Espagne
À l’occasion de Maison & Objet du 19 au 23 janvier prochains, les Rising Talents donnent un coup de projecteur au design espagnol, avec sept jeunes talents à découvrir.
Pour choisir ces sept nouveaux talents exposés lors du salon, c’est un jury composé de six professionnels du design qui s’était réuni : le designer Jaime Hayon, le directeur du Madrid Design Festival Álvaro Matías, de la designeuse Imma Bermúdez, du galeriste Xavier Franquesa, de l’architecte Belén Moneo et de la créatrice textile Aude Tahon pour la catégorie Craft.
Alvaro Aramburu
Après avoir étudié le design industriel à l’école technique de Madrid, puis les arts appliqués à la HDK Steneby, Alvaro Aramburu a quitté la vie madrilène pour un village niché dans la forêt suédoise, pays où il réside actuellement. Passionné par le bois sur lequel il travaille essentiellement, Alvaro Aramburu se focalise sur le mobilier et les objets uniques faits main. « En quête de contraste, j’embrasse le bois comme médium et je me distancie des produits industriels pour réinventer mon processus créatif. Les produits que je conçois sont des objets à la fois fonctionnels et artistiques, le mobilier étant la pierre angulaire de mon artisanat et le bois la matière première. » Il fait également partie d’un collectif mettant en avant le design en Suède et est membre du studio Växt, un coworking œuvrant pour une élaboration interdisciplinaire du design.
Marta Armengol
Originaire de Majorque, Marta Armangol étudie l’architecture à l’École technique supérieure d’architecture de Barcelone (ETSAB). Multidisciplinaire, sa pratique touche à la fois le design, l’architecture, la sculpture ou encore les installations et scénographies. Les espaces qu’elle imagine font passer un message de savoir-faire radical, mélangeant le verre à de nombreux matériaux différents. Elle a été exposée au Palais de Tokyo, lors de la Barcelona Design Week, au Dutch Design Festival ainsi qu’à la Biennale Mayrit. Plus largement, la chanteuse espagnole Rosalía a fait appel à ses créations pour sa scénographie.
Marta Ayala Herrera
Marta Ayala Herrera est spécialisée dans le design industriel qu’elle a étudié à l’université Nebrija de Madrid. Elle fait ses premières pas professionnels au studio Ciszak Dalmas, à Doiy Barcelona, au Madrid Design Festival et à La Casa Encendida. En 2013, elle reçoit le Injuve Award. Dans son travail, elle se focalise sur la relation de l’individu avec son environnement à travers les objets et aime expérimenter les matériaux industriels et les processus artisanaux pour créer ses pièces.
Max Mila Serra
Max Mila Serra a étudié le design industriel à l’École de design Elisava de Barcelone, avant de travailler pendant quelques années au studio d’Antoni Arola. Il a notamment participé à divers festivals, tels que LLum, Fad Fest, Madrid Design Festival et la London Design Week. En tant que designer, il s’est concentré sur l’éclairage expérimental et créatif. Il puise sa pratique dans la vie quotidienne et dans ses propres expériences, qu’il transforme ensuite par la lumière et le mouvement dans le but de les comprendre en profondeur.
Tornasol Studio
Tornasol Studio a été fondé en 2017 par la designeuse industrielle Inés Llasera et l’architecte et cartographe Guillermo Trapiello. Basé à Madrid, leur travail allie architecture et arts visuels pour analyser les espaces et les éléments qui les composent sous des approches très différentes. Désireux de découvrir de nouvelles manières de représenter la réalité et la multifonctionnalité dans leur travail, ils sont à la recherche de durabilité dans chaque processus et dans chaque détail du design des objets qu’ils créent.
Miguel Leiro
Il a fait ses études à l’Institut Pratt de New York avant de multiplier les collaborations avec divers studios tels que Moneo-Brock, Juan Uslé, Victoria Civera ou Jaime Hayon. Miguel Leiro crée des pièces qui allient fonctionnalité et créativité, avec une flexibilité dans les matériaux utilisés et la façon dont ils sont maniés. Il a participé à de nombreuses expositions, dont le Madrid Design Festival, l’Experimento Design, la Biennale ibéro-américaine de design BID, le Collège Officiel des Architectes de Madrid COAM ou encore le salon Zona MACO de Mexico. Il est également le fondateur, curateur et directeur de la biennale MAYRIT, un festival qui réunit des créateurs alternatifs qui se focalisent sur l’expérimentation.
Josep Safont, Rising Craft Talent Award
Cette année, pour la catégorie Craft, c’est l’artiste textile Josep Safont qui a été récompensé, nommé par les Ateliers d’Art de France et La Generalitat de Catalunya, qui mène une politique de soutien en faveur de l’artisanat d’art. Tourné vers l’artisanat d’art et le texte, il a étudié à l’École Massana de Barcelone où il travaille actuellement au sein du studio qu’il a fondé en 2020. À l’aide de métiers à tisser, il crée des pièces avec des matériaux qu’il veut les plus responsables possible et qui agissent pour sculpter sa vision à travers des volumes, des dessins et les finitions expérimentales.
Dans le cadre de Valence capitale mondiale du design 2022, les fondateurs de la maison d’édition de luminaires LZF, évoquent l’évolution de la scène créative locale, qui a su embrasser les secteurs du design dans les années 90 pour en faire un axe fort du territoire aujourd’hui.
Marivì Calvo et Sandro Tothill se rencontrent fin 1992 à Valence. Elle, artiste-peintre, a vécu à New-York, Madrid et Paris avant de revenir dans sa ville natale. Lui, australien, musicien, y enseigne l’anglais. Pour les deux artistes, l’aventure débute de manière fortuite, alors qu’ils manipulent des placages de bois sur une table lumineuse et créent un luminaire idéal à usage privé. Ils lancent leur entreprise avec une commande de 600 pièces pour un hôtel de Majorque, passée au Salon du cadeau de Madrid où le couple a été invité. L’invitation faisait suite au succès d’un happening initié par le couple, où une quarantaine d’artistes étaient conviés à s’exprimer avec lumières et feuilles de bois. Nom de l’exposition : Luzifer. LZF né en 1994. Aujourd’hui, Marivì Calvo et Sandro Tothill collaborent avec des designers, des architectes, en majorité de Valence. Ils éditent une gamme de lampes graphiques et poétiques dont le dénominateur commun demeure l’emploi de fins placages de toutes essences et de toutes couleurs pour en diffuser la lumière, ainsi que la volonté d’une fabrication artisanale et locale.
Dans quel contexte fondez-vous LZF à Valence au début des années 90 ?
Sandro Tothill : La vieille ville était délabrée et regorgeait de squatters, de punks, de gitans, de junkies, de travestis. Il y avait également une scène artistique très forte, avec de nombreux peintres, sculpteurs, écrivains, poètes vivant dans ce centre-ville aux loyers abordables. Je pense que quelque part, le noyau d’illustrateurs, de graphistes, de dessinateurs de bandes dessinées et de publicistes qui gravitait autour a donné l’élan pour un mouvement de design. Avec les architectes, ils ont constitué les nouveaux designers valenciens, dont beaucoup ont d’ailleurs ensuite enseigné le design ici.
Marivì Calvo : En effet, beaucoup de graphistes ont élargi leurs créations à la conception de meubles et d’objets pour des entreprises, dont la plupart n’étaient pas locales, mais installées au Pays basque ou en Catalogne. Valence a une longue tradition de fabrication de mobilier classique. Lorsque la crise a frappé, certaines entreprises ont vu l’opportunité de se reconvertir dans le design, et de travailler avec des designers. Martinez Medina, Punt mobles, Do+ce, Andreu World et Capdell ont été les pionniers.
Ces années venaient après la Movida, une période intense de révolution culturelle ?
S T : Il y avait une sorte de nostalgie dans l’air pour cette époque et un sentiment de changement vers quelque chose d’inconnu dont on ne savait pas si ce serait mieux ou pire. Cependant, je dirais que les conservateurs ont encouragé la création d’entreprises qui se sont ensuite tournées vers les talents du design pour créer des produits plus compétitifs au niveau européen.
Comment définiriez-vous l’essence du design valencien aujourd’hui ?
S T : Au cours des vingt dernières années, le design a prospéré à Valence, avec de merveilleux jeunes designers. Il y a cette combinaison d’un esprit scandinave, épuré, authentique et d’un style joyeux et coloré. Je suppose que c’est dû à la lumière que nous avons à Valence, et ce souffle méditerranéen qui influence une conception locale, une certaine qualité de vie et le plaisir des choses simples.
M.C : En Espagne, et à Valence aussi, il y a une longue histoire de l’artisanat (soieries, céramiques, marqueterie, ébénisterie …) longtemps fragilisée par la force d’un marché qui exigeait des produits peu chers, enfermant ces artisanats dans le folklore et les faisant disparaître. Aujourd’hui, le design contemporain renoue fortement avec cet héritage.
Qu’attendez-vous de Valence capitale mondiale du design ?
MC : C’est l’occasion de faire connaître l’extraordinaire richesse de la culture et du design qui existe ici depuis des temps anciens avec les arts décoratifs. Un plan de la ville répertoriant les designers, artisans et entreprises qui oeuvrent pour l’excellence et l’innovation est en cours d’élaboration. Il s’agit d’un outil important pour établir des synergies entre tous les acteurs du secteur, les rendre visibles et les promouvoir.
Quelle est l’implication de LZF au sein de Valence Capitale mondiale du design ?
MC et ST : À partir de septembre, une exposition permanente se tiendra dans nos locaux. Nous exposerons et participerons à des conférences au Centre culturel del Carmen. Au Pavillon de l’Hôtel de Ville, Mayice Studio pour LZF va concevoir l’espace « La Maison du Futur ». Nous allons intervenir au Musée des beaux-arts San Pio V, et certaines performances collectives restent à concevoir autour de l’artisanat contemporain.
Il était l’un des architectes espagnols les plus exposés à l’international et surtout salué pour ses centaines de projets d’envergure. Né en 1939, Ricardo Bofill Levi est décédé à Barcelone à l’âge de 82 ans le 14 janvier 2022. Il avait crée en 1963 son cabinet d’architecture, Taller de Arquitectura. Depuis plus de 50 ans, son travail aussi varié que coloré a marqué l’architecture mondiale.
Ricardo Bofill Levi faisait partie de ses architectes régulièrement qualifiés de visionnaires et novateurs, pour sa conception particulière de l’espace, entre une inspiration néo-classique (et notamment de Palladio) et une expression postmoderne. Auteur du célèbre immeuble Walden 7 et de l’Hôtel W en Espagne, des Arcades du lac et du marché Saint-Honoré, des sièges sociaux de Cartier ou de Shiseido, ou encore de l’Université Mohamed VI au Maroc, Ricardo Bofill Levi a su séduire de nombreux pays du monde, avec des réalisations audacieuses, colorées, parfois déstructurées.
Par ailleurs, il a aussi réalisé des projets très controversés, à l’image de l’ensemble Abraxas de Noisy-le-Grand, conçu à la fin des années 70. Un projet qu’il voulait en opposition au principe des barres d’immeubles, et qui apparaît dans de nombreux films cultes, de Brazil à l’un des volets d’Hunger Games.
Taller De Arquitectura, l’entreprise familiale aux 30 nationalités
Étudiant à partir de 1957 à l’École technique supérieure d’architecture de Barcelone mais expulsé pour des raisons de militantisme trop affirmé, il se lancera un peu plus tard, en 1963, dans la création de son propre cabinet d’architecte. Il sera par ailleurs entouré de nombreuses personnalités et professions artistiques, telles que le critique littéraire Salvador Clotas, le poète José Agustin Goytisolo ou encore l’économiste Julia Romea, marquant une nouvelle fois un éclectisme certain, à l’image du personnage.
Repris il y a quelques années par Ricardo Emilio et Paulo, les deux fils de l’architecte, le cabinet Taller de Arquitectura représente aujourd’hui près d’une centaine de personnes actives sur les projets et plus de 30 nationalités différentes.
Au cours de sa vie, Ricardo Bofill Levi aura été à la tête de plus de 500 projets différents dans une cinquantaine de pays à travers le monde.
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