Les bonnes “Ondes” de Pierre Charrié
23/03/2016
Les bonnes “Ondes” de Pierre Charrié

Comme des instruments de musique disposés en orchestre, les “Surfaces Sonores” conçues par Pierre Charrié réinventent l’enceinte audio, en diffusant du son sans haut-parleur.

Comme des instruments de musique disposés en orchestre, les “Surfaces Sonores” conçues par Pierre Charrié réinventent l’enceinte audio, en diffusant du son sans haut-parleur. Six objets d’écoute aux formes arrondies sont traversés par des ondes acoustiques qui font résonner le bois, grâce à des vibreurs fixés à l’arrière. Réalisées en collaboration avec les designers textiles Lily Alcaraz et Léa Berlier, les trois suspensions “Pinceau”, en papier coloré et découpé en bandelettes tissées sur une trame de nylon, sont éditées par Great Design. Avec leur éclairage métallique led, elles surplombent l’espace de la galerie, transformé en paysage sonore et lumineux. La lampe “Pinceau”, éditée en deux formats, est disponible en trois tissages : Orage, Ondée et Bruine.  

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 22/03/2016 15:30 au 23/03/2016 08:22
Lieu :
65 Rue Notre Dame de Nazareth, 75003 Paris, France

Suspension Pinceau © Damien Arlettaz
Suspension Pinceau © Damien Arlettaz
Suspension Pinceau © Damien Arlettaz
Surfaces sonores © Damien Arlettaz
Surfaces sonores. Design : Pierre Charrié © Damien Arlettaz
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Hieronymus, le mobilier à habiter de Konstantin Grcic
23/03/2016
Hieronymus, le mobilier à habiter de Konstantin Grcic

La Galerie Kreo à Paris présente l’exposition “Hieronymus” du designer allemand Konstantin Grcic, une série de mobiliers qui contraint le corps à une assise particulière.

La Galerie Kreo à Paris présente l’exposition “Hieronymus” du designer allemandKonstantin Grcic, une série de mobiliers qui contraint le corps à une assise particulière. Marqué par le tableau d’Antonello da Messina exposé à la National Gallery qui représente Saint-Jérôme (Hieronymus) dans son espace d’étude, Konstantin Grcic s’est inspiré de ce mobilier en une structure qui devient une architecture complète et intime, un espace dans un espace. Cinq pièces, aux matériaux et techniques variés. Cinq expériences à vivre qui nous interrogent sur le confort, l’équilibre, le privé et le dialogue. Le corps peut se placer de différentes façons, seul ou à deux, et engendre une tension des corps par des orientations particulières : l’assise en GRG (plâtre fibre) est de biais et le corps est maintenu avec le soutien des pieds, la capsule en impression 3D permet de s’y asseoir à deux et propose une conversation moins directe, la pièce en laiton contraint le corps dans un espace réduit qui isole de l’environnement extérieur tout en invitant à une écoute différente. Konstantin Grcic collabore avec la Galerie Kreo depuis 2004. Il présentait en 2014 la série “Man Machine”, conçue exclusivement en verre et assemblé par des pistons, charnières, manivelles, boutons et joints en silicone.  

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 23/03/2016 11:28 au 24/03/2016 15:22
Lieu :

La pièce en impression 3D design Konstantin Grcic dans l’exposition “Hieronymus” à la Galerie Kreo © Marie Clavier
Konstantin Grcic dans sa pièce en marbre dans l’exposition “Hieronymus” à la Galerie Kreo © Marie Clavier
L’exposition “Hieronymus”, design Konstantin Grcic, à la Galerie Kreo © Marie Clavier
La pièce en marbre, design Konstantin Grcic, dans l’exposition “Hieronymus” à la Galerie Kreo © Fabrice Gousset / Courtesy Galerie kreo
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6e édition du concours Vivre avec le cuivre
22/03/2016
6e édition du concours Vivre avec le cuivre

Le concours Vivre avec le cuivre propose de créer un objet en utilisant le cuivre et ses alliages comme composant principal et en exploitant ses nombreuses propriétés.

Organisé par l’Institut européen du cuivre, le concours Vivre avec le cuivre propose, pour sa 6ème édition, de créer un objet pour des lieux publics (bureaux, magasins, bâtiments…), en utilisant le cuivre et ses alliages comme composant principal et en exploitant ses nombreuses propriétés. Antibactérien et malléable, le cuivre est aussi un excellent conducteur de chaleur et d’électricité. Il offre une large palette de couleurs : du rouge au vert (avec la patine du temps), en passant par des teintes dorées et marrons, lorsqu’il est allié au zinc (laiton) ou à l’étain (bronze). Les candidats peuvent concourir dans deux catégories : professionnels (designers ou architectes) et étudiants (en master ou en doctorat de design, graphisme, architecture ou décoration). Le premier prix est doté de 4000 euros pour la catégorie professionnels et de 1500 euros pour la catégorie étudiants. Date limite de candidature : le 30 septembre 2016  

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 22/03/2016 14:24 au 22/03/2016 15:39
Lieu :

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Rétrospective Alexander Girard au Vitra Design Museum
18/03/2016
Rétrospective Alexander Girard au Vitra Design Museum

Scénographiée par Raw Edges, l’exposition Alexander Girard au Vitra Design Muséum réunit de nombreux dessins, photographies, textiles et objets.

Américain d’origine italienne, l’architecte, designer et créateur de textiles Alexander Girard (1907-1993), a grandi à Florence, étudié l’architecture à Londres, puis s’est installé aux Etats-Unis. Il a conçu des intérieurs pour des entreprises, des particuliers et des restaurants (La Fonda Del Sol et L’Etoile, à New York, qu’Andy Warhol fréquentait régulièrement), et plus de 300 textiles, principalement pour Herman Miller, chez qui il dirigeait le département. Il s’inspirait d’étoffes rapportées de ses lointains voyages. Scénographiée par Raw Edges, l’exposition réunit de nombreux dessins, photographies, textiles et objets légués par sa femme au Vitra Design Museum.  

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 18/03/2016 11:22 au 21/03/2016 10:51
Lieu :
Charles-Eames-Straße 2, D-79576 Weil am Rhein, Allemagne

Motifs d’Alexander Girard dans la Miller House, Columbus, Indiana © Balthazar Korab
Alexander Girard dans son studio au début des années 50 © Charles Eames
Design graphique d’Alexander Girard pour le restaurant La Fonda del Sol
Chaise No.66310, design graphique Alexander Girard pour Herman Miller © Vitra Design Museum, Jürgen Hans
“Girls”, panneau #300, design graphique Alexander Girard pour Herman Miller © Vitra Design Museum
Vue de l’exposition Alexander Girard au Vitra Design Museum
Vue de l’exposition Alexander Girard au Vitra Design Museum
Vue de l’exposition Alexander Girard au Vitra Design Museum
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Recycle Group, le 3.0 déifié
17/03/2016
Recycle Group, le 3.0 déifié

La galerie Suzanne Tarasieve présente l’exposition Novus Ordo Seclorum du Recycle Group formé en 2008 par Andrey Blokhin et Georgy Kuznetsov.

La galerie Suzanne Tarasieve présente l’exposition “Novus Ordo Seclorum” du Recycle Group formé en 2008 par Andrey Blokhin et Georgy Kuznetsov. C’est durant la dernière biennale de Venise que le duo d’artistes russes s’était fait remarquer à la chapelle Sant’Antonin, en présentant “Conversion”. Une partie de ce travail est aujourd’hui reprise pour leur seconde exposition chez Suzanne Tarasieve. Le titre de l’exposition fait référence à la devise imprimée sur le dos des billets de 1$ depuis 1935. Utilisée avec les symboles géométriques de la franc-maçonnerie, elle désigne un “nouvel ordre mondial”. Andrey Blokhin et Georgy Kuznetsov explorent le sujet en utilisant les codes de la réalité virtuelle et portant ce message radical : “la génération post-Internet serait entrée de plain pied dans une histoire séculaire, régie par des entreprises technologiques qui dominent notre pensée (…). Une vision “rétro-anticipative”, comme l’exprime le critique Arnaud Pierrei pour signifier un avenir déjà dépassé.” La formalisation de leur travail se fait via l’idée des “vestiges”, transformant la galerie en champs de fouille archaïco-futuriste. Reprenant l’imagerie traditionnelle des scènes bibliques le duo remplace le corpus des codes déiques par des paraboles, ordinateurs, téléphones portables sacralisant ainsi ces nouveaux outils. Pour ce travail, le duo choisit des matériaux industriels recyclés (caoutchouc, polyuréthane, plastique thermoformé…). Une exposition manifeste tant pour exprimer l’avènement du numérique que pour le dénoncer. Vendredi 18 mars 2016 de 17h à 20h : signature du catalogue de Recycle Group en présence des artistes et d’Hervé Mikaeloff, commissaire indépendant et consultant en art contemporain.


Yves Mirande

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 17/03/2016 15:40 au 18/03/2016 10:11
Lieu :
7 Rue Pastourelle, 75003 Paris, France

Recycle Group, Enlightener 6 et 2, 2015
Recycle Group, Tower Raising 3, 2014-2015
Recycle Group, All-seeing eye, 2016
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Un panorama de l’architecture japonaise au MOMA
17/03/2016
Un panorama de l’architecture japonaise au MOMA

Le MoMA dresse un panorama de la création architecturale japonaise dans l’exposition A Japanese Constellation : Toyo Ito, SANAA, and Beyond.

Le MoMA – Museum of Modern Art à New York – dresse un panorama de la création architecturale japonaise dans l’exposition “A Japanese Constellation : Toyo Ito, SANAA, and Beyond”. Ayant pour point de départ le travail des deux primés au Pritzker Prize, Toyo Ito en 2013, Kazuyo Sejima et Ryue Nishizawa du studio SANAA en 2010, l’exposition met en avant l’influence qu’ils ont pu avoir sur la nouvelle génération et présente les travaux récents de trois générations d’architectes, notamment Sou Fujimoto, Akihisa Hirata et Junya Ishigami. Dans une scénographie structurée par des rideaux translucides, qui révèle un réseau d’influence entre les créateurs depuis le début du 21e siècle, une oeuvre se distingue comme pivot de ces connexions : la médiathèque de Sendai de l’architecte Toyo Ito, espace de technologie tout en transparence dont la construction a été achevée en 2001. L’exposition est également un reflet de la prise en compte d’une responsabilité sociale pour les créateurs, puisque de nombreux architectes ont été impliqués dans la reconstruction du Japon après le séisme et le tsunami de 2011. Les techniques de construction traditionnelles ont été bouleversées par de nouvelles contraintes économiques, légales et fonctionnelles.  

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 17/03/2016 14:53 au 22/03/2016 15:32
Lieu :
11 W 53rd St, New York, NY 10019, États-Unis

Ryue Nishizawa, Teshima Art Museum, Kagawa, Japan, 2004–10 © Office of Ryue Nishizawa
Sou Fujimoto, House N, Oita, Japan, 2006–08 © Iwan Baan
Ryue Nishizawa, Hiroshi Senju Museum, Nagano, Japan, 2007–10 © Daici Ano
Kazuyo Sejima, House in a Plum Grove, Tokyo, 1999–2004 © Kazuyo Sejima & Associates
Sou Fujimoto, House NA, Tokyo, 2007–11 © Iwan Baan
Junya Ishigami, Kanagawa Institute of Technology Workshop, Kanagawa, Japan. 2005–08 © Junya Ishigami + Associates
Toyo Ito, Sendai Mediatheque, Miyagi, Japan, 1995–2001 © Naoya Hatakeyama
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L’arbre en majesté
15/03/2016
L’arbre en majesté

La galerie Armel Soyer présente, pour la première fois à Paris, le travail de l’artiste/designer russe Denis Milovanov.

La galerie Armel Soyer présente, pour la première fois à Paris, le travail de l’artiste/designer russe Denis Milovanov. Le calme de cette galerie lovée au fond d’une cour du 3e arrondissement de Paris est en parfaite harmonie avec les neuf pièces uniques en bois massif présentées – pourtant toutes travaillées à la tronçonneuse. Denis Milovanov récupère des troncs couchés par les tempêtes. Il les tronçonne, les burine, les creuse, les sculpte, redonnant ainsi toute leur majesté à ces arbres mis à mal. Il se dégage de ses pièces (banc, chaise, fauteuil, paravent, etc.) une force et une aura qui envahissent le lieu. Et pour protéger ces bois rescapés et désormais transcendés, Denis Milovanov a parcouru la Russie afin d’étudier les techniques traditionnelles locales. Il fait bouillir ses pièces dans de l’huile de lin. Une technique de protection qui révèle en même temps les finitions subtiles et minutieuses de l’artiste. En réaction à une source de chaleur, l’huile tanne la matière, créant des nuances du brun châtaigne au noir charbon. Le travail primitif de Denis Milovanov pose la question du retour à la nature et interroge notre place au sein de cet environnement. À l’image du travail de Peter Marigold, Max Lamb (avec son Grand father’s tree), Formafantasma, Kaspar Hamacher. Denis Milovanov a fondé son atelier en 2012 à Pavlovsky Povae, dans la région de Moscou. Il a notamment collaboré avec Zaha Hadid et Boris Vervoordt. Une de ses nouvelles pièces est attendue lors de l’exposition collective de la galerie au PAD Paris du 31 mars au 3 avril 2016.


Yves Mirande

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 15/03/2016 13:48 au 15/03/2016 16:55
Lieu :
21 Rue Chapon, 75003 Paris, France

L’exposition de Denis Milovanov à la galerie Armel Soyer
L’exposition de Denis Milovanov à la galerie Armel Soyer
L’exposition de Denis Milovanov à la galerie Armel Soyer
L’exposition de Denis Milovanov à la galerie Armel Soyer
L’exposition de Denis Milovanov à la galerie Armel Soyer
L’exposition de Denis Milovanov à la galerie Armel Soyer
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Issey Miyake, un maître d’ouvrages
14/03/2016
Issey Miyake, un maître d’ouvrages

L’exposition “The work of Miyake Issey” au National Art Center de Tokyo rend hommage aux 45 années de création et de recherche du styliste japonais.

Sa passion de l’innovation dans tous les domaines et sa fascination pour le corps en mouvement ont construit le parcours exemplaire et original d’Issey Miyake, sans cesse à la poursuite d’un dialogue qui concilie artisanat et haute technologie. Dans une scénographie de Tokujin Yoshioka et de Taku Satoh, l’exposition “The work of Miyake Issey” au National Art Center de Tokyo rend hommage à ses 45 années de création et de recherche. Formé aux arts graphiques à l’université de Tama Art (le designer Naoto Fukasawa en sera également diplômé), Issey Miyake y dénonce une absence de formation aux métiers de la mode. Cela va dessiner une approche particulière de sa relation au vêtement. Il l’exprimera souvent : “Dessiner un vêtement, c’est dessiner un produit de design”.Extrait de la rubrique “Mode”, par Chantal Hamaide, Intramuros n°183, Mars/avril 2016Retrouver la suite de l’article Chantal Hamaide

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 14/03/2016 14:03 au 14/03/2016 14:09
Lieu :
7 Chome-22-2 Roppongi, Minato, Tokyo 106-8558, Japon

Invitation du défilé Issey Miyake Printemps-Eté 1989, design graphique Tadanori Yokoo
Collection Homme Plissé Issey Miyake Automne-Hiver 2014 © Grégoire Alexandre
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Une rétrospective consacrée à Franco Albini à l’Institut culturel italien
09/03/2016
Une rétrospective consacrée à Franco Albini à l’Institut culturel italien

L’Institut culturel italien présente une rétrospective consacrée à l’architecte et designer Franco Albini (1905-1977), l’un des principaux représentants du courant rationaliste.

L’Institut culturel italien présente une rétrospective consacrée à l’architecte et designer Franco Albini (1905-1977), l’un des principaux représentants du courant rationaliste, en collaboration avec la Fondazione Franco Albini et en partenariat avec Cassina. Depuis 2007, Cassina détient les droits de reproduction de certaines pièces d’Albini : la chaise Luisa qui a reçu un Compasso d’Oro en 1955, la table Cavaletto (1950), la petite table Cicognino (1953), le fauteuil Tre Pezzi (1959), composé de trois éléments qui se distinguent bien les uns des autres : une assise profonde, un dossier/accoudoirs en forme de demi-cercle et un repose-tête en demi-lune. En 2011, Cassina a acquis les droits de la bibliothèque Veliero, conçue par Franco Albini en un unique exemplaire en 1939 pour son appartement milanais. Un projet expérimental dont le nom fait allusion à la charpenterie navale. Commissariat de l’exposition : Giampiero Bosoni  

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 09/03/2016 11:07 au 09/03/2016 14:28
Lieu :
73 Rue de Grenelle, 75007 Paris, France

Rétrospective Franco Albini
Rétrospective Franco Albini
Rétrospective Franco Albini
Fauteuil Tre Pezzi
Bibliothèque Veliero
Couverts
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Internationales graphiques : des affiches engagées à l’Hôtel des Invalides
09/03/2016
Internationales graphiques : des affiches engagées à l’Hôtel des Invalides

A travers 170 pièces, l’exposition Internationales Graphiques dresse un panorama de la production d’affiches politiques et culturelles entre 1970 et 1990…

Le musée d’Histoire contemporaine, situé dans l’Hôtel des Invalides, à Paris, conserve les ressources iconographiques de la bibliothèque de documentation internationale contemporaine (à Nanterre), spécialisée dans l’histoire du 20e siècle. A travers 170 pièces, l’exposition Internationales graphiques dresse un panorama de la production d’affiches politiques et culturelles entre 1970 et 1990, une période faste, marquée par de grandes mobilisations internationales : contre la guerre du Vietnam, les dictatures latino-américaines, l’apartheid… De nombreux graphistes (Alain Le Quernec, Claude Baillargeon, Henryk Tomaszewski, Roman Cieslewicz, Zanzibar’t, Wild Plakken, Klaus Staeck…) investissent l’affiche au service de ces causes pour des syndicats, des partis politiques, des ONG, des institutions culturelles… Beaucoup refusent de travailler pour la publicité et revendiquent le choix de leurs commanditaires. Certains optent pour un fonctionnement en collectif. La scénographie, signée Alice Geoffroy, présente les œuvres sans cadre sur des murs surlignés de bandes de couleurs.  

INFORMATIONS PRATIQUES

Dates
Du 09/03/2016 14:54 au 09/03/2016 17:28
Lieu :
129 Rue de Grenelle, 75007 Paris, France

Affiche réalisée par Alain Le Quernec pour Amnesty International,1977. Collection BDIC © Alain Le Quernec
La femme est l’avenir de l’Europe, Roman Cieslewicz, 1978. Affiche commandée par le Parti Socialiste pour les élections européennes de 1979. Les Silos Maison du Livre et de l’Affiche, Chaumont © ADAGP, Paris 2015
Et une vie nouvelle fleurit sur les ruines. Klaus Staeck, 1980. Bibliothèque nationale de France © ADAGP, Paris 2015
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