Designer

Repenser des icônes du design au profit d'une association,voici l'idée qui aura guidé quatorze années durant le partenariat entre Vitra et l'association La Source Garouste. Une collaboration originale initiée en 2011, par laquelle la marque de design invitait chaque année nombre de créateurs reconnus pour réinterpréter un classique du design, de la Panton Chair de Verner Panton en 2011 au Nelson bench de George Nelson en 2019 en passant par la Wire Chair des frères Eames en 2015. Des pièces choisies pour « leurs histoires fortes et leurs allures intemporelles, mais également leurs matériaux permettant ensuite aux artistes de les retravailler pour en réinventer de nouvelles versions » explique Karin Gintz, directrice générale de la marque. Un enjeu au cœur de ce projet considéré « comme une source d'inspiration d'un point de vue artistique, mais également un biais par lequel le design devient un vecteur d'art et de solidarité tout en tissant de nouveaux liens avec des architectes, des artistes ou encore des industriels. »

Pour cette dernière année comme partenaires, Vitra et La Source Garouste ont décidé de célébrer la Prismatic table du designer americano-japonais Isamu Noguchi. « Nous avons choisi de clôturer cette belle collaboration avec cette création, car elle incarne parfaitement l’essence du design Vitra : l’équilibre entre fonctionnalité et sculpture, simplicité et sophistication » résume Karin Gintz. Une belle source d'inspiration pour les 54 créateurs de cette année, qui ont redessiné les perspectives de l'objet ou l'ont agrémenté de nouveaux éléments visuels comme structurels. Parmi les participants de cette 27e édition, nous avons demandé à Constance Guisset, Mathieu Delacroix, ainsi qu'aux studios BrichetZiegler et Passage, de nous parler de leur approche et de leurs liens avec l'objet. Explications.

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Constance Guisset :

Noguchi est un designer essentiel pour moi et dans mon histoire avec le design. J'ai nombre de ses livres et je les regarde souvent. Il est toujours intéressant de travailler sur une pièce imaginée par un autre designer, mais travailler sur cette pièce en particulier a été une belle surprise. Cela nous confronte à d’autres façons de réfléchir, de dessiner, de conceptualiser et cela nous fait souvent explorer des directions nouvelles. Ici, je crois reconnaître des indices de mon univers : la propension à dessiner un objet qui a l’air en mouvement, comme prêt à s’envoler, la souplesse et la douceur des traits, l’aspect protecteur, organique, enveloppant d’un objet qui vient jusqu’à englober la Prismatic table. J’ai cherché à la prolonger, à la déployer, à la continuer, à adoucir ses lignes avec une forme douce comme un hommage au reste de son travail qui est très libre et très organique. Finalement, j'ai trouvé un certain plaisir aussi à la transformer pour qu'elle se rapproche d'une soucoupe volante ou d'un animal des abysses, loin des lignes géométriques de départ. Cependant, je n’ai pas nécessairement cherché à me démarquer de l’existant, ni à imaginer toutes les déclinaisons possibles. La Prismatic est simplement au cœur de l'objet, elle le structure.

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Mathieu Delacroix :

Pour revisiter la Prismatic Table de Vitra, mon intention était de dialoguer avec l’héritage d’Isamu Noguchi, dont le travail est une exploration des tensions entre nature et artifice, organique et géométrie. Je souhaitais ne pas perdre l'essence même de la table, sa forme hexagonale et son élégance architecturale. En revanche, l'idée était d'y ajouter une technique de recouvrement et un motif particulier afin de générer un dialogue visuel entre forme et volume, surface et texture, familier et inattendu. Cette approche m’a inspiré à imaginer une histoire pour l’objet : celle d’un rocher aux facettes symétriques qui, au fil du temps, s’est paré d’une étrange mousse verte. J’ai travaillé à transposer cette narration en recouvrant les différentes surfaces de la table avec un flocage électrostatique vert afin de créer un nouveau motif aléatoire et irrégulier en opposition avec la géométrie et la symétrie originelle de la table. À travers ce procédé, j’ai cherché à conférer à cette table une dimension plus onirique, tout en m’assurant que son identité de Prismatic Table reste immédiatement reconnaissable. C'était aussi une approche entre la régularité et l'aléatoire qui reflète peut-être d'une certaine manière mon univers. Ma pratique oscille toujours entre une fascination pour les formes nettes, précises, minimales et la volonté d’y insuffler des aspérités, du contraste et du sens. Finalement, j'aime cette idée d’une nature qui s’impose sur une géométrie et vice-versa.

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Caroline Ziegler et Pierre Brichet du Studio BrichetZiegler :

L’exercice du détournement sur une pièce iconique est un peu acrobatique, car nous ne voulons pas dénaturer ou trahir l’intention originale du designer. Nous prenons toujours le parti de retravailler l’objet en faisant le lien avec la pièce originale et l’esprit de son créateur. Pour la Prismatic table, nous avons eu envie de rendre hommage au travail de sculpture de Noguchi qui assouplit les matières les plus dures. Pour cela, nous avons cherché à casser l’aspect très géométrique de la table originale en lui apportant une touche plus organique, voire un peu désordonnée. Nous avons cherché à nous raconter une histoire : les 3 éléments en tôle pliée évoquent des blocs de glace à la dérive dont l’unité a été lentement rompue par l’érosion, semblant s’éloigner les uns des autres dans un certain chaos géologique. Nous avons mis en valeur ses composants en créant un contraste mat/brillant. Nous voulions la penser comme un nouvel objet en allant au-delà d’une réinterprétation de sa surface. Cette pièce nous ressemble car c’est un objet évocateur et poétique, qui fait référence à l’histoire (du design). Sa forme assez sculpturale et très travaillée offre différents points de vue lorsque l’on tourne autour.

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Arthur Fosse et Samuel Perhirin du studio Passage :

Transformer cette table, c’était révéler ce qu’elle portait déjà en elle. Sa construction modulaire en trois parties et sa géométrie triangulaire ont naturellement inspiré le motif en losanges, comme une évidence graphique. Nous l’avons alors imaginée vêtue d’un costume d’Arlequin, un hommage à l’univers pictural de Gérard Garouste. Nous souhaitions donc réaffirmer notre vision : faire dialoguer la mode et le design. Le costume, ludique et chargé de symboles, devient le médium d’une narration où l’objet cesse d’être fonctionnel pour devenir porteur d’histoire. Pour cela, nous avons opté pour une intervention subtile et réversible, respectueuse de l’objet et de son créateur que nous admirons. Le costume d’Arlequin, rehaussé de trois sphères en laiton, agit comme une "seconde peau" soulignant la géométrie de la table. Les attaches textiles, discrètement placées derrière les pieds, laissent le système de fixation des 3 éléments et la signature Vitra pleinement visibles. Notre réinterprétation est donc une invitation poétique à renouer avec l’enfance, en écho aux initiatives de la fondation La Source Garouste.

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La vente se tiendra ce lundi 9 décembre à l’Hôtel de l'Industrie, 4 place Saint-Germain-des-Près, 75006 Paris, et en ligne sur Piasa Live et Drouot.com .

Objets, architecture, mode... le design est omniprésent dans chaque recoin de notre quotidien. Mais au-delà de l'aspect pratique auquel se conjugue l'esthétisme, le design est avant tout le fruit d'une réflexion et souvent d'un imaginaire personnel.

Au travers d'un nouveau format, Silvera propose de s'immiscer dans les processus créatifs de huit designers. Des rencontres au cours desquelles chaque concepteur laisse entrevoir sa personnalité par le biais de ses créations. L'occasion de porter également un regard plus transversal sur les effets de la société en terme d'écologie, d'intelligence artificielle ou encore de transmission.

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Episode 1 : Gam Fratesi

Pour ce premier volet, Silvera reçoit Stine Gam et Enrico Fratesi du studio Gam Fratesi. Ils y abordent les liens entre le travail des designers d'hier et les répercussions sur les créations d'aujourd'hui. Comment réinterpréter les inventions passées ? Quelles places occupent le contexte historique et les évolutions comportementales des utilisateurs ? 

Autant d'interrogations auxquelles le duo répond dans ce format intimiste de deux minutes.

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Episode 2 : Tom Dixon

Dans ce deuxième épisode, Tom Dixon réaffirme la place de la singularité des idées. 

Célèbre notamment pour ses luminaires, le designer britannique brosse un portrait réflexif où créativité et innovation s'entrecroisent, éléments-clés d’une société où numérique et intelligence artificielle occupent une place de plus en plus prépondérante.

Une courte mais riche leçon de l'un des designers les plus marquants des 30 dernières années.

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Episode 3 : Jorris Poggioli

Fasciné par la conception et l'ampleur des possibles depuis son enfance, l'architecte-designer franco-italien Jorris Poggioli joue aujourd'hui avec l'espace mental, libre de tout enjeu, et le monde réel aux multiples contraintes. 

Intéressé par la notion d'intemporalité de ses pièces ainsi que par leur dimension émotionnelle, le créateur aborde également son travail sous l'angle de la transmission à l'égard des jeunes designers. Une démarche transgénérationnelle liée par le besoin de concevoir et la curiosité.

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Episode 4 : Patricia Urquiola

Consciente du monde particulièrement numérique et connecté qui nous entoure, la créatrice Patricia Urquiola se questionne quant à la place du progrès dans ses objets. « L'énergie presque magique » qui se dégage des formes courbes et leurs conséquences sur les utilisateurs constituent pour la designer espagnole le point névralgique de son travail.

Une sensibilité personnelle et matérielle qu'elle transmet en quelques mots dans ce quatrième épisode.

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Episode 5 : Ron Arad

Le 5e épisode de la série se concentre sur le designer israélien Ron Arad, connu pour naviguer entre art, design et architecture. Assis sur le très sculptural fauteuil One Page édité par Moroso, il se livre sur l’importance de se focaliser sur les bonnes idées. « Quand tu as une idée, tu dois te demander : "si je vais dans une galerie et que je vois cet objet, serais-je jaloux ?" Si la réponse est non alors je l’abandonne et si c’est oui alors je le fais. »

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Episode 6 : Studio Zaven

Condition sine qua non à toute conception design, l'idée  est « la base du travail ». Pour ce nouvel épisode dédié à l'inspiration, Enrica Cavarzan et Marco Zavagno du studio vénitien Zaven abordent l'importance de combiner intérêt et attention notamment aux choses futiles du quotidien. Une source foisonnante d'éléments favorisant le renouveau de sa vision et susceptibles d'inspirer de nouveaux axes de recherche. Une réflexion sur l’un des fondamentaux du design, préalable à l'imagination.

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Episode 7 : Jean-Marie Massaud

Où se positionner pour répondre correctement aux besoins et comment les synthétiser pour y apporter des réponses simples ? Dans ce sixième volet, Jean-Marie Massaud soulève des questionnements propres au monde de la conception, et existentiels dans l'esprit de chaque créateur.

Entre quête de clarté et de singularité, le designer français propose de naviguer entre l'idée de base et la solution matérielle. « Le design n'est pas "problem solver" mais "solution provider" » résume celui pour qui ce domaine est avant tout une affaire « d'innovation élégante ».

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Épisode 7 : Faye Toogood

‍Créatrice londonienne, Faye Toogood questionne la place du designer dans la société. Convaincue par le rôle de l'objet comme transmetteur émotionnel entre elle et l'utilisateur, la créatrice de vêtements et de pièces de mobilier pose un regard empreint de sensibilité sur son métier. Une évolution par rapport à la notion initiale du design qui visait seulement « à résoudre un problème avec rigueur et recherche ». Un sujet abordé parallèlement au regard porté sur la place des femmes dans cet univers au cours des dernières décennies.

C'est une galerie banale aux objets eux, très surprenants : tabouret chauffant grâce à une bougie, mini-bar concept à l'allure 60's ou encore miroir de sorcière contemporain. Présentée au 16 galerie de Montpensier à Paris, cette exposition réalisée en collaboration avec Airborne - dont deux pièces sont présentes -, convoque le goût de Maxime Lis pour un design prospectif entre inspirations d'hier et nécessitées d'aujourd'hui. En résulte de petits ensemble surprenant qu'un demi-siècle semble parfois séparer. Refusant toute perte de liberté, le designer cumule les collaborations diverses pour nous offrir à la manière de petites capsules, des créations ayant pour seule ligne directrice, la conjugaison d'un design ludique et fonctionnel avec un minimum de matière.

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L'acte minimum fait acte de résistance

Par ses créations, Maxime Lis souhaite « réinvoquer l'humain par des pièces qui semblent aujourd'hui froides et sans âme. Les objets ont tendance à prendre plus de place que l'Homme, or ce ne sont que des extensions. » Sacralisant l'usage sans renier son goût pour l'ornementation, le designer trouve un équilibre créatif dans la porosité qui existe entre la forme et le fonctionnalisme. « Il y a aujourd'hui dans les intérieurs toutes sortes d'objets qui ne sont pas forcément bien pensés et qui ne vont pas les uns avec les autres car les achats sont réalisés en oneshot. » estime le créateur qui souhaite « sortir les objets du placard pour les présenter » Une idée qui induit l’utilité comme l’esthétisme et passe par « l'acte minimum ». Un concept développé par Maxime Lis dans un manifeste en faveur d'une certaine épure. « Je pense que le geste du designer doit être le plus sobre possible pour répondre correctement aux besoins. D'abord car la frugalité en termes de matériaux est indissociable des crises - sociales, environnementales… - qui m'inspirent. Ensuite, parce que favoriser la simplicité visuelle permet de lutter contre la disparité des éléments et favorise une unité salvatrice. »

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Penser la matière pour ne pas penser la couleur

Une « simplicité visuelle » qui ne signifie pas une disparition de la puissance esthétique comme le souligne le créateur du fauteuil B52 créé en 2021. « Cette assise est l'illustration même du concept d'acte minimum. Elle n'est pas très technique avec peu de points d'assemblage et une absence de décor, mais elle est extrêmement visuelle grâce à sa conception entièrement en verre. » Un partipris qui favorise le questionnement et le ludique, et qui, à l'image de l'inox majoritairement utilisé, rend service à l'artiste. « Je ne suis pas coloriste et je ne m'amuse pas tellement avec les couleurs. C'est pourquoi j'imagine d'abord toutes mes pièces en noir pour penser uniquement la forme et l'usage. Dans un second temps, le métal comme le verre ont les avantages de refléter ou laisser voir l'environnement, rendant l'objet intemporel dans la mesure où il dialogue avec le décor dans lequel il se trouve. La création est donc très soluble, mais ne perd pas son identité pour autant. » Une vision confirmée dans la galerie où ces pièces côtoient un fauteuil AA bleu et une Table bis rose de chez Airborne.

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Un coup d'œil en arrière, un coup de pied en avant

Inspiré par une certaine primitivité d'hier, et les besoins d'aujourd'hui, Maxime Lis revendique des objets vecteurs de sentiments. « J'aime que l'on ne puisse pas dater mes objets et que l'on s'interroge sur leurs usages. Je ne veux pas qu'ils soient trop faciles pour que l'on s'y attache et que l'on ait envie de les garder » reconnaît-il devant un mini-bar rétro dissimulant un cendrier, un verre, un récipient et un emplacement pour une bouteille. Sensible à la notion d'ingénierie autant que par celle d'interaction entre le matériel et le vivant, cet auto revendiqué « géotrouvetout » créé à hauteur d'humains. « J'ai réalisé un portemanteau très sculptural allant du sol au plafond, avec des accroches très hautes et très basses pour amener de la vie. D'une part, car les enfants pourront interagir avec, et d'autre part parce que sa hauteur induira également des mouvements très imagés de lancers. » Une démarche que l'on retrouve également dans le soliflore. « Il y avait l'idée de faire un objet qui puisse mettre en valeur de manière très simple un petit élément ramassé en pleine nature de manière presque naïve. Une sorte de pied de nez à la domotique qui a longtemps été un concept très technique de mise en valeur, mais qui n'a jamais réellement percé. » Ajoutez à cela, un jeu de couverts encastrables qui questionne les traditions, un chausse pieds réalisé dans une simple feuille de cuir ou encore une création moitié jeu de dames, moitié sculpture et pour obtenir un aperçu du monde disparate et hybride de Maxime Lis.

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L’exposition est à voir jusqu’au 15 septembre 16 galerie de Montpensier, Paris 75001.

Après avoir conquis son pays d'origine, l'italien Talenti fait une escale de deux jours à l'espace Noorden Design de Clairfontaine dans les Yvelines. Ce séjour, qui s'inscrit dans la série de masterclass itinérantes l'International Outdoor Lab Tour 24, n'a pas choisi la France au hasard. Spécialisée dans la conception et la réalisation de mobilier dining et living extérieur haut de gamme, la marque a noué une relation particulière avec la France, devenue à la suite du Brexit une place toujours plus forte du design en Europe mais aussi et surtout  son premier marché international. À ce titre, Talenti a récemment inauguré un showroom place des Vosges, pensé comme un lieu d'échanges entre l'entreprise et les concepteurs.

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Le design expliqué par ceux qui le font

Riche de nombreuses collections réalisées avec des designers internationaux parmi lesquels Ramón Esteve, Marco Acerbis ou plus récemment Teresa Sapey, la marque italienne s'appuie sur les connaissances et la créativité de ces concepteurs. Ce sont ainsi Christophe Pillet et Jean-Philippe Nuel qui animeront cette seconde session d'échanges de l'International Tour. Convaincue que la formation et la création sont indissociables de la conception d'un produit, la marque a choisi d'axer les échanges autour de deux thématiques. La première concernera l'évolution tant esthétique que confort du mobilier et l'effacement de la frontière entre indoor et outdoor. La seconde portera quant à elle sur l'évolution du modèle de production que ce soit en rapport avec l'origine des matériaux, mais aussi avec leur durabilité.

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Des collections Talenti aux origines françaises

Aussi bien adaptée aux projets contract qu'aux projets résidentiels, Talenti s'est néanmoins diversifiée ces dernières années dans le but de s'adapter à la fois aux goûts les plus classiques, mais également aux espaces plus contemporains. C'est dans cette période d'évolution que sont nées les collections Riviera et Allure que l'on doit respectivement aux créateurs Jean-Philippe Nuel et Christophe Pillet. Si la première, réputée pour ses matériaux raffinés et son allure sophistiqués, continue sa route telle que lors de sa conception, la seconde fait quant à elle peau neuve.

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Avec ses nouvelles nuances plus froides qui viennent parer ses coussins et sa teinte Silver donnant un nouvel élan aux structures, la collection s'offre une deuxième jeunesse. L'occasion pour les designers de parler de leurs réflexions, mais aussi de faire valoir leurs collections. Aux yeux d'Edoardo Cameli, directeur commercial, « les personnes présentes pourront non seulement assister à un moment didactique avec les esprits les plus créatifs du design français, mais aussi toucher du doigt les nouveautés du catalogue 2024 ». Une escale intéressante entre évolutions sociétales et questionnements environnementaux.

Convaincue que la créativité se nourrit par la rencontre de différentes cultures, CushCush Gallery (CCG) souhaite faire se rencontrer cette année le design contemporain français et l’art culturel et artisanal balinais. Une expérience qui permettra au designer sélectionné d’être accueilli du 15 aout au 19 septembre 2022. Au programme : découverte des matériaux et des différentes formes d’arts présents sur l’archipel, rencontres et discussions avec les artistes designers balinais, voyages à Yogyakarta, Bandung et Jakarta pour partager son expérience auprès des communautés créatives de l’île.

En réponse à cette expérience, le designer sélectionné sera en charge de la création d’une collection d’objets comme pour faire un retour de cette expérience. Une collection qui sera par ailleurs exposée à son retour en France dans le cadre de divers évènements mais également en Indonésie.

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Conditions de participation et dates à retenir

Pour être éligible, le profil du candidat doit remplir plusieurs conditions à savoir :

• Être de nationalité française
• Être diplômé d’une école de design (française ou internationale)
• Avoir une maitrise de l’anglais suffisante pour pouvoir dialoguer avec les populations sur place (échanges principalement en anglais)
• Être entièrement libre professionnellement durant la période
• La candidature doit être individuelle

À noter qu’aucune limite d’âge n’est requise pour envoyer sa candidature, dont les inscriptions sont possibles jusqu’au 12 juin 2022. Le designer sélectionné sera ensuite annoncé le 16 juin.

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Lancé à l’automne 2021, le programme de la Villa Albertine propose des résidences aux Etats-Unis pour des artistes et créateurs. Parmi les lauréats de la première édition, on notera par exemple Robin Bourgeois (cf Intramuros 210) et Dimitry Hlinka (cf Intramuros 207)

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Villa Albertine : résidences en 2023

L’appel à candidatures pour la prochaine édition est prolongée jusqu’au 10 avril. Il concerne la sélection de deux créateurs pour deux résidences d’une durée de deux mois, entre mai et juillet ou entre octobre et décembre 2023. Situées à Brooklyn, ces résidences d’explorations ancrées à IndustryCity ont pour vocation d’être traduites comme des enquêtes de terrain qui veulent inspirer et créer des liens. Le créateur aura le choix de s’appuyer sur une proposition inédite, pensée pour la Villa Albertine, ou bien de se baser sur une recherche préexistante, qui trouverait un développement singulier pour le projet. Cette ouverture outre-Atlantique permettra ainsi à l’artisan et au designer sélectionné d’avoir accès à des organisations professionnelles clés du secteur à New York.

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Villa Albertine : accompagnement et une prise en charge matérielle

Tout au long des deux mois de résidences, la Villa Albertine s’engage à apporter un accompagnement sur mesure, adapté aux attentes et au profil de chaque résident. Il sera par ailleurs porté par le WantedDesign, structure de référence du secteur à New York, et agira comme un accélérateur de rencontres et de découvertes pour le résident à travers un programme de rendez-vous, de visites et d’évènements établis selon ses besoins.

En partenariat avec la Fondation Bettencourt Schueller, les besoins matériels relatifs aux projets et à la vie des résidents seront également pris en charge par la Villa Albertine, à savoir une allocation de résidence permettant de couvrir les frais du quotidien, un espace de travail personnel au cœur d’Industry City – au contact direct de l’équipe de WantedDesign -, le voyage aller-retour, le logement, l’assurance santé, responsabilité civile et rapatriement.

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Critères d’éligibilité, modalité de candidature et partenariat

Pour déposer sa candidature, le candidat doit avoir plus de 21 ans, se doit d’exercer sa pratique artistique ou intellectuelle à titre professionnel et doit être reconnu comme tel par ses pairs. Le projet déposé doit être une suite logique à ses objets de recherche précédents et en pertinence avec l’écosystème qui entoure la résidence. Le candidat doit donc avoir un profil assez avancé dans sa pratique, avoir un attrait particulier pour les Etats-Unis et particulièrement New York, au point de vouloir y développer sa pratique.

Les formulaires de candidatures sont à envoyer par mail (design.crafts@villa-albertine.org) avant le 10 avril 2022 avec les documents suivants :

• Un dossier de présentation en français du parcours et du travail du candidat en moins de 10 pages
• Une présentation courte (moins de 2 pages) de l’intention de recherche et de prospection en précisant s’il s’agit d’une candidature pour l’artisan d’art ou le designer
• La démonstration du niveau d’anglais à travers une courte vidéo de présentation

Une fois le lauréat sélectionné, la Villa Albertina engagera un dialogue afin d’identifier avec lui un partenaire français qui serait pertinent pour accompagner son projet. Ce partenariat ne nécessitera pas de contribution financière, mais ce soutien pourra se développer en une aide à la rédaction du projet, identification des ressources et prises de contact utiles au candidat, d’une promotion du projet via les réseaux sociaux ou bien d’une réalisation post-résidence. Le candidat a la possibilité de suggérer un partenariat dès son envoi de candidature.

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En résumé

• Deux résidences : 1 designer + 1 artisan d’art
• Date de limite de candidature : 10 avril 2022 23h59 heure française
• Durée de la résidence : 2 mois (mai-juillet 2023 ou octobre-décembre 2023)
• Lieu : Industry City, 22 à 36th Street Brooklyn, NY11232
• Pour candidater :  design.crafts@villa-albertine.org

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Il a une formation en architecture d’intérieur, elle en design produit. Au retour de leur expériences personnelles, ils se sont retrouvés avec la volonté de créer un studio dont les collections éditées auraient leur propre langage et reflèteraient leur univers. Très complémentaires, Claire Cousseau et Gabriel Loirat travaillent étroitement ensemble sur tous les projets « Si l’un de nous commence quelque chose, l’autre va rapidement apporter sa touche. C’est un aspect très important pour nous et c’est ce qui forme l’ADN de figures ».

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Des inspirations géométriques et architecturales

Si le nom du studio figures a été choisi pour faire écho au rapport avec la géométrie et les formats que l’on retrouve dans leur créations, la première collection de mobilier  s’inspire en grande partie de l’architecture brutaliste et moderniste. « Ce que l’on essaye de faire en particulier, c’est de trouver des systèmes de fabrication qui soient des détails d’architecture, et réussir à mêler le design avec l’architecture »  souligne Gabriel Loirat.

Pour cette collection, les deux designers ont insisté pour avoir des matériaux et une fabrication française. Aussi, ils accordent une importance particulière aux savoirs-faire artisanaux et font pour cela appel à des professionnels pour la production. Ainsi, les trois pièces de mobilier de la collection – le guéridon CALC, le tabouret ILE et la chaise DROI –sont en chêne massif et faits main par un ébéniste. La 4e pièce de la collection, le vase porcelaine OBLIC, a quant à lui été réalisé par une céramiste. En plus de ces quatre réalisations, ils présentent également des impressions d’art, inspirées du plein et du vide, une thématique venue d’Asie. Très abstraites, ces pièces ne laissent pourtant rien au hasard et se basent sur les oeuvres de design du studio.

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Toutes les pièces de la collection sont réalisées sur demande et en séries très limitées (entre 8 et 30 pièces). Ce choix a été motivé par leur volonté de rationaliser la production en évitant au maximum les pertes de matériaux utilisés. Par la même occasion, cela permet d’avoir la main et un regard avisé sur tous les produits réalisés.

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Des projets en architecture d’intérieur et nouveaux matériaux

À l’horizon 2022, le studio figures ambitionne de s’approprier de nouveaux matériaux tels que l’acier ou l’aluminium pour ses prochaines créations. Aussi, ils ont pour volonté de développer une branche d’architecture d’intérieur afin d’avoir une vision plus globale dans leur travail.

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Après la Tchèque Lucie Koldova en 2018 et le duo australien Truly Truly en 2019, c’est au tour d’un trio d’exposer sa créativité dans le Hall 3. MUT Design, fort de ses productions à succès comme le Nautica ou les Twins Armchair, accepte volontiers le challenge. Les fondateurs du studio, Alberto Sánchez et Eduardo Villalón, rejoints ensuite par la designer hollandaise Alika Pola Knabe, veillent à traduire leurs émotions dans la scénographie de leurs créations design.La « Das Haus » sera une maison idéale, et non véritable. Inspirée par leurs passés et leurs vies dans la région de Valence, leur production s’ancrera dans l’architecture des maisons traditionnelles méditerranéennes. Car ils considèrent que le quotidien dans son ensemble doit être la source d’inspiration primaire d’un designer.

Le studio espagnol brise la notion d’intérieur et d’extérieur

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Les Espagnols chérissent un mode de vie « a la fresca ». Toute occasion est bonne pour manger, dormir ou rencontrer en dehors des murs de la maison. Ainsi, l’espace extérieur devient une extension de l’espace intérieur.
Le trio valencien pousse l’idée plus loin en supprimant la dualité intérieur-extérieur. Exit la structure classique. Les murs tombent, laissant apparaître les quatre pièces de leur projet, baignées de la lumière naturelle du soleil, et cloisonnant le patio au centre de la maison.
Puis il chamboule les présupposés. Les salles de socialisation deviennent intimes et inversement. Ainsi, la cuisine et la salle à manger propices aux échange deviennent des zones de repos, où l’individualité prime. La salle de bains, et la chambre à coucher se transforment en zones de partage et de vie.
MUT Design casse les codes dans le but de créer la confusion. Le studio souhaite donner une autre utilisation des objets afin d’inciter la réflexion des visiteurs sur l’usage de la maison. Ainsi, la salle de bains ne sera pas complétée par une baignoire ou une douche, comme à son habitude, mais par un hamac.

Une vitrine pour MUT Design

Rendez-vous incontournable de la scène du meuble européen, l’Imm de Cologne est l’occasion pour le studio de présenter son travail au plus grand nombre.
Les murs « encalados » de la maison, blanchis à la craie pour garder la fraîcheur et refléter la lumière comme en Espagne, accueilleront les deux produits qui ont révélé le studio au monde entier. La chaise suspendue Nautica et les Twins Armchair, chacune récompensée par le Red Dot Award, en 2014 et en 2017, trôneront dans deux des quatre salles de la « Das Haus ».
Le salon sera aussi l’occasion de dévoiler près de 10 nouveaux produits, estampillés MUT. Du mobilier créé spécifiquement pour la « Das Haus », qui aura un usage double, puisqu’il pourra être utilisé en intérieur et en extérieur.
À ces inédits se mêleront quelques produits accessoires issus du travail de jeunes designers étrangers.

Un studio qui se veut familial

Dérivé du catalan, MUT prend le sens de « Silence ! » en français et « Courage » en allemand, comme un mot d’ordre qui guide le trio. Devenu l’une des références du design européen, il assure un travail de qualité, fidèle à ses valeurs.
Près d’une décennie après sa création, le studio valencien est resté le même. Dès le début, Alberto Sánchez et Eduardo Villalón se sont entourés de quelques personnes de confiance, qui partagent leur vision créative.
Propulsé sur la scène internationale, le trio tient à maintenir son style de travail. Tout en visant des éditeurs et des clients d’un plus haut standing, il veut absolument continuer à se focaliser sur le plus important : l’ADN de leur design, à savoir un travail sur les matériaux naturels comme le verre soufflé, le bambou ou la céramique.