Verre
Inspirée d'un projet photographique, la collection de tables Madonna del Monte de Noé Duchaufour-Lawrance, entremêle avec justesse les matériaux et les formes. En résulte un ensemble aux reflets graphiques, teinté d'onirisme.
Figer l'eau pour l'éternité et continuer de l'animer grâce à la lumière. C'est en quelque sorte le résultat obtenu par Noé Duchaufour-Lawrance avec sa collection de tables Madonna del Monte. Sollicité en 2021 par son confrère italien Luca Nichetto pour réaliser un projet autour du verre de Murano, le designer notamment reconnu pour son travail avec la cristallerie Saint-Louis, a réalisé deux tables basses et une table de desserte cette même année. Éditée en seulement cinq exemplaires, et rapidement exposée à travers l'Europe, la collection a été étendue début 2024 avec une console et trois nouvelles tables basses proposées en 20 exemplaires chacune.
Une collection aux embruns italiens
Indissociable de Murano, de son histoire et de sa géographie, la lagune est aujourd'hui une source d'inspiration pour de nombreux artistes dont la photographe Lucie Jean. Intéressé par sa série Down by the water dans laquelle elle capture les mouvements de la mer, Noé Duchaufour-Lawrance explique avoir « été ému par l'eau en mouvement, s'échouant sur les rives de l'île abandonnée après un trajet en vaporetto sur la lagune. » Également touché par « le contraste des textures entre les éléments liquides, le ciel nuageux et les murs de briques en ruine », le designer a dès lors cherché à matérialiser ces ressentis. « Il y a dans ces images quelque chose de figé. On ne sait plus s'il s'agit de liquide ou de solide et il voulait apporter cela dans ses créations » précise Claire Holive, responsable de l'agence. Une ambition concrétisée par un apport de mouvement dû, d'une part au travail de la matière, et d'autre part aux facultés de la lumière.
Les savoir-faire au cœur de la matière
Réalisée entre Murano où le piètement en aluminium a été fondu, et la campagne vénitienne ou le verre a été travaillé, la collection Madonna del Monte est aussi un témoin du savoir-faire des maîtres verriers italiens. Assemblée sans clous ni vis et pourvu de vaguelettes, la collection a nécessité l'invention d'un processus de fabrication venant intégrer un encart pour fendre la dalle encore chaude et souffler de l'air pour onduler le verre. Un défi technique qui procure à l'objet des lignes architecturales très simples, mettant en valeur l'orthogonalité du pied et sa dualité avec la rondeur de certains plateaux.
Une table habillée de lumière
Contemporaine dans sa forme et son propos, moderne et architecturale dans ses matériaux. En combinant ces deux matières, c'est surtout avec la lumière que Noé Duchaufour-Lawrance joue. L'une la laisse passer et l'anime, l'autre la reflète et la dévie. Une conséquence de l'attention portée au traitement du verre et du métal. Légèrement teinté dans un coloris vert d'eau, le plateau dont l'épaisseur avoisine les cinq centimètres a été imaginé pour multiplier les reflets amenant visuellement son utilisateur sous la surface. Une impression renforcée par le traitement des pieds dans une patine moirée qui reflète avec un éclat argenté le mouvement de l'eau. C'est donc quelque part, sous les ondulations de la surface, que le designer nous propose une délicate immersion.
Cette collection est à découvrir au studio Noé Duchaufour-Lawrance, 8 passage de la Bonne Graine, dans le 11e arrondissement de Paris.
À Genève, Dior ouvre une nouvelle boutique signée par l'architecte Christian de Portzamparc.
Aux yeux de Christian Dior, la mode est avant tout une histoire d'exploration. Ce terrain de jeu exprimé au travers de formes et des couleurs, mais aussi sur les transparences et les jeux d'ombres, a depuis longtemps franchi les frontières de la mode. Questionnées et réinterprétées, ces notions résonnent avec celles de l'architecte français, Christian de Portzamparc. Une concordance qui a valu à l'architecte de réaliser la nouvelle boutique de la marque. Situé en plein cœur de la rue du Rhône, épicentre du luxe helvétique, ce nouvel écrin a ouvert ses portes le 27 février.
Une architecture singulière
Pour sa seconde collaboration avec Dior, l'architecte a fait la part belle à la sobriété. Avec un jeu délicat de courbe et l'utilisation du blanc, Christian de Portzamparc signe un édifice de six étages où s'entremêlent complexité et raffinement. Faite d'un bloc central en verre habillé de six pétales en résine élancés vers le ciel, la construction joue avec la lumière et la transparence. Dans une alliance de courbe et de linéarité, ce nouvel établissement s'illustre – à la manière du flagship de la marque Dior construit à Séoul il y a une dizaine d'années - comme un hommage à l'art de l'habillement.
Un espace où se côtoient les Arts
Au-delà de cette esthétique contemporaine, sculpture le jour, lanterne la nuit, le bâtiment est une curiosité qui se mut en véritable musée passé la porte. Véritable amateur d'art, l'empreinte du couturier se retrouve sur chaque mur. Outre ses croquis laissés en guise d'héritage, la boutique de la rue du Rhône revêt de nombreuses œuvres. Parmi les artistes, se trouvent Pamela Rosenkranz, Ugo Rondinone, William Coggin ou encore la photographe Brigitte Niedermair. Des œuvres en deux dimensions auxquelles font écho les diverses collections de la maison, qualifiées de « royaume des rêves » selon les mots de son fondateur.
Une relation privilégiée avec la Suisse
Pour Christian Dior, la nation transalpine avait une saveur particulière. Voyageur fréquent, il y trouvait une certaine inspiration pour ses collections dont il adapta les formes et les matières aux températures plus fraîches du pays. Ainsi en 1954, huit ans après avoir fondé sa marque, il proposait un premier modèle baptisé Genève. S'en suivront d'autres créations aux noms évocateurs comme Montreux, Suisse, ou encore Week-end à Genève par Marc Bohan en 1962. C'est d'ailleurs un an plus tard que Dior ouvrait sa première boutique de souliers à Bâle, bientôt renforcée par d'autres adresses à Genève, Lausanne et Gstaad.
Intitulé Flar, le luminaire développé par Patrick Norguet est le fruit de la seconde collaboration du designer avec LODES, qui mêle artisanat et procédé industriel, pour un résultat tout en finesse.
Fondée en 1950 près de Venise, LODES est une marque italienne de luminaire, connue pour son savoir-faire du soufflage de verre et un certain attrait pour l’innovation. En 2021, la marque s’allie pour la première fois avec Patrick Norguet sur la collection Jim, un système de suspension inspiré des ateliers d’artistes du XXe siècle. Une première collaboration réussie, en partie en raison de la communication fluide entre les deux parties « Quand on collabore avec des personnes que l’on comprend, généralement le résultat final est là. En tant que designer, on a des idées, on sait dessiner mais tout le défi quand on travaille avec une marque est de réussir à travailler ensemble » expliquait Patrick Norguet. Trois ans plus tard, il dévoile les nouvelles lampes à poser Flar.
Artisanat et technologie industrielle
Disponibles en deux coloris de verre, de structures et en deux tailles différentes, Flar est un condensé de savoir-faire, propre à LODES. En effet, avec un travail sur le verre soufflé mais également sur le métal, la marque et le designer offrent une réalisation à la fois technique et complexe. Inspirée des lanternes tempêtes traditionnelles, le nom Flar fait référence à un flamboiement, représentée par une ampoule à filament LED qui laisse penser à une flamme. « Il y a un côté assez symbolique de cette flamme, presque religieux » confie le designer.
Et cette collaboration pourrait évoluer dans le temps, puisque le designer pense déjà à des déclinaisons possibles : « J’aime me dire qu’un produit peut continuer d’évoluer dans le temps et qu’il n’est pas à sa version finale. » Affaire à suivre ?
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Conçue pour le projet 7 Stars, la lampe Louise, dessinée par Jean-Marie Massaud, vient d'être dévoilée. En plus de sa lumière tamisée, cet objet à l'allure volontairement romantique, diffuse quelques mélodies connues. Une conception au design polyvalent.
Pensée comme une veilleuse à l'allure précieuse, Louise est l'invitée chic qui éclairera les moments de partages et d'échanges. "Dans sa petite robe plissée qui protège le vacillement délicat de la flamme, elle apporte une lumière chaleureuse sur votre chevet ou sur une table pour un dîner romantique en tête-à-tête" décrit son créateur, le designer Jean-Marie Massaud. Troisième lampe née de la série 7 STARS initiée par l'italien Alessandro Mendini, elle constitue l'une des étoiles de la collection qui tire son nom de la constellation grande ours. Dévoilés au fur et à mesure, les autres modèles seront révélés prochainement.
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Le design déclare sa flamme en musique
Doté d'un mode bougie et d'un variateur d'intensité, la lampe propose une lumière vacillante pour renforcer l'intimité de certains moments ou évoquer les lueurs dansantes d'un feu. Mais à la lumière se mêle également la possibilité d'une ambiance musicale. Intégrée à son socle, une enceinte propose dix airs classiques, de Bizet à Chopin, ainsi que des mélodies plus festives comme « Happy Birthday » ou encore « Silent night ». Véritable boîte à musique, c'est une expérience polyvalente que la lampe Louise offre en diverses circonstances. En témoigne son socle sur lequel il est gravé : « La vie est une aventure faite de rencontres comme autant de lumières. ».
Une lampe qui prend soin de ses utilisateurs
Particulièrement attentive au bien-être de l'utilisateur, la marque RAMUN diffuse une lumière pensée pour préserver la santé des yeux. Classée ainsi au plus haut niveau de sécurité photobiologique, elle est également certifiée RoHs, une norme qui vise à limiter la présence de substances chimiques présentes dans les équipements électroniques. Des résultats significatifs de l'attention brillante portée tant au design qu'aux consommateurs.
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Pour sa 14e édition, les Verallia Design Awards ont décernés six prix, remis aux lauréats le 30 juin, sous le parrainage du designer Pierre Charrié.
Lancé en 2009 par Verallia, 1er producteur européen d’emballages en verre, le concours est à destination d’étudiants et jeunes diplômés avec l’objectif d’être toujours plus créatifs. Le thème de cette édition, « Le verre pour vivre l’instant », a su inspirer les quelque 672 participants. « Ce concours professionnalisant illustre notre volonté de repousser les limites créatives du verre. Nous voulons continuer à explorer comment le matériau verre peut offrir une expérience différenciante grâce à des designs uniques et en lien avec les tendances du marché. » témoignait notamment Marie-Astrid Gossé, Directrice marketing Verallia France.
Le jury composé de professionnels de l’agroalimentaire, de journalistes et de designers a décerné 4 prix : 3 « bouteille » (Vins tranquilles et effervescents – Spiritueux – Bières, eaux et boissons non alcoolisées) et 1 « pot » (Alimentaires) correspondant aux différents marchés du verrier. Un palmarès complété par 2 prix « coups de cœurs » : celui du parrain et pour la première fois, celui des salariés Verallia.
Prix Bouteille catégorie Vins tranquilles et effervescents pour the Vine
Mené par Eloi Menaud et Manon Piette, le projet de la bouteille The Vine est une rencontre entre une bouteille de vin et une vigne. Grâce au biomimétisme où la nature et l’objet ne font qu’un, l’un s’inspire de l’autre. « Nous voulions placer la vigne au cœur du sujet, ce qui permet de travailler le vin sous un angle différent. Ainsi, nous voulions redonner de la valeur à la vigne trop souvent oubliée. Le concept du biomimétisme nous a permis d’intégrer l’écorce de la vigne à la bouteille, faisant que la vigne et la bouteille ne sont plus qu’un objet. Cette fusion se devait abstraite. L’objectif n’était pas de faire un simple « trompe-l’œil », il s’agissait plus d’évoquer la vigne que de la montrer, le tout dans un design moderne. »
Prix Bouteille, catégorie Spiritueux pour Océan
Océan est une bouteille de vodka imaginée par Clarisse Bayle et Lauriane Dupré qui puise son inspiration de la tendance de ralentissement et de recherche de bien-être, manifestée par un désir de vivre plus consciemment et de ralentir le rythme de ses activités pour savourer les petits plaisirs de la vie. Un mouvement qui s’exprime à travers la recherche d’un sentiment de bien-être physique et mental qui contribue à la réduction du stress et de l’anxiété. « Les consommateurs qui aspirent à ce mode de vie recherchent des produits fabriqués à partir d’ingrédients biologiques, naturels et sans additifs, pour une expérience de dégustation plus saine et plus authentique. Amoureuses des côtes Atlantiques, nous avons imaginé une vodka haut de gamme aux algues avec un packaging inspiré de la nature. »
Prix Bouteille, catégorie Bières, eaux et boissons non alcoolisées pour « T »
« T » est une bouteille imaginée par Julien Kudic et Clément Servignat et qui propose une expérience sensorielle. Pour cette bouteille, ils se sont demandé comment faire de la pause thé une pratique fascinante qui procure un sentiment d’apaisement le temps d’un instant suspendu. « A plusieurs dimensions, la bouteille retranscrit un sentiment d’apaisement, que ce soit visuellement, au toucher ou dans son utilisation. Le dessin de « T » est inspiré des motifs géométriques des jardins zen et de la dimension sensorielle du sable. Au toucher, elle se veut surprenante de par le jeu du motif et des textures, nous laissant redécouvrir le sable dans le verre. Elle apporte de même une certaine ergonomie lors de la prise en main. »
Le prix pot, catégorie alimentaire, décerné à Organics Spicies
Jeanne Menier a créé Organics Spicies, un pot qui sublime le verre au travers la médecine traditionnelle chinoise qui puise ses origines dans la sagesse taoïste, selon 5 piliers : bois, feu, terre métal et eau. Ceux-ci sont des ponts vers un équilibre intérieur, chacun rattaché à des parties du corps humains, et plus spécifiquement les organes. « Ces cinq piliers sont en lien avec cinq saveurs différentes : acide, amère, douce, piquante et salée. Nous pouvons prendre soin de notre corps grâce aux aliments. C’est pourquoi, j’ai choisi de décliner en gamme 5 pots contenant 5 épices différentes : gingembre, poivre, sésame, ail et piment de Cayenne. »
Le coup de cœur de Pierre Charrié : Trinkañ
Trinkañ de Tom Azria et Numa Rousseau s’adapte aux usages du jeune public qui consomme le plus souvent à plusieurs, hors de son domicile et en format 33 cl. Une proposition invite à la convivialité et au partage. « Notre concept reprend les codes de la craft beer pour séduire un public jeune et urbain. Nous sommes convaincus que Trinkañ est le format qui permettra de sortir le cidre de son cadre de consommation de crêperie. »
Le Coup de cœur des salariés Verallia décerné à Envoûtement
Bien que le concours soit très suivi par les salariés de Verallia, ces derniers n’étaient jusqu’ici pas directement impliqués. Cette année, et pour la première fois, ils ont pu désigner leur coup de cœur et designer un lauréat. Un prix remis à Christiane de Montigny pour Envoûtement, une bouteille de vin blanc qui témoigne du temps qui s’écoule. Ici, la vigne est une nouvelle fois récompensée, puisqu’elle est l’origine du vin. Lorsque une feuille de vigne s’est posée sur cette bouteille, elle y a laissé son empreinte. Avec le temps, elle l’a transformé et ses veines se sont propagées à l’intérieur. Ainsi, à chaque fois que la bouteille se vide, ses veines intérieures apparaissent et viennent compléter sa forme. « La forme et le motif d’envoûtement racontent une histoire en créant un lien entre le ralentissement (veines) et le biomimétisme. J’ai voulu qu’au fil de la consommation, nous nous laissons surprendre par l’apparition de veines qui proviennent de l’intérieur de la bouteille. Ce spectacle met en avant les perspectives du verre grâce à la magie des gravures internes qui se révèlent lorsque la bouteille se vide. »
Le 19 mai dernier ont été désignés les lauréats de la 13e édition des Varallia Design Awards 2022, avec une remise des prix début juillet. Les jurys ont choisi de mettre à l’honneur Elise Souchet, Stanislas Raba, Nicolas Mizzon, Jeanne Bonaimé et Loïc Pellissier. Retour sur ces jeunes créateurs.
« Notre raison d’être est de ré-imaginer le verre pour construire un avenir durable. Nous voulons redéfinir la façon dont le verre est produit, réutilisé et recyclé, pour en faire le matériau d’emballage le plus durable au monde » s’est fixé comme objectif Verallia, leader européen de l’emballage en verre pour les boissons et les produits alimentaires. C’est autour de cette thématique durable qu’ont eu lieu les Verallia Design Awards 2022, avec 170 projets proposés par des étudiants et jeunes diplômés en école de design, packaging et Beaux-Arts.
Catégories « Bières » « Vins tranquilles et effervescents » et « Spiritueux »
Dans la catégorie « Bières », Samy de Jeanne Bonaimé l’emporte grâce à son look futuriste. L’étudiante en Bachelor design produit et innovation à Bellecour Ecole de Lyon a ainsi créé un produit pratique, sensible aux contraintes du monde du verre.
Elise Souchet remporte la catégorie « Vins tranquilles et effervescents » avec Mue, remarquée pour son effet « seconde peau ». Mi nue, mi mue, ce produit de la créatrice de la Cité scolaire Raymond Loewy de la Souterraine a séduit le jury.
Quant à Genever de Stanislas Raba et Nicolas Mizzon, il est choisi dans la catégorie « Spiritueux ». Un hommage rendu aux codes des spiritueux par son design reconnaissable qui récompense ce duo diplômé de l’Université de Technologie de Compiègne.
Le coup de cœur de Lucile Viaud
Désignée comme marraine de cette 13e édition, Lucile Viaud a choisi Bottle Cap de Manon Choux, son coup de cœur. Couleurs ambrées, cônes, l’étudiante à ESAAB de Nevers a choisi le houblon comme modèle pour sa bière : un choix audacieux récompensé.
Loïc Pélissier, prix spécial pour Torche
Cet étudiant au Lycée Polyvalent Rive Gauche de Toulouse a imaginé Torche sur le thème donné : évènement sportif. Avec sa forme aux courbes rappelant une torche, la bouteille a particulièrement été travaillée pour être commercialisable.
À Meisenthal en Moselle, dans les Vosges, le Centre International d’Art Verrier, met à disposition des designers un site de 15000 m2 pour des expérimentations sans fin. Un vrai terrain de jeu pour designers.
En 1704, la Verrerie de Meisenthal (vallée des mésanges) voyait le jour pour des épopées productives jusqu’en 1969. Cette friche industrielle du Pays de Bitche aurait pu définitivement s’assoupir si un enfant du pays, Yann Grienenberger, bien entouré, ne s’était obstiné à lui redonner vie. Son projet de réhabilitation court sur plus de vingt ans. Depuis 2000, il fouille, creuse, découvre et n’en finit plus de révéler les trésors enfouis de cette épopée industrielle hors du commun qui exploite sa terre sablonneuse, son eau et ses bois depuis la fin du Moyen Âge. Déjà, des communautés verrières nomades installaient leur four de fortune en fond de vallée, pour exploiter les ressources naturelles immédiates. Au début du 18ème siècle, les voies devenant plus carrossables, les verriers ont sédentarisé leur activité jusqu’à allumer le premier four en 1711 dans l’actuel bâtiment du Musée du Verre pour produire des objets de première nécessité (bocaux, bouteilles, verres à vitre).
Au 19ème siècle, la fonderie abandonne le bois au profit de la houille et les découvertes scientifiques de la révolution industrielle – l’invention de la pompe à air comprimé, le développement de la machine à vapeur actionnant les meules de taille ou la mise en œuvre de nouvelles techniques comme la gravure à l’acide ou la technique du verre multicouche. En marge d’une production de gobeleterie ‘bon marché’, de 1867 à 1894, Émile Gallé, chef de file de l’École de Nancy aboutit des pièces exceptionnelles sans précédent qui font de Meisenthal le berceau du verre Art Nouveau. Dans les années 30, la verrerie qui compte 650 salariés s’oriente vers une production de masse de beurriers, sucrières, salières, confituriers et presse-citrons. Dans les années 60, malgré des investissements conséquents et une production annuelle de plus de 4 millions de pièces en verre soufflé et pressé, elle subit de plein fouet la concurrence de ceux qui ont choisi la mécanisation.
En 1969, la verrerie ferme et les ferrailleurs démantèlent et recyclent 8000 moules en métal (ce qui donnera lieu depuis 1992 à la création de la Moulothèque). La friche de l’usine qui occupe un hectare n’a plus aucune valeur et entraîne la mort du village dont la commune achète l’espace pour un franc symbolique et le relance. Depuis les designers les plus réputés s’y sont succédés : Borek Sipek, Enzo Mari, François Azambourg, Jasper Morrison, Andreas Brandolini, Mathieu Lehanneur… ou dernièrement Nicolas Verschaeve.
Le projet architectural du site verrier de Meisenthal est l’œuvre de l’agence new-yorkaise SO-IL (Florian Idenburg, Jing Liu, Ilias Papageorgiou) associée à l’agence parisienne FREAKS architecture (Yves Pasquet, Cyril Gauthier, Guillaume Aubry). Le projet de réhabilitation de 2018 à 2022 a été géré par la Communauté des Communes du Pays de Bitche. L’agence Designers Unit (Paris) signe la muséographie-scénographie du Musée du Verre. Les V8 Designers associés à Fred Rieffel ont pensé divers aménagements intérieurs et le mobilier du site. Charte graphique et signalétique sont réalisées par Stéphane Riedinger. Cette rénovation-création n’aurait pas pu avoir lieu sans le soutien de la Fondation Bettencourt Schueller.
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