Design

On connaît de cet autodidacte virtuose, son mobilier aux formes élégantes ou ses sculptures parfois monumentales, inspirés de la nature du comté de Cork, au Sud-Est de l’Irlande. Mais l’enfant du pays Joseph Walsh nourrit une vision globale du design, en agrégeant, autour de lui, une pépinière de talents. « Même si j’aspire à créer, en premier lieu, des objets de haute-facture, j’aime réunir des experts de toutes disciplines à Cork, au sein de mes ateliers. Dès mes vingt ans, j’ai visité nombre d’artisans, en Angleterre et ailleurs. A Vérone, où j’ai travaillé dans une église, j’ai ressenti un immense respect pour cette filière. Et au fur et à mesure du développement de mon studio, j’ai constaté l’immense bénéfice du savoir-faire et des conseils pluriels insufflés à mes équipes, par l’ébéniste irlandais Robert Ingham. Tout ceci fit me poussa naturellement à mettre en place Making In, journée de rencontres entre créateurs de tous horizons, afin de partager des savoirs, des expériences autour de thèmes comme le temps ou, comme cette année, la collaboration. »

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Comment œuvrer ensemble avec un objectif commun ? Quels sont les impacts des nouvelles technologies sur le travail partagé ? En septembre dernier, « Making In Concert/2023 » a réuni plus de dix talents internationaux pour, entre autres, y répondre. Parmi eux, un grand chef, un musicien, une famille de fondeurs de cloches, un luthier, un jeune chef d’orchestre, des artistes, architectes, ou encore une conservatrice de musée. Un moment de partage qualitatif, véritable écosystème d’expertises transversales ayant attiré 400 visiteurs, dans ses ateliers nichés au cœur d’un domaine de plus de cent hectares.

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Une première exposition à Paris

Dans le prolongement de cette dynamique, Joseph Walsh expose pour la première fois, et ce durant la semaine de l’art et du design à Paris, un fleuron de son corpus couvrant deux décennies de recherches, dans un hôtel particulier du VIIème arrondissement. Dans cet écrin, des assises de la série Enigmum, dont un banc déjà acquis par le Musée national des Arts Décoratifs de Paris, quelques chaises en bois teinté de sa série la plus récent Gestures , ou encore une table monumentale de la série Lumenoria illustrent son aptitude à transcender le bois de frêne, grâce au lamellé-collé, sa technique-signature. Amélioré par ses soins, ce procédé consiste à superposer jusqu’à cinquante lames de frêne collées les unes sur les autres, sur lesquelles il va exercer quelques points de pression, pour des pièces dont il va ensuite sculpter et polir les volutes élancées. « Le bois dicte la forme », aime-t-il dire…

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Avec trois designers-architectes et dix-huit ébénistes dont trois Japonais, le fringant quadragénaire travaille sans relâche les courbes et les lignes, tout en y associant, de temps à autre, du cuir, du marbre ou de la résine. Proactif, rassembleur, sans cesse sur la brèche de nouveaux procédés exaspérant le bois, Joseph Walsh trace sa route jalonnée de rencontres fertiles et de commandes prestigieuses. « À l’avenir, j’aimerais aussi renouveler, chaque année, cette exposition à Paris », confie-t-il. À bon entendeur…

L’Alliance France Design, le seul rempart professionnel apolitique du monde du design ouvert à toutes ses formes, persévère dans sa mission de représenter et d’appuyer les designers français dans leurs luttes auprès des autorités et des organismes patronaux. Nos membres se composent de designers indépendants, de dirigeants de studios ou d’agences de design, ainsi que de designers salariés.

Un soutien juridique indispensable et des valeurs intransigeantes

L’Alliance France Design a pour fonction primordiale de défendre ses membres en cas de litiges avec des clients ou des administrations. Chaque année, plus de cinquante conflits sont résolus à l’amiable, tandis qu’une dizaine bénéficie d’une assistance juridique.

Structurer la profession et anticiper pour éviter les conflits

Nous exhortons vivement les designers à ne pas attendre d’être confrontés à des litiges pour rejoindre nos rangs, mais à adhérer en prévision de ces défis ou pour mieux les affronter. Outre notre rôle de médiateur, nous mettons à disposition une panoplie de services et de ressources visant à renforcer les compétences et les pratiques professionnelles des designers. Cela inclut des conseils sur les contrats, la tarification, et l’assurance responsabilité civile professionnelle.

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L’engagement bénévole des designers au cœur de notre action

Il est crucial de souligner que l’Alliance France Design est portée par des designers bénévoles qui consacrent leur temps et leurs compétences pour le bien des designers membres et de la profession dans son ensemble. Notre passion commune ? Faire avancer le design en France.

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Nos valeurs, notre boussole

Nos valeurs sont ancrées dans la professionnalisation des designers et dans la reconnaissance de la valeur qu’ils apportent à leurs clients. Nous bataillons pour une meilleure protection sociale des designers indépendants et nous nous efforçons de faire valoir la puissance de l’innovation que le design offre.

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Un acteur solitaire au service de tous

L’Alliance France Design est unique en tant que porte-parole de ces enjeux au sein des institutions. Les heures de travail bénévole dédiées à la gestion de la profession profitent à l’ensemble de la communauté des designers.

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Besoin de soutien financier et solidarité de la profession

Nous célébrons 20 ans d’existence, durant lesquels nous avons initié de nombreuses avancées, consultables ici : https://urlz.fr/nEY4. Cependant, la crise liée à la Covid-19 a entraîné une chute significative du nombre de cotisations. Cette baisse impacte directement notre capacité à agir, à défendre les designers devant la justice, à soutenir nos bénévoles lors de leurs discussions avec les ministères, à intervenir dans les écoles et à financer la communication cruciale pour notre profession.

Depuis 2022, nous ne recevons plus le soutien financier du ministère de la Culture et de la Communication, qui était octroyé pendant deux décennies pour cofinancer des projets qualifiés de « bien collectif ». Ces projets étaient conçus pour profiter à l’ensemble de la profession, allant au-delà de nos membres. Ils comprenaient la surveillance juridique et sociale dans les instances, la création d’un annuaire gratuit pour tous les designers, le développement de l’outil d’aide à la tarification Calkulator.com, notre implication dans les écoles de design pour sensibiliser les étudiants à la réalité de la profession, ainsi que notre participation au Conseil national du design, entre autres.

Le désengagement de ce ministère pèse lourdement sur notre budget, désormais principalement alimenté par les cotisations de nos membres. Cela nous contraint à faire des choix budgétaires difficiles, en privilégiant les services aux membres au détriment d’actions bénéfiques pour l’ensemble de la profession.

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Un appel pressant à l’adhésion

Face à ces défis, nous faisons appel à vous, la communauté des designers, pour rejoindre nos rangs et soutenir notre syndicat. La cotisation annuelle est désormais annualisée et déductible des frais professionnels. En adhérant, vous soutenez nos bénévoles qui se battent chaque jour pour faire progresser notre profession et vous contribuez à renforcer notre poids dans les négociations.

Ne laissons pas tomber l’Alliance France Design. Si elle venait à manquer de moyens pour remplir ses missions, cela ouvrirait la voie à des associations moins influentes, moins représentatives des praticiens du design, voire à l’absence d’une voix unifiée pour les designers français.

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Ensemble, construisons l’avenir du design en France

En devenant membre de l’Alliance, vous investissez dans votre propre profession et vous garantissez sa pérennité. Pour plus d’informations sur l’adhésion, consultez cette page dédiée : https://urlz.fr/nEXS

Ensemble, nous pouvons protéger l’avenir du design en France. Rejoignez l’Alliance France Design aujourd’hui pour défendre le design de demain.

- Le conseil d’administration de l’AFD

Modularité colorée

Déjà présent dans les collections, le canapé Bolster de Fést se déploie en méridienne. Modulable, composable, il offre la possibilité de créer de nombreuses configurations selon l’espace. Dessiné par le designer Martin Hirth, il est recouvert de tissus Kvadrat dans une large palette de coloris.

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Recyclé et imprimé

Lorsque qu’il était étudiant, le designer Dirk van der Kooij a découvert l’impression 3D et en a fait sa technique de prédilection pour ses créations. A partir de plastiques recyclés, il a conçu la chaise Chubby, un modèle ludique fabriqué en petites séries avec ce process.

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Perles rares

Pour son premier salon, la jeune marque finlandaise Quu, fondée par la designeuse et architecte d’intérieur Heli Mäkiranta se distingue par sa créativité. Elle associe la douceur du style scandinave intemporel à la beauté des matériaux tels que le bois, le verre ou la céramique.

Valeur sûre

La collection de tables basses PL dessinée par Alain van Havre pour Ethnicraft exprime toute la force d’un design proche de la nature. Chaque pièce en acajou teinté et vernis est polie à la main garantissant son unicité.

Beau verre

Chaque table est unique et produite en petite série ; elle met en lumière la beauté visuelle et tactile du verre. La collection se complète de petits objets, patères, vide-poche dans un esprit résolument seventies. Par le studio Melle Jo.

Crédit photo : Joan Bebronne

Organique

Le designer belge Sylvain Willenz bouleverse les codes de la géométrie en dessinant pour Pulpo la petite table Offset en céramique brillante ; les lignes ont été tracées à la main afin d’être au plus près du grain de la matière.

Ping Pong chic

La collaboration entre Giobagnara et Poltrona Frau, deux marques de l’excellence du Made in Italy, a donné naissance à une collection basée sur le travail du cuir et dédiée au fitness.

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Transparence du bois

Grâce à un système coulissant, la feuille de placage qui compose cette lampe artisanale se déplace de haut en bas pour orienter la lumière. Son nom découle du jargon de l’ébéniste, à savoir l’épaisseur du placage de 6/10ème de millimètres. Par Oros Editions, fabrication en France.

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Ça roule

Le scooter électrique CEB conceptualisé par Athime de Crécy répond à la mobilité dans l’air du temps et préfigure le design de demain. Il a été sélectionné par Philippe Starck dans le cadre des Rising Talents Awards, au salon Maison & Objet.

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Chaque automne, lors de la Dutch Design Week, l’Académie de design d’Eindhoven présente le travail de ses élèves diplômés. En 2017, celui de Kostas Lambridis a marqué les esprits. Auparavant formé au département ingénierie de l’Université de la mer Égée à Syros, l’étudiant grec a suivi le programme en master option design contextuel, alors qu’il assiste depuis plusieurs années déjà le designer espagnol Nacho Carbonell dans son studio d’Eindhoven. « J’étais vraiment dans le design industriel, Je pensais que j’allais dessiner des voitures, puis j’ai rencontré Nacho, et l’idée de créer des pièces sculpturales avec mes mains est devenue très excitante ». Exposé dans le campus de l’Académie, son étonnant projet de près de quatre mètres de haut trônait en majesté, re-création grandeur nature du Cabinet Badmington, un chef d’œuvre baroque du XVIIIème siècle vendu aux enchères 19 millions de livres sterling.

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Une multitude de matériaux

À l’instar de cette pièce monumentale, l’Elemental Cabinet de Lambridis intègre une multitude de matériaux. Non pas bois d’ébène, ivoire, bronze doré et mosaïques de pierres dures comme magnifiquement travaillés sur l’ouvrage de référence, mais plutôt fonte, béton, plastique, bronze, céramique, textile brodé… « Mon idée était d’emprunter la forme et le symbole de la plus importante pièce de mobilier jamais fabriquée, et d’essayer d’aller contre cette hiérarchie des matériaux et des savoir-faire ». Irrévérencieuse et spectaculaire, la réplique a tapé dans l’œil des galeristes Julien Lombrail et Loïc Le Gaillard, friands de talents oeuvrant aux frontières de l’art et du design. Kostas Lambridis rejoindra l’écurie de la Carpenters Workshop Gallery, et une exposition personnelle lui sera consacrée au sein de l’espace parisien en 2021, après que de nouvelles pièces aient été montrées à la Fondation Cartier dans l’exposition collective « Jeunes artistes en Europe. Métamorphose. »

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Vers un processus de déconstruction

Installé en Grèce désormais, le designer et son équipe explorent les métissages créatifs dans un grand atelier du nord d’Athènes. Abritant des matériaux de toutes sortes, collectés, récupérés, le lieu se divise en divers postes de travail dédiés à la fabrication et au travail du bois, du métal, du verre, de la pierre et du marbre, de la céramique, du cuir, du plastique, etc. Outre l’Elemental Cabinet et la bibliothèque It’s not enough, une vision éclatée de celle d’Etore Sottsass, Carlton, le jeune homme s’est intéressé à d’autres références de pièces iconiques, mais sans recréer d’objet spécifique. « Pour le daybed Her par exemple, j’ai regardé du côté des canapés, chaises, fauteuils dessinés depuis les temps préhistoriques, la Grèce ancienne, les meubles byzantins, les années 70 et 80, et jusqu’aux designers contemporains, Marc Newson et sa Lockeed lounge chair en l’occurrence ». Récemment, pour ne pas se laisser enfermer dans un style, Kostas Lambridis a amorcé un processus de déconstruction de son travail. « J’ai déjà créé une trentaine de pièces en mixant les matériaux. C’était difficile à faire, mais en même temps sécurisant pour moi. Pour aller vers la simplicité, le challenge est maintenant de les séparer ».

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Lors de l’exposition qui se tiendra du 8 septembre au 23 novembre 2023 à la Carpenters workshop gallery de New York, l’artiste présentera une nouvelle famille de pièces, mono-matière cette fois, comprenant une diner table en bois, une table basse en pierre, un buffet bar en métal, une console en plastique… « mais toujours composée de readymade et de parties que nous créons, précieuses ou sans valeur, ouvragées ou laissées brutes » précise-t-il.

Comment percevez-vous la génération actuelle ?

Les jeunes créateurs actuels sont fantastiques, parce qu’ils sont nés dans une société en voie de dématérialisation. Or le futur est la dématérialisation. J’aurais aimé pouvoir créer davantage en m’émancipant de la matière, que je considère comme vulgaire. Hélas, cela n’appartenait pas à ma génération, mais en cela, la nouvelle sera meilleure.

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Comment vous positionnez-vous vis-à-vis d’elle ?

Chaque génération change, de plus en plus rapidement et de plus en plus profondément. Je travaille toujours seul, face à moi-même, avec mon bloc de papier calque et mon critérium, afin de rendre le meilleur service à ma communauté. Je n’utilise pas de téléphone ou d’ordinateur, car vous êtes nécessairement limité par la technologie, par le logiciel. Notre cerveau est l’ordinateur le plus puissant ; avec mon crayon et ma feuille, ma seule limite est mon imagination.

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Quelles sont ses forces ? Ses faiblesses ?

Cette nouvelle génération retrouve des valeurs éthiques, sur le modèle de designers italiens communistes tels qu’Enzo Mari. Ils ont conscience qu’ils doivent faire face aux paramètres urgents de notre époque, comme la dimension écologique. L’important est de retrouver des valeurs simples et pérennes, de vivre en harmonie et intelligemment.

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La diversification et l’omniprésence des réseaux sociaux, notamment, font qu’ils regardent beaucoup plus ce que les autres font, ils se comparent et s’inspirent les uns les autres. Or la première chose est de comprendre que tout ce qui vient de vous doit vraiment venir de vous. Je pense que tous les matins il faut être un cheval et passer un obstacle. Le mieux est de ne pas tomber, de réussir à passer l’obstacle et, le lendemain, d’en passer un encore plus grand. Pour cela il faut être seul, face à soi-même. Il faut comprendre qui l’on est, et son potentiel. Comprendre réellement ce qui vous intéresse. Puis, il ne faut pas écouter les gens, lire les journaux, regarder la télévision ni se rendre dans les soirées mondaines. Il faut vivre comme un ermite. C’est difficile quand on est jeune, mais c’est la seule façon de pouvoir apporter au monde une idée fraîche, parce qu’elle sera sortie de vous. Qu’elle soit bonne ou mauvaise, ce n’est pas le sujet. L’important est que vous ayez créé avec un engagement total, avec la plus grande honnêteté, la plus grande largeur d’esprit et la plus grande générosité. Et si personne n’a compris l’idée, tant pis. Il ne faut pas écouter les avis. À un moment ou à un autre, le temps vous rattrapera signifiant que vous étiez en avance. C’est formidable d’être en avance, c’est un devoir.

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Qu’attendez-vous de cette génération ?

Cette génération ne doit pas entrer dans le jeu du marketing et être la complice de la sur-séduction, car cela incite à l’achat de quelque chose dont nous n’avons pas besoin et qui étouffe le monde. La partie intelligente de la production humaine s’appelle la dématérialisation. C’est-à-dire qu’autour de nous notre production intelligente augmente la qualité, augmente la puissance, augmente l’intelligence tout en faisant décroître la matière. Il y aura de moins en moins de matière et de moins en moins d’objets. Heureusement, parce que plus il y a de matière, moins il y a d’humanité. Aujourd’hui, un designer doit penser à des services immatériels ou à des objets à condition qu’ils offrent un véritable service à la communauté, qu’ils soient utiles et durables, pensés dans des matériaux intelligents.

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Et à l’inverse, au regard de votre carrière et de votre notoriété, ressentez-vous une pression d’être un ambassadeur du design ?

Le design est juste un moyen faible d’exprimer des idées et des concepts. Cependant je suis conscient, en tant qu’être humain, de mon devoir de transmission, de mon rôle dans l’histoire et l’évolution de l’humanité.

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Comment sourcez-vous les jeunes talents ?

Pour être honnête, je ne m’intéresse pas du tout au design. Je travaille seul de douze à quatorze heures par jour, en restant concentré sur des sujets compliqués. Donc je n’ai pas le temps de regarder ce que les autres font. Pour cette édition des Rising Talent Awards, à laquelle je suis honoré d’avoir été invité en tant que président, j’ai eu l’occasion de découvrir des jeunes designers à travers la sélection du jury. J’ai choisi Athime de Crécy, qui a travaillé dans mon agence et qui possède une grande et rare singularité.

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Votre agence comprend un département en design et un autre en architecture. Comment fonctionnez-vous avec vos équipes ?

Ayant une longue carrière, j’ai la chance d’avoir un réseau Starck, que nous appelons le Starck Network, très diversifié et fort, regroupant différentes expertises. Je dessine tout moi-même, seul, au milieu de la forêt et des dunes, et ma formidable équipe de « Formule 1 » développe sur ordinateur. Il s’agit d’une équipe minuscule, composée de quatre personnes en design et d’un peu plus en architecture. Nous travaillons en moyenne sur 250 projets par an. Cela veut dire que je travaille et que nous travaillons tous beaucoup.

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Comment le sourcing, point fort de l’agence, est-il organisé ?

Je ne suis ni designer ni architecte. Je suis un explorateur qui explore un peu de tout. Ensuite, j’ai des choses à raconter. Toute ma vie, j’ai travaillé avec des matériaux intelligents. Des matières issues de l’intelligence de l’homme, quelles qu’elles soient, pour ne pas avoir à utiliser uniquement les matériaux issus de la nature, parce que les matières naturelles sont des matières vivantes. La recherche de nouveaux matériaux est constante, pour plus de durabilité, plus de produits biosourcés. C’est un défi que nous avons relevé par exemple avec Kartell ou encore avec la recherche d’un contreplaqué moulé, en trois dimensions, que nous avons fait avec Andreu World. Au-delà des matériaux, il y a de bonnes marques qui inventent et font des produits de qualité, intelligents. En général, ce sont celles avec lesquelles nous travaillons.

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Comment fonctionnez-vous dans le suivi des projets ?

La réalisation d’un projet, du concept à sa matérialisation, prend en moyenne de cinq à dix ans en architecture, et environ de deux à quatre ans en design. Avec mon équipe, je suis toutes les étapes, dans les moindres détails – car le diable est dans les détails. En architecture comme en design, un bon design se joue souvent au dixième de millimètre près.

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Comment garantissez-vous en interne une signature Starck avec une nécessaire délégation dans la réalisation de projets (pour les produits comme pour les aménagements) ?

Les principes fondamentaux sont : la créativité, la vision la plus élevée, la vision la plus lointaine pour cette créativité, l’honnêteté absolue et le travail, le travail, le travail, le travail. Et essayer d’être bon, d’être une bonne personne, d’être toujours dans l’élégance – non pas vestimentaire – mais du rapport aux autres. Le projet n’est que le résultat de l’élégance dans les rapports entre les partenaires pendant tout le processus.

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Comment l’équipe est-elle recrutée ?

Nous recevons des candidatures régulièrement, et dès lors que nous avons un besoin, je contacte directement les designers dont les profils m’intéressent. Pour ce qui est des autres domaines d’expertise, c’est ma femme qui s’en occupe.

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Quelle fidélité existe-t-il avec ceux qui partent se mettre à leur compte ensuite ?

Tout créateur a une responsabilité, et fréquemment il finit par voler de ses propres ailes un jour ou l’autre. Aujourd’hui, je suis content de voir le travail que proposent d’anciens collaborateurs et d’anciennes collaboratrices dont les réalisations rendent de réels services à leur communauté, tels que Matali Crasset, Ambroise Maggiar ou encore Athime de Crécy.

Pauline Leprince est une jeune architecte d’intérieur à l’origine de projets tels que L’Appartement Paris qu’elle crée en 2022, le Grand Parc qu’elle imagine avec le designer allemand Christian Haas ou encore le projet Café 48 livré en juillet dernier. Elle collabore également avec des designers et conceptualise des scénographies pour des projets nomades. Son travail va au-delà de la forme et de la fonctionnalité et est profondément ancrée dans le développement durable du design et de l’architecture.

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Désireuse de repousser les limites dans son travail, elle à la recherche constante d’un mode de conception et de production durable. Appliquée, elle prête une grande attention aux détails et au choix des matériaux. Pour la Paris Design Week en septembre, elle présente sa première ligne d’objets intitulée 05-FP-23. Dans cette collection, chaque objet constitue une expérience, et donne corps à une communauté d’objets modulable à l’infini. La ligne comprend un ensemble table-assiettes-cup, un bureau, deux tables et 5 assises. A découvrir au 16 rue Béranger, Paris 3e.

Batiik Studio est fondé en 2014 par Rebecca Benichou, qui s’associe ensuite à Florence Jallet en 2018. Ensemble, elles conçoivent et réalisent des intérieurs généreux et ambitieux. Le duo implique ses clients tout au long du processus créatif et compose des univers pleins d’imagination. Fortement influencées par leurs racines méditerranéennes, elles présentent à l’occasion de la Paris Design Week la collection Dans le sillage de Nérée, en référence au dieu de la mer et à sa descendance. Inspirées à la fois des coquillages et autres souvenirs de leur enfance passée près de la grande bleue, Batiik Studio dévoile une série de pièces de mobilier aux réminiscences estivales.

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Une collection composée de quatre pièces : le miroir Néritès, la table Galatée, la banquette Calypso et la bibliothèque Agavé, en hommage aux rivages méditerranéens. A découvrir au showroom Elitis, 5 rue Saint-Benoît
75006 Paris.

Depuis leur rencontre à l’École Camondo, renforcée par la création de l’agence d’architecture d’intérieur en 2008, ils ne font qu’un. Leur style et leur mode de fonctionnement perdure depuis plus de 30 ans. Leur secret ? Des solutions rigoureuses, exigeantes, proches des métiers d’art et des savoir-faire d’excellence. Unis dans la première phase de questionnement et de recherche, chacun dans ses compétences prend en main une partie du projet, dans la phase de réalisation autour d’une même synergie. « Apprendre à connaitre le client, échanger sur les grandes lignes, tels sont les étapes qui guident notre cheminement créatif ».

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De l’appréhension de l’espace au design de mobilier

En tant que décorateurs, ils placent le mobilier au cœur de leur réflexion. Comme une extension de l’architecture intérieure, il est intégré dès la première phase du projet parce qu’il donne l’échelle, définit les cloisonnements, les circulations entre les sous espaces et la volumétrie de la pièce. « On aime créer des formes naturelles rondes et confortables tout en matières pour des fauteuils ou des canapés dessinés sur mesure. » Souvent issues de collections personnelles du client, les œuvres d’art elles-aussi, sont absorbées dans la conception d’un appartement haussmannien ou d’une maison de vacances. « Les peintures grands formats ou les paravents sont positionnés, éclairés en fonction de la vision du propriétaire des lieux, sans privilégier le contexte muséal »…

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Quant au choix de matériaux, il est en perpétuelle mouvance mais proche du cahier des charges du client. Et si les goûts affutés et éclectiques des décorateurs ont évolué avec le temps, il y a cependant une échelle minimale constante, que concrétisent les belles palettes claires des peintures Ressource, ou Argile. Les matériaux nobles tels que le bois, la pierre ou le marbre, ajoutent sans surenchère, une qualité sublimée par les réalisations sur mesure des artisans. « Ce qui crée le socle de notre travail, c’est cet écrin de teintes naturelles, les murs écrus ou le parquet en chêne clair brossé mat ». Résultat, on reconnait parfaitement une écriture personnelle qui intègre les besoins du client.

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Le mobilier et les objets de design

Dans un futur proche, les projets résidentiels ne manquent pas : la réhabilitation d’appartements de style victorien à Londres dans le quartier de Kingston garden, une extension d’appartement à Neuilly sur deux niveaux, une maison sur toit terrasse face au Bois de Boulogne… Pendant la Paris design Week, l’agence présente ses collections de mobilier de haute facture dans leur galerie rue de Verneuil à Paris. Les jeux de matières et de textures chics et audacieuses de Nomade, et le développement de Terra et Empreinte sont convaincants pour le visiteur, et soulignent la modernité des collections faciles à adopter chez soi. Le plateau Tortuga, le banc Goa ou la table Giulia, les luminaires et chandeliers, le tabouret Barth expriment ce langage créatif qui s’inscrit dans la lignée des nouveaux classiques de la décoration. Les collaborations du tandem avec de grands éditeurs de tissus d’ameublement, tels que Misia ou Metaphores, viennent clore la richesse de leurs créations d’un art de vivre à la française, entre le classique style Art déco et la gaieté du mouvement Memphis.

Quand on les voit en photo, leur nonchalance et leur aisance appelle immédiatement l’image du couple Bogart-Bergman dans Casablanca. C’est pourtant de Evergem, petite bourgade oubliée en lisière de Gand, dans un studio ouvert sur la nature, qu’ils dessinent leurs projets. Ils se sont rencontrés à l’Académie des Beaux-Arts de Gand où Hannes se forme à la sculpture et Fien à la photographie. En 2011, ils débutent leur collaboration dans un réel partage d’une culture nourrie d’arts visuels, de photographie et de design. Dans leur stand ils ont souhaité recréer le paysage figurant les éléments principaux de leur quotidien : l’atelier, la maison, le jardin. « Trois îlots recomposent au milieu des allées du salon, notre petite oasis dans le désert d’Evergem, explique Fien Muller. L’exposition agit comme une installation globale et immersive où nos pièces existent comme autant de petites entités autonomes. Elle est un miroir de notre intérieur mais aussi de notre esprit. »

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Et leur esprit est fait de lignes droites et d’angles droits à l’image du Poème de l’angle droit. «C’est à l’intérieur des limites imposées par l’objet que notre créativité s’exprime le mieux explique le couple. Le champ des arts peut sembler effrayant tant il est vaste et riche de possibilités.»

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Des meubles-sculptures

Comme dans une bulle suspendue, leurs meubles-sculptures, comme autant de micro-architectures indépendantes, se répondent et invitent à une expérience sensorielle de l’objet. Avec les bleus, rouges, verts et jaunes vifs ils font directement référence à Piet Mondrian et au groupe De Stijl. Dans la collection Future Primitive, ces couleurs se répètent imposant le style Muller Van Severen. On ne parle pas design mais style, à la française. Les étagères de différentes hauteurs et configurations incorporent des transats ou des luminaires sur pied, pour faire lampes de lecture. Les lignes ne sont pas simplistes mais simples, les couleurs vives, ludiques, joyeuses. « Grande source d’amusement ». Les armoires murales en acier de la série Wire ou les bancs et cabinets Alltube réconcilient le tout-venant avec l’aluminium, matière exceptionnelle.

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De Bitossi à Hay

Leurs actualités témoignent d’une vive création. 2023 verra une série de vases pour Bitossi présenté à Milan au Salone Del Mobile ; ainsi qu’une lampe de lecture pour valerie_objects. Les tapis March et July qui ont fait fureur à Milan, sont en exclusivité française sur Maison & Objet. Leur surface s’inspire des différents stades de tonte naturelle des moutons et dévoile une méthode de production unique où le berger doit faire preuve d’une maîtrise exceptionnelle pour dégager les 80 kg de laine qui peuvent habiller la bête. « Couleur, goût, odeur, peuvent déclencher des émotions puissantes », explique le duo. Une nouvelle production pour la marque danoise Hay vient enrichir une coopération remarquée.

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Réminiscences

Leurs objets s’exposent autant qu’ils s’éprouvent et trouvent leur juste place dans des décors de rêve comme à la Villa Cavrois à Roubaix en 2020 pour l’exposition « Design ! » dans le cadre de Lille Métropole 2020, Capitale du design. Chez valerie_objects, leur mobilier ressemble au mobilier d’école que l’on trouvait dans les années 90 dans les réfectoires. Simples, en bois – bouleau, chêne, cerisier et noyer massif peint – et métal avec des tables rondes, ovales ou en rectangle passant de 150 cm à 240 cm. Les tables se complètent de l’Alu chair en aluminium qui convient aussi bien à l’intérieur qu’à l’extérieur grâce à un traitement à la cire d’abeille et une laque de protection contre les UV mais pas d’anodisation. La structure en aluminium brille de mille feux et les assises et dossiers en couleur confèrent à la chaise son esthétique si particulière.

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Une certaine maîtrise de l’aluminium

L’aluminium est naturel comme il l’était dans le travail de Maarten, figure tutélaire du père décédé trop jeune, laissant ses dessins à explorer et fignoler. A l’instar de Maarten Van Severen, leurs objets ont une portée de silence, en résonnance avec l’espace. Ils sont installés dans des lieux parfaitement vides, plus comme un signe que comme une écriture. Ils se confrontent à la ligne de partage d’un sol et d’un mur mais aussi à la fenêtre et à la possibilité d’horizon, sont l’expression la plus simple de leur fonction. Adapté aux nouvelles contraintes de la construction, leur aluminium est simplement ciré. Si Maarten Van Severen était réfractaire à l’idée d’un style, Muller Van Severen a fait de ses lignes droites une esthétique qui s’inscrit dans la durée.

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Leur chaise Allu se cogne aux couleurs de leurs rangements, tables et chaises. C’est une percussion symphonique. Le Pillow Sofa rallie tous les fans de coussins ceinturés comme le Duo Seat, un siège de conversation. Peut-être ont-ils vécu ce moment pour si bien le retranscrire ou peut-être ont-ils trop traîné dans les musées viennois pour lui donner la contemporanéité du 21e siècle… Une mise en abîme à la Wes Anderson, brodée à quatre mains qui donne le vertige. La finitude des choses n’en finit pas de planer sur les collections de Muller Van Severen.

En rupture avec les pièces des stands voisins, elles figuraient l’équation parfaite du métier d’art en parfaite évolution avec le savoir, l’innovation et les outils technologiques contemporains.

Gracile, ergonomie et confort conférés

Née de la recherche constante de fluidité, légèreté et sobriété de sa designer, Séraphyn Luce Danet, la chaise Gracile en bois de bouleau offre des courbes ergonomiques qui lui confèrent un confort réel. Fabriquée selon la technique additive de strato-conception, brevetée par le français Claude Barlier, sans assemblages apparents entre les différents composants d’une chaise classique, son procédé consiste en la décomposition de l’objet en une série de strates numériques, découpées dans des matériaux en plaques pour être par la suite compilées afin de reconstituer la pièce finale. Une méthode qui a pour avantage de prévoir des inserts de positionnement et de renforts, invisibles après montage. Le lamellé collé, ainsi obtenu, garantie la stabilité et la solidité de la pièce, validées par l’Institut Technologique FCBA. Une innovation technique qui permet de réduire à son minima l’épaisseur des sections et le poids à moins de 3 kg.

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Pour la créatrice, cette chaise était difficilement réalisable selon les méthodes de fabrications traditionnelles, sauf à en travestir le dessin pour des raisons d’assemblage (contraintes mécaniques de l’ouvrage) ou d’usinage (pertes de matières, taux de rebus, fabrication des outillages, multiplication des interventions avec notamment le cintrage du bois en amont). Sa collaboration avec Jean-François Blanc, designer industriel devenu modéliste 3D, lui a permis d’exécuter les plans des pièces, ce qui a facilité les échanges avec les ateliers et l’implication de procédés de fabrication innovants. Sa rencontre enfin, avec l’Atelier Falher est déterminante. Centralienne de formation, puis ingénieur chez Mercedes en Allemagne, Armelle Le Corre avait repris cet atelier de menuiserie traditionnel pour y développer de l’innovation, dont la strato-conception, qui, une fois le processus de fabrication en place, permet la production en série.

Signature, la réécriture du geste

Poursuivant la même démarche, le second projet, Signature, rocking-chair en carbone creux monobloc, est une réécriture de mobilier ayant bercé son enfance. Un art de vivre sous les tropiques pour cette native des Caraïbes. À l’instar de Niemeyer dans sa quête visant à « tropicaliser » le style moderne de son époque, Seraphyn tend à réduire la ligne à l’expression d’un trait d’encre impulsif et dynamique, exprimant tout à la fois mouvement, légèreté et féminité. Une simplicité dont les performances complexes ne sont rendues possible qu’à travers le recours aux matériaux et procédés de fabrication innovants.

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Le rocking-chair n’est pas qu’un siège, il permet de vivre une expérience. Le corps peut se mouvoir de manière lascive en même temps que l’objet et lui dicter son rythme. C’est un moment de détente et de réflexion, un mouvement de balance continue que Seraphyn envisage comme un trait de calligraphie ininterrompu et tout en courbe, un ruban noir. Réinscrire cet objet dans le temps présent suppose qu’il soit plus adapté au mode de vie contemporain et envisagé comme durable : « un rocking-chair outdoor, supportant la pluie, le soleil, les variations de température, et évoquant les sports de la glisse et de la performance tel le dépassement de soi ».

La rencontre avec Gérard Laizé, ex directeur du Via, alors qu’un premier prototype en bois est en fabrication, permet à Séraphyn de préciser son positionnement, l’expression de ses valeurs identitaires, mais aussi de sélectionner les matériaux et les ateliers en mesure de partager l’engouement d’une première édition et l’investissement qu’elle nécessite. Ainsi, l’atelier HEOL Composite, heureux de pouvoir démontrer et pousser plus loin ses performances – de pouvoir également exposer le résultat en dehors de ses domaines habituels (nautisme, aéronautique, industrie) – a insisté sur sa capacité à réaliser l’assise en porte à faux. Un challenge, un dépassement de leur pratique initiale, poussé par Séraphyn dans les exigences de finesse et de solidité pour un poids n’excédant pas les 5kg. Signature fait varier les épaisseurs de sa structure à la manière des pleins et déliés de la calligraphie et amplifie ses effets de torsion.

Un design qui raconte une histoire et que l’on peut lire également comme un hommage de belle facture aux catamarans de compétition qui traversent les océans jusqu’aux Caraïbes.

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Rencontre avec Thomas Thibault, designer et co-fondateur du collectif, avec Anthony Ferretti, et Adrien Payet, philosophe et codeur, membre du collectif.

Qui est Praticable ?

Un studio de design qui réalise des objets… praticables. C’est-à-dire des objets réglables, transformables, paramétrables. Le « -able » a son importance : c’est là où il y a, à notre sens, du jeu, au sens de marge manœuvre. Des objets finis mais toujours un peu en devenir, à faire. Nous ne cherchons pas à faire des jeux, même si cela arrive, mais nous sommes très attentifs à la dimension politique des jeux (et du jeu) dans le design. Ce que nous pratiquons au quotidien, c’est le numérique. Un contexte dans lequel les parcours sont très guidés. Qui manque beaucoup de jeu, justement. Or, à notre sens, cette marge de manœuvre est très importante. Pour de multiples raisons. Comme par exemple, offrir la possibilité de régler l’impact écologique de ses usages numériques, ou encore en percevoir les mécaniques. Un game designer les fait souvent comprendre à ses joueurs. Dans le numérique c’est beaucoup moins courant. On tente plutôt de cacher aux utilisateurs les mécaniques de ventes de données, les mécaniques sous-jacentes, et les impacts, dans une coque hermétique. Utilisez, y’a rien à voir !

Il y a une dimension pédagogique dans votre approche ?

On envisage souvent la pédagogie comme une manière de délivrer des messages, des propositions, des connaissances, alors que chez Praticable, nous pensons que le fait d’apprendre et de comprendre peut passer, non pas par l’apprentissage de la connaissance, mais par l’expérience technique, qui nous permet de comprendre la consistance du monde dans lequel on vit. C’est comme ça que nous pensons le jeu. Il y a effectivement une dimension éducative, probablement une saveur particulière du jeu. Mais qui ne relève pas de l’excitation, ou de tous ces mécanismes physiologiques ou cognitifs activés par des interfaces « gamifiées » ou « gamifiantes ». Là où on se joue du joueur en mobilisant son appétit naturel ludique. Uber est très bon exemple de « gamification » problématique. Quand on est conducteur, l’application nous enjoint à faire un certain nombre de courses pour débloquer des points. Elle dissimule le travail sous les attributs du jeu. Un jeu qui ne se montre pas, qui ne se déclare pas comme jeu, alors même que le jeu est un espace-temps défini, dans lequel on fait des choses que l’on ne ferait pas forcément dans la vraie vie. Dans lequel on peut essayer, tenter, échouer, sans conséquences. Un lieu où l’on peut être plus audacieux qu’en réalité. Nous entretenons un rapport critique au jeu.

Mais vous le mobilisez ?

Il est moins question de positionner le design en jeu que le jeu dans le design. Laisser ces marges de manœuvre est aussi un moyen de montrer la responsabilité du design, les conséquences des choix de conception. De ne plus placer celui qui pratique dans une position d’utilisateur où le code fait la loi. Si l’on se joue de la proximité entre la règle et la loi, un « appareil » réglable est un appareil dont on peut faire et défaire la loi de fonctionnement. C’est un peu ce que nous poursuivons.

Concrètement ?

Nous menons depuis mars 2022 un projet de recherche en design auprès du laboratoire en informatique LIRIS du CNRS pour réduire les impacts écologiques du numérique. Il s’appelle Limites numériques. L’un des travaux réalisés dans ce contexte était un cahier d’idées pour une pratique écologique dans un navigateur web, qui, en tant qu’individu, est aujourd’hui l’un des derniers outils qui nous permette de jouer avec le web. Le simple fait d’activer un bloqueur de pub, c’est déjà échapper à une partie de la pollution du net, en termes d’énergie et d’attention. Mais nous pouvons aller plus loin. Nous avons réfléchi à la manière dont ce navigateur pourrait faire comprendre son fonctionnement, ses impacts écologiques, et ainsi nous permettre de modifier nos usages de manière consciente et éclairée. Si on ne peut pas modifier, régler, paramétrer, ça ne sert à rien. Nous avons aussi travaillé sur les applications mobiles, les représentations du numérique, la manière dont il se présente à nous (formes, images, pictogrammes), et conditionne ce que l’on en pense. Si je représente le cloud avec un nuage, je n’en ai pas la même compréhension que si je montre que c’est l’ordinateur de quelqu’un d’autre. Ces choix de mots, et de vocabulaire graphique conditionnent notre perception. C’est important.

Autre exemple : nous avons été consultés pour réaliser la mise en forme (voire en page) d’un document d’étude sur les usages du numérique dans le théâtre. Nous avons proposé un logiciel, un outil dans lequel les commanditaires puissent intégrer tous les contenus de l’étude, tout en laissant aux autres lecteurs la possibilité d’exporter leur propre étude. Les parties, textes, chiffres, informations peuvent être ré-agencés différemment par les lecteurs, en fonction de leurs besoins. Ils peuvent ensuite retravailler leur collecte et l’exporter en PDF par exemple, et aller présenter cette étude à un élu, une directrice, pour les convaincre de mettre en place telle ou telle action. La condition du mouvement, presque mécanique des tous ces éléments, ces informations, c’est qu’il y ait du jeu. Un jeu qui court-circuite un peu la dimension dogmatique que peut avoir une étude, et qu’elle serve à tous. Si on présente les chiffres, les informations dans un ordre différent, qu’on l’a défait, déconstruit, dont on a extrait des parties, l’étude peut dire autre chose. C’est là où il y a du jeu : dans la production possible d’un autre sens. Ici, nous cherchons des pratiques de lecture et de partage. Mais au fond, nous travaillons de cette manière-là sur presque tous les sujets qui nous sont soumis.

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« Mes projets sont toujours issus d’un aller-retour entre réel et virtuel », reconnaît-elle. « Cela cadre bien avec ma façon de travailler, à distance, avec une communication purement visuelle et riche en diagrammes ». Les rendus de ses espaces rêveurs – d’où leur nom de dreamscapes – sont particulièrement guidés par la texture de ses images, donnant à la fois un côté très sensible et réaliste à ses intérieurs, en grande partie grâce à la lumière qui s’y exprime. « La lumière est pour moi l’élément clé d’un espace », revendique-t-elle. « Jouer avec une lumière naturelle et chaude donne une impression familière et moins austère aux intérieurs ».

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Mais là encore, c’est la référence à des détails très concrets qui caractérise l’essence très vivante de ses créations. « J’utilise toujours des petits détails visuels empruntés au monde réel pour sublimer d’un trait de réalisme des espaces totalement virtuels, mais surtout je traite véritablement mes projets numériques comme s’ils étaient de vrais projets physiques. Dans les projets réels, ce sont souvent les contraintes des clients, d’ingéniérie ou d’autres facteurs liés à l’environnement immédiat qui font varier les projets depuis l’intention initiale. Bien sûr, dans un projet virtuel, l’impossible devient possible. Mais j’aime garder à l’esprit ces petites contraintes qui créent toutes les incidences des intérieurs, comme la disposition des prises, des commutateurs et autres éléments domestiques. »

Maison de sable

Plusieurs de ses projets d’architecture d’intérieur emblématiques ont été conçus avec le designer 3D Stefano Giacomello, comme Casa La Paz ou Sand House (qui a donné le nom de son agence, Maison de Sable). « Sand House est né d’une vision augmentée des châteaux de sable de notre enfance, améliorés en quelques chose de vivable en termes d’échelle », explique Charlotte Taylor. « Dans Casa La Paz et Sand House, comme dans beaucoup de mes premiers travaux, l’espace a été ébauché à partir d’un simple cadrage d’image alors que désormais je travaille d’une façon plus traditionnelle à partir d’un plan mis en perspective, mais cela reste une démarche inspirante. Dans ces travaux, le mobilier est directement lié aux formes de l’architecture. L’idée est vraiment de coller aux formes douces, incurvées et organiques de l’architecture pour créer une conversation homogène entre le mobilier et l’espace. »

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Une autre de ses collaborations récurrentes est avec le créateur 3D et designer d’intérieur français Anthony Authié (Villa Ortizet, Neo-Chemosphere, collection de NFTs pour Architoys). « Je collabore avec Anthony depuis très longtemps. Son Zyva Studio a un style visuel totalement unique et nos collaborations sont toujours l’occasion de fusionner nos deux univers ». Entre l’excentricité naturelle, riche en identifiants couleur d’Anthony Authié, et les textures plus fluides et lumineuses de Charlotte Taylor, le courant passe à l’évidence. « Nos projets architecturaux comme Villa Ortizet ou Neo-Chemosphere procèdent toujours d’un désir commun d’explorer et de révéler des choses qu’on ne voit pas. Pour Neo-Chemosphere, nous avons repris la structure externe du bâtiment construit par John Lautner, pour façonner son design intérieur, qui est d’ailleurs toujours susceptible de se compléter d’autres éléments. C’est ce qui est passionnant avec le médium numérique : rien n’est jamais totalement fixé. D’autres parties non visibles peuvent toujours surgir. »

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« Notre idée est de créer des expériences immersives qui rendent intelligibles la complexité du web 3 et qui permettent de mettre en valeur ce principe de rareté digitale induit par les NFTs », explique Adrien Ohannessian, l’un de ses trois fondateurs. Il poursuit : « Avec le WEB 3 et l’apparition des NFTs, nous avons vraiment eu l’impression d’une révolution technologique favorable aux artistes. C’est ça qui nous a donné envie de nous lancer. » En effet, avec les smart contracts – la preuve formelle d’authenticité qui se trouve dans l’œuvre elle-même, et qui intègre le créateur de l’œuvre, tout comme son acquéreur de façon inaliénable – mais aussi grâce au principe de décentralisation de la blockchain, l’artiste n’est plus dépendant d’un tiers comme les grosses structures du réseau social pour affirmer ses droits sur son œuvre et recréer un principe d’échange communautaire dont il reste maître. « Cela fait 15 ans que tout est gratuit sur internet, financé par la publicité et ça ne choque personne. Désormais, on peut parler de souveraineté de la data à l’ère digitale. »  

Pour soutenir cette créativité émergente, Renaissance a cofondé la NFT Gallery, une galerie d’art digital créée avec une centaine d’entrepreneurs français, située juste en face de Beaubourg, qui se veut un lieu d’éducation pour comprendre ce nouvel écosystème (pour par exemple se familiariser avec les airdrops, ces fameux lancements promotionnels de jetons promotionnels NFTs à destination de la communauté d’usagers), ou voir des expositions (comme X-Hack, en hommage à artiste de la scène du crypto-art comme XCopy).

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La dynamique est réelle en ce moment avec la mise en place de nombreuses plateformes de vente d’œuvres ou de curation, mais aussi un intérêt de l’institution muséale, avec le lancement de collections de NFTs au Centre Pompidou, qui choisit même de les faire sortir de l’écran en imprimant les formes abstraites d’Autoglyphs, du duo de créateurs Larva Labs, sur les murs du musée.

Une agence intermédiaire entre créateurs 3D et marques

Bénéficiant de cette expérience et de cette dynamique, Renaissance peut ainsi recommander des artistes à des marques, comme le studio 3D Plus Mûrs à Renault, voire épouser elle-même un positionnement artistique (comme cela a été le cas avec la designer d’intérieur Laura Gonzalez, spécialiste du mix and match, dans le cadre de D3sign capsule). Dans tous les cas, l’agence développe une relation privilégiée avec des artistes particulièrement porté par ce nouvel esprit libertaire offert par les NFTs, comme le DJ techno Agoria qui retrouve dans ce nouvel environnement des éléments de comparaison avec le côté underground de la scène électronique des débuts (le duo Larva Labs a d’ailleurs lancé une collection de NFTs à succès baptisée CryptoPunks). Du côté des marques, Renaissance apporte l’avantage d’une expertise et un savoir-faire concret bâti sur ce rapport spécifique avec les artistes numériques/3D liés à ce nouvel environnement web 3. Pour Dom Perignon, Renaissance a créé une expérience 3D online pour vendre 200 bouteilles de champagne virtuelles, donnant chacune accès à une bouteille bien réelle, en amont de sa collection « physique » avec Lady Gaga.

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Pour célébrer le cinquantième anniversaire de la R5 (1972-2022) et faire entrer le groupe Renault dans le WEB 3, Renaissance a conçu 1972 nouveaux designs à partir des quatre modèles physiques (R5, R5TL, R5Turbo, et Carvan), et les a diffusés comme des pièces uniques en NFTs, « un peu comme une nouvelle génération de véhicules Renault, mais avec plein de variations de couleurs et de textures ». Pour Evian qui voulait célébrer sa collaboration avec l’artiste Sara Shakeel, connu pour ses travaux de collages à effets paillettes sur des photographies et objets en 3D, Renaissance a lancé une collection de NFTs via le marché Tezos, une blockchain green. L’ensemble des revenus a ensuite été reversé pour financer le programme digital Young Talent Fund du nouveau musée 3D de Somerset House.  

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Les métiers d’art et du design du territoire Est Ensemble étaient représentés par une trentaine de professionnels de la création sélectionnés par Véronique Maire et Helena Ichbiah, co-commissaires de In-Situ. Ensemble, elles ont souhaité montrer le processus de création qui a permis la mise en lumière de lien entre les différentes disciplines.

Imaginée en six tableaux baptisés studios, cette scénographie s’est déployée sur trois niveaux du CND. Les pièces exposées dans les studios couleur, matière, ornement, épure, manifeste et radical-futur ont démontré le bon fonctionnement de cet écosystème intercommunautaire.

Engagés, les designers, artisans d’art et artistes, tous affiliés aux neuf villes du territoire Est Ensemble, ont partagé leur univers par le biais de dessins, prototypes, échantillons, réalisations et autres maquettes.

Les travaux d’ébénisterie de Materra-Matang, le constructivisme de Pierre Lapeyronnie, la transversalité de l’atelier Noue, l’engagement de Hall.Hause, l’harmonie décalée de Hugo Dubray ou encore la dénonciation d’Anaïs Beaulieu font partie des coups de cœur de cette biennale dédiée au savoir-faire et à l’excellence.

Ce panorama très enthousiasmant est un des reflets du dynamisme de ce territoire ascensionnel.

www.emergences-biennale.fr

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Le Signe, Centre national du graphisme, un lieu incontournable

Dès sa création en 1990, le Signe a toujours su démontrer que le design graphique infuse toutes les strates de la société dans notre environnement physique et virtuel, sous forme d’images, de typographie, de signalétique, d’affiches ou de logos… Dans une architecture épurée, il accueille expositions, résidences, formations, mais aussi un festival, un concours international d’affiches, ce dernier prolongeant par un fond d’affiches contemporaines, la collection acquise par la ville en 1906. Porté par la Ville de Chaumont, la Région Grand Est et le ministère de la Culture, constitués en groupement d’intérêt public, le Signe est un bâtiment incontournable dédié au design graphique, dont l’extension conçue par l’agence Moatti&Rivière révèle en toute discrétion, la puissance des images et des œuvres exposées.

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Concepteur de l’identité visuelle du Signe depuis 2018, le graphiste Mathias Schweizer, donne le ton joyeusement rock and roll de la 4e Biennale internationale du design graphique, tandis que la thématique du gâteau d’anniversaire « se déguste » dans un propos porté par le directeur Jean-Michel Geridan. Cette signature bouillonnante comme vecteur de communication, entre street art et futurisme, se métamorphose en images ludiques maitrisées, sublimées par le noir et blanc superposé de couches de couleurs fluos, le tout délicieusement régressif et subversif.

Un concours international d’affiches époustouflant

Pour le 30e concours international d’affiches, 1700 créations issues de 50 pays, ont été analysées devant un jury international composé de professionnels : Atelier 25 qui accompagne les institutions culturelles, Harmen Liemburg graphiste et sérigraphe néerlandais, Réjane Dal Bello conceptrice graphique, Clément Valette représentant de la SAIF et Hervé Di Rosa artiste pour l’Académie des Beaux-Arts. Toutes les affiches ont été conçues dans le cadre d’une commande officielle et réalisées ces deux dernières années.

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Dans une scénographie astucieuse signée Kévin Cadinot et Romain Petit, qui combine les structures modulables et les cartels au sol, la centaine sélectionnée explose dans un festival de couleurs. « C’est toujours l’exposition phare de la Biennale. Elle est très parlante pour le grand public qui décerne lui aussi son prix, étant donné la diversité d’écritures et de contextes. Il n’y a jamais de thèmatique ; c’est un concours professionnel qui vise à montrer l’état de la commande actuelle, en tant qu’objet de communication. » explique Mariina Bakic, responsable de la création et de la transmission. Si le spectacle vivant, (théâtre, cirque, danse) au travers de la commande publique est bien présent, les centres d’art et l’auto commande (pour une manifestation) ont aussi leur place.

Sans format imposé, la sélection du jury reflète également la qualité des supports digitales ou imprimées, chaque affiche ayant été observée dans son media de création. « Le savoir-faire et la collaboration des graphistes avec les imprimeurs (sérigraphie, impression offset ou jet d’encre) est aussi primordiale que la conception de l’affiche. » Le travail de la typographie par la recherche grâce aux outils numériques est l’une des grandes révélations de cette 4e Biennale internationale du design graphique qui marque aussi via le digital, un retour à la lettre manuscrite.

Le Grand Palais Ephémère vient de refermer ses portes sur le salon Révélations. Très qualitative, cette nouvelle édition a permis au public de découvrir 350 exposants, dont 71 % de nouveaux venus. Dans la scénographie toujours aérée du designer Adrien Gardère, ces créateurs, galeries, manufactures, régions et associations, issus de 29 pays, ont été sélectionnés par le comité d’orientation artistique, composé de onze acteurs de la filière, des arts, du marché et des institutions. Fidèles à ses valeurs, Ateliers d’Art de France, organisateur de l’évènement, a renouvelé son exposition centrale « le Banquet », mis en lumière la création foisonnante d’un pays – cette année, la province du Québec -, ou encore a réalisé un focus appuyé sur les jeunes talents du secteur.

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Le Banquet, l’excellence des savoir-faire internationaux

Exposition-signature du salon, le Banquet 2023 a présenté la crème de la création provenant de dix régions du monde. La Chine, l’Egypte, l’Equateur, la France, l’Irlande, le Portugal, les Pays-Bas, mais aussi le Rwanda, la Suède, l’Ukraine et l’Europe ont dialogué autour des matières et des techniques. En dix espaces, 70 artistes et manufactures ont repoussé les formes et les frontières. Parmi les propositions, quelques pièces ont retenu notre attention. Certaines provenaient de l’exposition « les Aliénés » du Mobilier national, réalisée en 2022, présentant des meubles inusités du Mobilier, revus par des plasticiens aussi audacieux que provocateurs. Sur le Banquet, le designer Thierry Betancourt, en collaboration avec la Maison Louis Marie Vincent a posé La Rêveuse, commode en bois de rose de style Louis XV, recouverte d’une épaisse gangue blanche, réalisée en « carton pierre », une technique ancestrale du XVIIème siècle remise au goût du jour. Les formes organiques de cette dernière semblent annihiler le caractère utilitaire du meuble. A l’aide de cuivre gonflé à la flamme, Prisca Razafindrakoto a transformé la chaise d’écolier Mullca 510 du créateur légendaire Gaston Cavaillon. De même, sur le Banquet Europe, la suédoise Léonie Burkhardt a présenté Radiant Pink, sorte de vase textile créé à partir d’un fil rétractable thermoréactif, où aucune couture n’est visible, tandis que Blush, pièce de l’Irlandaise Helen O’Shea sublimait une bouteille plastique grâce aux fils de coton et épingles à coudre. Enfin, le Rwanda brillait notamment à travers Mannequin, une pièce imposante de métal et fils, du jeune plasticien Cedric Mizero.

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Le Québec à la fête

Aux côtés de nouveaux pays exposants comme l’Arménie, l’Egypte, le Danemark, le Liban, mais aussi l’île française des petites Antilles Saint-Barthélemy, pour ne citer qu’eux, la nation Québec était l’invitée d’honneur du salon, faisant suite à l’Afrique en 2022. « Ce pays était déjà présent sur le Banquet 2019, explique Stéphane Galerneau, président fraîchement élu à la tête d’Ateliers d’Art de France et du salon. Bénéficiant du plus gros budget culturel jamais alloué aux métiers d’art, nos cousins francophones portent les couleurs d’une création libérée des contraintes patrimoniales, et ont cette volonté d’inclure les peuples autochtones. » Soutenus par le conseil des métiers d’art, la maison des métiers d’art de Québec, le gouvernement québécois et sa délégation parisienne, trente-quatre créateurs dont dix des Premières Nations ont proposé des pièces en verre, textile, métal, pierre, papier, bois, céramique, hybridant les cultures nordaméricaine et européenne. Parmi ces nombreux artistes de la matière, le duo canadien Hélène et son mari – la céramiste Hélène Chouinart et le sculpteur Jean-Robert Drouillard – exposait, non sans humour, J’effeuille les parfums de mon enfance, une installation composée d’une kyrielle de tasses en céramique, accompagnées d’une figure en bois. Une œuvre illustrant les pratiques traditionnelles de cet art du feu, réactualisées par des motifs imprimés par décalcomanie. Exclusivement dédié à quinze artistes québécoises et canadiennes, dans trois lieux parisiens, le programme « Hors les murs » accompagnait également cette foisonnante sélection de la Belle Province, visible sur les deux grands stands in situ.

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Sur l’Agora, l’avenir du secteur

L’exposition collective des dix ans du Prix de la Jeune Création Métiers d’Art, accueillait le public, dès son entrée, sur l’Agora. « Cette année, Révélations a souhaité valoriser tous les lauréats dénichés sur le territoire français depuis une décennie », renchérit Stéphane Galerneau. Lauréate 2023 avec l’artiste du verre Tiphaine Germaneau, la céramiste Cécile Fouillade alias Siquou présentait quelques nouveaux Vases Fourrure reproduisant en céramique le pelage animal, inspiré de sa dernière résidence artistique au Groenland. Parmi d‘autres, la brodeuse Clémentine Brandidas, lauréate 2018 exposait Shanshui, marqueterie de plumes sur soie teintée, tandis que l’étonnant collier Kaa, en cuivre et argenture était l’œuvre réalisée et récompensée en 2016, par Marine Dominiczak, artiste du bijou contemporain.
Tremplin pour la jeunesse, acteur économique déterminant pour toute une filière, le salon s’est créé, au fil du temps, un ADN unique. Cette année, cette identité particulière s’est aussi exprimée à travers Columbidae, œuvre délicate de papier de la sculptrice japonaise Kuniko Maeda, associant technologie numérique et artisanat d’art nippon. « Nous souhaitions souligner la diversité de nos métiers, poursuit Stéphane Galerneau, et présenter au public des métiers plus rares. »

Le design en trois coups de coeur

Si le président d’Ateliers d’Art de France et du salon affirmait que « la biennale est cette niche d’excellence qui ne dérive pas vers l’art ou le design », cette nouvelle édition lui donnerait-elle tort ? En témoignent quelques exemples parmi beaucoup d’autres, venant appuyer l’idée de porosité des frontières, de filiation entre créateurs et designers.

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Tiffanie Baso/ Magdeleine, Slacken

Fondatrice, en 2019, originaire d’Occitanie de la marque Magdeleine, Tiffanie Baso est une jeune artisane-designer du bois, pleine de promesses. Créé en 2021, son fauteuil Slacken en frêne et orme a été réalisé grâce à la technique du cintrage. « Le cintrage tord le bois, explique-t-elle. Une accumulation de lames est nécessaire pour fabriquer notre forme finale. Lorsque nous avons sélectionné et organisé minutieusement nos lamelles, nous les plaçons dans une étuve à vapeur, élément-clef pour plier le bois. Elle permet de réchauffer et détendre la fibre du bois, afin de la façonner aisément autour d’un gabarit pour créer une forme spécifique, et obtenir des courbes optimales. »

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Seraphyn’, Gracile et Mangrove

Dessinée par la créatrice Seraphyn Luce Danet, la chaise Gracile créée en 2023 a été exécutée par l’atelier de menuiserie Falher. Selon la technique brevetée par le Français Claude Barlier, sans assemblages apparents, elle est décomposée en une série de strates numériques découpées dans des matériaux en plaques, ensuite compilées pour reconstituer la pièce finale. Quant à son guéridon Mangrove, en bronze poli et doré, exécuté par le ciseleur Mapie Belgary et le fondeur Yannec Tomada, sa forme organique et asymétrique s’inspire d’une végétation racinaire qui se développe dans les marais des littoraux tropicaux, lieu de reproduction de la biodiversité.

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Mobilier National et la Cité de la céramique – Sèvres & Limoges

Pour la première fois, la Cité de la Céramique-Sèvres & Limoges et le Mobilier national ont partagé un stand. Grâce à la scénographe Mathilde Bretillot, cinq « tableaux » offraient des points de vue sur la création mêlant de nombreuses pièces. Parmi celles-ci, quelques tapisseries de Jean Messager, Geneviève Asse ou Cécile Bart, un fauteuil de Francesco Binfare, une banquette du Studio Mr. & Mr, des guéridons d’Eric Schmitt ou encore plusieurs vases de grandes signatures.

Depuis dix ans, Révélations a su affirmer son positionnement d’excellence en faveur des métiers d’art et de la création. De plus en plus décomplexés en regard des nouvelles technologies, tout en respectant les traditions et l’environnement, ces métiers font de ce salon, un exemple unique en son genre.

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