibilités

L’exposition « Néophore » présente ainsi douze pièces, sur une base de trois dessins qui ont ensuite été déclinés en fonction du passage du néon dans le vase. « On a volontairement pensé à des formes simples et archétypales, car on savait que la complexité, on l’amènerait avec le tressage et le néon. » Une technique minutieuse, puisque chaque vase est entouré ou enroulé de 2 à 3 mètres de néon, tressés par le duo lui-même. Une exposition qui ne manquera pas de retenir l’attention, à l’heure où les journées se raccourcissent et la lumière naturelle se fait de plus en plus rare…

À quelques mois de l’inauguration de la Cité du design 2025, tous les regards sont tournés vers la cité stéphanoise qui pour sa rentrée 2024, présentait deux nouvelles expositions. « À travers ces manifestations, on veut retrouver une vision basique de ce qu’est le design. On parle beaucoup d’innovation, mais ce n’est pas uniquement par le biais de la technologique, c’est aussi par la recherche de formes et de matières » expliquait notamment le directeur de la cité du design, Eric Jourdan.

« simé grenn », une exposition sur le design créole

Après Laureline Galliot et Guillaume Bolet, le cycle Présent >< Futur lancé en septembre 2023 présente jusqu’au 5 janvier 2023 l’exposition « simé grenn » centrée sur le duo dach&zéphir composé de Florian Dach et Dimitri Zephir. Cette dernière donne à voir les réflexions et questionnements qui animent le duo depuis leur recherche Élòj kréyòl initiée en 2015 autour des histoires des Antilles. « Quand nous avons débuté nos recherches il y a bientôt 10 ans, le design créole n’était pas du tout évoqué. Nous avons donc voulu montrer ce qu’il était et prouver sa force, bien que situé à 8000 km de l’Hexagone » explique le duo. Au sein de leur processus de création, ils acceptent les idées de l’Autre, et les projets qu’ils mènent donnent forme aux paroles et histoires des communautés créoles. La scénographie de l’exposition reprend ainsi l’imaginaire d’une maison créole et alterne des points de vue intérieurs et extérieurs, où les différents objets, pièces de mobilier, textes, images-collages et vidéos exposées donnent à voir des manières d’être et de vivre inspirées des Antilles. « On avait envie de défendre le design, ses histoires et ses pratiques parfois oubliées » confient-ils.

Au sein de l’exposition, ils présentent 68 objets, dont 10 inédits. Parmi eux, le premier prototype des vases de la collection Péyi, produite dans le cadre de la commande publique du Centre national des arts plastiques (Cnap) intitulé « Créer un vase », sera  présenté en avant-première. dach&zéphir présente également un objet issu d’un partenariat créatif de trois à six mois invité avec une entreprise de la région. Pour « simé grenn », le duo s’est rapproché de l’entreprise stéphanoise Neyret, spécialisée dans la fabrication de rubans et d’accessoires textiles qui a été sélectionnée. Ensemble, ils ont mené un travail de recherche autour de tableaux tissés, textiles-images et objets-textiles qui conjuguent le savoir-faire de l’entreprise avec l’approche plastique et historique du duo.

« LE DESIGN EN VOYAGE, Ceramic & Food Route », l'exposition qui allie voyage et création

Jusqu’au 16 mars 2025, la plateforme « International Design Expeditions (IDE) » fait un arrêt de quelques mois à Saint-Etienne pour y présenter le fruit de ses recherches et expéditions menées aux quatre coins du monde depuis 2019. Une exposition rétrospective, qui présente l’histoire de différentes expéditions menées en Italie, en Pologne, au Cambodge, en Suède et en France. 150 objets en céramique nés de ces rencontres entre designers internationaux, cultures culinaires et artisanats locaux y sont présentés. « L’idée de ce programme, c’est de partir à la rencontre de lieux par le biais de la nourriture qui est un tremplin culturel qui permet de comprendre un territoire. On a parié sur la capacité des designers à être perméable à l’environnement autour d’eux pour laisser place à l’intuition » raconte Mathilde Bretillot. Un processus qui a donné naissance au terme de « Geo Design », défendu par Pierangelo Caramia. « L’idée est de représenter le monde dans lequel on vit et le territoire dans lequel on se trouve. Le design doit pouvoir devenir du Geo Design, en passant par l’écoute de l’autre, en détectant un lieu précis pour se rencontrer. »

Un programme de recherche et de création qui implique pour chaque voyage la participation de plusieurs artistes et designers, qui partent entre 3 et 6 semaines. On peut citer parmi eux Marta Bakowski, Goliath Dyevre ou encore Emmanuelle Roule. Pour chaque voyage, les designers invités sont accompagnés de Mathilde Bretillot, Pierangelo Caramia, mais également du designer culinaire Marc Bretillot. De ces voyages et rencontres sont nés des objets avec une symbolique et une histoire forte, dont certains sont ensuite édités et mis en vente à travers IDE Everyday d’une part, pour un développement à plus grande échelle et IDE Haute collaboration, destination à l’édition de pièces numérotées, en série limitée.

Une exposition riche de sens, étalée sur 600m2 et répartis en 5 pavillons - Italie, Cambodge, Pologne, France, Suède - présentés autour de la « Grande Table » qui expose les différents objets crées lors de ces expéditions. De quoi donner envie de passer à table, littéralement.

C’est au Lido de Venise qu’Atlas Plan - une des marques du groupe Atlas Concorde -, et la Fondazione Ente dello Spettacolo se donnent rendez-vous à partir du 28 août pour célébrer le Film International du Film de Venise. Une nouvelle collaboration exclusive, la quatrième, concrétisée par la transformation de la terrasse de l’Hôtel Excelsior en un salon exceptionnel reflet du design, baptisé la « Terrazza Cinematografo by Atlas Concorde » à destination les célébrités du cinéma  présentes durant l’événement. 

Un projet évocateur

Au fil des années, l’Hôtel Excelsior s’est dévoilé comme étant l’élément central du festival, puisqu’il accueille les hostilités depuis la première édition en 1932. Expression de la Belle Époque, notamment par son architecture mauresque, ses intérieurs soignés et ses terrasses panoramiques offrant une vue unique sur la ville, l'hôtel est devenu un endroit incontournable. Dans ce contexte, le projet réalisé par Atlas Concorde et sa marque Atlas Plan pour la "Terrazza Cinematografo by Atlas Concorde" vise à créer une ambiance unique, un lieu de rencontre exclusif au design contemporain et élégant. L’imposant comptoir central dominant la scène et le mur majestueux conçus par Atlas Plan, incarnent le style du design italien et renforcent la modernité, tandis que les tables Cosmopolitan et Manhattan de la marque Atlas Concorde Habitat, créées avec la collection Boost Balance Ash, favorisent l'interaction entre les invités, contribuant à créer une ambiance élégante. 

Une collaboration renforcée par trois autres marques 

En plus d’Atlas Plan et Atlas Concorde Habitat, le projet a été enrichi par des pièces de trois autres marques de design italiennes que sont Artemide, Living Divani et Modulnova, partenaires techniques d'Atlas Concorde. Living Divani offre aux invités un confort maximal grâce à des sièges élégants et des tables raffinées tandis que Modulnova, avec sa cuisine extérieure qui allie fonctionnalité et esthétique, souligne l'importance du design italien dans le contexte international. Enfin, les lampes portables Comme Together d’Artemide, ajoutent une touche de chaleur et de convivialité à l'environnement. Grâce à tous ces éléments, la "Terrazza Cinematografo by Atlas Concorde" sera un point de rencontre raffiné, où l'esthétique d'Atlas Plan fusionnera avec l'élégance du Festival. 

Après une 40e édition anniversaire réussie, avec près de 100 000 visiteurs recensés - 99 319 pour être exact -, dont 47 000 venus de l’étranger, le salon CERSAIE a su confirmer son ancrage en tant que salon de référence dans le secteur. Avec plus de 600 exposants, l’évènement a offert aux visiteurs un panel de professionnels touchant au secteur de la salle de bain, des matériaux et de l’aménagement des espaces. En 2024, le salon se tiendra à nouveau au BolognaFiere avec l’idée de se focaliser sur l’espace architectural. Après Route 40 l’an dernier, l’idée de cette 41e édition est cette fois-ci de faire le lien entre l’espace architectural, le projet et les interactions sociales. Ainsi, la volonté de l’organisation est de créer une sorte d’écosystème de produits design en mesure de satisfaire les besoins des concepteurs, des entrepreneurs, des architectes d'intérieur et des professionnels du commerce du monde entier.

Le Quadriportique, la clé de voûte du salon

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Toujours dans la lignée de proposer différents rendez-vous culturels et d’informations au cours du salon, notamment professionnelles, le nouvel aménagement du Quadriportique, devient ainsi la « clé de voûte » du CERSAIE. Cette dernière accueillera notamment les rencontres du programme culturel « Bâtir, Habiter, Penser ». L’aménagement du Quadriportique, grand de 1 000 m2, a été pensé par l’architecte Dario Curatolo, directement inspiré de l’expérience Route 40 de la précédente édition et qui retrouve le concept de la place de Bologne, comme un lieu de rencontre, de convivialité et d’échanges. Ce dernier comprend notamment une arène de conférences pouvant accueillir jusqu’à 200 personnes, une bibliothèque dédiée au design ainsi qu’une station de l’Association Dessin Industriel, qui fêtera cette année les 10 ans du Prix ADI au salon. À noter que dans un souci de durabilité, toute l’installation est conçue pour être totalement recyclée et réutilisable !

Retour du 9e café de la presse 

Dans la lignée de son thème principal, le café de la presse fait son grand retour pour une 9e édition et proposera aux visiteurs de découvrir 18 magazines partenaires présents pour parler d’espace architectural, à savoir AD Architectural Digest, CasaFacile, CasaOggiDomani, Chiesa Oggi, DDN, Domus, Elle Decor Italia, IFDM, Il Bagno Oggi e Domani, Ingenio, IoArch, Interni, La casa in ordine, NiiProgetti, Platform, Suite, The Plan et Wellness Design. Des rendez-vous qui prendront le format de conversation informelle pendant 45 minutes en compagnie des directeurs des magazines et diverses personnalités du secteur du design et de l’architecture, avec un même fil conducteur pour tous : la création d'un espace architectural en Italie et dans le monde. Des rencontres qui auront lieu tous les jours du salon à 10 h, 12 h, 15 h et 16 h au sein du Mall 29-30, et diffusées en direct sur le site du salon.

Un salon promu par Confindustria Ceramica | Organisé par Edi.Cer. spa en collaboration with BolognaFiere. Plus d'informations ici : https://www.cersaie.it/en/index.php

Lancé en 1983, le CERSAIE est devenu, en quatre décennies, une référence mondiale pour les spécialistes du secteur. Avec 91 000 visiteurs recensés en 2022, le salon entend faire encore mieux pour cette édition anniversaire, avec un programme riche et plus de 600 marques internationales attendues pour présenter leurs nouveautés et ouvrir de nouveaux dialogues avec les professionnels.

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Une traversée inédite de l’espace architectural : la Route 40

Le succès du CERSAIE est en grande partie dû au fait qu’il s’agisse d’un lieu où la créativité prend forme et où la capacité d’innover et d’anticiper le temps engendre des événements et des produits. Cette édition sera donc l’occasion d’un bilan des 40 années écoulées, traduit par une traversée spatio-temporelle intitulée Route 40. Le salon se transforme ainsi en un lieu multidisciplinaire et multiculturel où les surfaces et les produits de l’habitat idéal de demain sont imaginés et présentés. Les exposants de cette édition présenteront des produits qui sont la concrétisation d’une vision de l’architecture intégrée, dans une nouvelle conception synergique entre les espaces extérieurs et intérieurs.

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Fil conducteur de cette édition, la Route 40 est un itinéraire d’exposition inédit, qui fait revivre au visiteur les moments marquants du salon, en se focalisant sur le design, la technologie, les produits et les différentes entreprises qui ont marqué son histoire. Organisée par Davide Vercelli et conçue par Dario Curatolo, la Route 40 sillonnera le salon, en partant du Portique à quatre arcades, pour continuer son chemin dans les galeries 21-22, 25-26, et jusque dans le mall du Pavillon 37, à travers des installations racontant chaque décennie. Un parcours qui démontre le rôle clé du CERSAIE pour proposer des produits de pointe et dans l’orientation du marché et de la conception, devenant au fil des années une plateforme culturelle en mesure d’informer tous les professionnels.

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Avec une iconographie symbolique, le CERSAIE 2023 se développe autour de l’image d’un portail idéalement franchi par les visiteurs. Un passage qui permet de se projeter dans l’avenir et de s’immerger dans les nouvelles configurations de l’espace architectural et devient une intersection de connaissances, de visions et de matériaux. Cet itinéraire permettra aux différentes marques et souvenirs du passé de devenir les traces du futur. Celles-ci restitueront au secteur et au grand public le sens d’un voyage de quarante ans qui a permis à la céramique de sortir de l’étroitesse des espaces fonctionnels pour devenir un élément à part entière de l’espace architectural.

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Un riche programme d’échanges et de rencontres

Le Cersaie 2023 sera une nouvelle fois l’occasion d’échanges riches, animés par plusieurs grandes expositions, par le Lectio Magistralis des 12 Prix Pritzker, du programme Bâtir, Habiter, Penser, par les conversations au Café de la presse ou encore par l’expérience sur le terrain réalisée dans les ateliers qui se dérouleront dans la Città della Posa. Aussi, l’association pour le design italien ADI, une nouvelle fois partenaire du salon, décernera deux prix : l’ADI Ceramics and Bathroom Design Award et l’ADI Booth Design Award, dont la remise de prix aura lieu le 27 septembre.

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Le salon CERSAIE est promu par Confindustria Ceramica en collaboration avec BolognaFiere, organisé par Edi.Cer. SpA avec le soutien du Ministère des Affaires Etrangères et des Coopérations Internationales et de l’Agence Italienne du Commerce.

Fondée en 1849, Viúva Lamego a été l’une des premières entreprises à produire de la céramique et des carreaux de faïence au Portugal, contribuant à faire de cette Maison l’une des pionnières dans ce domaine de référence de l’industrie et de l’artisanat national.

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Dans son usine de Sintra, dans la grande banlieue de Lisbonne où la société est installée depuis 1992, Viúva Lamego perpétue un art et une production séculaire largement tournée vers une création à échelle humaine, où elle met particulièrement en avant des principes de collaboration étroite avec de talentueux artistes. En 1945, c’est dans ses ateliers que le grand Jorge Barradas a commencé ses recherches raffinées d’effets céramiques qui ont révolutionné et internationalement popularisé la stylisation figurative nouvelle des fameux Azulejos.

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Dans les années 1950 et 1960, Viúva Lamego a largement participé au développement de l’usage de la faïence dans l’espace public, dans les rues et le métro de la métropole lisboète. Les carreaux du fameux panneau mural O Mar, réalisé par la peintre Maria Keil en 1959 et encore visible sur l’Avenida Infante Santo, devenue elle-même un véritable musée à ciel ouvert d’escaliers décorés de céramiques, ont été produit dans ses locaux.

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Palette chromatique et peinture à la main

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Depuis, Viúva Lamego n’a eu de cesse de perpétuer ces pratiques artistiques collaboratives, tournées vers la finesse et la précision, laissant une grande place aux finitions uniques de l’émaillage et aux techniques de peinture à la main. On retrouve ses carreaux manufacturés uniques à la Casa da Música de Porto (bâtie par l’architecte néerlandais Rem Koolhaas) ou dans l’imposante sculpture de gallinacée, Pop Galo, conçue en 2016 par l’artiste Joana Vasconcelos, une habituée des lieux. Durant la pandémie, la société a même pu apprendre à travailler à distance, comme cela a été le cas avec la Canadienne Deb Chaney, dont le travail de peinture abstraite a été traduit en quatre grands panneaux de carreaux faïencés peints à la main et rassemblés dans le projet décoratif de grande envergure West Coast Abstract, désormais installé dans un ensemble immobilier au nord de Vancouver.

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La qualité du rendu des carreaux Viúva Lamego réside pour beaucoup dans la restitution des tons chauds des couleurs. Une spécificité qui attire toutes les générations de créateurs – à l’image du jeune artiste visuel Add Fuel, célèbre pour ses remarquables panneaux céramiques de rue, et qui a récemment collaboré avec la marque pour la réalisation d’une pièce originale au sein du Luster hotel de Lisbonne – et qu’expliquait l’artiste Bela Silva au sujet du panneau d’azulejos peints à la main, Un Oiseau Mexicain Qui Voyage Dans Le Temps Du Mexique À L’Inde, réalisé avec l’entreprise, lors de sa présentation au salon Maison & Objet 2022 de Paris. « Je voulais sortir de ma palette chromatique habituelle et être audacieuse, en utilisant d’autres couleurs qui ne sont pas si usuelles dans mes œuvres, comme les rouges et les oranges », précisait-elle alors. « Maintenant, je veux explorer des couleurs plus chaudes ».

Des résidences qui séduisent l’artiste

Dans les intérieurs chaleureux et lumineux de l’usine-atelier de Sintra, l’artiste se sent en effet un peu comme chez lui. Plusieurs se voient régulièrement invités à venir passer un temps plus ou moins long de résidence pour affiner leur travail de création dans de confortables conditions de spatialité. Au dernier étage d’un des bâtiments, le visiteur chanceux peut ainsi découvrir de véritables panneaux en cours de réalisation, où les carreaux manquants le sont car ils sont juste en train d’être créés. Une façon de rappeler que c’est ici même en 2016, qu’ont été peints à la main les 1800 carreaux de la fresque Odyssey de l’artiste chinois Ai Weiwei. « Les artistes aiment venir travailler ici car ils ont la possibilité de travailler sur de grandes surfaces », explique la directrice marketing Catarina Cardoso. « Les artistes viennent, nous apprenons d’eux et, au contact de nos artisans et de nos maîtres peintres, ils apprennent de nous. C’est comme ça que cela fonctionne ici. »

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En 2022, outre Bela Silva, plusieurs artistes et créateurs sont venus effectuer un temps de résidence, parmi lesquels Maria Emília Araújo, Hervé di Rosa et le maître Manuel Cargaleiro – auteur du foisonnant décor de formes géométriques en carreaux peints de la station de métro Champs Élysées- Clémenceau de Paris – tout juste âgé de 96 ans ! L’année d’avant, le designer Noé Duchaufour-Lawrence, dont l’atelier de création et de production Made In Situ se trouve à Lisbonne, était venu lui aussi parfaire un projet, dans le sillage de son projet conjoint avec Viúva Lamego, intitulé Azulejos.

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Les travaux en cours sont d’ailleurs ici surveillés comme le lait sur le feu et protégés des regards trop indiscrets – on attend ainsi que soit dévoilé le travail effectué avec l’architecte Miguel Saraiva. Mais parmi les grands projets bientôt sous le feu des projecteurs, il convient de citer le monumental Wedding Cake de Joana Vasconcelos, un pavillon sculptural de 12 mètres de haut en forme de gâteau de mariage, entièrement réalisé en carreaux céramiques luisants comme de la glace, émaillés de roses pâles, de verts et de bleus, qui sera visitable à partir de juin aux abords du manoir de Waddesdon en Angleterre. Le travail le plus ambitieux à ce jour de Joana vasconcelos et une réalisation artistique et technique de plus au catalogue gargantuesque de Viúva Lamego.

Respectivement diplômés d’un bachelor en design industriel et de produits à l’ECAL et d’une formation en design à l’ENSCI, Marie et Alexandre se sont rencontrés lors de leur participation à la Design Parade en 2018. Dans la continuité d’ »Horizon » présentée quelques mois avant, le duo a de nouveau fait appel à la galerie Signé pour exposer une nouvelle exploration dans un jeu d’équilibre et de réflexion. Située à Saint-Germain-des-Prés et fondée par Maxime Bouzidi en 2021, la jeune galerie Signé a l’ambition de soutenir une jeune génération de designers, architectes ou décorateurs, autour de créations qui oscillent entre art et design.

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Une exposition à vivre comme une expérience

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Pièces posées, suspendues, parfois à la limite de la lévitation… cette exposition s’amuse des jeux de miroirs pour dessiner dans l’espace un paysage multidimensionnel. Chaque pièce offre ainsi une expérience visuelle de la matière, à la fois comme un élément de jonction, de flux, par moment valorisée, et sur d’autres pièces, totalement intégrées dans le dispositif. Très tourné vers l’artisanat et l’exploration des matières, le duo n’hésite pas à rendre visible les jeux de structures, voire d’ossatures, de pièces extrêmement épurées et minimales. Il sublime, dans cette sobre mise à nue, le magnifique travail du verre coulé et de lave émaillée  réalisé à la tuilerie Alain Vagh de Draguignan, dans une terre rouge de Salernes. Une proposition où la géométrie ne l’emporte pas sur la poésie, au croisement de la sculpture, du design et de l’architecture.

À découvrir jusqu’au 25 février à la galerie Signé, 33 rue Bonaparte, 75006 Paris.

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Depuis 2012, la plateforme de soutien au design libanais House of Today agit pour soutenir le design contemporain libanais, en élargissant le dialogue entre designers libanais et collectionneurs, journalistes, galeries, foires et institutions culturelles… La fondatrice de l’organisation Cherine Magrabi avait pour objectif de faire valoir la beauté du design libanais, en plaçant notamment l’accompagnement à 360° au des jeunes designers au cœur de son fonctionnement. House of Today est aujourd’hui devenue la plateforme de soutien la plus importante pour le design libanais, allant jusqu’à s’exporter au-delà des frontières libanaises. On peut citer des participations aux Biennales 2012, 2014, 2016 et 2018 à Beyrouth, ainsi que des participations à des foires notables telles que Design Miami, ou encore des co-curations avec des galeries à New-York, Aspen, Londres, Paris.

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En off de Paris + by Art Basel, Cherine Magrabi ouvrait les portes de son appartement privé parisien pour y présenter le premier projet d’un cycle de collaborations qui allient à la fois des céramistes libanais et des designers culinaires.

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Projet poly-sensoriel et inspirations culturelles

« Ma culture a joué un vrai rôle dans la conception de ce projet » assure Souraya Haddad.  À travers la création de divers objets (tasses, plats, chandeliers…), le projet Ceramic Banquet célèbre à la fois la générosité, la créativité et la convivialité qui sont propres et caractéristiques au Liban, traduit par la rencontre entre créations sculpturales fonctionnelles et la poésie culinaire de Balboste. « J’ai voulu à la fois donner un aspect de légèreté, mais aussi un certain poids à mes créations. Tous les mouvements des pièces sont dans la rondeur, la générosité. Lorsque l’on prend un verre en main par exemple, on ressent qu’il y a quelque chose de chérissant, de plus intime. » Un projet finalement fastidieux, qui a demandé près de deux mois de recherches et d’expérimentation à Souraya Haddad avant d’arriver au résultat escompté.

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Une exposition-performance qui alliait ainsi artisanat, design et saveurs, tout en restant fidèles à ses valeurs culturelles. Celle-ci se poursuivra en février à Los Angles durant Frieze 2023 avec l’exposition du travail de Nathalie Khayat dans la résidence de Santa Monica de Cherine Magrabi.

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« Mon but a toujours été de faire du design, mais surtout de créer quelque chose qui parte de l’ordinaire pour en faire quelque chose d’extraordinaire. » Avec son atelier basé à Berlin et composé de 12 artisans aux multiples savoir-faire, Stefan Leo peut se féliciter du chemin parcouru. Après des premiers pas en tant que photographe focalisé de la création à travers le monde, Stefan Leo a lui aussi voulu se lancer dans la conception d’objets. Pendant plusieurs années, il collabore avec des artisans partout dans le monde pour donner vie à ses idées. La naissance de sa fille le fera ensuite revenir en Allemagne, où il créera l’Atelier Stefan Leo, qui a la particularité de concentrer plusieurs savoir-faire, dans un même espace.

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Un atelier multi-fonctionnel pour des artisans multi-qualifiés

Désireux de  travailler sans limite, Stefan Leo voulait que son atelier soit le plus équipé possible et surtout que tous les artisans qui y travaillent soient capables de combiner les savoir-faire. Ainsi, au sein de son atelier, cohabitent une forgerie, un atelier de bronze, une menuiserie et un atelier de cuir. On y travaille également le verre et la céramique. « Nous avons tout à portée de main. C’est assez inhabituel mais ça fait partie intégrante de mon processus. On est habitués à ce qu’un atelier se focalise sur un matériau ou un savoir-faire en particulier, moi j’ai voulu tout combiner. » Tous les artisans de l’atelier ont été formés pour travailler sur tout type de matériau, une force de l’Atelier Stefan Leo. « Selon moi, ce sont les matériaux qui amènent le design. Les gens pensent que je suis un designer, mais je me vois plutôt comme un créateur. »

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Exposition à la Galerie 208

Le travail de Stefan Leo sur la céramique et la pâte de verre a été découvert par la directrice de la Galerie 208, Patricia Chicheportiche, lors de la foire de design GURU en septembre dernier. Et rapidement, leur collaboration pour une collection a vue le jour. Les cinq pièces qui composent « Stefan Leo by Galerie 208 » sont ainsi le résultat de longues années de travail et d’expérimentation, pour un résultat coloré, pigmenté et tout en finesse.

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Elle prend un malin plaisir à faire passer la matière pour ce qu’elle n’est pas. Designer, sculptrice, céramiste, architecte d’intérieur, directrice artistique, cette créatrice aux nombreux talents, née en 1976, aime surtout insuffler beauté et poésie à ses ouvrages. Diplômée de l’Ecole Supérieure d’Art et de Design (ESAD) à Reims, passée par la case de l’Art Center College of Design de Los Angeles et de la Domus Academy de Milan, elle tient son goût des matériaux naturels et des savoir-faire hautement menés, des heures passées, enfant, dans l’atelier de son père ébéniste. Toutefois, sa grande et luxueuse « Toupie » de verre soufflé, bois d’olivier, lanières de soie et cuivre, impropre à l’usage, remarquée lors des D’Days de 2014 au Musée des Arts Décoratifs de Paris, comme son étonnante « chaise d’arbitre Emile » de 2015, interrogeant de manière espiègle notre aptitude à nous adapter, témoignent de ses dispositions à transcender le geste que lui dicte une technique.  

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Jeux de Dupes

Sélectionnée, en 2019, pour représenter la France à la 10^ème Biennale internationale de la céramique de Gyeonggi, en Corée du Sud, elle semble aujourd’hui revenir à ses premiers amours, en explorant le plus souvent le grès et le bois de Frêne de la Forêt d’Eu, chère à son cœur, pour leurs aspérités et qualités intrinsèques, parfois insoupçonnées. Aidée de dessins très précis, elle fait immerger de la terre des formes sans formes, sensuelles, presque malléables. En effet, la céramique de ses vases aux lignes élégantes, souvent modernistes, semble tendre à s’y méprendre. Leur modelé travaillé au racloir ou au papier de verre peut donner l’illusion d’un feutre de laine qui respire. D’ailleurs, elle semble en avoir fait sa signature que l’on retrouve exposée chez Superstudio, lors de l’évènement « 1000 Vases » pour la Milan Design Week de septembre 2021, ou encore durant l’ultime Paris Design Week, au 80 rue de Turenne, à travers « Bodies », son solo show présentant un corpus de 60 pièces.

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La Nature humaine

En septembre et octobre derniers, « Crowned Trees », installation composée de cinq pièces en bois de Frêne et grès a aussi investi la Place du Louvre, entre beffroi néogothique de l’église Saint-Germain-L’auxerrois, nature urbanisée et musée du Louvre. D’un très bel effet, cet ensemble au milieu duquel trônait un imposant tronc accueillant, en son centre, un étonnant « couple », interpellait par son esthétique ambigüe. Travaillant les surfaces irrégulières de ces bois comme une peau jusqu’à en faire apparaître les moires, Stéphanie s’est emparée du déséquilibre de leurs volumes et ondulations, les couronnant de pièces en grès, aux formes organiques, parfois sur le fil, presqu’humaines, qui semblent se parler, s’étreindre, voire réfléchir…

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De ces troncs destinés au feu ou à devenir parquet car possédant trop de défauts, Stéphanie Langard fait donc surgir de surprenantes présences, fantomatiques, sensuelles, jouant sur l’illusion de leurs matières, couleurs et reflets éclatants au soleil. Laissant à tous la liberté de se les approprier par le toucher, Stéphanie Langard fait de ses créations design une belle matière à réflexion et à mystère.

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