Architecture intérieure

Un lieu à la hauteur du prestige de la marque. Voici l'enjeu confié par Moët & Chandon à l'agence Yabu Pushelberg pour la conception de ce bar. Prenant place dans un très célèbre grand magasin allemand, KaDeWe, ce projet devait retranscrire l'âme de cette grande maison afin de proposer aux multiples clients une expérience cohérente avec l'image de marque.

La traduction d'une identité

Pour l'agence, créer un bar dédié, impliquait de capter son image et ce qui s'en dégage. Une recherche qui leur a permis de « comprendre que l’artisanat demeure l’âme vive de cette maison de champagne» expliquent George Yabu et Glenn Pushelberg. Mais par-delà cette notion intrinsèquement liée à l'histoire de Moët & Chandon, le duo souhaitait un espace en capacité de provoquer l'émerveillement des consommateurs. Un enjeu qui les a rapidement poussés à désigner les émotions comme vecteur indissociable de la prestigieuse boisson. De ce triple facteur est ainsi né le fil rouge de ce projet où s'entremêle désir, intimité et célébration.

Un espace intense mais intimiste

En dépit de l'image élitiste inscrite par Moët & Chandon dans l'inconscient collectif, le duo de créateurs a souhaité concevoir un espace où viennent se fêter les grandes et les petites occasions. Pour donner corps à cette vision, l'agence Yabu Pushelberg a conçu un espace accueillant où s'articule convivialité et intimité. Ainsi, c'est dans ce lieu tout en courbes que des recoins intimistes viennent se lover, tandis qu'au centre, un grand bar en arc de cercle offre un lieu plus propice à la dégustation. Les parois rouge et crème délicatement soulignées par l'éclairage indirect font de cette adresse un écrin chaleureux. Les formes organiques du mobilier et des cloisons donnent à l'ensemble une fluidité mais aussi une intensité exubérante pouvant rappeler, à certains égards, l'underground berlinois.

Après une formation dans le bâtiment, Laurent Pisoni a forgé son expérience professionnelle dans l’immobilier. « Il y a vingt ans, je transformais des bâtiments industriels en lofts. C’était la tendance du moment… Et le marché de l’immobilier était plus simple qu’aujourd’hui », explique-t-il. Investi dans l’architecture depuis toujours, il fonde sa propre agence il y a sept ans et se tourne vers la rénovation d’intérieurs pour les particuliers. « Ce n’est pas un métier anodin, on est dans l’intimité des clients, dans leurs secrets, je suis une sorte de psy, et je l’assume complètement ! Je les embarque dans une aventure personnelle et collective avec mon équipe », détaille-t-il. De la conception à la réalisation, il conçoit des projets pensés pour durer, à partir d’un solide réseau et du bouche à oreille. 

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Sobriété et classicisme

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L’île Saint-Louis, ce quartier parisien dans lequel il s’est installé depuis longtemps, est son ancrage. Il a, par ailleurs, rénové plusieurs appartements dans des rues à proximité de son domicile. « J’aime ce quartier de Paris dans lequel coexistent l’esprit d’un village et la frénésie de la capitale, et où tout le monde se connaît ! » Loin des clichés, il se définit comme un architecte d’intérieur classique, n’aimant ni les tendances ni l’ostentatoire. « Dans mon enfance, la structure des jardins des Vosges dans lesquels j’ai joué m’a certainement influencé pour les projets actuels de rénovations complètes d’appartements ou de maisons. » De même, le mobilier ne déroge pas à cette règle stricte qu’il s’est imposée. Les pièces iconiques, choisies chez les éditeurs du design international (USM, Cassina, Emeco, Vitra, Driade), font figure d’éléments rassurants pour ses clients. 

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Noir et blanc

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Comme un dessin sur une feuille vierge, le noir et le blanc sont les bases de chacune de ses conceptions. Passionné par la peinture, la sculpture, il préfère laisser les œuvres d’art s’exprimer par leurs teintes ou leurs compositions particulières, à moins que quelques rares pièces de mobilier hautes en couleur viennent ponctuer l’espace. Il affirme une certaine radicalité avec les lignes des fenêtres ou le graphisme sculptural de pièces de mobilier exclusivement noires. Une référence aux lofts, qu’il connaît bien, dont les structures industrielles l’ont guidé. Aujourd’hui, les espaces qu’il conçoit s’enrichissent de matériaux.

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Parmi ses influences, si Jean Nouvel est l’un de ses maîtres avec l’agence japonaise Sanaa dans le domaine public, sa référence incontestable dans le résidentiel est l’architecte anglais John Pawson, reconnaissable par son style minimal et l’emploi de matériaux naturels sublimés. 

Œuvres d’art

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Collectionneur depuis son plus jeune âge, il fréquente les salles des ventes, les foires, les galeries… On compte parmi ses artistes favoris Martial Raysse, mais il apprécie aussi les arts premiers, africains et amérindiens. Et s’il peut vendre facilement un meuble sans regret, en revanche, il avoue avoir du mal à se séparer de ses œuvres d’art préférées. « Je vis en permanence avec elles, ce sont des biens affectifs qui font partie de ma vie, de mon univers. » 

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Retrouvez cet article dans le numéro 218 d'Intramuros, disponible dès maintenant.

L’histoire d’Edgar Suites commence en 2016 lorsque Maxime et Grégoire Benoit rencontrent Xavier O’Quin. À l’époque, les deux frères sont exploitants de conciergerie sur Airbnb tandis que Xavier est gérant d’une entreprise concurrente dans le même secteur. Ils décident alors de s’associer pour imaginer un nouveau concept d’appart-hôtel haut de gamme. Aujourd’hui, Edgar Suites est présent dans 10 villes de France avec 200 appartements d’ores et déjà disponibles et 300 autres livrés d’ici 2025. « La feuille de route qu’on avait en lançant le projet, c’était 700 appartements. On est à 500, donc l’objectif est quasiment atteint, mais il y a de fortes chances qu’on aille encore plus loin » confie Maxime Benoit.

Une offre de services sur mesure

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Pour assurer un taux d’occupation quasi-permanent, -93 % en moyenne-, les équipes d’Edgar Suites mettent les petits plats dans les grands. Échange avec le client dès sa réservation avec des rappels à J-7, J+1 et J-1, offre de voiturier, réservations d’activités en amont du séjour… Rien n’est laissé au hasard, car chez Edgar Suites, le service fait partie intégrante de l’expérience. « Chaque client qui rentre dans un appartement a accès à des offres cohérentes avec la ville, le quartier dans lequel il se trouve. On fait un gros travail sur la signalétique pour permettre aux clients d’être autonomes » ajoute Maxime Benoit. Chaque appartement a une superficie moyenne de 50m2 et peut accueillir 2 à 6 personnes. Pour le petit déjeuner, une offre spécifique en collaboration avec une boulangerie ou une brasserie à quelques pas est systématiquement proposée.

Une importance donnée au design et à l’aménagement des espaces

Avec une clientèle majoritairement familiale et professionnelle, l’objectif initial était de pouvoir proposer des appartements hybrides qui correspondraient à tout type de client. « Dès la conception des plans, on réfléchit à des lieux qui soient simples d’utilisation et adaptés à tous les usages. On propose ainsi des télévisions équipées de caméra pour les personnes qui ont des rendez-vous professionnels, mais dans le même temps, tous les écrans offrent l’accès aux différentes plateformes de vidéos à la demande » continue Maxime Benoit. Plus que l’aspect technique, l’aménagement et le design de ces lieux est un élément indispensable. « La déco est évidemment un sujet important. Pour chaque nouvel immeuble ou nouvel appartement, on part d’une page blanche. On essaye vraiment de se différencier sur cet aspect, en créant des lieux comme à la maison. »

Dans les intérieurs Edgar Suites, 30 % du mobilier est chiné, les œuvres d’art accrochées au mur sont réalisées en partenariat avec des artistes locaux, tandis que certaines pièces spécifiques sont dessinées sur mesure par les équipes. Pour certains projets spécifiques, les équipes d’Edgar Suites n’ont pas hésité à faire appel à des studios d’architecture ou de design, permettant des collaborations avec le Studio Briand & Berthereau, LAM studio, Batik Studio ou encore l’architecte Bernard Dubois. 

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Un espace continu et fluide, sans murs et une esthétique claire et accueillante, telles étaient les intentions du projet de la Villa L. « Vivre un lieu résidentiel est un sujet très privé et représente quelque chose de particulier pour chacun. Aussi fallait-il prendre en compte le cahier des charges, tout en suivant le cap d’un projet précis, même si l’incertitude pendant le processus de conception est assez fréquente » détaille l’architecte d’intérieur Alexander Fehre.

Le confort et la simplicité avant tout

Première étape, en supprimant les murs et toute idée de portes ou de cloisons, les pièces s’enchainent les unes avec les autres naturellement. Les fenêtres ont été agrandies, doublées de voilages blanc aériens qui accentuent la luminosité tandis que la terrasse largement ouverte a été aménagée dans le prolongement du séjour et la chape du sol déposée pour l’installation d’un chauffage. Deuxième étape, un bloc de rangement multifonctions XXL décrivant un L redéfinit la pièce principale comme élément architectural central. Les courbes douces accompagnent le mouvement de cette transformation, alors que le volume toute hauteur dissimule l’utilitaire accessible derrière un habillage vertical de lattes de chêne scandinave, qui rythme et unifie l’espace.

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Dans le séjour, le poêle à bois, élément fort de la rénovation, s’ajoute au confort du chauffage par le sol, ce qui évite les radiateurs muraux. Ainsi débarrassé d’éléments structurels auxquels on a apporté des solutions, l’espace est appréhendé plus aisément en harmonie avec le mode de vie des propriétaires « Le projet a avancé dans la confiance réciproque avec nos clients et grâce à cette approche globale, nous avons mieux cerné la réponse émotionnelle qu’ils souhaitaient. » explique l’architecte.

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Un lieu de partage avec les enfants

Outre l’absence de murs intérieurs et de portes, que seul perturbe une discrète cloison en verre pour le sas d’entrée, les propriétaires n’ont pas suivi le schéma d’une implantation classique, en faisant l’impasse sur les archétypes du salon : canapé, lampadaire ou téléviseur. La Villa L est un espace à vivre, partagé équitablement entre parents et enfants leurs activités et besoins de mobilité. Les murs peints en blanc, le bois de chêne huilé, quelques touches de couleur dans les niches sont autant de matériaux choisis parce que vecteurs d’un design calme. A l’image de l’ensemble de la maison rénovée, la cuisine a été imaginée comme un lieu de rencontre intergénérationnel sans perdre son lien avec l’extérieur, associant le bien-être et l’esthétique. Une pierre monobloc en ilot d’une grande sobriété intègre la plaque de cuisson, des rangements invisibles et fait face à l’équipement de l’électroménager regroupé méticuleusement rangé dans une niche peinte en vert: l’évier et le four encastré dans le panneau de bois, le micro-onde, la machine à café. Une ouverture discrète s’immisce dans l’agencement en tant qu’élément de design, équipée d’étagères en verre coloré qui livrent leurs effets avec la lumière.

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Les enfants ont leurs territoires identifiés pour s’isoler ou lire, au creux des banquettes intégrées sur mesure dans les fenêtres et dans l’élément central à l’image d’une cabane. Mais ils ont aussi leur salon dédié, à l’extrémité de la pièce :  avec un toboggan, une niche pour s’asseoir, une structure qui permet des espaces de jeu créatifs et une bibliothèque. En supprimant le toboggan et quelques marches, l’espace évolue pour s’adapter aux besoins changeants à chaque âge des enfants.

Après des études d’architecture à l’ESA de St Luc à Liège en Belgique, Olivier Lekien obtient l’équivalence du diplôme DE-HMONP, (qui lui permet de s’inscrire à l’Ordre des architectes et de délivrer des permis de construire). Durant quatre années, il s’engage auprès d’agences opérationnelles dans les grands concours de programmes publics (logements, bureaux, espaces culturels) chez DesignWorkshop en Afrique du Sud puis chez Lacaton & Vassal à Paris. « Ce sont les plus grands architectes avec lesquels j’ai travaillé », raconte-t-il. La conception et la réalisation d’une élévation de 1000 m2 de bureaux, à Suresnes, va confirmer son choix décisif. Cette mission lui offre l’opportunité de s’exprimer, dans une dimension architecturale plus souple, et d’affiner son regard sur les finitions, les assemblages. « Dans les marchés publics, les projets se déroulent sur du long terme, parfois 10 ans, sans qu’ils aboutissent ! » L’architecture d’intérieur et le design d’espace correspondent plus à ses ambitions. Sachant qu’il y a peu de demande de constructions neuves à Paris, l’atelier OLK, basée dans la capitale, se tourne vers la transformation de structures existantes.

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Design d’espace et aménagement intérieur

Les process de conception de ces programmes d’architecture intérieur vont à l’essentiel, dans l’optimisation des espaces et le rendu des matériaux. « Cette nouvelle adaptation n’efface en rien les quatre années passées en agence. Je retrouve dans ces projets, une certaine rigueur administrative propre au marché public », détaille-t-il. Sans se limiter à une typologie, les restaurants et commerces, les logements et surfaces destinées à l’investissement, lui sont confiées pour des missions complètes. Objectif ? Donner une plus-value à l’espace en proposant des matériaux adaptés, des éléments particuliers de mobilier.

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Pour la boulangerie parisienne Tranché, il a dessiné ces drôles de tables hautes sur pieds à boules, dans le coin chaleureux du snacking. Quant au dessin plus complexe des chaises, il avoue humblement que c’est l’affaire du designer et opte pour des modèles déjà testés proposés par les éditeurs…

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Douceur des volumes

Dans une synthèse globale associée aux contraintes contextuelles et budgétaires, le choix de matériaux devient une évidence en connaissant les principes constructifs. Le bois, qu’il affectionne, est transformé selon ses aspects et contraintes spécifiques (contre-plaqué, mdf ou bois massif) tandis que d’autres matériaux sont détournés légèrement de leur fonction au service du design d’espace, comme le plâtre en plaque fine, de 6 mm, pour des encadrements de portes en arches dans un appartement privé.

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Si de ses réalisations émanent une certaine douceur, l’appropriation de l’espace par l’usager est une fonction liée à la conception. La flexibilité des aménagements refait surface, un enseignement qu’il a acquis auparavant en agence. Par ailleurs, sachant que 95% des projets sont des réhabilitations, l’existant est un paramètre non négligeable de l’étude et de la finalité du projet. L’analyse scrupuleuse dans l’état des lieux, de chaque mur, plafond ou détail d’architecture, détermine l’orientation du projet et sa mise en concurrence avec le programme. Les voiles de béton à poncer, les poutres en bois à rénover, les plafonds et les moulures conservées dans un immeuble haussmannien sont autant d’éléments sensibles à prendre en considération pour l’aboutissement d’un projet de transformation, souvent destiné à être réversible.

Projet : Wojo

Lieu : Paris

Surface : 7500 m2 sur 9 niveaux

Année : 2021

Un nouvel espace de travail dans Paris ? Oui et des m2 dédiés aux bureaux plutôt stimulants à deux pas de la BNF… Créer l’inattendu et la surprise à chaque étage, tel a été le brief du commanditaire, le groupe Wojo, fondé en 2015, puis de la fusion Bouygues Immobilier et Accor en 2017,  à l’agence Tétris en charge du projet. L’ensemble des créatifs ont embarqué ce projet d’espaces flexibles de la rue de Tolbiac, 14 ème site de co-working du groupe, sur le thème d’un voyage imaginaire. La refonte et le design des espaces ont été pensés comme un lieu de vie selon une déambulation qui se déploie sur les neuf niveaux du bâtiment. Plus de 800 bureaux, salles de réunion, salles privatives et open space, se succèdent, rythmés par une signalétique colorée spécifique à chaque étage, et repérable à l’entrée sous forme d’un bouquet de ballons aux couleurs arc en ciel, réalisé par L2B2.

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Si le mobilier a été conçu par Cocorico Paris, agence pluridisciplinaire et Cider, éditeur de mobilier de bureau, mais aussi les marques Fermob, Fatboy, ou Mojow (fauteuils gonflables), les concepteurs se sont aussi engagés dans une démarche RSE, avec, en autres, des labellisations HQE et Bream pour le bâtiment. En faisant fait appel à l’entreprise créative lilloise Etnisi, spécialisée dans la revalorisation et le recyclage des matières usagées locales, certaines tables des espaces communs ont été éco-conçues à partir de marc de café, porcelaine et coquilles. Pas d’espace de coworking sans son rooftop !

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Et au dernier étage, on découvre la vue panoramique à 360° sur la capitale ! Le street artiste Big Oh! a créé plusieurs fresques peintes, un grand ciel en trompe l’œil et le mur toute hauteur sur le thème des toits de Paris qui englobe le hall d’entrée jusqu’au dernier étage. Autre intervention artistique, la façade, dont l’enveloppe a été créée par la plasticienne Carmen Perrin, qui fait jouer la lumière naturelle et les nuances colorées des briques de verres.

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Projet : appartement privé

Lieu : Vincennes, Val de Marne

Surface : 60 m2

Année : 2019

L’appartement est composé de deux plateaux de 25 m2 réunis par un escalier étroit. Pour ce premier projet d’architecture intérieure, Caroline Rigal a décidé, dès le début, de séparer les fonctions : l’espace nuit à l’étage, l’espace jour en rez-de-chaussée. Autre particularité, elle a conservé les deux portes palières à chaque niveau, qui donnent accès au duplex. L’une d’entre elles à l’étage ne pouvant être condamnée, se dissimule derrière un linéaire de rangements : la porte est accessible si besoin. La nouvelle répartition des pièces a permis de créer une salle de bain située désormais à l’étage, tout en réduisant la surface de la (trop) grande chambre d’amis. L’autre chambre reste inchangée.

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Le rez-de-chaussée  a fait l’objet de transformations importantes. D’une part, la cuisine, bien équipée, est semi-ouverte sur l’espace des repas, équipée d’étagères puis le salon, tandis que le mur porteur, un élément de design compact, intègre un écran plat toute la connectique et des étagères étroites. D’autre part, une séparation, avec bibliothèque d’un côté et penderie de l’autre, a été créée, ce qui ressert le salon devenu plus intime, afin d’y adjoindre une mini entrée qui n’existait pas auparavant. L’espace sous l’escalier n’est pas perdu, mais aménager en cellier, bien utile, quand les m2 sont comptés. Si les intentions de l’architecte d’intérieur et designer étaient déterminées dans la répartition des volumes, elles l’étaient tout autant dans le soin apporté aux détails et aux finitions. Les bords arrondis des radiateurs reprennent ceux du mur porteur, tandis que les placards de la cuisine (Mobalpa) offrent des solutions de rangements impeccables, ajustés sur toute la hauteur. Quant aux sols, le carrelage en grès cérame,- modèle Puzzle (Mutina) des designers Barber et Osgerby -, dialogue avec le parquet massif à lames droites (Parqueterie nouvelle).

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Et son calepinage géométrique aléatoire dessine un chemin dans l’appartement, dont les espaces, même ouverts, gagnent en lisibilité, sans en perturber les perspectives. Quelques pièces de design se mêlent discrètement aux meubles de famille. Un choix assumé, pour cette jeune designeuse d’espace, qui enchaine les projets d’architecture intérieur, elle, qui fut repérée à la Paris Design Week 2018, pour son fauteuil Dune, objet de son diplôme, (à retrouver dans Intramuros n° 198).

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Construit en rondins de bois, une tradition ancestrale au Canada, le chalet sur la pointe appartient à la même famille depuis 40 ans. Et l’on comprend bien pourquoi. Le contexte spectaculaire de la nature sauvage entourée d’eau a séduit les propriétaires depuis plusieurs générations, avec son ancrage sur une avancée rocheuse. Rénover le bâti d’origine et envisager son extension, tels ont été les défis des architectes. Mais la proximité avec la rive, rendant compliquée la surface supplémentaire au sol, les a orientés vers l’ajout d’un étage intégré à la construction d’origine ; seule une pièce véranda plus réduite a été conçue au niveau du sol. Sans dénaturer le chalet d’origine, en conservant la lecture explicite et fondu dans l’espace boisé des strates et des marques du temps, le projet s’est remodelé aux quatre points cardinaux vers les vues en surplomb sur le lac.

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Contraste et continuité de deux époques de construction

Le chalet sur la pointe rustique et l’extension contemporaine se répondent en formant désormais une entité : le toit en pente à larges débords traditionnels côtoie l’épure monolithique dont la structure reprend les particularités architecturales (bois sombre, pente). On retrouve par ailleurs dans le chalet un certain mélange des genres. Les traits spécifiques des années 50 à 70 se fondent dans les espaces : les fenêtres inclinées ou la cheminée existante en pierres ont été restaurées. Visible sur toutes ses faces, cette dernière est un pilier central, tandis que le nouvel escalier, léger et épuré devient le fil conducteur habile de la surélévation. Enfin, la hauteur sous plafond initiale a été préservée, mais l’ancien toit fragilisé, a été déposé, et remplacé par une structure en sapin Douglas supportant le nouvel étage.

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La lumière comme guide

Les architectes ont particulièrement bien pensé l’orientation des extensions en fonction du parcours de la lumière tout au long de la journée. Au rez-de chaussée, les deux puits de lumière insérés discrètement dans la structure de la nouvelle pièce installée au sud, créent le lien avec la lumière extérieure et intérieure. Grâce à la hauteur supplémentaire, l’étage bénéficie d’une vue magnifique sur le lac et sur le ciel, ce qui permet également d’éclairer en lumière naturelle le rez-de-chaussée. Depuis la chambre principale haut perchée et sa salle de bain attenante, on peut apprécier la quiétude du panorama sur le lac. Par une grande ouverture verticale à l’est, la lumière du matin filtre jusqu’au rez-de-chaussée à travers le plancher de la passerelle en verre translucide. Une grande fenêtre en haut de l’escalier joue aussi ce rôle de puits de lumière.

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De bois et de pierre

Le chalet sur la pointe, construit de manière classique en rondins de bois, repose sur une fondation en pierres dont on peut voir les contours. Ancrée sur le site, cette base solide contribue à intégrer le chalet à son environnement naturel. La pierre et le bois massif sont utilisés aussi à l’intérieur, créant une belle harmonie de tons.

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Un intérieur est le reflet d’un style de vie, d’un quotidien et d’une époque. Avec “Home Stories : 100 ans, 20 intérieurs visionnaires”, le fabricant suisse de mobilier Vitra présente l’évolution de l’intérieur moderne et invite à réfléchir sur les perspectives d’avenir – qui revêtent une dimension d’actualité nouvelle avec la crise de coronavirus. Les dessins d’architectes comme Adolf Loos, d’architectes d’intérieur comme Elsie de Wolfe ou d’artistes comme Andy Warhol illustrent les bouleversements historiques qu’a connu l’intérieur depuis le début du XXe siècle – les plans d’étage ouverts dans les années 1920, l’apparition de l’électroménager moderne dans les années 1950 et la découverte du loft dans les années 1970.

Espace, Economie et Atmosphère : 2000 – Aujourd’hui

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Les premiers intérieurs de l’exposition reflètent la radicalité des changements actuels observés dans les intérieurs privés. En effet, la hausse des prix de l’immobilier et la pénurie d’espace de vie abordable qui en résulte favorise la conception de micrologements et leurs meubles convertibles. On peut le voir notamment à travers « Yojigen Poketto » (qui se traduit par « poche 4D »), un appartement conçu par le studio d’architecture Elii à Madrid (2017).

Dans le même temps, les projets de reconversion, comme « Antivilla » d’Arno Brandlhuber près de Berlin (2014) – qui utilise du textile comme des cloisons mobiles – offrent des stratégies pour optimiser efficacement l’espace et présentent une nouvelle définition du confort et du luxe, basée sur la simplicité et le langage des matériaux.

La pertinence de l’économie du partage, qui se reflète dans la décoration intérieure, est elle illustrée par le projet « Granby Four Streets Community Housing » à Liverpool (2013 – 17), initié par le collectif multidisciplinaire Assemble. En étroite collaboration avec les habitants potentiels, Assemble a sauvé une terrasse d’une maison victorienne de la déchéance urbaine, a redessiné les intérieurs pour les besoins contemporains, et a aidé à mettre en place un atelier qui réutilise des matériaux de construction pour créer l’ameublement des nouveaux espaces.

Aujourd’hui, les plateformes Internet comme Airbnb, Instragram et Pinterest alimentent la perception d’un intérieur comme marchandise, qui peut être affichée et capitalisée à tout moment. Toutefois, l’imagerie et les stratégies d’affichage dans de nombreux intérieurs privés remontent à la période prémoderne ou même des traditions d’habitation vernaculaires. On peut le voir dans un diaporama de Jasper Morrison exclusivement commandée pour l’exposition, qui explore comment l’agencement des objets affecte fondamentalement le caractère et l’atmosphère d’un espace privé.

Repenser l’intérieur : 1960 – 1980

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La deuxième partie de l’exposition se penche sur les changements radicaux de la décoration intérieure des années 1960 à 1980. Avec la diffusion du postmodernisme, les concepteurs, et particulièrement le groupe de design Memphis, commencent à réfléchir à la signification symbolique de l’ameublement, des motifs et des décorations.

Collectionneur passionné des créations de Memphis, le créateur de mode Karl Lagerfeld fait de son appartement à Monte-Carlo une salle d’exposition postmoderne au début des années 1980.

Au cours des deux décennies précédentes, les bouleversements sociaux se sont répercutés sur l’intérieur des maisons. En collaboration avec le philosophe Paul Virilio, l’architecte Claude Parent introduit le concept de « l’oblique » pour contrer les espaces neutres et cubiques qui prévalent à l’époque. Parent meuble son propre appartement à Neuilly-sur-Seine avec des plans inclinés qui peuvent servir indifféremment de siège, de salle à manger ou de lieu de travail, ou encore de lit de jour.

La New York Silver Factory d’Andy Warhol (1964-1967) est un exemple parfait des premiers loft, devenant un symbole presque mythique de l’atelier de l’artiste en tant que combinaison de l’espace de vie et de travail.

Au même moment, le fabricant de meubles et l’entreprise de vente au détail IKEA est sur le point de révolutionner l’industrie avec son programme visant à fournir des meubles modernes aux masses. L’ascension d’IKEA au rang de plus grand fabricant et détaillant de meubles au monde a contribué au changement perception des meubles – d’un objet qui se transmet de génération en génération, il devient un produit de consommation éphémère, jetable et rapidement dépassé.

Les années 1960 et 1970 présentent des idées radicales de décoration intérieure. Le “Paysage de fantaisie » de Verner Panton (1970) était composé d’éléments rembourrés de différentes couleurs qui formaient un tunnel en forme de grotte. Cette installation est reconstituée, le temps de l’exposition, dans la caserne de pompier de Zaha Hadid attenant au musée. Devant le musée, la micromaison “Hexacube” de George Candilis (1971) montre comment la préfabrication, la modularité et la mobilité ont façonné les notions de domesticité.

Nature et technologie : 1940 – 1960

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Une autre époque décisive dans la formation de l’intérieur moderne a été celle de l’après-guerre. Cette période est marquée par l’entrée du style moderne, développée avant la Seconde Guerre mondiale, dans les intérieurs du monde occidental. Pendant la guerre froide, la concurrence politique entre l’Est et l’Ouest se cristallise autour de la question du niveau de vie, avec pour point culminant le fameux « débat sur la cuisine » entre Richard Nixon et Nikita Khrouchtchev qui a eu lieu dans une maison préfabriquée américaine exposée à Moscou en 1959.

Avant cela, le milieu du XXe siècle a vu le langage de l’intérieur moderne se raffiner. La « Maison du futur » conçue par Peter et Alison Smithson pour l’exposition Ideal Home à Londres en 1956 embrasse les méthodes de préfabrication et l’automatisation des ménages, y compris les derniers appareils de cuisine et le bain autonettoyant. Beaucoup plus sceptique à l’égard des progrès technologiques et du design fonctionnaliste, Jacques Tati, dans son film « Mon Oncle » (1958), met en scène la Villa Arpel comme une maison aseptisée avec un esprit propre, dominant ses habitants.

En combinant des formes et des matériaux modernes avec un sentiment de « chez soi », les intérieurs scandinaves deviennent de plus en plus influents, comme en témoigne la résidence privée de l’architecte Finn Juhl (1942). Il a utilisé sa propre maison, à Ordrup au Danemark, comme intérieur test : les meubles sont conçus pour explorer la façon dont ils peuvent s’intégrer dans un intérieur.

De plus, « vivre avec la nature » et les « frontières fluides » entre l’intérieur et l’extérieur deviennent des sujets clés pour les architectes comme Lina Bo Bardi et sa Casa de Vidro à São Paolo, au Brésil (1950/51). Bernard Rudofsky, un autre architecte qui envisage la relation entre l’habitation privée et son environnement naturel, s’inspire des traditions de construction vernaculaires pour promouvoir les maisons avec des pièces extérieures. Avec l’artiste Costantino Nivola, il crée un espace de vie extérieur appelé « Nivola House Garden » à Long Island, New York (1950).

La naissance de l’intérieur moderne : 1920 – 1940

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Les années 1920 et 1930 voient l’émergence de plusieurs concepts clés d’espace et de décoration d’intérieur qui prédominent encore aujourd’hui. Dans ces premières années de la conception moderne, pourtant si différent de celui d’aujourd’hui, l’intérieur privé est au centre du débat architectural. C’est illustré à très grande échelle par le programme de logements sociaux « Das Neue Frankfurt » (1925-30). Dirigé par l’architecte Ernst May, il comprend la cuisine de Francfort de Margarete Schütte Lihotzky (1926), mais aussi des meubles abordables conçus par Ferdinand Kramer et Adolf Schuster.

Alors que May poursuit un programme social fort, d’autres architectes réinventent la répartition et la polyvalence de l’espace domestique. Dans sa villa Tugendhat à Brno, en République tchèque (1928-30), Ludwig Mies van der Rohe crée l’une des premières maisons basées sur un concept d’espace ouvert, avec des espaces fluides dans lesquels des meubles et des textiles soigneusement placés créent des îlots pour différents usages.

Adolf Loos défend plutôt le « Raumplan », un concept d’aménagement du territoire qui ne pouvait être compris en deux dimensions en raison de sa complexité tridimensionnelle. Sa villa Müller à Prague (1929-30) présente une séquence soigneusement chorégraphiée d’espaces à différents niveaux et de différentes hauteurs, qui dépassent la notion standard de plancher à un seul plan. Son compatriote autrichien, architecte et designer Josef Frank introduit le concept d’ »accident », selon lequel les intérieurs se développent organiquement au fil du temps et semblent composés par hasard.

Contrairement à ces positions modernistes, certains de leurs contemporains adoptent l’ornementation comme moyens d’expression. Elsie de Wolfe, qui a publié son livre « The House in Good Taste » en 1913, est souvent considérée comme l’une des premières décoratrices d’intérieur professionnelles. De Wolfe préconise l’aménagement intérieur comme une représentation de l’identité de la personne qui y vit. Cela est également vrai pour les intérieurs créés par le photographe et architecte d’intérieur Cecil Beaton qui utilise son cadre domestique comme un moyen de l’expression de soi. Pour sa « Maison Ashcombe » (1930 – 45), il s’est inspiré des arts, du théâtre, et même le cirque.

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Tout au long du XXe siècle, le débat sur l’aménagement intérieur a évolué entre les concepts opposés de la normalisation, du fonctionnalisme et de la réduction formelle d’une part, et de l’individualisation et de l’ornementation d’autre part, qui continuent tous deux à façonner nos foyers en ce sens jour. L’exposition « Home Stories » revisite certains des moments décisifs de cette évolution et pose la question pour aujourd’hui : comment voulons-nous vivre ?

« Home Stories : 100 ans, 20 intérieurs visionnaires »
8 février 2020 – 28 février 2021
Vitra Design Museum
Charles-Eames-Str. 2
79576 Weil am Rhein
Allemagne