Objets

C+B Lefebvre produit depuis 20 ans maintenant, aussi bien pour le grand public que les professionnels. Catherine, architecte issue de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Grenoble et Bruno, designer passé par l’EnsAD et l’ENSCI-Les Ateliers, mettent leur complémentarité au service d’un design innovant et cohérent. Pour le duo, il s’agit “de définir la meilleure combinaison entre ce que le client souhaite, la volonté et la capacité de l’entreprise tout en anticipant tendances et technologies.”

Récompensé à multiples reprises par leurs pairs – Label VIA, JANUS du Design, Prix de l’innovation de Maison&Objet… – le couple se fait aussi leur voix. Notamment Bruno : l’ancien assistant de Philippe Starck est administrateur depuis 2005 de l’AFD, dont il est aujourd’hui le Vice-Président, et membre de Designers+. Basé en Rhônes-Alpes/Auvergne, ce réseau de professionnels du design vise à structurer et animer la filière en accompagnant ses adhérents et leurs projets dans leur montée en compétence.

Le distributeur de mobilier n’a pas attendu qu’Édouard Philippe présente son plan de déconfinement à l’Assemblée nationale, pour préparer sa reprise d’activité. Il a récemment révélé son protocole de “reprise et de continuité de notre activité en toute sécurité”. À partir du 4 mai 2020, l’activité logistique reprendra progressivement afin d’être la plus opérationnelle le 11 mai, date officielle du déconfinement national. Les showrooms devraient rouvrir le même jour.

Ce protocole de reprise d’activité est le fruit d’études et de concertations en interne, et s’appuiera sur un guide de mesures et de préventions sanitaires strict. Parmi les mesures retenues figurent différentes consignes à l’attention des employés de bureau et des employés de dépôt, des règlements relatifs à l’utilisation des espaces communs et des directives pour encadrer les interactions des monteurs livreurs avec les professionnels et les clients lors de la réception, livraison et montage du mobilier.

Un kit sanitaire Covid-19 sera mis à disposition des employés de Silvera, contenant notamment un justificatif de déplacement professionnel, ainsi que des masques FFP1 et des gants jetables, en plus de matériel de désinfection.

Pieter Maes signe le tabouret Monolog. Le designer hollandais, qui a installé son studio à Paris en 2017, est un fervent défenseur de l’intemporalité et des formes pures. Ses créations puisent dans l’art primitif et les formes d’arts inconnus de notre histoire. Pour Monolog, il s’inspire des civilisations néolithiques et propose un tabouret en frêne massif teinté noir, à la forme brute et inédite.

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Ligne Roset et le designer de l’année 2018 de Maison&Objet Ramy Fischler donnent naissance au Valmy. Ce fauteuil-bridge est l’incarnation même du travail du jeune belge : un produit qui met à distance entre l’histoire, l’espace et le mobilier puisqu’il associe l’élégance des formes du XXe siècle et la sobriété des couleurs du XXIe siècle. Sa structure en fils d’acier surmoulés de mousse injectée et les deux piètement en hêtre massif (teinté anthracite, vernis naturel) ou métal laqué noir permettent au Valmy de s’adapter à tout type de contextes, de couleurs et de matières.

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Sebastian Herkner mélange l’artisanat traditionnel, presque oublié, et les nouvelles technologies afin de mettre en valeur les matières et attirer l’œil sur les détails subtils. Un style que le designer de l’année 2019 de Maison&Objet applique sur Lewa. Cette table basse, en frêne et céramique, est inspirée des orgues basaltiques. Chaque composante possède une forme unique et leur assemblage rappelle ce superpositionnement de prismes régulier et asymétriques, fruit de la solidification et de la contraction thermique des coulées de magma.
Le designer allemand imagine aussi Taru, un canapé qui met en avant le savoir-faire artisanal de Ligne Roset et fait appel aux sens. Les matériaux et les couleurs sont mélangées : la pièce est entièrement en mousse, équipée d’un empiètement entièrement tapissé et d’une assise au dossier bi-matières. Le coussin et le pouf, identique à l’empiètement, viennent accentuer le confort du modèle.

Dimensions :
Table basse : L. 107, 6 x L. 72 x H. 34 cm
Table d’appoint : L. 51,3 x L. 38,5 x H. 46,7 cm
Grand canapé : H. 73 x P. 92 x L. 222 x H. assise 43 cm
Méridienne : H. 73 x P. 92 x L. 172 x H. assise 43 cm
Pouf : H. 41 x P. 56 x L. 68 x H. assise 41 cm

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Ils  cherchaient depuis un moment à travailler ensemble, et c’est finalement  autour d’une redéfinition de Kama, une collection best-seller d’Ego Paris, que le Studio 5.5 et le fabricant français se sont retrouvés. Il y a quelques années, la collection Kama anticipait le besoin de modularité pour adapter sans cesse aux besoins un espace outdoor, et c’est certainement ce qui a été l’une des clés de son succès, aussi bien pour des espaces extérieurs vastes, que pour répondre à une demande urbaine. Selon Nicolas Sommereux, l’un des fondateurs, “cette gamme demandait à être réinventéeautour d’objets, d’éléments.” Un défi relevé par le studio 5.5 : proposer un nouvel ensemble à géométrie variable, autour de 4 modules et d’une table.

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La collection Sutra prenait forme. Jean Sébastien Blanc explique : « On aimait cette idée de “design intelligent”. Nous sommes partis du dessin de la table, qui s’ouvre par un simple coulissement et s’agrandit pour s’adapter au nombre de convives. »

La signature esthétique de la collection est tracée : aujourd’hui dans, les derniers éléments, on retrouve cette approche d’emboîtement et de déploiement dans la conception des tables gigognes. « Pour nous l’usage précède la forme, pour trouver l’ADN de la collection, il a fallu qu’on intègre cet usage évolutif, modulaire », jusqu’à un principe de plug & play dans lequel des accessoires viennent compléter l’aménagement de la micro-architecture dessinée par l’assemblage des modules d’assises.

Workshop in situ

La réflexion et la conception de la collection ont fait l’objet d’un workshop directement sur le site d’Ego Paris. Selon les designers, « après les premiers dessins, pour mettre en place les premiers prototypes, on s’est mis autour d’une table et on a travaillé avec les éléments qu’on avait sous la main : on a mis des serre-joints sur des tubes en aluminium, on a associé – voire découpé comme un jeu de Lego – des pièces diverses, des éléments de la collection Kama ; c’est la meilleure façon de confronter aux échelles réelles, de travailler les proportions et  comprendre les outils de production à disposition :  on est venu appliquer des méthodes industrielles à une démarche au départ artisanale. »

Une esthétique identifiée

Pour la structure et l’esthétique, le studio s’inspire des ganivelles, clôtures formées par assemblage de lattes en bois, barrière de protection que l’on voit traditionnellement sur les sentiers côtiers : «  dans les jardins, on a  constaté un besoin de structurer, de recloisonner des espaces dans un milieu naturel, pour recréer des zones d’intimité par exemple. » Et le jeu de lattes de la collection Sutra rappelle les claustras protectrices que l’on trouve sur des terrasses pour isoler de la vue des voisins.
La collection  Sutra se compose de  5 modules d’assise et une table,auxquels viennent de s’ajouter récemment , une table basse carrée, unetablette, et une lampe à led, autonome et rechargeable, qui vient également seclipser entre les lattes ou peut aussi être sur pied.

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Parmi les derniers éléments de la collection Sutra dessinés par les 5.5, ces tables Gigogne en aluminium reprennent le principe graphique et modulable de la gamme.

Composée d’un tube en aluminium laqué et d’une source LED protégée par un diffuseur en polycarbonate translucide, la lampe Torch, autonome et rechargeable, propose trois intensités de lumière différentes. Elle s’utilise seule ou se glisse entre les lattes des modules.

Relax est l’un des fauteuils de Lafuma Mobilier les plus iconiques : ce transat dédié à la relaxation sert aussi bien de chaises longues à l’extérieur que de fauteuil de détente à l’intérieur. Compte tenu de son ergonomie, il est depuis plusieurs années utilisées dans des unités de soins, notamment pour la détente complète obtenue avec la position zéro gravité. En cette période de crise sanitaire, Lafuma  Mobilier a décidé de soutenir à sa façon le personnel soignant.

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La première action s’est tenue le 23 mars dernier. En lien avec la Fondation des Hôpitaux de France, Lafuma Mobilier a fait don de 125 fauteuils Relax à quatre hôpitaux de la région lyonnaise. Une action réitérée la semaine suivante pour les hôpitaux de Montélimar et de Grenoble.
“Il nous a semblé naturel de participer et que cela avait du sens pour l’entreprise et l’ensemble de ses salariés puisque nous produisons chaque jour des fauteuils pour des usages professionnels comme la santé ” assure le directeur général de Lafuma Mobilier Arnaud Du Mesnil. Le fauteuil Relax est conçu pour le repos en milieu hospitalier : le matelas est imperméable pour lutter contre les bactéries et classé non-feu.
Le fabricant français a aussi livré des fauteuils Relax Vital. Équipé de la position Zéro Gravité, il permettra au personnel soignant du CHU Saint-Pierre de Bruxelles (Belgique) et de l’hôpital de Lucerne (Suisse) de bénéficier d’une récupération optimale.

Depuis 1967, le Groupe Gainerie 91 fabrique écrins et présentoirs pour les plus grands noms des vins et spiritueux, de la parfumerie, de l’horlogerie et de la joaillerie français et internationaux (Chaumet, Chanel, Harry Winston, Louis Vuitton ou encore Van Cleef & Arpels).

Cette année, les candidats, encore étudiants, sont amenés à créer un packaging qui respectent les codes du luxe. Leurs projets mélangeront donc authenticité, savoir-faire, personnalisation et éco-responsabilité afin d’imaginer le prochain écrin de l’une des catégories du concours : horlogerie & joaillerie, parfums & cosmétiques et vins & spiritueux. Des productions qui devront être accessibles et reproductibles grâce aux choix des bons matériaux et des techniques de fabrication adéquates.

Afin de booster la créativité, le Groupe Gainerie 91 remettra trois prix,
– Premier prix : 2000 euros ou un MacBook Pro
– Second prix : 800 euros ou une imprimante 3D FlashForge PRO
– Troisième prix : 400 euros ou une tablette graphique Wacom
Un “Prix du Public” sera remis cette année aussi, doté de 300 euros ou d’un Smart Writing set Moleskine.

Un planning remis à jour

• Date de clôture de dépôt des dossiers: 30 avril
• Date de lancement prix du public: 25 mai
• Date de sélection des gagnants: 18 juin
• Date de clôture du prix du public: 31 août
• Date de la remise de prix: 10 septembre

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En 2019, c’est Meana Oval qui a été couronné. Afin de répondre à la thématique “Quand le luxe se prend au jeu”, l’étudiante de l’ENSA Limoges a proposé Jacob, une palette de maquillage à double ouverture, lui conférant un aspect ludique. Le jeu s’installe dans la manipulation de l’écrin : en l’ouvrant du côté droit, on accède à deux couleurs de fards ainsi qu’à deux petits pinceaux. Du côté gauche se trouvent deux autres couleurs ainsi qu’un miroir.

Les dossiers d’inscription au concours sont à envoyer par Wetransfer à :
concours@gainerie91.com
Pour toute question, merci de contacter Clara Alvarez :
concours@gainerie91.com / 01 78 75 20 83

La 6e édition de la Biennale Émergence  s’organisera autour de la thématique “Ressources” : “« En écho à cette prise de conscience qui irrigue désormais l’écosystème du design et des savoir-faire, cette 6e édition d’Émergences fait entrer en résonance des créations d’échelles et d’horizons multiples. Révéler d’admirables ressources et donner à voir de nouvelles économies, de nouveaux usages et de nouvelles esthétiques, c’est ce que nous souhaitons partager grâce au commissariat porté par Frédéric Bouchet et Didier Courbot »,explique Gérard Cosme, président du territoire Est Ensemble.

Appels à candidatures

La Biennale Émergence comprendra une exposition centrale et un espace Concept Store.
Pour l’exposition,  l’appel à candidature est ouvert aux designers et aux artisans d’art professionnels. Une centaine d’œuvres seront sélectionnées pour leurs dimensions créatives et leurs capacités à faire écho à la thématique “Ressources” dans le cadre du parcours d’exposition.Le(s) projet(s) soumis lors de la candidature peuvent être déjà réalisés ou en cours de réalisation. Les candidats s’engagent à terminer les projets retenus avant le 14 juin 2020. Les dossiers seront sélectionnés par un jury d’experts.

Pour le Concept Store,  les pièces seront choisies par les commissaires d’exposition et la créatrice du concept store, en écho à la programmation. Cet espace est avant tout l’occasion pour les designers et artisans de commercialiser auprès des professionnels et du grand public leurs dernières créations.

Créée en 1990, basée à louvain, Materialise est une entreprise spécialisée dans l’impression 3D. Mi-mars, elle annonçait  la création d’un accessoire pour les poignées de portes, qui ne nécessite pas de forage de trous et qui permet d’éviter le contact des mains : il permet d’ouvrir et de fermer les portes en utilisant l’avant-bras.

Le fichier qui contient les plans est disponible sur le site de l’entreprise pour ceux qui disposent d’une imprimante 3D, l’accessoire peut aussi bien sûr être commandé en ligne.

Localisé dans la région portugaise d’Alentejo, la Casa 3000, réalisé par l’agence Rebelo de Andrade, s’étend sur 500 hectares, comme une touche de couleur qui se détache dans le vert environnant. C’est ici que Pedrali a choisi de mettre en scène ses derniers produits. Cet exercice de style,  est aussi l’occasion de revenir sur les différentes collaborations de l ‘éditeur italien avec les designers : la collection Tribeca avec CMP Design, qui réinterprète les assises des sixties, les sofas Reva de Patrick Jouin au confort généreux, qui s’imaginent aussi bien dehors que dedans, les collections Soul et Remind d’Eugeni Quitllet,  le fauteuil indoor Vic de Patrick Norguet, la table Fluxo de Luca Casini, les lampes Giravolta dans différentes déclinaisons…   Une occasion aussi d’imaginer une mise en situation originale des produits,  par la puissance du décor contrasté entre une maison rouge et un cadre végétal fort, et une valorisation des lignes élégantes des assises.

Pedrali : collaboration avec le design Eugeni Quitllet

Dans le numéro 202 d’Intramuros, un tête-à-tête avec Eugeni Quitllet revenait sur cette rencontre entre l’éditeur italien et le designer espagnol. Extrait.

« Les chaises Soul et Remind, fruits de la collaboration entre le plus parisien des designers espagnols et l’éditeur de mobilier italien Pedrali, synthétisent parfaitement la vision du disonador – contraction de « designer » et de « rêveur », dans sa langue natale –, entre respect des contraintes industrielles et envolées lyriques. Décryptage.

Pour cette première collaboration, vous avez dessiné non pas une, mais deux chaises. C’est un objet qui vous inspire particulièrement ?
Avant tout chose, j’essaie de comprendre l’ADN des entreprises avec lesquelles je collabore et d’être à l’écoute de ceux qui les dirigent… Lorsque j’ai rencontré Monica et Giuseppe (les enfants de Mario Pedrali, fondateur de la marque, ndlr), chacun d’entre eux m’a confié sa vision du projet idéal. Pour Monica, il s’agissait de combiner plusieurs matériaux. C’est là que me sont apparues, presque instantanément, les lignes organiques de Soul, dont la structure en polycarbonate injecté et frêne massif joue sur le contraste entre synthétique et ultra-naturel, ce qui est une des caractéristiques de mon langage formel… Guiseppe souhaitait plutôt ajouter une chaise monobloc, à la fois économique, légère et empilable, au catalogue de Pedrali. Remind combine ces qualités avec une esthétique rétrofuturiste, à la fois épurée et familière. En latin comme en anglais, remind signifie « se souvenir », mais par le prisme des émotions… C’est un clin d’œil à ma philosophie, qui est plus intuitive que fonctionnelle.

Quoique très différentes, Remind et Soul revisitent toutes les deux des archétypes du passé. Est-ce une manière de créer de l’émotion pour garantir leur durabilité, du moins affective ?
Non, je ne suis pas nostalgique. Le passé est ce qu’il est et ne me sert pas à grand-chose… Mais il est vrai que mon design est avant tout émotionnel. Et l’émotion crée le respect. J’essaie de rendre chacune de mes créations la plus belle possible afin que son futur propriétaire s’en sente responsable. Car le beau engendre la pérennité.»

Tout a commencé en 2006, lorsque Jean-Pierre Blanc, alors directeur de la Villa Noailles à Hyères, fait appel à François Azambourg. Ce dernier a pour mission de penser le réaménagent d’une pièce de la maison, qui doit inclure un objet en particulier : un vase en verre. Pourtant peu attiré par ce matériau, le designer conçoit que « sa transparence est intéressante. » La machine est lancée. Une semaine durant, il travaille étroitement avec les artisans du CIAV sur le décor du verre, plutôt que la texture même du matériau. Très vite, ils se rendent compte que la clé se trouve dans le soufflage. Il en existe trois formes. Le soufflé libre, le fixe avec un moule en métal et le tourné. François Azambourg en propose alors une quatrième : le soufflé fixe dans une matrice en bois. « Le verre est soufflé pendant une minute, à 800°C », explique-t-il, et ressort imprimé des nervures, des nœuds et des crevasses du pin Douglas. Ainsi est né le vase éponyme, première création de François Azambourg et du CIAV.

« Prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. »

Aujourd’hui cette collaboration ne se résume pas qu’au Douglas. Sur une des tables de bois de la maison Christie’s, plusieurs dizaines de vases cohabitent. Car dix ans durant, le designer et les artisans verriers lorrains ont pensé à de nouvelles créations, des variations du vase originel. La réflexion s’est d’abord orientée sur le mouvement du verre, et sur la façon de « prendre un instantané de ce mouvement en le figeant. » Chaud, il a  été sorti prématurément de son moule : pas trop tôt pour que l’essence du bois s’imprime sur les parois du vase, mais assez tôt pour que le verrier puisse étirer et le manipuler à sa guise, lui conférant cette sensation de mouvement.

Dans la salle attenante, les murs sont parés de tableaux représentant des fleurs ou des plantes. Des dessins qui sont croquis, réalisés par François Azambourg lui-même, et qui font écho aux créations posées au centre de la pièce.

Avec Brindilles, le designer replace la nature et la notion de territoire au cœur de la réflexion : chaque vase varie en fonction de la saison et du lieu de cueillette. « Habituellement, le décor des vases se fait à froid, mais le verre est plus fragile. C’est plus intéressant de travailler le matériau lorsqu’il est chaud », considère le créateur français. Les plantes et branchages sont plaqués contre les parois du moule, dans lequel est soufflé le verre. L’absence d’air permet à la plante de ne pas brûler et de laisser sa marque le long du vase. Quelques fois, le processus de création a été altéré par des soucis de calandrage. « La plante est imprimée en partie sur le rebord du vase, ce qui le déforme, explique François Azambourg, c’est un accident qui ouvre la question de ce qui peut être fait ou non en matière de création, un nouveau territoire de jeu. »

Puis vient Intouchables.

Cette création qui clôt l’exposition illustre le fait «qu’il n’existe pas d’échec dans la création » pour le designer. « Il y a une partie d’aléatoire avec le verre, si ça n’est pas bon on le casse. » Le verre est soufflé, puis il est laissé à refroidir. Dans un deuxième temps, il est réchauffé dans un four avant d’être roulé sur une tôle ajourée sur laquelle sont placés les éclats des précédentes expérimentations.
Au total, ce sont trois salles de l’immeuble du 9 avenue Montaigne qui sont consacrées au travail de François Azambourg et du CIAV. Loin de la scénographie, le designer français préfère parler de « filiation ». « Chacune des pièces présentées apporte quelque chose à celle qui est autour. Aux murs, les dessins préparatoires affichent la recherche de motifs. »

Au-delà de la créativité artistique, il y a une démarche scientifique dans le travail du designer. Les croquis font office de protocoles pour reproduire les vases sans fin. Il est conscient de la dualité qui existe entre la composition artistique et la rentabilité : « il faut aujourd’hui des objets qui soient faciles à reproduire ».
L’expérimentation demeure cependant la caractéristique principale dans la réflexion de François Azambourg. Selon lui, « la production est comme un instantané d’un objet à la croisée des chemins entre le moment où on la pense et le moment où on la réalise ». Un résultat final qui, dans le cas du verre, surprend souvent l’artisan et le designer.

“Exprimentations” – François Azambourg x CIAV/Meisenthal
Christie’s à Paris – du 24 février au 4 mars 2020

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La centaine de pièces tirées de ces caisses en inox qui ont sillonné l’Ile-de-France pendant 50 ans est réunie à Ground Control (75012) jusqu’au 1er décembre prochain. Le lendemain, elle sera mise aux enchères, au profit de l’association des Restos du cœur. Comme Airbus en avril dernier, Transilien SNCF mise sur l’upcycling pour donner une seconde vie à ces pièces de l’iconique train aux banquettes en skaï orange.

Lier vintage et design

Transilien SNCF et les studios partenaires ont une volonté commune de transformer certaines pièces des « Petits Gris » en objets du quotidien. Tandis que certains se sont concentrés sur les pièces iconiques, comme Rémi Perret qui repense l’utilisation des banquettes, d’autres, à l’image du Studio BrichetZiegler, ont souhaité révéler les pièces invisibles telles que les phares du train tôlé.

Le duo Formel effectue un travail historique autour de ces pièces et décortique les charnières des strapontins des « Petits Gris ». Les deux designers Timothée Concaret et Nicolas Mérigout adoptent une approche rationnelle quant à la création de leur objet et proposent ainsi des tablettes murales rabattables qui usent de ces charnières encore fonctionnelles.

Une 2e vente au profit des Restos du Cœur

Après 2012, Transilien SNCF organise sa 2e vente aux enchères solidaire, dont l’intégralité des profits sera reversée aux Restos du Cœur. Une démarche qui résonne chez les 5 studios partenaires puisqu’ils présentent des objets non seulement esthétiques,  mais aussi utilisables.
Les 125 pièces des « Petits Gris » sont exposées jusqu’au 1er décembre 2019. La vente aux enchères se tiendra le 2 décembre prochain à 18h30 et simultanément à Ground Control (75012).

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La créatrice a le Japon dans la peau. Inspirée par son folklore comme en témoigne son tatouage de Totoro, la créature du film d’animation japonais éponyme, la céramiste lance son atelier Tsukumogami en 2017. Dans un premier temps, elle se forme au Kitsungi en autodidacte. Les vidéos et tutoriels disponibles sur internet lui apprennent les rudiments du métier. Puis elle suit un stage d’un mois auprès d’une maître Kitsungi venue de Kyoto, avec l’ambition de maîtriser toutes les facettes de cet art.
La technique de réparation japonaise reste la même, que la création soit d’Eugénie Crétinon ou que l’objet qu’elle répare provient d’un particulier. Les morceaux sont recollés les uns aux autres à l’aide de laque, qui est ensuite saupoudrée d’or.
Au-delà de la céramique, le Kitsungi peut aussi s’appliquer au bois. La céramiste française travaille aujourd’hui sur la restauration de poupées traditionnelles japonaises.
Eugénie Crétinon transmet aussi ses compétences à ceux qui désirent apprendre. Dans les locaux de son atelier de Montreuil, les apprentis découvrent, au-delà de l’artistique, une forme de résilience qui leur permet de dompter leur passé en recollant les morceaux brisés ou de transmettre une histoire personnelle à travers un objet.
Le travail de Kitsungi d’Eugénie Crétinon côtoie ses collections céramiques traditionnelles, en grès moucheté modelé et/ou tourné puis émaillé à la main, au sein de la boutique Habitat République jusqu’au 31 décembre 2019.

Habitat République – 10 place de la République, 75011 Paris
Boutique en ligne – https://www.etsy.com/shop/tsukumogami/

La mission de la Maison Marcoux Mexico est d’amener l’Europe au Mexique en alliant « la créativité européenne et le savoir-faire traditionnel mexicain » explique Sylvain Marcoux.
Pendant une semaine, l’Europe s’immerge dans l’atelier mexicain. Une démarche nécessaire pour l’ancien chargé de relation presse qui souhaite emmener « les designers au-delà de leur savoir-faire industriel ».

Une identité à déterminer

De cette synergie est née la collection « mezcalienne » de Constance Guisset. Révélée lors de la Paris Design Week 2019, la 1re collection de la Maison Marcoux Mexico est un mélange de création contemporaine et d’héritage ancestral.
Bien que la designer française ait fait le choix de « travailler la barro negro, l’argile noire », caractéristique de l’État d’Oaxaca, Sylvain Marcoux prône la diversité des matériaux. Il désire que sa maison d’édition soit perçu autrement qu’ « une simple maison de céramique ».
C’est pourquoi il souhaiterait que la prochaine collection « travaille l’argent ou l’obsidienne ». Malgré tout, il laisse « carte blanche au designer qui accepte le challenge », à condition que le matériau choisi soit façonné par les artisans mexicains.

Une 1re collection en terre noire

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Constance Guisset propose 9 pièces en terre noire, fabriquées en collaboration avec les artisans de l’atelier mexicain Coatlicue Artesanias.La collection est composée de 7 vases, tournés à la main, ainsi que d’une table « sombrero » qui rappelle des formes symboliques du pays et d’une carafe « penacho », inspirée des danses locales.Un ensemble de créations utiles pour le particulier qui illustre la vocation de la Maison Marcoux Mexique de « faire des objets, pas du mobilier » insiste son fondateur.Après les vitrines de l’Institut culturel du Mexique, les 7 vases et la carafe « penacho » sont désormais visibles dans la boutique du Musée Quai Branly – Jacques Chirac, à Paris.

[Lire la première partie de l’article]

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Designers et décorateurs en vogue, artistes et créateurs de mode tendance… Ces talents créatifs français et internationaux reconnus ont collaboré avec Monoprix ces 20 dernières années. Pour imaginer dans l’esprit de la marque, des collections capsules, à des prix toujours abordables. On a aimé hier, les objets ou les pièces de petit mobilier, la vaisselle, les textiles, à s’offrir… On les redécouvre aujourd’hui, certains dans une couleur or pour les fêtes.

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150 Objets et petit mobilier réédités pour la rétrospective Monoprix

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A l’occasion des 90 ans des deux marques Prisunic et Monoprix, les 150 produits, objets, accessoires issus de ces collections capsules exceptionnelles sont réédités. Regard dans le rétro au travers d’une sélection pointue de 10 objets sélectionnés par la rédaction d’Intramuros.

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Monoprix, Table basse dorée, design Ionna Vautrin, 2021.

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Monoprix, Pichet, design Ionna Vautrin, 2019.

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Monoprix, tabouret en métal Picolo, 2017/2020, création India Mahdavi.

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Monoprix, tabouret Dièdre en métal et bois, Dutch Design, 2015.

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Monoprix, tabouret Bouton en métal et bois, Dutch Design, 2015.

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Monoprix, assiette à dessert Kiwi, Brésil, 2014.

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Monoprix, assiette à dessert Banane, Brésil, 2014.

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Monoprix, Lampe en métal, design Constance Guisset, 2017.

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Monoprix, Pichet en céramique, DA/DA, 2017.

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Monoprix, Assiette à dessert, Paola Navone, 2012.

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Monoprix, Vase doré, création Ionna Vautrin, 2021.

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Marc Newson (1963-), Chiffonnier dit « Pod of Drawers », 1987

Plaques en aluminium « aéronautique » rivetées, vendu 1.111 582 $ frais inclus (est : 600.000-700.000 €) © Artcurial.

Record du monde pour cette œuvre, vente Heavy Metal 25 octobre 2016, Artcurial, Paris

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Marcel Coard (1889-1974), Important Canapé Gondole, circa 1925

Bois de rose indien sculpté, bois plaqué de bois de rose indien, laiton, velours de lin, 92.3 x 247.5 x 87 cm.

Dessous imprimé deux fois avec M. C. COARD et la marque de perroquet du designer © courtesy of  Phillips.

Vendu le 27 avril 2016, Londres  £974,500, record mondial pour le designer.

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Vente Phillips, 30 Juin 2021 Londres, Katsu Hamanaka (1895-1982)

Banquette en galuchat laqué noir et teinté, 1932 de la résidence de Mademoiselle Colette Aboucaya, Paris, 1930-1936.

© courtesy of Phillips. / adjugée 469 002 euros, un record mondial pour Hamanaka.

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Charlotte Perriand (1903-1999) Bibliothèque dite 'Mexique'

Aluminium laqué et pin, Production des plots par les Ateliers Jean Prouvé, les étagères et pieds par André Chetaille.

Modèle réalisé pour l’aménagement des chambres de la Maison du Mexique, Cité Universitaire, Paris, 1952, H 159×L 184×P 32cm.

Adjugée 149 500 euros.

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Judy McKie (née en 1944) Lynx – E.A.1

Console, Bronze, Édition limitée à 12 exemplaires dont 2 E.A. , Estampille de l’artiste et numérotée, 1999, H 106,5 × L 45,5 × P 101,5 – Hauteur du plateau : 72,5 cm.

Adjugée 104 000euros

© Xavier Defaix / PIASA

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Isamu Noguchi (1904-1988), table Goodyear, pour A. Conger Goodyear, Old Westbury, New York, 1939

Bois de rose stratifié, verre à plaque Herculite d’origine, (73 x 210,8 x 87,3 cm), dessus en verre gravé HERCULITE/VERRE À PLATEAU/AS G.

© courtesy of  Phillips.

Vente Londres “The Collector: Icons of Design”, le 16 décembre 2014, pour 4 450 500 $, record mondial pour un meuble de l’artiste.

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Carlo Scapa (1906 - 1978)

Vase Corroso, modèle N° 4101,  estimé-8000-12000$ vendu 16.380$ à la vente du 7 décembre 2021  – Phillips

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Gio Ponti (1891 - 1979)

Paire de rares fauteuils, modèle n° 489, estimé-20000-30.000$ vendu 88.200$ à la vente du 7 décembre 2021 – Phillips

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Gino Sarfatti (1912 - 1985)

Rare plafonnier modèle S00106, estimé 30.000 – 50.000$, vendu 88.200$  à la vente du 7 décembre 2021

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