Design

‍Depuis sa création en 2008, DCW Éditions s'est démarqué par sa capacité à allier tradition et modernité. Que ce soit à travers des rééditions de classiques tels que La Lampe Gras ou via des créations contemporaines audacieuses, chaque pièce témoigne d'un profond respect pour le passé tout en embrassant pleinement le présent et l'avenir. Ces luminaires sont bien plus que de simples objets ; ils sont des compagnons de vie, des héritages transmis de génération en génération, incarnant l'essence même de l'élégance intemporelle et de la qualité durable.

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‍Mezzaluna : une renaissance lumineuse

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Mezzaluna, née de l'imagination de Bruno Gecchelin, a marqué les années 70 et 80 par son esthétique révolutionnaire et sa fonctionnalité. Ce lampadaire demi-lune, produit à l'origine par la firme italienne Skipper, a connu un succès retentissant, devenant un pilier du design transalpin. Cependant, avec l'évolution des technologies d'éclairage, Mezzaluna a été éclipsée par des solutions plus écoénergétiques.

‍La vision de Bruno Gecchelin

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Bruno Gecchelin, diplômé de l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs en 1949 et formé auprès de Marcel Gascoin, a laissé une empreinte indélébile dans le monde du design. Collaborateur de longue date d'Ettore Sottsass chez Olivetti, il a fondé son propre studio de création à Milan dans les années 1970, travaillant avec des marques prestigieuses telles que Arteluce, Venini, et Poltrona Frau. Ses créations, dont le fameux lampadaire Mezzaluna, lui ont valu de multiples récompenses, dont deux Compasso d'Oro, les oscars du design italien.

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Aujourd'hui, sous l'impulsion de Frédéric Winkler, directeur de DCW Éditions, et en collaboration avec Bruno Gecchelin et son fils Lorenzo, également designer, Mezzaluna renaît sous une nouvelle forme. Cette réédition adapte le design original à la technologie LED, préservant l'esthétique laconique et éloquente de Mezzaluna tout en lui conférant une efficacité énergétique et une durabilité accrues.

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Un design personnalisable et des finitions variées

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La nouvelle Mezzaluna offre un éclairage modulable grâce à un choix de filtres permettant de créer différentes ambiances. Disponible dans les coloris originaux, blanc et noir, elle se réinvente également en rouge, jaune et bleu marine, s'inspirant de l'iconique Lampe Gras. Cette réédition est une célébration de la vision de Bruno Gecchelin, adaptée aux besoins et aux goûts contemporains.

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À l'aube des années 50, alors que la France est en pleine reconstruction, et durant une quarantaine d'années, le créateur français Pierre Guariche s'est illustré comme l'un des grands designers du XXème siècle. Faisant face aux défis de son époque, il crée de manière prolifique des pièces qui, 70 ans plus tard, demeurent attractives et fonctionnelles. Disparu en 1995, il est aujourd'hui remis sur le devant de la scène avec la réédition par Cinna de plusieurs de ses luminaires et assises originellement conçus entre 1952 et 1966.

‍Pierre Guariche et Cinna, des lignes parallèles

« Pierre Guariche chez Cinna, c’est une histoire de famille. Car ceux qui voient la forme que prendront les choses avec une génération d’avance ont des gènes communs » explique Michel Roset, directeur de Cinna. Valorisant le design d'avant-garde, il semblait naturel pour la maison d'édition d'inscrire le travail visionnaire du créateur dans sa gamme de mobilier. Du fait d'un contexte d'après-guerre rude à tous les égards, les conceptions plutôt économes mais élégantes et fonctionnelles du créateur, résonnent désormais avec les aspirations nécessaires de la société. Une perception en résonance avec la philosophie de Cinna : « Meubler pour durer, intelligemment, respectueusement, en restant beau ! »

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Bien que la pluridisciplinarité de Pierre Guariche ait été un atout majeur de sa notoriété au milieu du siècle dernier, celle-ci connaît à l'aube du XXIème siècle un léger déclin. « Il est un peu tombé dans l’oubli, à tort » reconnaît Jean-Marc Villiers, président des éditions Pierre Guariche. « Il me tenait à cœur qu’on le (re)découvre dans une qualité de facture en ligne avec sa vision et son amour du détail. » Un projet que les deux institutions ont relevé ensemble. « Nous travaillons sur ce projet depuis plusieurs années pour que la réédition de ces pièces s’intègre véritablement et durablement dans les collections. » précise Michel Roset. Un projet qui s’inscrit dans la durée, puisque d’autres créations devraient être rééditées dans les prochaines années.

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Le modernisme sous toutes ses formes

Ingénieur, designer, architecte d'intérieur, Pierre Guariche fut tout cela à la fois. Depuis son diplôme obtenu en 1949 à l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs jusqu'à ses projets à l'étranger, le créateur touche-à-tout s'est illustré dans divers domaines. Après s'être formé chez Marcel Gascoin, il ouvre sa propre agence en 1951 au sein de laquelle il dessine du mobilier et des luminaires. C’est ainsi que naquît la chaise Papyrus, qui ouvrit elle-même la voie au modèle Tonneau en 1953 puis, 10 ans plus tard, à une autre création remarquée : la chaise longue Vallée Blanche). À ces conceptions matérielles s'ajoutent rapidement les premiers projets d'architecture intérieure parmi lesquels la maison de la culture construite par Le Corbusier.

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Mais ce sont les années 60 qui marquent un tournant avec l'usage de nouveaux matériaux. Ainsi, en 1966, il réalise le fauteuil Jupiter, petite révolution en polyuréthane expansé qu'il qualifie alors de « fauteuil de luxe par excellence ». En 1974, c'est le domaine tertiaire et public qui lui ouvre les bras avec des projets d'envergure tels que l’Athena-Port à Bandol avec l’architecte Jean Dubuisson et le tribunal de grande instance de Créteil. De là suivront des projets multiples et notamment dans le domaine de l'hôtellerie par-delà les frontières.

Une collection à retrouver dès aujourd’hui sur cinna.fr

Pensée comme une veilleuse à l'allure précieuse, Louise est l'invitée chic qui éclairera les moments de partages et d'échanges. "Dans sa petite robe plissée qui protège le vacillement délicat de la flamme, elle apporte une lumière chaleureuse sur votre chevet ou sur une table pour un dîner romantique en tête-à-tête" décrit son créateur, le designer Jean-Marie Massaud. Troisième lampe née de la série 7 STARS initiée par l'italien Alessandro Mendini, elle constitue l'une des étoiles de la collection qui tire son nom de la constellation grande ours. Dévoilés au fur et à mesure, les autres modèles seront révélés prochainement.

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Le design déclare sa flamme en musique

Doté d'un mode bougie et d'un variateur d'intensité, la lampe propose une lumière vacillante pour renforcer l'intimité de certains moments ou évoquer les lueurs dansantes d'un feu. Mais à la lumière se mêle également la possibilité d'une ambiance musicale. Intégrée à son socle, une enceinte propose dix airs classiques, de Bizet à Chopin, ainsi que des mélodies plus festives comme « Happy Birthday » ou encore « Silent night ». Véritable boîte à musique, c'est une expérience polyvalente que la lampe Louise offre en diverses circonstances. En témoigne son socle sur lequel il est gravé : « La vie est une aventure faite de rencontres comme autant de lumières. ».

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Une lampe qui prend soin de ses utilisateurs

Particulièrement attentive au bien-être de l'utilisateur, la marque RAMUN diffuse une lumière pensée pour préserver la santé des yeux. Classée ainsi au plus haut niveau de sécurité photobiologique, elle est également certifiée RoHs, une norme qui vise à limiter la présence de substances chimiques présentes dans les équipements électroniques. Des résultats significatifs de l'attention brillante portée tant au design qu'aux consommateurs.

Des courbes élégantes et des matériaux particulièrement tactiles sont au centre des nouvelles créations conçues par le designer Christophe Delcourt. Pour cette collection, seules quatre pièces ont été dessinées ; d'un côté une table à manger et un buffet, et de l'autre un canapé et un fauteuil. Imaginés en même temps, les deux meubles et les deux assises sont visuellement très différents. Une volonté du designer qui souhaitait au travers de cette collection, offrir un univers accueillant et raffiné, teinté d'Italie. Une manière, selon Nicolas Roche, directeur des collections « de sortir de l'image très française véhiculée par Roche Bobois ». Focus sur la collection Palatine, un hommage non dissimulé à la capitale transalpine.

L'Italie, des plateaux jusqu'aux pieds

Traduction de l'attrait du designer pour l'Italie, la table et le buffet constituent l'alliance entre design international et matériaux locaux. Puisant son inspiration dans les richesses naturelles de ce pays, Christophe Delcourt a dessiné ces deux éléments à partir de matériaux propres à la région : le travertin et le noyer, tous deux travaillés sur place, à Urbino. « Pour designer la table, il nous est tout de suite apparu important que les matériaux ne soient pas simplement assemblés, mais qu'ils interagissent ensemble » détaille Nicolas Roche. Une volonté que le designer a exécutée par un savant jeu d'encastrement en courbes au niveau du piètement. « Dans cette zone, le bois se fond dans la pierre tandis que sur le plateau, la pierre se fond dans le bois » explique-t-il. Avec ses deux pieds centraux et massifs « évoquant une colonne fendue dont les contre-courbes rappellent l'allure des colonnes doriques », la table répond au buffet. Tandis que le fin plateau de bois de la première repose sur une solide assise en pierre, le fin plateau de pierre du deuxième repose quant à lui sur un élégant parallélépipède de bois. Une savante inversion renforcée par le dialogue entre minéralité et matière organique. Cette complémentarité visuelle et tactile met également en valeur les aspérités brutes de cette pierre claire, en opposition au plaquage chaleureux du bois teinté. Un contraste qui apporte force et caractère au meuble.

Des formes accueillantes, ni plates ni statiques

Strictement opposé à l'académisme des matériaux et à la finesse des assemblages, les assises de la collection Palatine, résonnent pourtant avec leurs homologues sur la question des aspérités. « Je ne voulais pas que le canapé et le fauteuil soient lisses, très stéréotypés. J'ai donc opté pour un tissu en volume formant des bouclettes » détaille Christophe Delcourt en comparant les aspérités du tissu ocre au travertin crème du buffet. Mais avant de choisir la matière, le designer a d'abord réfléchi à l'aspect formel des assises. « Dans l'ADN de la marque, il y a toujours eu le besoin de faire du mobilier accueillant, avec de la rondeur, du volume... ce que nous appelons le confort visuel dans notre jargon » s'amuse-t-il. « Et à mes yeux, ce qui symbolisait très directement le confort, c'est le coussin. L'idée était donc de reprendre cette forme et d'en assembler plusieurs. » Doté de trois places, les blocs aux allures de coussins géants provoquent une impression visuelle monobloc. Pourtant, chacun des éléments n'est rattaché à l'autre qu'à sa base grâce à un passepoil cerclant l'ensemble. Une faculté permise par une armature bois invisible et un système de sangles élastiques interne à la structure. Cette constitution faite de pièces détachées n'est pas sans rappeler le fameux Mah Jong. Une pièce vieille de plus d'un demi-siècle mais qui prédisait déjà un changement radical dans le positionnement des assises de salons. « Aujourd'hui, les canapés et les fauteuils ne sont plus contre des murs mais au milieu de la pièce » explique Christophe Delcourt, « il était donc important de penser le volume au dos du canapé. » C'est pourquoi le designer a appuyé la courbure arrière des assises pour conserver l'évocation de l'oreiller. Et pour dynamiser cet ensemble invitant à la détente, les accoudoirs ont été légèrement ouverts vers l'extérieur. Une manière de laisser la lumière pénétrer l'objet et le redécouper visuellement. « François Roche, le fondateur de la marque qui m'avait recruté à l'époque, disait qu'un meuble est semblable à une partition, il faut que ça bouge. C'est pourquoi, jouer sur la texture, la lumière, les volumes... sont des choses importantes dans chaque collection. »

Débutée en octobre, Lux Exhibition est le fruit d'un processus de création inhabituel pour Charles Zana. L'architecte d'intérieur et designer, a toujours réalisé des projets s'inscrivant dans les souhaits d'une clientèle et l'histoire d'un lieu. Or, pour cette exposition, il a fallut faire l'inverse : ne pas créer pour un projet ou une collection, mais de créer à partir d'une image mentale.

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La Grèce comme idée de départ

Constituée de 12 pièces, la collection Lux Exhibition est largement inspirée de la Grèce. Un pays où le studio du designer réalise plusieurs chantiers, mais également une région chère à l'architecte dont les voyages constituent la principale source d'inspiration. Dotées de noms évocateurs -Naxos, Milos, Kos, Symi…-, les lampes ont été pensées comme une constellation d'îles. Réalisées dans des matériaux méditerranéens tels que le marbre, l'osier, l'onyx, le cèdre, mais également des métaux, chacune possède son univers. Rappelant tantôt une falaise, tantôt une colline verdoyante ou l'océan, elles sont la retranscription matérielle des paysages. Mais c'est également une sorte de retour à la beauté antique par des volumes généreux, des formes élancées et des détails soignés.

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Des lampes au-delà de leur fonction première

Pensées comme de véritables sculptures, ces lampes, pouvant atteindre 80 centimètres de haut et une trentaine de kilos, se suffisent à elles-mêmes. Dessinées puis modélisées en 3D, chacune d'entre elles est le fruit d'une collaboration entre plusieurs artisans français avec lesquels l'agence travaille depuis parfois trente ans. Un gage de qualité pour le créateur dont l'imagination a été foisonnante. Conçues en 10 exemplaires ou en séries limitées, chaque lampe est démontable ,à l’exception du modèle Tilos qui a nécessité de visser le haut du socle directement dans le verre.

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Des objets de lumière souvent éteinte

Pour l'agence, la présentation de neuf lampes n'a pas été une évidence. Habituée à présenter des éclairages sur des éléments de mobiliers dans le cadre d'une collection, il était cette fois-ci question de s'inscrire dans le modèle d'une galerie d'art contemporain. Un changement de paradigme global puisqu'il s'agissait de la toute première présentation des créations de Charles Zana sur des présentoirs uniquement destinés à cet usage. Quant à la lumière, le fait de les allumer ou non a également été une source de questionnement dans la mesure où ces objets restent la plupart du temps éteint. Mais l'importance des jeux d'ombres mis en place par le tressage de l'osier ou les traitements de surface des bois, ont poussé le créateur à allumer de l'intérieur ces sculptures de lumières.

« Simple dosen't mean easy ». Par cette phrase, la marque italienne Prandina spécialisée dans les luminaires traduit l'âme de la Lin wall lamp. Cette création, pièce intégrante de la collection Lin lancée il y a 32 ans, est aujourd'hui l'un des best-sellers de la marque.

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Un design en trois parties

Dotée d'une ampoule tubulaire led de type linestra montée par deux anneaux métalliques sur un support en cristal pressée, son design minimaliste fait d'elle une source de lumière intemporelle. Raffinée de par son étroitesse et le mélange délicat de ses matériaux, elle s'inscrit comme un élément sculptural élégant même lorsqu'elle est éteinte.

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Une simplicité passe-partout

Sa forme dépouillée permet de l'appliquer verticalement ou horizontalement dans n'importe quel intérieur, tant pour éclairer l'espace, que pour venir souligner l'architecture. Conçue sans abat-jour, l'applique offre une lumière diffuse à 360°. Son allure contemporaine et passe-partout modifie immédiatement les intérieurs en les nourrissant d'un éclairage agréable et généreux.

Neuf manufactures prestigieuses réparties dans quatre lieux parisiens. Voici le programme mis en place par l'Ameublement français à l'occasion de Paris Déco Home 2024. L’organisation qui rassemble 380 entreprises françaises spécialisées dans l'aménagement et l'ameublement, propose un voyage immersif intitulé « Matières et merveilles » au travers de quatre thèmes : « Quatre-saisons », « Matière Vivante », « Constellation » et « Jardin Imaginaire ». Le visiteur découvrira des créations haut de gamme mises en scène par le designer Mauricio Clavero Kozlowski. Un petit périple durant lequel l'onirisme, la poésie et le raffinement s'élèveront en compagnons de voyage. Laissez-vous promener...

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Quatre-saisons

Avec son nom évocateur, cet espace situé au 22 bis passage Dauphine, dans la galerie Pouenat, est le plus naturel de tous. Alternant entre ruptures et continuité, l'aménagement est semblable aux quatre périodes qui ponctuent nos années. Au travers d'un délicat jeu chromatique et de matières évocatrices, le visiteur traverse le temps. Les teintes sombres reflétées par les miroirs de l'Atelier Midavaine s'opposent aux tentures florales et printanières de la Manufacture Robert Four. Rapidement, le décor change, le temps avance et les chauffeuses signées Maison Pouenat s'offrent aux curieux alanguis. Mais déjà, un automne minéral pointe le bout de son nez entre deux coupes de pierres créées par Objets de Curiosité.

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Matière vivante

Penser la lumière pour sublimer ce qu'elle touche. Au 55 quai des Grands-Augustins, dans la galerie Alain Ellouz faisant la part belle à ses éclairages en albâtre, c'est logiquement une scénographie tournée vers la lumière qui a été pensée. Mauricio Clavero Kozlowski a conçu une exposition dans laquelle elle souligne la finesse des autres savoir-faire. Les luminaires translucides en pierre, viennent sublimer la finesse des guéridons fabriqués par la Maison Taillardat, tandis qu'elle révèle simultanément la profondeur des panneaux laqués de l'Atelier Midavaine. Créant ainsi un dialogue fait d'ombres et de reflets, l'espace rend hommage à la noblesse des conceptions.

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Constellation

Repousser l'horizon, lever les yeux et méditer. C'est à peu de choses près l'idée développée dans le showroom Duvivier, au sein duquel le visiteur est invité à s'asseoir sur un divan signé de la marque, pour se muer en spectateur. Dans un espace baigné d'intensités diverses émanant des luminaires de la Maison Tisserant Art & Style, l'heure est à la contemplation. L'univers en rupture avec l'extérieur fait la part belle à la poésie. De ci et de là, de précieux œufs d'autruche signés de la même marque, soignent un ensemble singulier et onirique. Un contexte qui fait du 27 rue Mazarine, une main tendue vers l'évasion.

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Jardin imaginaire

Pensé comme un espace de vie où foisonnent la faune et la flore, il s'agit de l'espace le plus luxuriant. Évoquant un jardin merveilleux où fleurit la quintessence de l'Art, cet écrin s'ouvre au promeneur sur un air de flûte. Dans cet univers parallèle, les lignes Art nouveau et Art déco s'entremêlent au travers de compositions bariolées. Prenant possession de la galerie Volevatch, les insectes des panneaux ornés d’Objet de Curiosité, semblent sur le point de s'envoler en direction de l'imposant luminaire Tisserant Art & Style. Au milieu de cette folle composition, les fauteuils de la Maison Taillardat invitent à regarder, scruter les êtres cachés jusque sur les robinets en forme de paons dessinés par Volvatch. Une ode à la diversité.

Avec un chiffre d’affaires de 3,9 milliards d’euros enregistré en 2021 d’après les données communiquées par l’agence publique Aicep Portugal Global, le Portugal confirme sa place en tant qu’acteur grimpant de la scène design. À l’export, les recettes engendrées par le secteur de la maison étaient de 2,9 milliards toujours d’après l’Aicep, avec un marché dominant en France, en Espagne et aux Etats-Unis. Un développement confirmé par la présence régulière de marques portugaises présentes sur les grands événements tels que Maison & Objet, le Salone Del Mobile ou encore l’ICFF. Les collaborations avec les designers se développent tandis que certains, d’origine portugaise, se sont aussi frayé à l'international, à l’instar de Toni Grillo ou Marco Sousa Santos, pour ne citer qu’eux. Un développement économique important dont le succès est notamment dû à la richesse des savoir-faire de nombreuses marques références, qui n’ont rien à envier à leurs voisins européens. 

Un savoir-faire, une région 

Art de la table, mobilier, linge de maison… Au Portugal, les savoir-faire sont nombreux et la majorité des usines de production se trouvent dans le nord du pays, avec une spécialité réputée dans chaque région. En effet, tout au nord, dans la région de Guimarães, sont produits les couverts et le linge de maison tandis qu’à Parades et Paços de Ferreira est produit le mobilier. La région d’Aveiro regroupe les usines de porcelaine et de céramique tandis que celles dédiées à la décoration, arts de la table et  luminaires sont principalement regroupées à Leiria. Des savoir-faire traditionnels, pour la plupart représentés par des marques phares, à l’instar du groupe Matceramica, plus grand producteur de faïence de la péninsule ibérique et l’un des plus importants d’Europe ou encore de Cup & Saucer, plus grand producteur européen de gobelets (source : Aicep Portugal Global). 

Multiplication des évènements dédiés 

En plus de leur présence sur les événements internationaux, le Portugal a également ses propres rendez-vous annuels. La Portugal Home Week notamment, organisée en juin à Porto, est un bon exemple de cette volonté. Créé en 2019, ce rendez-vous B2B présente la crème du design portugais en gardant toujours un focus sur le savoir-faire et les technologies propres à l’industrie portugaise. À Lisbonne, le design est aussi au rendez-vous puisque la première Lisbon Design Week s’est tenue en mai 2023, en collaboration avec le salon Lisbon by Design, lancé en 2021. Une première édition réussie, puisque que le rendez-vous pour la prochaine édition est déjà donné, du 22 au 26 mai 2024.

Ces dernières années, les employés de bureaux sont nombreux à avoir déserté les open space au profit de leurs salons. Un phénomène accentué par la pandémie, mais qui s’est depuis ancré dans les habitudes. En cause, un certain confort, mais avec comme conséquence une perte de dynamisme ou de cohésion au sein des entreprises. Convaincu que les exigences et les besoins ont radicalement évolué, l'entreprise française Steelcase propose désormais du mobilier hybride, à mi-chemin entre celui de l'habitat et du bureau. Une spécialisation de plus en plus attrayante pour les entreprises qui cherchent à faire revenir les collaborateurs en présentiel. Au Worklife Paris, siège de 1400m² de Steelcase France, la société a misé sur ce modèle d'agencement hybride. Grâce à des équipements technologiques, techniques ou design, les 80 personnes travaillant sur le site se réapproprient quotidiennement un espace adapté à leurs besoins.

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Une restructuration gage de performances

Pour concevoir de tels équipements, Steelcase s'est basé sur les besoins évoqués par les entreprises et des études menées entre début 2020 et fin 2021 auprès de 57 000 personnes. Malgré les exigences divergentes entre chaque société (renforcement de la cohésion d'équipe, réaménagement dans des locaux plus petits...) l'étude a démontré que 62% des salariés français préféreraient disposer d'un bureau attitré dans l'entreprise. Pourtant, la majorité des employés de bureaux semblent vouloir rester chez eux. Un paradoxe social que l'enquête à analysé par 5 facteurs principaux : un environnement sûr, confortable, inspirant, performant et une possibilité de choisir l'emplacement de travail. Des exigences auxquelles les conceptions actuelles ne répondent pas, contrairement aux habitats personnels, puisque ces derniers combinent ergonomie et esthétique. : Or, la tendance valorisée par l'idée d'hybridation est justement d'allier ces deux univers. Une vision que l'on retrouve dans le mobilier, mais aussi dans une conception spatiale plus générale chez Steelcase. Les espaces d'accueil deviennent centraux à l'image des places de villages. L'échange y est favorisé par une restauration en accès libre, associé à un pôle informationnel. La communication informelle est ainsi favorisée, renforçant la cohésion et assurant un gain de temps pour le fonctionnement de l'entreprise.

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Des espaces adaptés au travail seul ou en groupe

Aux yeux de Steelcase, renforcer les échanges et la communication ne se résume pas à la mise en commun des espaces de travail. À ce titre, Steelcase propose des lieux de partage divers et complémentaires. Le bureau, jusqu'alors point central de communication, évolue dans une version adaptable permettant à chacun de travailler dans une posture adéquate, en proposant des tables de travail ajustables en hauteur.

Dernièrement, c'est toute la gamme Flex qui a évolué autour d'un objectif : la mobilité. Tous les éléments sont montés sur des roulettes et offrent la possibilité de cloisonner de vastes plateaux en fonction des besoins. Regroupant de simples cloisons, des tableaux ou des écrans comme le Microsoft Surface Hub (un grand écran tactile et fonctionnant sur batterie), ces espaces s'adaptent parfaitement aux nécessités du moment. En parallèle, la marque a conçu une batterie externe, la flex mobil power, dédiée au travail en entreprise. Permettant à plusieurs appareils de fonctionner une journée durant, elle devient un gage de liberté et vient ainsi  répondre à un nouveau besoin au sein des locaux professionnels.

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À côté de cette gamme mobile, Steelcase propose une variété de structures fixes mais ergonomiques. Des salles de conférences aux cabines insonorisées plus personnelles en passant par des canapés convertibles ou des alcôves, la marque souhaite pouvoir apporter des solutions en adéquation avec les envies de chaque employé. Dernièrement, l'entreprise a même développé la PodTent, une micro-architecture conçue par Chris Pottinger qui a fait des tentes sa spécialité. Avec son armature facilement démontable et son allure légère et agréable, elle offre un espace intimiste et protecteur propice à la concentration.
Un ensemble d'alternatives aux bureaux stéréotypés, qui s'inscrit dans une inversion de nos besoins spatiaux : des lieux plus fermés pour le travail individuel et des lieux plus ouverts pour le travail collaboratif.

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Des objets pensés pour le bien-être et l’efficacité

Si les pays latins ont toujours été moins enclins à considérer le bien-être au travail que les pays scandinaves, nombreuses sont les entreprises qui prennent désormais en compte ce phénomène indissociable du retour des employés sur site. Dans cette démarche, Steelcase a récemment sorti sa série de sièges Karman.Composée de 12 pièces assemblées sans vis ni colle dans un souci de recyclabilité, la particularité de cette assise tient principalement dans son dossier en résille. Cette matière très technologique a été pensée pour s'adapter à tous. Une conception qui illustre le questionnement de l'entreprise : répondre à l'usage par une adaptation du mobilier. Imaginée cette année, la lampe Eclipse en est le meilleur exemple. Au-delà de son rôle d’éclairage au sein de l'espace de travail, cet élément est un outil dessiné pour les visioconférences. Dotée d'un miroir, d'un variateur d'intensité et d'une surface antidérapante pour poser le téléphone, elle est l'incarnation même de l'évolution de nos habitudes. Par ces objets empruntant au domestique et au professionnel, Steelcase témoigne de la flexibilité du mobilier, en phase avec les évolutions sociétales.

La Zone d’Activité va trouver un nouvel élan avec les artisans et designers de cette entreprise-coopérative militante, fondée en 1981 par Peio Uhalde et un groupe d’autochtones conscients de l’intérêt de renouveler le style basque. Lignes claires et simples, bois locaux et français sont les atouts de l’entreprise qui a su s’adapter au marché du contract en allant chercher ses clients au-delà des frontières régionales.

Sur la colline, l’agence LeibarSeigneurin Architectes, lauréate du concours, a choisi de construire sur une parcelle de 16382 m², un bâtiment de 8260 m² (contre les 4000m² du bâtiment du village d’Itxassou) et de l’envelopper d’une peau d’aluminium écaillée dans laquelle se reflète le ciel bleu du Pays, sans avoir soulevé la moindre résistance des riverains, plus habitués au style labourdin.

‍Un nouvel élan culturel et artisanal 

Actrice culturelle et économique engagée, la coopérative veille sous la direction de son nouveau PDG, Eñaut Jolimont de Haraneder, à construire des relations humaines fortes, à utiliser des pratiques de bon sens et à respecter son écosystème. Associant à la fois les techniques de l’artisanat et de l’industrie, elle a su garder un savoir-faire unique dans le travail du bois massif. La construction de ce nouvel atelier est un moyen d’accompagner sa croissance et de se projeter vers le futur tout en restant soucieux de l’impact environnemental de l’entreprise et du respect du territoire. Un projet architectural qui doit renforcer la jonction entre l’artisanat et la technologie de pointe, le savoir-faire des compagnons au service des clients internationaux. Nombreux sont les designers qui y ont trouvé leur bonheur : Jean-Louis Iratzoki, Patrick Norguet, Samuel Accoceberry, Form Us with Love, Ànder Lizaso, et dernièrement Patrick Jouin avec la chaise Orria qui meuble la salle ovale de la BnF Richelieu à Paris… La convivialité et l’élégance des meubles Alki se retrouve aussi bien au restaurant Promulins en Suisse, qu’à Hong Kong à la Cobo House du chef Janice Wong ou au restaurant Franck de la Fondation Louis Vuitton. Une vingtaine de collections offrent une lecture contemporaine de la convivialité. En chêne français, en hêtre ou en Bioplastique comme la Kuskoa Bi, première chaise au monde en bioplastique, les produits Alki équipent CHR et bureaux avec chaleur, bienveillance et discrétion.

Mieux produire

Ce projet en réflexion depuis 2015, a l’ambition de transformer l’atelier vieux de 40 ans pour le faire évoluer en termes de production et en termes d’environnement de travail. Efficacité, fonctionnalité, confort d’usage pour les ouvriers-artisans et 3000 m² de boutique pour les visiteurs qui profiteront d’un showroom avec vue, irrigué par une lumière solaire et ventilé par une façade écaillée en aluminium, comme une peau de poisson qui réfléchira la lumière sur le paysage. L’efficience énergétique du bâtiment est à son optimum avec une STD, simulation thermique dynamique. La toiture à 3% est idéale pour les panneaux photovoltaïques, ce qui en fait une usine 0 énergie, une dentelle métallique sur un sol en béton et en pierre capable de produire 10000 assises et 3000 tables par an. La dynamique basque.

La célèbre marque de véhicules italiens s'est alliée avec Cassina, pour fêter son 117ème anniversaire. Et pour cette occasion, Lancia s'offrira en février la Lancia Ypsilon Edizione Limitata Cassina, un modèle à l'intérieur entièrement dessiné par la marque. Le véhicule,dont très peu d'informations ont pour l'heure été partagées, sera électrique et limité à seulement 1906 pièces numérotées, en référence  à l'année de création de Lancia.

Le design automobile, nouvelle opportunité pour Cassina

Reconnue pour ses multiples contributions notamment dans le monde de la mode et de l'architecture, Cassina inscrit désormais son empreinte dans l'univers automobile. « Nous avons une vision très large du design et nous pensons qu'il est important d'explorer de nouvelles voies pour représenter au mieux le style de vie d'aujourd'hui » explique Luca Fuso, le PDG de Cassina.

Forte d'une approche tournée vers l'excellence artisanale, la marque apporte ici son expertise dans le traitement des intérieurs, à une zone plus restreinte mais toute aussi exigeante : l'habitacle. En témoigne le « tavolino » (la tablette située au centre du véhicule), aux finitions particulièrement soignées. Selon Luca Napolitano, directeur général de la marque Lancia : « Grâce à la collaboration, cette voiture devient l'expression ultime du sentiment d'être chez soi à bord d'une voiture Lancia, en mettant l'accent sur l'attention portée aux détails, aux matériaux, aux couleurs et aux espaces, avec le tout premier " tavolino " embarqué dans une voiture".

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Un virage électrique et esthétique

"Aujourd'hui se grave la Renaissance de la marque avec la première image de la Lancia Ypsilon, la première des trois voitures de notre Plan Stratégique » détaille Luca Napolitano. Un plan qui s'illustre par un virage en faveur d'une motorisation 100 % électrique. Une transition énergétique à laquelle Cassina prend part en s'engageant dans ce projet alternatif basé sur un avenir plus durable.

En début d'année, Lancia avait partagé son véhicule concept, Pu+Ra HPE, marquant les prémisses d'une collaboration entre les deux grandes marques italiennes.

Pour ce projet en dehors des sentiers battus, les équipes de conception de Bell & Ross et de BlackTrack ont travaillé main dans la main sous la direction de Sacha Lakic. Le designer automobile et industriel à l'origine de la marque de motos, propose un projet complémentaire où élégance et raffinement vont de pair avec la vitesse et l'adrénaline.

Deux objets en résonance

De cette collaboration née d'une passion pour l'innovation, et la précision esthétique, a résulté une alchimie technique au design singulier. Les couleurs, les textures ou encore les finitions se font écho. Tandis que le monde de l'horlogerie a puisé son inspiration dans ce qu'incarne le design de BlackTrack, à savoir la puissance et la vitesse, Sacha Lakic s'est quant à lui inspiré de l'ingénierie du temps. Deux domaines éloignés qui se complémentent jusqu'à s'assembler. Car par-delà l'inspiration, la moto a été conçue pour devenir l'écrin de la montre avec un emplacement dédié, au centre de l'appareil. Une synchronie parfaite pour que chaque instant compte.

Entre technicité et sens du détail  

Véritable fusion de savoir-faire et de créativité, cet ensemble s'inscrit comme une célébration de la mécanique. Pensé comme un inséparable duo, les corrélations entre ces deux objets sont nombreuses. Parmi elles, les détails du cadran faisant écho aux éléments de crénage de la moto, la carrosserie imprimée en 3D et son revêtement en céramique évoquant la finition satinée de la montre, ou encore le numéro de châssis gravé au dos du boîtier. Mais ce sont plus globalement les composants de cette esthétique soignée et radicale passant par des lignes rigides et des volumes facettés, qui procurent une identité si forte à l'ensemble.

Une ligne d'accessoires et d'œuvres complémentaires

Désormais riche de cinq années dans le domaine de la conception automobile, BlackTrack se diversifie avec une ligne d'accessoires signés par son fondateur, Sacha Lakic. Puisant son inspiration dans les méandres des moteurs, de la vitesse et de l'adrénaline qui s'en dégage, le designer inscrit sa gamme dans un univers particulièrement ancré. Lunettes en acétate confortable sous un casque lui-même conçu en partenariat avec Quark, bagages ergonomiques et foulards en soie, sont autant d'éléments fabriqués en Europe qui viennent ainsi enrichir l'univers BlackTrack.

Chaise autoproduite, design Pierre Charpin pour Yvon Lambert

Conçue avec l'idée de « faire une chaise comme un dessin », le designer à fabriqué cet objet rectiligne grâce à une scie circulaire dont le déplacement n'était que horizontal ou vertical. Assemblée très simplement avec de la colle et des vis, son confort ne repose que sur les inclinaisons précises.

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Chandelier Chunk, design Ward Wijnant pour Object with narratives

Chunk est un objet conçu avec plusieurs feuilles d'étain pressées sous haute pression. Une technique qui permet d'obtenir des formes diverses tout en conservant la puissance évocatrice de la matière. Le métal offre ainsi au chandelier un aspect brillant et extravagant dans lequel la lumière se reflète.

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Exp mug, design Peter Shire pour momosanshop.com

Pour Peter Shire, cette tasse est à l'image de son travail ; à l'intersection de l'artisanat, des beaux-arts et du design industriel. Chacun de ses produits aux formes non-consensuelles est peint à la main. En résulte un objet du quotidien unique imprégné d'art pictural.

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Nike Air more Uptempo Low x Ambush

Fruit d'une collaboration entre l'artiste Yoon Ahn et Nike, la Uptempo s'inscrit dans la lignée des Limestone et Black White. Cette fois-ci, le modèle initialement conçu en 1996, allie le vert sapin et le lila. Un changement qui élève l'imposante chaussure au rang d'accessoire audacieux.

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Hydrofoil électrique, design Marc Newson pour Flite

Marc Newson, designer australien passionné de surf, propose un efoil (surf électrique volant) ultra léger de moins de 20 kilos. Réalisé en fibres de carbone monobloc, il est connecté et permet aux utilisateurs de connaître leurs performances.

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Lampe iJobs, design Jean-Sébastien Blanc (du studio 5.5)

Pour cette lampe, le designer du studio 5.5 Jean-Sébastien Blanc, spécialisé dans le réemploi et dans la revalorisation des matériaux, détourne le célèbre pied des ordinateurs MacBook d'Apple. En venant simplement appliquer un tube d'éclairage à son sommet, Jean-Sébastien Blanc propose un éclairage de bureau design et complémentaire de l'usage originel de l'objet. Il s’agit d’ailleurs du premier produit Apple en réemploi.

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Enceinte Demerbox DB2 Indestructible bluetooth speaker 

Résistante aux chocs et à l'eau grâce à sa coque étanche, l'enceinte Demerbox DB2 propose également un compartiment pour y ranger ses affaires. Malgré sa petite taille et son poids plutôt léger, elle dispose de 40 heures d'autonomie.

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Citadine 100% électrique Microlino

Avec une autonomie pouvant atteindre les 230 kilomètres, Microlino est la citadine par excellence. Avec un espace optimisé pour deux adultes « et trois caisses de bières », elle permet de se garer perpendiculairement au trottoir. Idéal pour les centres-villes encombrés.

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Montre customisée GP10010C Green label chez WMT Watches

Cette pièce d'horlogerie avec mouvement à quartz Miyota FS20 et résistante à l'eau propose un design à la fois rétro et moderne. La numérotation ainsi que les aiguilles dessinées à la main, apportent une touche d'originalité à cet ensemble sobre et élégant.

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Lampe Farfalline, design Julian Grégory pour Ukurant.com

Ce luminaire propose un design simple et épuré mettant élégamment à l'honneur le pliage de la tôle. Réalisés en une seule feuille de métal pincée en son milieu pour évoquer le faisceau de lumière, ses deux volumes de part et d'autre permettent un éclairage doux et orienté. À cela, s'ajoute un délicat jeu de reflet sur les courbures du produit.

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Retrouvez la totalité de la sélection dans la rubrique "Design 360" dans le numéro 218 d'Intramuros, disponible partout.

La maison milanaise Nemo, fondée en 1993, notamment connue pour la collection The Masters, qui regroupe des lampes conçues par des maîtres du design moderne, revient sur le devant de la scène. Après avoir réanimé des luminaires de Charlotte Perriand, c'est au tour de son homologue, Le Corbusier d'être mis en lumière. La marque édite ainsi la lampe Cabanon créée initialement en 1951.

Un design architectural

Haute de 42 centimètres pour la moitié moins de largeur, cette conception propose un style sobre et épuré. Son abat-jour directement encastré dans le piètement offre un aspect presque monobloc à l'ensemble. De part et d'autre, trois tiges viennent maintenir la structure en courbe et la referment à son sommet par un morceau de zinc. Grâce à ce système d'encastrement et de maintiens verticaux, les matériaux fusionnent harmonieusement. Les volumes semblent naturellement contraints faisant disparaître les caractéristiques classiques d'un luminaire. Il en résulte un délicat mélange entre conception architecturale et forme organique évoquant l'univers maritime.

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La traduction d'une vision

Les beaux-arts ont toujours été au cœur des intérêts de l'artiste selon qui « l'architecture est le jeu savant, correct et magnifique, de formes assemblées dans la lumière. » Cette lampe est donc, de ce point de vue, l'illustration parfaite de la philosophie du Corbusier. Mais il s'agit également d'une traduction plastique de son environnement. Alors que l'architecte vient de créer son « cabanon », un bâtiment de 3,66 mètres de côté pensé selon les règles du Modulor, il conçoit cet objet. Plus qu'un simple luminaire, ce dernier est véritablement dessiné pour s'inscrire dans cet archétype de l'architecture essentielle. Elle en deviendra donc la lampe éponyme.

À l'origine fabriquée avec le reste d'un porte-obus de mortier échoué sur une plage et de feuille de claque, elle témoigne d'une vision architecturale totale dans un contexte historique précis. Pour son édition 2023, Nemo propose une réinterprétation du modèle d'origine avec une structure en zinc surmontée d'un papier glacé.

Presque deux ans déjà et pas de perte de vitesse pour GAYA. Arrivée récemment sur le marché de la mobilité douce, la marque de vélos électriques se distingue par sa praticité quotidienne, son design rétro et ses couleurs douces ou acidulées. Conçus pour répondre à la demande croissante, mais aussi aux besoins de chacun, ces deux-roues ont tout pour séduire. Afin de prévenir tout accident, ils sont visibles de tous, équipés de clignotants, de phare arrière et de feu avant. Mais qui dit vélos séduisants dit également protections. C'est pourquoi la marque a équipé ses produits de traceurs GPS ainsi que d'un système de verrouillage à distance.

Des vélos pensés pour durer

Pour s'adapter aux différents utilisateurs, les vélos GAYA se divisent en deux familles : les modèles compacts et les cargos. Ces derniers, pensés pour supporter jusqu'à 160 kilos, possèdent un porte-bagage offrant la possibilité de transporter deux enfants. Et pour naviguer dans la jungle urbaine, l'autonomie des batteries peut atteindre jusqu'à 100 kilomètres. De quoi faire quelques tours pédale sans avoir peur de devoir pousser le vélo !

Un duo complémentaire

Fondée en 2021 par Amélie Guicherney et Jacques Bonneville, l’entreprise n’a mis qu’un an à sortir son premier vélo. Une réussite due en partie aux profils complémentaires de ses fondateurs spécialisés respectivement dans le marketing digital et l'ingénierie liée mobilités. Un duo qui a permis à GAYA de prendre sa place dans un marché concurrentiel. Assemblés en France depuis la fin de l'année, les vélos proposent une alternative familiale et évolutive pour incarner une nouvelle manière de vivre la ville.

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Et pour les fêtes de fin d'année, GAYA propose deux nouveaux coloris -framboise pour le compact et vert émeraude pour le cargo-, en plus d'une édition limitée chromée. Alors, pour les découvrir, rendez-vous dans l’atelier boutique de Paris situé sur le canal Saint-Martin, ou auprès des ambassadeurs à Nantes, Bordeaux et Lyon.

Présente sur le marché depuis plus de cinquante ans, Elica est devenue un incontournable des systèmes d’extraction dans la cuisine. Ses usines implantées dans sept pays lui confèrent aujourd’hui une solide assise sur le marché mondial. Réputée pour la qualité de ses équipements, Elica se divise en catégories. D’un côté la société propose ses produits sous son propre nom ou sous celui de ses partenaires, et de l’autre, elle conçoit, fabrique et commercialise des moteurs pour ses conceptions. Un savoir-faire gage de qualité mais également d’innovation. Ainsi, ce sont des hottes multifonctionnelles, dynamiques, tactiles… mais avant tout design qu’Elica propose à ses clients.

Un design inspiré du quotidien

À son arrivée dans l'entreprise en 2005, Fabrizio Crisà, designer chez Elica, s'est demandé : « pourquoi toutes les hottes ont une forme de cheminée ? Je voulais quelque chose de différent, donc je suis reparti de zéro. Les personnes achetaient des frigidaires ou des fours pour leurs designs, mais pas les systèmes d'aspiration. C'est ce que je voulais changer. » Au cours des 18 ans passées dans l'entreprise, le designer n'a jamais rien imposé si ce n'est l'intemporalité et la diversité. Ainsi se côtoient style scandinave et inspiration futuristes dans un showroom de 600m² situé dans la région mère d'Elica, celle des Marches en Italie. Un territoire propice à l'imagination de Fabrizio Crisà. « C'est très difficile de savoir d'où elle vient, mais je pense qu'elle est liée à mon quotidien. Quand je passe du temps avec ma famille ou que je vais au restaurant, mon cerveau se met en route. Les visites d'usines ou de showroom me donnent aussi un aperçu des tendances et de ce qui plaît ou non dans chaque pays. Finalement, ce qui me conduit au produit, ce ne sont pas les études que je mène, mais ce que je vis ! »

C'est par ce cheminement qu'il  a eu l'idée en 2016 de créer une nouvelle gamme de plaques aspirantes, situées directement sur la table de cuisson. « Lorsque j'ai créé le système NikolaTesla, je me suis retrouvé face à un problème d'ordre esthétique. Je n'arrivais pas à cacher le système d'aspiration dans la plaque de cuisson donc je l'ai placé au centre de la table pour, non plus le dissimuler, mais le mettre en valeur. » Un raisonnement et un système novateur récompensés par le Compasso d’oro. Aujourd'hui, le système NikolaTesla en est à sa troisième génération et propose désormais un design plus épuré dû au camouflage du système de ventilation. « Notre modèle a évolué car les personnes souhaitent désormais des lignes plus simples. Pourtant, sur notre dernier modèle Unplugged, j'ai souhaité remettre des boutons de commandes en complément de l'écran tactile. J'ai remarqué que les personnes aiment toucher des modules pour commander. C'est évidemment le cas dans la musique où nous réglons les volumes à notre convenance et où les DJ manipulent presque le son. » Une allusion qui a donné son nom au modèle : Unplugged. « Mais la cuisine est aussi un univers très sensoriel, donc permettre de toucher les choses est presque redevenu un besoin » conclut-il.

L'innovation, centre névralgique d'Elica

‍Afin de conjuguer l'innovation au design, l’entreprise s'appuie sur son propre laboratoire technologique. « Conçu pour favoriser l'essai et la recherche de solutions », il accueille régulièrement des étudiants par le biais de partenariats universitaires ou des marques venant tester leurs produits. Réparti en plusieurs pôles, il vise notamment à la vérification des normes de sécurité, au niveau sonore des équipements, au contrôle des volumes d'aspiration ou encore à la résistance des colis. Des contrôles favorisant l'innovation, nécessaire aux yeux du directeur d'Elica, Giulio Cocci. « Lorsque je suis arrivé en 2018, j'utilisais quotidiennement de l'électroménager sur lequel on ne voyait pas l'innovation. Mais quand je suis arrivé dans le showroom d'Elica, j'ai vu des dispositifs avec des design et des styles qui changeaient radicalement les produits. Le laboratoire est donc une étape importante car, même si le concept d'une hotte reste plus ou moins le même, les performances, le design ou l'utilisation changent. C'est qui permet de donner de nouvelles opportunités aux consommateurs. Notre capacité à innover au niveau des performances vient donc entre autres de la présence de notre laboratoire. » Si l'innovation technologique reste l'une des spécificités d’Elica, l'approche plus humaine est aussi complémentaire à la notion d'innovation selon Fabrizio Crisà. « Ces 5 dernières années, l'approche que les personnes ont de la cuisine  a beaucoup changé. Il faut se demander comment elles occupent cet espace, le temps qu'elles y restent, l'importance que cela a dans leurs vies... Les regards sont aussi davantage tournés vers la qualité de l'air ou encore l'utilisation réelle (et plus seulement décorative) des produits. Donc pour nos futures inventions, l'innovation ne sera pas forcément technologique, mais plus fonctionnelle et plus simple. »

‍Un positionnement conscient des enjeux

‍Aborder la question de l'innovation et celle de la recherche sans parler de l'environnement n'est plus vraiment concevable pour une entreprise telle qu'Elica. Une vision exprimée par Giulio Cocci pour qui « la durabilité d'une entreprise ne s'exprime pas simplement économiquement. C'est un système global qui commence par le management de l'entreprise et se termine par l'utilisation du produit et son futur. » Mais pour le directeur de la marque, cela implique également des choix induits par des facteurs extérieurs. « Toutes nos plaques fonctionnent à l'induction car l'électricité va prendre très rapidement la place du gaz à l'échelle mondiale. En nous situant dans ce segment, nous contribuons d'une certaine manière à l'avenir. » Une vision entrepreneuriale et sociétale à laquelle le designer apporte une vision plus matérielle. « Le plus écologique, c'est le produit que vous n'aurez pas envie de changer. Si vous créez un objet qui suit la mode, ce ne sera pas bon car les consommateurs ne le garderont pas à vie. Je pense qu'un produit qui utilise du plastique recyclé, de la peinture à faible impact environnemental, c'est bien, mais un produit avec un bon design et de bonne qualité sera meilleur. C'est simple, un t-shirt que vous gardez 50 ans sera plus favorable que 100 tee-shirts avec des fibres écologiques, et si vous voulez changer votre voiture pour une autre qui vous plaît plus, c'est que le design de la première est raté. » C'est dans cette optique que le designer qui a appris dans sa scolarité à « rester loin des codes de la mode », a proposé dès 2009 un modèle de hotte tactile toujours dans l'air du temps. « Cette création a 14 ans et pourtant on dirait la dernière sortie avec ses modules d'aspiration qui sortent de la paroi. C'est donc un bon design qui s'explique par des lignes n'appartenant pas à une époque et une absence de couleurs. » Une conception du design visuellement sobre mais très technologique qui permet à ce modèle comme aux autres, de s'inscrire dans tous les intérieurs et dans toutes les époques.

Une perspective d'innovation malgré le contexte‍

« Aujourd'hui, l'entreprise réalise 25 % de son chiffre d'affaires grâce aux moteurs et autres composants stratégiques que nous produisons en interne puis vendons à des marques comme Electrolux » détaille Giulio Cocci. « Le reste ce sont des hottes d'aspiration ou des tables de cuisson comme les NikolaTesla. » Une part majoritaire au sein de laquelle 40% est vendu en B2B et 60% en B2C. Une part cependant en souffrance du fait de l'inflation. « Les clients n'ont pas vraiment la tête à dépenser en ne sachant pas de quoi demain sera fait. Or, notre challenge est bien de conserver nos marges pour investir dans l'innovation. » Un champ qui, par-delà les collines de l'Est italien, fait la réputation de cette marque qui brasse de l'air dans bien des cuisines !